音樂家哪時候可以說自己成功？就是當我們讓別人快樂的時候。
——大衛．蓋瑞
自20世紀以來，西方學院派音樂家走出古典框架，發展出無調性音樂 （Atonality music）、序列主義 （Serialism）、爵士樂等新形式音樂後，隨著電子科技的發明，新素材與新技術也開始應用在作曲裡。1950年開始，具象音樂 （Musique concrete）、拼貼音樂 （Collage music）、電子音樂 （Electronic music），電子原音音樂 （Musique acousmatique） 等因應而生，尤其是後兩者的發明更助長了大眾音樂如搖滾樂、流行樂等流傳，音樂多元化因此成為後現代主義的特色。1980年代，龐克搖滾開始吸收其他音樂元素如爵士、雷鬼、藍調等，讓自身音樂更加豐富；而爵士樂方面也嘗試融合西方聖樂，因此產生了crossover（跨界風格）現象。此潮流逐漸影響了部分古典演奏家，開始將古典音樂流行化，為古典樂開創新風貌，如現年44歲德美混血小提琴家大衛．蓋瑞（David Garrett）。
創新又熟悉的音樂會 無拘束的體驗
2020年3月，大衛．蓋瑞在歐洲疫情期間創作了《活著》（Alive, My Soundtrack） 原聲帶。該專輯不僅呈現了他在不同樂種的跨界改編外，如電影配樂、流行樂、搖滾樂與古典樂，每首樂曲對他也別具意義。疫情過後，感於生命的可貴，就如同該專輯名稱「活著」，2022年，大衛．蓋瑞與他的Alive樂團在全球11個國家巡迴演出，希望藉由音樂向樂迷傳達生命的喜悅。今年7月，他再次以相同曲目於德國、法國、荷蘭、西班牙等巡迴演出。在歐洲之外，他也安排唯一一場的亞洲場次，9月19、20日在台北流行音樂中心演出。
有別於傳統古典音樂會，crossover演出場地通常選在流行音樂廳或是戶外，參與音樂會的觀眾穿著不拘。舞台設計充滿了五光十色，展現出現代搖滾樂團的風格：一組爵士鼓、鋼琴、音響擴大機。9月15日在巴黎天頂流行音樂廳 （La Zenith）的演出，首先由樂團成員演奏改編自美國重金屬樂團《金屬製品》（Metallica）的經典名曲〈睡魔來了Enter Sandman〉 震撼開場。除了鼓手，鍵盤手也將鋼琴當打擊樂器使用，強烈地在琴鍵上拍打，再加上使用擴音器的電吉他與電貝斯，強大的演奏音量與舞台上炫藍的燈光，立即吸引了全場觀眾的目光，小提琴家隨後出奇不意地出現在觀眾席裡，一路演奏登上舞台，開始了crossover音樂會。
此場音樂會沒有印製節目單，也不販售CD唱片，觀眾可以錄影與拍照。聽眾年齡層從7歲的小學生到70多歲的年長者皆有，除了電影配樂如《美女與野獸》、《神鬼奇航》、流行樂如約翰．藍儂的〈Imagine〉（想像）、披頭四的〈Come together〉（一起來）、麥克．傑克森的名曲〈Smooth criminal〉（犯罪高手）、滾石樂團的〈Paint it black〉（漆成黑色），與雷．查理斯 （Ray Charles，1930-2004） 的爵士經典名曲〈Hit the road Jack〉（上路吧傑克）等，也有將兩首風格不同的曲子串成一首，如威爾第歌劇《命運之力》慢板主題結合義大利快板民謠〈Bella Ciao〉（再見，美人）。
就像流行音樂會，主奏者大衛．蓋瑞負責節目介紹，也像爵士音樂會般，他會讓每個團員都有獨奏的機會。小提琴家有時走下舞台邀請女觀眾上台聆聽他演奏女神卡卡（Lady Gaga） 與布萊德利．庫柏 （Bradly Cooper）對唱的〈Shallow〉（一個巨星的誕生），此時小提琴聲不斷地在高音與低音間變換，像是兩位愛人的對唱；或時而在人群裡演奏活力十足的比吉斯合唱團 （Bee Gees） 的熱門歌曲〈Stay’in Alive 〉（好好活著），藉此拉近與觀眾的距離。
古典音樂曲目再詮釋
儘管蓄著長髮，一副龐克造型，大衛．蓋瑞從小接受嚴謹古典音樂教育，年少時曾與著名指揮家阿巴多（Claudio Abbado，1933-2014）一起錄製過唱片。在茱莉亞音樂院求學時期，他是著名小提琴家帕爾曼（Itzhak Perlman）的學生，但也是在此時，他經歷生命中的轉折點。紐約開放自由的多元化藝術，與舞蹈及表演同儕的切磋，讓他發現小提琴的表演藝術並不僅限於古典，而是可以延伸到當代音樂。為了伴奏舞蹈學生，他開始創作與改編樂曲，也因此得過茱莉亞音樂院作曲獎。
如此才能，再加上機緣，2002年大衛．蓋瑞在比利時安特衛普（Antwerp）的「逍遙音樂節」（Night of the Proms）認識了該音樂節總監馮．德．海登（Franck van der Heijden）。當時兩人對音樂的理念一拍即合，海登後來成為他樂團裡的電吉他手與樂曲改編者。安特衛普音樂節讓大衛．蓋瑞發現交響樂團與搖滾樂團的結合是可以如此完美，用搖滾樂團來演奏古典樂曲更是迷人。從此兩人共同合作編寫出多首跨界風格的曲子，Alive專輯即是兩人合作下的成果。
在這樣crossover的音樂會裡，值得一提的是古典曲目再詮釋的方式，如浦羅柯菲夫的芭蕾舞劇《羅密歐與茱麗葉》中的〈騎士之舞〉。原作4/4拍的節奏，一來符合傳統搖滾音樂的節奏，二來小鼓在第二拍與第4拍上重複打擊，與每4拍出現鈸的聲響，瞬間增強原作的節奏感。同樣的手法也運用在貝多芬《命運交響曲》的第1樂章裡，爵士鼓節奏持續伴隨著小提琴的主要命運動機，而電吉他時而與小提琴以搖滾樂對唱，時而以同節奏伴奏，產生一種奇妙的聲響組合，加上改編曲速度比原曲快，節奏也因此顯得更為緊湊與強烈，尤其在揚聲器的增強下，讓人覺得貝多芬的交響曲原來是可以像邦．喬飛（Bon Jovi）一樣搖滾的，這當中爵士鼓的運用是一個重要因素。
任何聲響都可能成為音樂
大衛．蓋瑞在跨界作品中其實使用了不少現代主義手法，除了運用電子音樂與電子原音音樂外，他在改編莫札特《安魂曲—惡人受審》（Confutatis）中，應用了極簡主義手法（Minimalism）。小提琴以獨奏（A cappella）開始，演奏原作的頑固低音音型，3小節之後，電吉他、電貝斯、爵士鼓、鋼琴陸續以同樣的頑固低音進入，聲音也隨著增強，之後將錄製好的男聲混音與女聲混音加進，整首曲子此刻達到高潮，小提琴則是始終演奏頑固低音或是重複音直到曲末。雖然在莫札特原作裡，絃樂器在大部分時間即是以這種方式伴奏人聲，但在大衛．蓋瑞的改編裡，主從易位，他讓小提琴的頑固低音成為主角，人聲成為配角甚至是背景音樂，旋律已不再是音樂裡最重要的元素，短小且反覆性的節奏才是訴求的重點，可說是充分發揮極簡主義的音樂特色。
如此強調節奏的手法也出現在改編美國歌手法瑞爾．威廉 （Pharrell Wiliams）的著名歌曲〈Happy〉裡。首先，大衛．蓋瑞將一個錄製好的頑固節奏不斷地重覆撥放，跟著這個節奏，他陸續加入敲打小提琴聲、拍手聲、拍嘴聲、腳踏聲等。這樣的導奏持續了幾個小節。之後，他踢了一腳讓電子取樣機（Simpler）發出〈Happy〉中的音樂動機，開始了小提琴演奏。這期間，樂團成員與現場觀眾的特殊節奏或是規律的拍手聲，還有大衛．蓋瑞不時從取樣機「踢」出的音樂動機，都成為音樂會表演的一部分，頗有美國作曲家約翰．凱吉（Joha Cage，1912-1992） 對現代音樂創作的理念——任何環境下的聲音都可以成為音樂。
在這些crossover跨界作品裡，我們看到大衛．蓋瑞不僅精通現代音樂創作的手法，更察覺出每首原作的音樂特質，並加以發揮與突顯。就如同他說的：「不論什麼樂種，人聲或器樂，不論什麼風格，流行樂、古典樂或是搖滾樂等，所有音樂的結合都是令人驚奇的，而且它們只有一種語言，那就是『音樂』。」21世紀音樂的未來，在大衛．蓋瑞的演出裡，讓人看到無限可能。
