PAR 表演艺术杂志

高雄市文化当局从去年莫札特的《魔笛》，到今年的《茶花女》，能够在经费有限，以及其他种种局限之下，克服重重困难，开始尝试演出歌剧，其旺盛的企图心与使命感，著实令人钦佩。

国内歌手表现出色

以这个角度来看今年《茶花女》演出的表现，笔者不想有太多的苛求，它整体上的平实、顺畅，可感受到全体人员的用心、协力，若有其他更多的期盼，只是我个人的想像。例如，大家期待最多的，应是两位来自国外的主要歌者：饰唱茶花女的罗马尼亚女高音法卡丝（Valentina Farcas)；担任男主角阿弗雷多的俄国男高音杜纳耶夫（Andre Dunaev)这两位歌剧界的老手，无论唱或演，都没有问题，但他们都未能抓住我的心：他们的歌唱技巧都很好，但声音都有些平淡，未能随著威尔第音乐中的情感变化，去做充分的力度、明暗的对比；唱出的音符、旋律中，没有足够的、细致的渐层处理；旋律线宛如未能摆脱地心引力般的，未能向空中与听众席抛得更高、更远，以便把音乐中固有的感染力散发得很充分；威尔第独唱曲中经营得很有效率的、大幅度的情绪起伏，大起大落的戏剧性，经常都被忽略了。因此，茶花女缺少了楚楚可怜，阿弗雷多的激情、热烈好像无法升温。套句法文成语来形容，那是 terre-à-terre，脚踏实地的男、女主角。

所有歌者中，能够唤起我充分感动的，是饰唱阿弗雷多父亲捷尔蒙的国内男中音巫白玉玺。他的歌唱除了共鸣充分，韵律感甚佳，还能层层进逼地去营造具有张力的戏剧性。难得的是，上述男、女主角歌唱上一些不足的地方，都成了巫白玉玺的优点：他出色、生动的独唱、重唱，或许让听众们惊觉：原来威尔第苦心经营的父亲角色，不只不是配角，而是三位主角之一！另一位国内歌者，饰唱晚会女主人芙萝拉的女中音翁若珮，其扮相、歌声都能一下子就让人惊艳，可惜在此剧中，戏分就只有那么一点点，没有更多发挥的机会。

乐团合唱略显不足

协同演出的高雄市立交响乐团，是个半职业性的乐团，在简文彬的指挥下，摆脱了它一贯给人有些嫩、有些涣散的感觉，已显得比较凝聚、紧凑。在前奏曲及几段以弦乐为主的段落中，透明、细致的效果被处理得很澄澈、柔美。然而，威尔第歌剧中到处存在的，许多具有爆发力的、共鸣相当充分的、强调管乐效果的、用来推动剧力的总奏，总是让人觉得不够灿烂、亮丽，总是那么欲振乏力，让人提不起劲来，也让威尔第音乐中固有的「侵略性」无从得逞。高雄室内合唱团也有著类似的单薄、不足，无论是第一幕演唱〈饮酒歌〉的晚会，或第二幕后半的狂欢舞会，都未能在乐团的协同之下，将欢乐的气氛炒得很充分、很到位。

经常，合唱的音响显得涣散、不够集中，主要是因为迁就视觉因素造成的，而不是合唱团素质或指挥的问题：为了动态的演出与走位上的好看、生动，「群众」音乐效果的凝聚性经常被忽略了，例如狂欢舞会中著名的合唱曲〈我们是来自远方的吉普赛人们〉，就被轻轻带过，被舞台上的热闹掩盖过去了。除了几位较有经验的主要角色之外，群众场面的调度、走位、动作，都显得有些生涩——这些「演」的问题，不是短期间能解决的，有待较长时期的培训，以及团队默契的建立。这些，在没有常设性职业歌剧团队的台湾，不是想做好，就可立竿见影的。

在导演杨士平的主导下，此剧的舞台、灯光、服装设计者，以及编舞者都很年轻，也没有太多歌剧的设计经验，但初生之犊不畏虎，在没有太多传统包袱的局限下，反而可以放胆去做，做出了相当随兴而有创意的整个舞台呈现，虽然很壮观、耸动，甚至有些粗俗，却洋溢著生命力——就放胆地去搞，才有机会去学习、成熟！

舞台设计差强人意

李柏霖设计的舞台，以大厅堂的基本架构，连贯全剧三幕，在展示出充分统一感的同时，却也暴露了一个棘手的问题——一位「社交名媛」或交际花的客厅、卧室，真有那么大的格局与排场吗？如何透过布景细节，以及灯光的处理，来缓解这种大舞台夸张的、不合理的宽阔、生硬，而去营造一种「私密」（Intimacy)又不失欢场气氛的感觉，似乎考验著这整个舞台呈现，它却让我觉得差强人意。整个舞台呈现的室内装饰风格，服装设计，显得相当混杂、五颜六色，让观众无所适从，让人抓不不到一个基调——情节到底是发生在古代或现代？东方或西方？若是在东方，是在日本或台湾？是在日治时代或今日？或许它可以是某个不明确的、幻想式的时空，但这个暧昧的时空并未能被经营出足以令人信服的逻辑，而显得纷乱。

汇聚各方人马，做一个暂时性的演出，热闹一下，快乐一番，这不只是高雄市如此而已，可说是台湾歌剧发展至今的常态。期盼在卫武营将开始运转的不久将来，能形成一可供歌剧演出正常运作的场域。