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國家兩廳院
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那些女子那些戲女子4──我，蔡燦得，這女子。
身為一個演員，我確實是這樣想的。我們不知道這站演完了，下一次什麼時候還能再來這個場地演出、我們不知道這齣戲演完了，下一齣戲是不是真的能如期上演，曾經一個戲首演後，回家的路上，同戲演員就在我眼前被車撞，腿斷了，再也沒回到同一齣戲裡。
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焦點專題 Focus移動、連結、共構──給未來劇場的備忘錄
在COVID-19重塑全球節奏之後，劇場資源緊縮、巡演模式改變、資源與觀眾結構重組，一波又一波的劇烈轉變，使劇場工作者不得不重新思考「連結」的本質：我們為何需要合作？又該如何與他者、社群、世界建立關係？ 我們從「移動、連結、共構」出發，記錄表演藝術機構、藝術節與藝術家、製作團隊在跨國的製作生態中的實踐策略。借2025 Taiwan Week舉辦之機，我們邀請比利時列日劇院藝術總監塞吉．宏哥尼（Serge Rangoni）、英國Dance Umbrella藝術總監佛瑞迪．歐波庫-艾岱（Freddie Opoku-Addaie）和國家兩廳院藝術顧問施馨媛進行深度對談，討論當前歐陸與亞洲表演藝術機構與藝術節的合縱連橫策略；並藉由歐亞交流論壇側記聚焦各國單位的實踐與未來發展方向，一窺藝術市場趨勢脈動。3篇跨國移動日誌則呈現藝術家與製作人如何在不同文化場域中協調、協作、定位自我，並帶著作品走到更遠的地方。 當劇場以不單靠輸出與輸入節目維持國際關係，合作的形式與節奏也在改變。這些經驗不只是近年表演藝術製作生態的實踐記錄，更是我們如何共構下一階段劇場的備忘錄。
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焦點專題 Focus 比利時列日劇院Ｘ英國Dance UmbrellaＸ台灣國家兩廳院當「連結」成為未來劇場的答案與挑戰──塞吉．宏哥尼、佛瑞迪．歐波庫-艾岱、施馨媛談全球劇場網絡的下一步（上）
在全球藝術生態劇烈變動，「連結」成為最重要的關鍵詞。借2025年Taiwan Week舉辦之機，本刊邀請比利時列日劇院總監塞吉．宏哥尼、英國Dance Umbrella藝術總監歐波庫-艾岱，和國家兩廳院藝術顧問施馨媛舉行深度對談，探討國際網絡的重要性與未來趨勢。 在劇場資源縮減、巡演結構改變等多重挑戰下，如何以不同方式回應全球「連結」的趨勢？3位觸及了在地培育與國際交流之間的關係，也提出了對評論角色轉型、永續共製、跨地域合作模式的具體思考。 本次對話回顧了STAGES永續劇場聯盟的誕生歷程，並從台灣、比利時、英國的視角，檢視了劇場如何突破邊界，尋求新的合作機會，展現全球表演藝術網路連結的效益，也針對表演藝術未來的國際趨勢提出看法。
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焦點專題 Focus 比利時列日劇院Ｘ英國Dance UmbrellaＸ台灣國家兩廳院當「連結」成為未來劇場的答案與挑戰──塞吉．宏哥尼、佛瑞迪．歐波庫-艾岱、施馨媛談全球劇場網絡的下一步（下）
主持：魏琬容（OISTAT國際劇場組織執行長） 與談人：塞吉．宏哥尼、佛瑞迪．歐波庫-艾岱、施馨媛 時間：2025/4/15 19:30-22:00 地點：台北 國家兩廳院戲劇院4樓交誼廳 Ｑ：劇場該如何拓展觀眾呢？ 佛瑞迪．歐波庫-艾岱（以下簡稱艾）有一種消費者他可能沒什麼錢，但卻會願意花很多錢買一些高價的東西。當他們決定要買票時，會說：「我願意花 250 英鎊買這張票，因為這是有保證的。」 那我們要怎麼讓這樣的消費者對劇場演出也有這樣的認識？即使他們看完之後討厭那部作品，也會說：「我又看了一次碧娜・鮑許的作品。雖然不是我最喜歡的，但畢竟是碧娜・鮑許。」所以這其實就是一種心理學問題，我們要怎麼引導他們有這樣的認知。 塞吉．宏哥尼（以下簡稱宏）有人說：「啊，作品應該要能自我說明、讓人一看就懂。」但不是這樣的。就像如果你本身不喜歡美食、也不是美食專家，然後你去吃一家四星級餐廳的料理，你就需要具備一些知識，才能理解那道菜的味道是怎麼構成的。沒有什麼是自然而然就能理解的，沒有。我們必須強調這一點。我們應該在一些小地方幫助觀眾。對於我們做劇場的人而言，去提供一些關鍵字，提供一些脈絡讓觀眾來幫助觀眾理解作品的來龍去脈是很重要的。 艾：我同意。一個常見的說法是「啊，我們不應該講太多，觀眾應該自己來體驗就好。」但是，我想舉個足球的例子。有時候，在看比賽之前，現場會講一段關於過世的某球迷的故事，甚至會整場觀眾席一起編排動作、舉牌。在比賽進行到第15分鐘時，整場會安靜一分鐘，一起悼念那位過世的球迷。不管兩隊平常多討厭對方，在那一刻，大家都會靜下來，因為大家都已經被預先提醒了。不是因為解說員說：「各位，現在請保持一分鐘的靜默。」而是大家已有共識。 我覺得我們可以從這些運動賽事中學習，因為這些時刻讓每個人團結起來，去成就某種更偉大的東西。即使你心裡還是討厭對方、討厭對方的球迷，但在那個時刻，大家是一起的。因為你知道，這已經超乎你個人的好惡。
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焦點專題 Focus在不確定中重新布局──從2025台灣週歐亞交流論壇觀察策展趨勢
由國家兩廳院主辦的「Taiwan Week」，邀請來自全球22國共48位表演藝術策展人、節目總監與國際藝文機構代表來台，展開為期一週的密集交流行程。其中「歐亞交流論壇」作為活動期間的重要閉門活動之一，除了由主辦方兩廳院壓軸分享，也邀請其他7位來自日本、香港、加拿大、比利時、德國、澳洲的代表（註），針對各自機構的近期策展經驗、文化政策結構與跨國合作策略進行分享與對談。短短兩小時的會議場域，不只是經驗交換的空間，更形成一座穿越語境與體制的「觀點試煉場」。 藝術節作為回應現實的行動現場 論壇中登場的策展人或藝術總監分別來自不同層級與規模的組織：有正面臨補助制度轉變的政府主導型平台（如日本橫濱國際表演藝術會議，以下簡稱YPAM）、長期參與歐洲共製網絡的劇院（如比利時列日劇院）、以城市節慶形式推動多元文化與族群平權的藝穗節（如澳洲墨爾本藝穗節），也有嘗試以集體策展回應全球政治分裂的藝術節（如德國世界劇場藝術節）。這些橫跨制度、語言與文化背景的實踐案例，構成了本場論壇的討論基底。 論壇整體討論可歸納聚焦於3個主軸：一是文化補助政策變動如何影響藝術節結構與機能；二是合作網絡的擴張；三則是疫情與全球動盪背景下，觀眾行為改變如何反向塑造節目策劃與展演策略。雖無統一答案，但策展人們的共同關注卻呈現出一個清晰趨勢在不穩定與不確定的當代環境中，藝術節不再只是作品的展示平台，而逐漸成為一種回應現實、重組文化結構的行動現場。
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話題追蹤 Follow-ups永續，就是一種選擇，然後改變了世界（上）
國家兩廳院實踐永續與共融理念近10年時間，自2022與文化部共同舉辦「永續場館．共融年會」以來，今年已來到第4年，儼然成為藝文界與國際對接的重要平台。今年也是國家兩廳院參與的國際組織歐洲STAGES永續劇場聯盟（Sustainable Theatre Alliance for a Green Environmental Shift）計畫最終年，身為亞洲唯一會員，肩負STAGES壓軸論壇任務，國家兩廳院傾力落實細節在會場的各處：餐食的選擇、講者的多元背景、線上線下包含手語與即時聽打的多語服務，各種設身處地的體貼，成為國家兩廳院總監劉怡汝致詞裡「永續就是一種選擇」的最好背書。總監也表示，一路走來並不輕鬆，但有了夥伴並肩，才能走得更遠。年會呈現了4年來各地多姿多彩的執行成果與收穫，同時也在豐厚的實戰經驗交流裡，看見下一階段的永續目標與可能。 內容紮實緊湊的論壇分三部分進行：「文化場館的發想與執行」、「創作團隊與永續的互利共生」及「社會擴散與共感」，由內而外的講題安排也扣合全球藝文產業在永續目標上面的共識，希望透過藝術與創意的途徑，打開大眾共好意識。論壇中最精華的部分在於問答Q＆A段落，線上與現場發問極為踴躍，顯示永續議題經過官方與民間4年積累發酵，已然不再小眾。
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話題追蹤 Follow-ups永續，就是一種選擇，然後改變了世界（下）
在體驗兩廳院真摯的易讀服務與手語導覽後，下半場會議邀請長期陪伴國家兩廳院共融永續計畫的藝術顧問施馨媛擔任主持，由甫結束兩年駐館的無獨有偶工作室劇團總監鄭嘉音開場。 為未來劇場指路 一向對商業感到手足無措的鄭嘉音，終於在永續裡找到與企業對話的橋梁。兩年駐館期間的永續製作嘗試，加上深入田調眾多台灣劇團現況，無獨有偶劇團將經驗彙整成為給所有劇場從業者的《綠色工坊指南》，已於2025年1月問世。手冊透過簡單的提問與選項，引導讀者重新思考藝術生產流程，翻轉既有觀念。鄭嘉音簡報裡充滿細節的各種實務分享，像是一幀幀照片記錄著劇團執行永續過程裡的成就與快樂。像是在製作後回收材料的收納上，先將二手物件放在最容易取得的外層，從工作使用習慣著眼；或是因碳排比不上大型企業，因此由人權方面相手，提高團員福利、會議以多語進行等，又或者在劇場週進出時思考如何以節約空間的方式打包大小道具，減少貨車趟數等，團隊也參考聯合國全球盟約組織「SDG Compass」，寫出溫柔珍惜偶生的「戲偶價值鏈」，期待每一個偶都能從搖籃到搖籃（cradle to cradle），避免一次性搖籃到墳墓（cradle to grave）的結局。
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焦點專題 Focus 默默為表演藝術付出的人志工的真心話&答客問
人們真的能夠毫無條件地付出嗎？ 在啟動這個專題以前，各種常見的疑惑鋪在眼前，例如：志工是退休才能做的選擇嗎？志工是為了某些利益而行動嗎？志工難道是時間太多不知道如何花用嗎？ 諸如此類，各種問句聽起來雖然刺耳，卻也是這次受訪的志工們經常聽到的詢問。然而實際走訪不同場館、認識戲劇節或團隊的幾位志工後，還真是全面性地顛覆了這些疑問。 原來，正是因為時間寶貴，所以才選擇成為志工。 生命中有太多人要你朝一個明確的目標筆直向前，但志工不然，志工的目標不再彼方，而在自己的胸臆之間。 兩廳院的導覽志工姜佩德，依循母親的建議，亦步亦趨地踏上與母親彷彿的志工之路，她說認為這是少數可以讓自己忘記身分地位的存在，不用執著於「我是誰」，而是把心意放在觀眾身上；另一位兩廳院志工耿豫安甚至將志工看作一種叛逆的舉動，他說：「我認為這是一件很酷的事情啊！」又或者是，年僅20歲出頭的李思緯，早在高中時期就加入志工行列，甚至在北藝中心尚未啟用前，就帶著工地帽認識場館，如今已是元老級的導覽志工；而草草戲劇節的賴宥任，更是在投入之後，發願：「只要這個活動繼續辦下去，我就會每年參加，每年付出。」最後，聊到紙風車劇團，他們的志工甚至不是主動對外招募，而是由一群追著紙風車表演的「追風者」自行組織，每每活動將至，不必團隊提醒，就開始彼此確認「排班時間」。 身為志工的他們，多有其本職，或者從商，或者教育，或者還在追尋生活的意義。然而，成為志工的共通點，甚至不是因為「對於表演藝術的熱愛」有多深切，倒不如說，是因為懷抱著對生活的愛吧？ 想把時間花在自己真的喜愛的事情上，無論是那件事情是對於建築的欣賞，對於辦活動的熱忱，或是其他。本次的專題，我們從5位受訪者身上，邀請讀者從另一個面向，看見愛的本質。
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焦點專題 Focus 國家兩廳院導覽志工姜佩德：這份工作，是從母親手中接棒的
本身從事國際貿易採購的姜佩德，幾年前因工作型態轉變，開始能夠自由分配自己的時間，而她第一時間做的竟然不是休假放鬆，而是報名了國家兩廳院（下稱兩廳院）的導覽志工徵選。 對此，她的回答是：畢竟是由母親手上傳承下來的傳承的不是營利之事，而是服務的意志。 與兩廳院一起長大 「我的母親過去就在兩廳院擔任前台志工，我算是跟著兩廳院長大的吧？」姜佩德說。 事實上，在母親擔任志工以前，姜佩德就曾經嚷著父母能否帶她來這裡聽音樂會。當時她是個國中生，「有一位好喜歡的鋼琴家來這裡表演，可是票價不便宜，父母當時替我買了一張票，讓我自己走進去，他們就在外散步等我結束。」姜佩德說，也不知道是否正是這個因緣際會，讓母親日後竟也主動申請兩廳院的前台志工，開啟了長達10多年的志工生活。 「當時我覺得媽媽很厲害，早上在桃園上班，下班就衝來做前台。有些節目早一點可能9點半結束，不過有些節目到10點、10點半才結束的都有。」姜佩德回憶，當時她看待母親，有敬佩，也有困惑，無法理解母親為何要把自己的生活搞得這麼疲倦？ 然而，輪到自己當志工時，這疑問輪轉到她父親身上，姜佩德笑說：「我住在新竹，每次回台北找爸媽、也都會排班兩廳院的志工，我爸總是問我幹嘛這麼累。」雖說如此，旁人更無法理解的是：志工服務對姜佩德來說，不是工作，竟是一種紓壓。
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挑戰邊界「然後我成了……」
這種「成為」的精神，對於成為一名優秀的藝術家甚至一個好人，都至關重要。我知道，有時我的語氣聽起來像是加油打氣，但我們身邊已經有太多人在阻礙或打擊我們了。我們都需要有人對我們說「可以的」，直到我們自己也能這麼說。一開始我不是然後我成了
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焦點專題 Focus進擊的台灣文化力
今年10月台灣國慶，印有「Taiwan」的巨幅廣告掛上法國夏佑國家劇院，在巴黎街道上方飄揚。布拉瑞揚舞團等11檔台灣展演，首登法國國家舞蹈殿堂「夏佑體驗：臺灣焦點」（Chaillot Exprience#2: Taiwan）；相隔一個月，《這不是個大使館》亦登上巴黎秋天藝術節（Festival d'Automne Paris），展開法國巡演。 台灣表演藝術團隊究竟有何魅力，讓法國唯一的國家舞蹈劇院的藝術總監哈希德．烏蘭登（Rachid Ouramdane）要大力讓巴黎觀眾「體驗台灣」？巴黎秋天藝術節總監法蘭西斯卡．可和娜（Francesca Corona）又為何在只在收到《這不是個大使館》提案的情況下，就大膽決定共製這件處理台灣議題的作品？法國觀眾怎麼看台灣的表演藝術作品？台灣文化如何在近年流向世界？國家兩廳院在這樣的跨文化對話中，有何策略協助台灣創作者走上國際？以下是來自法國巴黎的現場傳真。
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焦點專題 Focus 為什麼法國觀眾瘋台灣文化？從法國夏佑國家劇院「體驗台灣」，看台法文化交流現況
位於巴黎的法國夏佑國家劇院（Thtre national de la danse Chaillot）的今（2024）年10月很「台灣」。布拉瑞揚舞團、微光製造、小事製作、VR《無法離開的人》、紀錄片《行者》等，都因「夏佑體驗：臺灣焦點」（Chaillot Exprience#2: Taiwan）來到了這個歷史悠久的劇院。 「夏佑體驗：臺灣焦點」由夏佑劇院主力策畫。這所成立於1937年的劇院是法國5個國家劇院之一，也是唯一以舞蹈作為發展核心的國家劇院，更是1948年聯合國大會《世界人權宣言》簽署儀式所在地。過去，台灣的漢唐樂府、無垢舞蹈劇場、雲門舞集鄭宗龍的《十三聲》皆曾在此演出，編舞家黃翊亦曾在2018年參與夏佑劇院的駐村計畫。 本次「夏佑體驗」接連3天（10月10日至12日），跳脫過往台法合作的單檔節目買賣、邀演模式，除了將館內空間交給多個台灣舞團盡情揮灑外，這所骨子裡刻著國際人權價值的「舞蹈之家」也上映了由陳芯宜執導、囊括海外許多大獎、講述台灣白色恐怖受難者故事的《無法離開的人》。此外，還舉辦了多項音樂、攝影展、工作坊及藝術家對談等週邊活動。夏佑劇院藝術總監哈希德．烏蘭登（Rachid Ouramdane）表示，「夏佑體驗」就像是個小型藝術節，「3天不太可能呈現台灣豐富多元的文化，但仍希望可以呈現360度的台灣表演藝術。」 夏佑體驗，讓世界看到台灣 法國時間10月10日晚間8點半，台灣國慶剛過，一宣告演出即秒殺的布拉瑞揚舞團《我．我們》首部曲打頭陣，跳上夏佑舞台。 這件重新詮釋台灣排灣族生命歷程的作品，在謝幕時讓挑剔的巴黎觀眾熱烈地起立鼓掌、歡呼不斷，並跟隨舞者嘟嘟（Kwonduwa Takio，孔柏元）的引導，在阿爆（Aljenljeng Tjaluvie）的音樂搖擺身體，台上舞者與台下觀眾一同將這座可容納400人的Firmin Gmier廳轉化為搖擺電音舞池。 哈希德說，他在2023年來台觀賞《我．我們》的首演時，驚豔於布拉瑞揚舞團將傳統轉化於現代的能耐。按他的說法，那是「活生生的，而不是積滿灰塵的」藝術語言，「他們創造出這種肢體運動是我過去從未見過的，」哈希德自
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焦點專題 Focus 國家場館為何、如何建立起「背後的一群劇院」？三個重點，解析兩廳院近年國際連結發展策略
在布拉瑞揚、阿爆、楊乃璇、王宇光等藝術家在法國夏佑國家劇院的「夏佑體驗：臺灣焦點」（Chaillot Exprience#2: Taiwan）演出之前，新生代編舞家周寬柔與導演洪唯堯在今（2024）年7月，也先後來到法國，參與亞維儂藝術節「不可能的傳承」藝術家培育計畫（Transmission Impossible）。這是這個法國最古老的藝術節的首度嘗試，讓合作的全球夥伴各自推舉該國的創作者參與，分兩梯次進行為期一週的交流，並與各國創作者共創呈現階段作品。 周寬柔與洪唯堯不約而同地表示，他們各自在一週內密集看藝術節演出、直接與主創者對話並與各國創作者交流、創作，雖有語言隔閡、交流時間太短等障礙與限制，但都不妨礙他們用感官、用身體去嘗試理解不同的對話對象，在異國語境中去思考與回答「我是誰」這個基本問題。 洪唯堯分享：「這次經驗讓我更發現國際合作有很多機會跟可能性，也讓我更思考創作不該只限在台灣，創作應該不受地域、文化差異的限制，應該要關注世界，烏克蘭、黑人種族、生態都跟我有關。」 無論是「夏佑體驗：臺灣焦點」或「不可能的傳承」藝術家培育計畫，台灣藝術家在這些國際舞台演出、駐地交流，與世界產生關係，背後的重要推手之一，是國家兩廳院。兩廳院國際發展組組長高作珮表示：「國際發展組成立時目標就不僅推製作國際巡演，國際場館結盟合作內容是很多樣性的，將藝術家交換與合創共製都考慮進來，希望能參與製作流程的前期，從研發、製作、呈現到巡演，建立循環。」
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新銳藝評 Review釐清此時此刻的困境
里米尼紀錄劇團《這不是個大使館》的核心是一個虛構情境：「如何在瑞士洛桑建立一座台灣大使館？」而接踵而來的各種問題，促使對話發生。與虛構情境相反，每個表演者的發言，小至自我介紹，大到國族歷史，每段經歷都是真實的。演出中，有3位主要表演者，立場各異，時而合作、妥協、時而引發衝突。表演者的論述頗具代表性，是在提起政治時，聲音最大的3個族群：吳建國並沒有否定台灣主體性，但想法、作法保守，對中國文化抱有憧憬。郭家佑是中生代代表，積極爭取台灣的主權和獨立性。王思雅因家中從商，對政治議題不願直接表態。吳建國和郭家佑積極表態，拿出「我不同意」板子，反對對方，王思雅也會舉出「不予置評」板子；各方在舞台上精采辯論，展現在台灣社會，人民對言論自由高度容忍。 各個立場的論述也運用豐富的劇場語彙表達。整場演出都使用即時投影，將介紹台灣時擺放的微型布置投射到舞台後方的布幕上，展現台灣日常，讓舞台調度更具動能、增加趣味性，彌補非專業表演者肢體表現的不足。音樂讓表演更具吸引力，吳建國演唱了《國歌》（可能被認為是極端愛國主義者）、《中華民國頌》（畫面配上慈湖公園的蔣中正銅像，像是在看過去的一場幻夢）。現場演奏的台語歌曲《雨夜花》則代表台灣人民的弱勢處境。最有趣的場景，當屬利用打太極的動作以及影像，點明保守派與積極派的你來我往。台灣主體性和獨立性無法公開表明的困境，被化為劇場語言：演出最後，舞台上有3個大燈，分別是「寶」、「島」、「國」，3個字始終無法同時亮燈，便是目前現狀。
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藝次元曼波 HEART to HEART 亞維儂藝術節 ╳ 國家兩廳院藝術節是「派對」，要讓所有人都能自在參與（上）
曾以《最後的提詞人》、《不可能的邊界》與《櫻桃園》等作品與台灣觀眾見面的提亞戈．羅提吉斯（Tiago Rodrigues），此次以亞維儂藝術節新任總監身分訪台，將與國家兩廳院開啟3年的夥伴合作關係，邀請二至三位年輕藝術家前往亞維儂參與首屆「不可能的傳承」藝術家培育計畫（Transmission Impossible Project），與各地年輕創作者參加大師工作坊，進行跨世代、跨文化的劇場藝術交流。藉此機會，本刊邀請提亞戈與國家兩廳院藝術總監劉怡汝，分享與交換劇場對當前世界與當代觀眾的意義，如何持守價值又能開創新局。
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藝次元曼波 HEART to HEART 亞維儂藝術節 ╳ 國家兩廳院藝術節是「派對」，要讓所有人都能自在參與（下）
Q：剛提到英文字幕，暗示著觀眾組成較過往不同。近年歐洲城市的居民組成似乎也有很大變化，亞維儂藝術節如何回應此種現象？ 提：謝謝你提出這個問題。首先，我們呈現的當然是心目中最高品質的作品，但藝術節同樣也有責任要履行我們「如何」呈現作品，也代表著我們所持守的價值。舉例來說，我們該怎麼讓過往少有機會接觸劇場的觀眾，也能走進劇場看戲？讓展演共融、可近，都是我們要努力的方向，不能讓觀眾覺得自己被劇場演出排除在外。這些可以是硬體設備的改進，也可以在規劃節目時，呈現更多元的族群觀點。 過去10年，歐洲城市人口組成有了很大的變化，法國也是如此。我們今年在亞維儂呈現黑人女性編舞家賓杜．登貝雷（Bintou Dembl）作品，一方面當然因為這是非常好的作品，但我們同樣不能忽視「法國黑人女性編舞家」背後所代表的深刻含意，讓同樣身分背景的年輕人（大多來自城市邊陲，生存環境充滿挑戰）不再覺得自己被亞維儂藝術節排除在外，而能藉此展現自身存在。同時，我們也為一般觀眾視野帶來挑戰，讓他們發現另一種表演形式。 現在我們最大的挑戰，就是要能呈現法國甚至歐洲城市的多元多樣性，並藉由節慶派對般的正面氛圍來傳遞。「Festival」字源就是「派對」，充滿熱情洋溢、自由奔放的感覺。無論藝術節帶有何種政治、社會意圖，我們都不能忘記其「派對」本質，讓所有人都能自在參與。 舉例來說，這就像是我們和親朋好友邊吃飯邊聊天，會辯論會吵架。事實上，「debate」（辯論）在法文代表著「de-bate」（不要戰爭），所以我們是用辯論代替戰爭。方才怡汝總監提到大皇宮演出Julie Deliquet的《福利》（Welfare），這也是75年來第二次由女性創作者為藝術節揭開序幕，相當具有歷史意義。在這座充滿歷史意義的古蹟，探討貧窮與社會福利議題，這對某些觀眾來說或許相當衝擊，的確出現很多爭辯聲音。我想這就是藝術節的意義，能真正和當下世界產生關係。
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焦點專題 Focus2023「ACPC亞洲連結：製作人工作坊」精選講座側記
第3屆的「亞洲連結：製作人工作坊」（ACPC，Asia Connection: Producers Camp）在經過兩年疫情期間的遠距授課，今年終於得以邀請導師與學員們齊聚台北的國家兩廳院，為這場由新加坡、韓國、日本與台灣4地場館共同支持的3年計畫暫畫下美好休止符。在9月12日至16日為期5天的工作坊中，密集安排了藝術行政課程講座、一對一面談、提案診斷及台北文化實體探查。本刊特地從中挑選了3場課程：「作品溝通裡的留白藝術」、「表演藝術中的市場機制」及「與藝術家並肩同行」進行側記，以饗讀者。
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焦點專題 Focus在差異中往彼此靠近——跨文化工作備忘錄
2023「ACPC亞洲連結：製作人工作坊」的首場導師講座「作品溝通裡的留白藝術」交由曼谷國際表演藝術會議（BIPAM）的藝術總監莎莎賓．希芮旺吉（Sasapin Siriwanij）主講，在面對本屆透過閉門推舉制度、實戰經驗不少的製作人學員們，莎莎賓選擇以開放討論形式，拆解作品所具備的多元脈絡（Context），一一分析跨文化工作可能遭遇的挑戰與危機，透過集思廣益與彼此經驗分享，逐個擊破。 拆解「脈絡」與「文化差異」 莎莎賓從脈絡一詞的英文「Context」（註1）定義出發，她用一張示意圖，視覺化作品與脈絡之間的關係：一顆代表「作品」的粉色球置於圖面中央，旁邊環繞許多褐色小球，每個褐色小球都帶有一隻箭，回指粉色中心。這些迫切影響著粉色球的褐色球是什麼？來自不同文化背景的學員們省視各自提案，提出繁多可能：大環境面向的政治、氣候與經濟條件；私人層面的藝術家情感走向、人生重大變故、家鄉議題、教育養成、語言邏輯，以及製作現實層面的預算、場館狀況、合作對象限制、策展人喜好、金主條件等，變因既廣泛且細瑣。 同為導師的前澳洲伯斯藝術節藝術總監溫蒂．馬丁（Wendy Martin）補充，她認為在深入探討前，需先將脈絡分為對外與向內兩部分，後者為藝術家陪伴的創作脈絡（Context of Making），前者則是面對市場與觀眾溝通時，換位思考的行銷脈絡（Context of Selling）。莎莎賓分析，作品本身背負著創作者生長過程裡被形塑的特質，也揉雜了上述許多直接或間接對作品產生影響的因子，製作人需要具備多樣視角，必要時得跳出創作者感性思考，回到理性的推廣與溝通策略，對接下來預期合作的對象深入評估，找尋作品中最適當的切入點，為文化底蘊不同的雙方打開可行的共鳴橋梁，催化合作機緣。但也要千萬避免對陌異文化產生先入為主的偏見，除非親身經歷，否則面對首次合作對象，請務必保持開放態度。 阿喀郎．汗舞團行政總監法魯克．喬迪里（Farooq Chaudhry）作為參與討論的導師之一，也提醒學員在陪伴創作時，除了藝術家關注的焦點範圍之外，也需留意那些被刻意避開的題材，有時候隱藏在黑暗裡的素材，存有解決創作瓶頸的解答。像是阿喀郎
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焦點專題 Focus製作人如何現實又勇敢地想像市場
「在一切開始之前，我們必須認清3個事實：一、『在藝術當中的人都活在一個夢幻世界，且帶著不現實的期待』；二、『面對市場，沒有人有解決方案，因為爬過一座山，只會有更多山頭等著我們』；三、『我們總說資源不足，但資源不足卻也逼使我們產生創意』。」英國阿喀郎．汗舞團共同創辦人暨製作總監法魯克．喬迪里（Farooq Chaudhry OBE）在工作坊伊始直接破題說道。這斬釘截鐵的分享起手式，恰如法魯克在之後90分鐘的分享中，為現場來自亞洲地區的製作人們帶來的市場思維風暴一樣來得猛烈又直率。 在9月中於國家兩廳院舉辦的「亞洲連結：製作人工作坊」裡，擁有豐富國際巡演及製作經驗的法魯克，在現場以導師身分向與會製作人分享個人對表演藝術市場的理解，及身為製作人多年與藝術家、觀眾、藝術節、機構等不同對象的工作經驗。 法魯克眼中的藝術市場和商業機制 筆者自問工作中並不慣用「藝術市場」這個名詞，所以一開始對工作坊的主題「表演藝術中的市場機制」心有戚戚。但法魯克的分享更像是，個人以「藝術市場」的概念，創造屬於他對藝術行業，這個被其稱為夢幻世界的代入理解，還有對應著這個世界，屬於他獨特的「商業」手法心得。 正如文章開頭提到的資源永遠不足，法魯克對這個現實很早就有所認清，所以既選擇擔當製作人，就只好想方設法從市場搜集、創造可能價值。對法魯克而言，市場就是一群人，這跟一般市場論一樣，但有趣的是，他提出藝術市場之間的流通貨幣卻是「信任」。 不論是藝術家、製作人、單位、觀眾、藝術節、場館，活在藝術市場中的我們所有人，都希望以最好的條件去交換、分配和交易「創意」（Creations）的所有權和傳遞方式。而作為製作人，在市場的商業手法就是，在當中找出大家對價值判斷的運作方式，精明善用和創造各方之間的信任，協助大家找到創意與自身之間的相通共感和精神收益，進而讓創意產生「售價」。因為只有當市場認為自身跟你所提供的創意關係愈是緊密，愈是相信你提出的創意是對他們的文化、感受與觀值觀是必要且重要的，才會可能願意持續為這份創意去投資、承擔風險和付出。 因此，法魯克提出：「如果我們能以市場概念來理解藝術產製的運作，不論我們身處何方，面對的資源和環境有多困難
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焦點專題 Focus以製作人之名：專業、美學與革新並存的文化思辯者
過去3年多，不論是全球化、國際COVID-19疫情，乃至世界各地的經濟困境和世代人才更替，表演藝術的生態環境及產製市場出現不少結構變動，面對整體環境從內到外的變遷，製作人如何持續發揮個人十八般武藝，與藝術家並肩開拓屬於未來的工作關係呢？ 這次的「亞洲連結：製作人工作坊」也邀請到獨立表演藝術製作人與構作余岱融、聚思製造端總監高翊愷、臺北市立美術館策展人蕭淑文，就個人與藝術家工作經驗進行個案分享。 責任與能力：跳出製作人職能功能的單一思考 一開始，余岱融回顧ACPC第一屆曾對製作人角色和功能所下的定義：從文化領袖、策展人、構作等普遍的職能角色形容，到導師、守護者、「最後離開的人」等軟性側面描述都可以是製作人的形容詞。 他主要以個人過去與台灣馬戲團隊「FOCA福爾摩沙馬戲團」的工作經驗，提出製作人一角跳出職位功能的單一思考，「有這麼多職位、角色可以來形容製作人，似乎也背負很多責任。但我認為相對於『責任』，製作人的關鍵能力是一種『Response-ability』（回應的能力）。」一個製作人在進入工作時，會先需要花時間去認識自身、合作藝術家或團隊，乃至整個生態環境的動態，進而協助分析、辨認當中潛在優勢、限制等，再透過與藝術家或團隊日復一日的對話、相處，策略開拓出可能方向，最後透過製作人的統籌能力和創意整合資源、引導藝術家與團隊轉化出新的行動，發展出新的內容及創意路徑，甚至提出之於整個藝術生態突破性的觀點與挑戰，創造新的趨勢。 這3個步驟往往是以「年」為單位計算的工作與對話過程。當製作人加入到團隊的時間有足夠長度，才有望能不斷從過程反問、破立和定位團隊的美學、能力、處境和觀念，甚或把製作人個人與團隊不全然相同的背景、價值、行業及國際視野攪碎混合到團隊的藝術行動當中，共同挑戰對內的創意能力、連結對外的社會角色公共討論，以藝術參與社會，也讓社會有途徑進入藝術。 流動性與平等：反轉製作與創作的主從關係 呼應余岱融的獨立製作人經驗，聚思製造端總監高翊愷也分享個人作為組織創意領袖及獨立製作人，如何以藝文團隊的民間組織定位，帶領一群藝術工作者（Art Practitioners）或創意製作人（Creati