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郝妮爾
1989年生於台灣宜蘭，東華華文所創作組藝術碩士。向予書苑文化藝術工作室負責人。長年從事藝術文學專訪、側記、評論之工作。創作體裁橫跨散文、小說、劇本與童話。2018-2020年台灣表演藝術專案評論人；勵馨基金會《拾蒂》三部曲編劇；著有散文集《我家，或隔壁》、長篇小說《卡西與他們的瓦斯店》。
發表文章 181 篇
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焦點專題 Focus 讓你不用帶腦袋看戲面白大丈夫 喜劇的秘密都在這「男生宿舍」
4個熱愛喜劇的人住在一起，辭掉原本工作，活得像是男大學生，一起健身、出國旅行，也一起聚在客廳想演出的新段子這是搞笑團體「面白大丈夫」的日常。
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焦點專題 Focus李柏霖 有天有地有世界，才有舞台
關於設計的想法，李柏霖最在乎的就是時空為何，天地在哪？「我沒有遇過哪個劇本不聊時空的。不只是舞台，衣服也是，角色要穿什麼衣服也是時空得談的事。所以，文本可以是多種時空的穿越拼湊，也可以是架空的一個場域，但終究是要讓它具象化。」李柏霖說，一個好的舞台必須「讓演員進到空間以後就能有所感受、覺得是自在的，更知道可以怎麼把角色演好。」
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焦點專題 Focus黃怡儒 鋪展台灣元素，以空間說故事
思考空間與文化的關係是黃怡儒的本能，因此台灣土地上無論是破敗、尋常的景色，對他來說都是不同的生活脈絡。例如都市隨處可見的鐵皮加蓋，他看作社會經濟變遷的軌跡；又或是那些經常放在停車格上、灰綠色的盆栽，上頭的植物半枯半綠，其存在的意義早已脫離觀賞價值，而純粹為了「框定界線」，彷彿說著：「此位有主，切莫暫停」這樣框定行為的盆栽，實在「太台灣」了，最後成為莎妹劇團《親愛的人生》舞台設計發想的原型。
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焦點專題 Focus曾蘇銘 一切都是為了片刻的電光石火
那是第一次，曾蘇銘見識到表演藝術的朝生暮死，他眼眶一紅，差點要哭出來，說那種感覺想來：「真的很痛」。然而這樣的經驗多了幾次以後，他慢慢明白，那就是舞台的命運是曇花，是石火電光他必須接受舞台的宿命，才能搭起更多的台。曾蘇銘想起劇場前輩大老的經典名句，說道：「千千萬萬的折磨，只為那片刻的迷人。」
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特別企畫 Feature
就是要冒險 一路衝衝衝 不務正業
「貪食德工作室」由編導蘇洋徵與燈光設計魏丞專為主要成員，創作範疇涉及劇場、動漫、廣播、VR等，可說是超級斜槓。因認定有團隊才能成就創作，主創的蘇洋徵埋名不居功，追求著最大幅度的創作自由，靠著對各種類型劇的喜愛與理性分析，在各種領域中衝刺與冒險，「我希望我們的觀眾會習慣，這就是貪食德工作室，『不務正業』就是我們的正業。只要大家都不會覺得無聊，可以一起快樂地創造下一個作品就可以！」蘇洋徵笑著說。
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聚光燈下 In the Spotlight 劇場工作者與藝術家
陳侑汝 快樂與好奇，帶我走得很遠
雖然在研究所主修劇場導演，卻也涉足新媒體與裝置藝術創作，對陳侑汝來說，「快樂」與「好奇」是她一路探索藝術的主要動能，一路玩，一路做，無形中積累了美學觀察與導演能量，也漸漸找到了屬於自己的藝術語彙；若將這些語彙整理為幾個關鍵字，那應該是：土地，環境，與空間。
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藝術節
《少女練習》 以聽覺實踐少女的身體
購買一張《少女練習》的票券，你要做的第一件事情是等待，像等待一陣風那樣，將視覺收起，雙手打開隨後，你將收到一份包裹，內有音檔，跟隨藝術家蘇品文的指示，與他重返一趟展演《少女須知》時的身體覺察之路。
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特別企畫（三） Feature
穿街走巷拚接單 體驗破關爽快感
演員原本就不可能是穩定的工作，入行多年的李辰翔更說這一行是「海嘯第一排」，在重大事件下往往首當其衝。在疫情之下表演工作停擺，李辰翔去年開始兼差外送接單，賺取生活收入，但他卻也有獨特的體悟，從外送中感受到打電動破關的爽快感。「排練的時候必須要一直思考啊，導演的筆記或是哪些走位要注意，不過外送可以完完全全放空，感覺超爽，很像在玩什麼遊戲任務，一關接著一關闖。」
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特別企畫（三） Feature
嚎哮吧～～匿名者的「疫」外之旅
其實「嚎哮排演」的「油土伯」生涯並非疫情下才開始，當初起意拍片，主要是為了填補手上沒有案子時的空窗期。沒想到5月疫情升溫時，他們的《匿名者》系列影片切合時事發揮，竟讓點閱率一口氣暴漲十幾萬，也讓更多非劇場同溫層的觀眾認識他們。對自己的創作定位是「不分創作媒介說故事」，他們也相信表演沒有界線，從舞台到影像都可以發揮自己的喜劇長才。
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焦點專題（三） Focus
劉柏欣 心動之後，以燈光把戲照亮
看完排練，劉柏欣會對導演提出各式各樣的疑問，以確認團隊前行的方向是一致的，「我也有碰過某些導演會驚訝我怎麼問題這麼多。」但她不能只是服膺導演、成為一個把燈打開的人而已，她的燈光畫面也包含故事、情感，有時甚至像是預言，暗示接下來將發生的事。「有些導演會說，你就幫我打出漂漂亮亮的燈就好了。」劉柏欣說，她不是無法理解導演對於美的追求，但也執拗地相信，美不是空洞的表象，必須言之有物，並禁得起觀眾抽絲剝繭。
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焦點專題（三） Focus
王天宏 神的僕人，獻祭給光
燈光設計作品從劇場到商業場的記者會、產品發表會，能力頗受肯定的王天宏曾被開玩笑地說他是「燈神」，但勤懇的他卻說自己「不是燈神，是神的僕人。光線只是藉由我的手所展現出來。」非劇場科班出身，他透過勤問勤看排去理解創作，參透各種細節，進而在舞台上使出光的魔法，他堅信，如果把細節記得愈清楚，「進劇場的時候就會有小天使出現幫助你了。」
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焦點專題（三） Focus
吳峽寧 只要到得了現場，就沒有解決不了的事
「入行有碰過最害怕的事嗎？」吳峽寧立刻說：「睡過頭。」旋即解釋：「我是那種鬧鐘響了卻完全聽不到的人。有次要幫吳子敬做考試的呈現，結果大遲到，還是朋友直接衝到我家，把我從床上拉起來才趕過去的。那次真的好險。」說到這，忍不住讓人又想皺眉，覺得果真是個出初茅廬的新人。只是百轉千迴，再聽他接下來的那句話：「我只要起得來就沒事了！到了現場，就沒有解決不了的事情。」那神采與自信，又那麼令人懾服。
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聚光燈下 In the Spotlight 劇場演員
鄭尹真 我願作為一個通道，讓萬物顯現
對演員來說，每場表演都是一次機會，是鄭尹真摸索自己定位的方式，也是她探問自我的路徑。而她作為一個演員的使命感，乃是一種無我的狀態，她願意成為一個通道，讓萬物顯現，「把春天的風顯現出來，或者是記憶中母親的聲音，也可能是被人遺忘許久的一首詩。」
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特別企畫 Feature 編劇現身說法許正平：在劇場語言與文學的角力下，讓讀劇重塑作品
聊起讀劇在劇場中的意義，許正平認為，得先談談過去10幾年來「編劇」在台灣社會中角色的轉變。 「我念研究所的時候，台灣劇作家的位置很尷尬。」許正平說。 他講尷尬，甚至有點客氣。有段時間，台灣的表演藝術環境盛行後現代主義的風氣，推崇排練場的即興創作，排斥語言、排斥故事，「有一個老師曾經在上課的時候直接說：北藝大的戲劇創作組可以廢掉了。」 偏偏在這樣的環境之下求學探索，他卻能執意在各種語言的嘗試中，玩轉出另一種劇本的風格語調，一次又一次站穩自己的腳步。在此過程當中，便是透過讀劇讓他明白劇本語言的多樣性。 加入讀劇思維，《愛情生活》賦予靈魂 事實上，許正平是先在文字領域站穩腳步，才嘗試往表演藝術探索的人。 中文系畢業，當時的他是各大文學獎的常勝軍，而後轉往劇本創作，也多是在思考文學的語彙如何劇場做結合。 然而劇本畢竟與散文、小說不同，劇本的終點仍得是聲音畫面與空間的交融，是集體的展現而非個體語言的發生。無奈多數時候，編劇與劇本的關係都像是一人的職場，許正平就讀研究所時期寫的《愛情生活》就是如此，他渴望捕捉愛情的生滅，然而冗長瑣碎對話，寫到最後讓他煩膩無比，悶著頭寫完，自認不是能搬演的作品，原以為這個劇本就將一直被封印著了。 直到2003年臨界點劇象錄劇團，舉辦了為期兩個週末的讀劇嘉年華。 「當時廣邀了30幾位編劇的作品，進行一場密集的讀劇演出。當知道這個劇本有機會以這樣的形式發表時，我就想著，可以怎麼把《愛情生活》寫得『很好聽』？」許正平說。 他首先修改直線的拋接對白，打破第四面牆讓演員肩負敘事的功能、以角色評論角色，讓舞台指示的功能性也成為推動故事的一個環節。 許正平驚喜地發現：「我在創作的過程中，一直在思考如何平衡文學語言跟對白的順暢性。文學性的語言很難讓人講出來，在劇場中這些台詞能夠如何實踐？真的是到讀劇之後，我才明白不需要等到正式演出，這些問題都會在這個階段知道能夠被如何修正、處理。」 不過，這只是第一步而已。
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特別企畫 Feature 編劇現身說法王詩淳：無論是讀劇或正式演出，都是場公開的試煉
自演員背景出身的編劇，創作劇本時會比較得心應手嗎？王詩淳現身說法回應：兩者在劇場的位置完全不同。 「身為演員的時候，拿到劇本都很興奮，像是拿到一道謎題一樣，團隊一起思考如何解謎。」王詩淳說，但是編劇不是如此，「寫劇本就是痛苦漫長且孤獨的過程成就感也沒有比較高，如果沒有熱愛這件事情，根本做不下去。」 若是如此，那麼近年來，王詩淳高密度地投入音樂劇的編劇創作中，某種程度也宣示了她的愛吧？同時，也是音樂劇這樣的形式，讓她重新正視讀劇的重要性。「特別是音樂劇。這是集結龐大創作團隊的編制，其精準度不太容許演出當下有太多的自由發揮。而一切若得要求得這麼精準，就必然需要讀劇的加入。」
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特別企畫 Feature編劇，請回答！
寫劇本需要多久時間？有時一口氣兩週完成，有時則得醞釀一整年；有人手上堆滿未完的構想，有人則在製作壓力下不得不硬著頭皮完成。從4位編劇真心話，一窺寫稿、拖稿與脫稿的創作冒險日常。
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封面故事 Cover Story 請回答唱歌集音樂劇場：南方小土團的進擊
Q4：當政策將資源導向下一代觀眾，我們要如何建構出他們接觸、觀看、想像表演藝術的路徑？
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封面故事 Cover Story 請回答莎士比亞的妹妹們的劇團團長王嘉明：鬼才會去想台灣精神是什麼
Q3：布拉瑞揚舞團加入臺灣品牌團隊，象徵著以原住民主體性、地方根植、當代表述為核心的創作價值觀，被納入文化體制之中。「台灣」的文化代表性還能如何更有機、更多元？
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特別企畫 Feature 藝術家請回答：家是起點，當我們用母語創作時王嘉明：流動的語言，萬變的色彩
語言這件事情，是非常文化與身體的，2005年帶著《請聽我說》去青島演出，講座時有位觀眾說：「台灣人講話很好聽，可是你們在台上講什麼我都聽不清楚。」我們講話就是這樣，很多肌肉不習慣使用，不過在那裡待沒幾天，就不自覺跟著捲舌、動用一些平常不習慣的肌肉和共鳴位置，剛回台灣時講話腔調都怪怪的，身體的模仿就是這麼直接、快速。 回到「母語」這件事情，這個「母」字現在聽起來很封閉。我們這個世代的人可能都有同樣的狀況長輩是說台語的，跟孩子溝通的時候卻又刻意避開台語。然而時序來到90年代，解嚴以後，許多創作歌手重新意識到台語的意義，開始進行「母語創作」，可是這時期的台語也不是早期長輩熟悉的語言了，摻雜太多時代的因子，像是網路用語、日本流行文化等。對我來說，母語的「母」應該一直都是跟著環境在變動。 語言的變動是必然的，我做《物種起源》時，讀到達爾文最常在書裡列舉演化的例子就是語言。它隨著時代與文化流動，現在有些人習慣以中文邏輯去寫台語，也很正常的，或許必須如此，不然生存不下去，語言的使用與生活愈靠近，就會愈有生命力，不過演化有個重要的概念，是「適」者生存，非「良」者生存。 回到傳統演出，則不太一樣，我跟明華園天字戲劇團合作《無題島：孽種與魔法師》的時候，他們的台語非常「正」，那個聲音的顆粒感、勁道都很講究，現代劇場的演員等於從頭學起，且每個曲調都有格式的問題，無法完全用現實中的「文法」，去思考劇場的語言邏輯。 我覺得大家常常會被一個意識弄混，就是劇場的語言根本是可以不用寫實的，或許是受到長期影視的影響，好像現實生活的語言等於傳達了現實生活的意義，可是劇場的「古調」，透過密度、唱詞、美感，或許更能刺激劇場觀眾的想像。 客語的使用也是。以我在做《理查三世》系列的《血與玫瑰樂隊》為例，當時想到日本大河劇，通常會有一位專門的女性聲音負責講述歷史脈絡，因此在《血與玫瑰樂隊》中的說書人角色，我就刻意以客語的女聲來呈現，而且選了海陸腔，唸起來很像Rap，用重音的節拍講述歷史。同樣都是華語，這樣的安排卻讓觀眾會有一種疏離感。 客語的多種腔調，我在全客語的《雲係麼个色》裡也同步使用過，我照角色的關係和情境去分類他們所說的腔調，例如一家人彼此在對話時
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特別企畫 Feature G│Group永續之旅，在日常中啟航
早在「永續」成為一個標籤以前，無獨有偶工作室劇團（下簡稱無獨有偶）就已經做好準備了。藝術總監鄭嘉音說，最初，劇團的成立，就本不為服務單一概念而做，「我們不只是為了一齣戲而生，一開始想的就是長久營運的想法，因此秉持著愛物惜物的出發點，自然而然就做出了很多決定。後來才發現，這些決定在近年來都能夠被套進『永續』這個議題中去談。」正因如此，今（2023）年受邀為國家兩廳院的駐館藝術團隊，他們得以用一個更縝密的方式將過去的習慣為基底，將諸多知識融會貫通，無論是資源整合或是人事思考，都向前跨了一大步。 以理性判斷，捨去情感的盲點 無獨有偶的團員，除了有各自的創作身分，其中亦有部分成員加入永續小組，特別處理劇團與永續發展的落實面向。小組長李豐丞為製偶師，聊到與兩廳院合作的這一年，感觸良多。談起合作近一年的變化，他說：「其實跟多數人一樣，我們過去對於『永續』的想法，也會不自覺與『環保』劃上等號。」 無獨有偶多年來承接過許多公私立單位的委託專案，每每需要盡力符合委製單位所需之「亮點」，並達到諸多KPI需求。起初面對兩廳院的邀請，劇團的心情也是這般想像的，以為是要做一場更大型的「煙火式」表演，製作以一齣戲來強調環保的重要實則非也。「面對永續的議題，兩廳院的觀念走得很前面，讓我們能夠時實實在在進行這樣的行動，而不再只是淪於表面。」李豐丞道。 鄭嘉音解釋：「我們一開始收到合作邀請時，館方就告訴我們，這個合作的重點不在結案的成果，而是整個團隊的經營方向。這讓我們得到一個勇氣，可以好好思考過去有哪些力有未逮之處，能趁這個機會去內化、搜集資料⋯⋯」除此之外，兩廳院亦結合顧問資源，不同單位的整合介紹，使劇團能夠往前跨出劇場的範疇，讓大家不僅只是身為一個創作者，而是以一個「人」的狀態，思考「永續」。 期間，最顯著的差別，是他們習得以「理性」地去判斷，而非感性地選擇。 「過去，我們常常會覺得所有東西都值得被保留下來的，但現在，我們對於什麼該留、什麼該捨的抉擇，學習不以情感為導向。」鄭嘉音解釋。 李豐丞進一步舉例，以木材來說，若小於一個手掌者，多半是需要捨棄的材料，「這些規則也是這些年慢慢發展出來的，我們永續小組在做的事情就是
