PAR 表演藝術雜誌

位於北投七一園區，李育昇跟狂想劇團共用同一個空間，一半是劇團辦公室，另一半則是李育昇的個人工作室。牆角站著幾座人台，其中一座臉戴蜘蛛樣貌、脫胎自防毒面具設計的面飾，身穿華麗又詭異點綴著黑紫亮片的禮服，活像個從末日科幻片走出來的女主角。李育昇說，他正在規劃一組，共廿四套服裝的個人作品系列，打算每套邀請一位劇場演員來當模特兒。我開玩笑問他，如果有齣戲，預算足夠，只有一個演員但要一百套服裝，他做不做？他說，瘋狂快換應該蠻爽的，可以試試看！這時候才發現，他眼裡真的有光，他愛他身邊這一切。

從平面設計轉身服裝設計

出身洋裁世家，靠著訂製男裝在台北的嘉興街發跡。父親過世後母親接手，轉做女裝訂製，「女裝師傅要改做男裝相對容易，男裝通常款式比較單一，女裝豐富多變，師傅稍微改一下就能做男裝的活。」隨著經濟起飛，快速成衣業興起導致訂製市場萎縮，「被打趴之後，店就收了。」

大學唸的是平面設計，李育昇原本也曾做過一陣子的接案設計師，「台灣文創工業產和學的差距實在太大。我想做創作，但業界習慣讓不專業去領導專業，業主說了算，自己只能是個設計學奴，更談不上創作。」大學時認識了「李清照私人劇團」的成員們，其中有編導演、舞台設計和作曲家，各領域的創作者聚集在一起，劇場成為讓大家自由發揮的複合式創作平台，也讓李育昇看到創作的另一種可能。

雖然非戲劇本科但自幼和裁縫為伍，轉了個身，他拿起針線，成了服裝設計。

國小、國中到高中，李育昇都唸美術班，甚至研究所也回來攻讀師大美術所，視覺藝術一直是他最感興趣也最擅長的創作主線。大學時，因緣際會被學長陳政道拉進電影編劇圈，一開始只是為了好玩，陸續參與了包括《盛夏光年》在內的許多編劇作品，甚至還投過輔導金。「對我來說，文字跟視覺都是在說故事。但電影需要天時地利人和，需要很多製作資源才能完成。寫了一陣子劇本之後，我發現自己的文字似乎也是為了完成畫面而寫，從寫作裡，發現自己想做的還是視覺，劇場還是相對比較容易的。」幾乎就在同一時間，他認識了「李清照私人劇團」那群人，「那是我人生中面臨第一個的大岔路，各種創作面向的事擠在一起給我選，以爽度來說劇場還是最爽的，所以我選了劇場來做。」

對布認識愈深  愈能成就設計

談到服裝設計的工作流程，李育昇認為，除了深讀劇本和來回看排、和導演開會之外，其實很難找到固定的創作SOP，「以最近跟台南人合作的《哈姆雷》來說，我不是科班出身，很多經典劇本我沒讀過，但哈姆雷很有名，演出版本也已經有很多了。我想玩，不想做一板一眼的東西，剛好呂柏伸導演也願意提供空間。我抓住『世界是一座監獄，丹麥是最糟的那座』這句台詞，落實在具體可見的視覺上，就是以壓迫、纏繞、約束和糾纏為主要元素，呈現一種黑暗歌德式的復古風格。」一邊講解，李育昇一邊拿出手繪的角色服裝圖參照，圖紙左上角點綴不同顏色的小色塊，是圖上使用所有的單色集合，「以前古典美術訓練對我影響很大。」他說。

「我的設計作品通常分成手工密集和時裝搭配，《Re/turn》是以現成服裝為主的時裝配，哈姆雷則是大量手工，很累但真的很爽。」李育昇從手繪角色圖開始，一筆一劃把腦中對角色的想像具體落實在紙上，呈現給導演和其他設計，藉由設計會議統一舞台、燈光、服裝三個設計部門的基礎風格，「當然啦，計畫趕不上變化，有時候舞台改個面向、單面台變成三面台我就得要大改。」他認為，劇場最重要的是「人」，做事不難，能夠互相理解並且磨合，才是挑戰也是樂趣。

入行將近十年，每次製作對他來說依然都是全新體驗，無法用固定模式代謝工作，只能不斷嘗試、不斷碰釘子，一點一滴積少成多。「創作是很自我的事，但劇場就是聚集一群創作者做一個複合作品，理解其他創作者的意圖並且協調最佳方案是必須的。」

出圖、設計會議定稿之後，下一步就是上布市挑料子，「台灣這十年布料的選擇面臨了瓶頸，主要原因是市場不夠大，選擇就這麼多，導致商業光譜極端地壓在大眾端，反而比較難找到跳脫時裝、少見的特殊材料。」李育昇認為，劇場服裝設計必須對「布」有非常深刻的認識，譬如不同的布對光線的反應，如何反射，如何接納溫度。「時裝和劇場服裝不同，時裝是為了解決生活便利性而出現的實用服飾，劇場則以文本和舞台設計為優先考量。時裝你可以隨手丟進洗衣機洗，隔天又可以使用，但劇場服裝必須暴露在高溫燈光和演員大量汗水、動作之下，衣服上的釦子或特殊五金汰換率很高，布料也容易酸化或脆化。」所以，除了視覺美學上的創意，任何的基礎知識都是愈多愈好，愈能幫助設計工作上手。

挑好布料之後的剪裁縫紉，通常會交給老一輩的師傅去處理。李育昇極度講究細節，只有好的工法才能滿足高度技術集中的要求，所以他非常仰賴母親那一輩的老師傅，「我通常會出兩種圖，一種是給導演、設計看的人物造型圖，另外一種是給我媽他們那群裁縫師傅看的裁縫筆記，上面都是尺寸、數字等細節。」眼見母親原本從事的洋服訂製不敵加工成衣，成了夕陽產業，李育昇把老師傅拉來一起做舞台服裝，同時也仰賴他們極高超、極細緻的手工技法。

除了當代劇場之外，李育昇也擔任過傳統戲曲的服裝設計，「戲曲服裝和當代劇場不同，譬如傳統戲服通常用綁的，尺寸相對寬鬆，一套衣服可以給很多演員穿，現代戲劇則多是量身打造，換角就要重做戲服。」他認為，傳統戲曲的服裝已發展得相當完整，很難破解，只能從結構上去挑戰或改造。自覺並非古典考究派，他做新編戲曲的機會較多，把傳統戲曲裡「好」的元素提煉出來，用自己的方式融會古今，「傳統戲曲的演員通常是科班出身，從小演到大，什麼角色該穿什麼衣服，他們有時候比設計還了解。」

希望作品都可以成為該劇團的定目劇

談及自己滿意的設計作品，李育昇首先提起早期和「李清照私人劇團」合作的幾個作品，規模介於小型和中型之間，不會忽視細節也不會超過掌握能力。譬如轉化自他原本就極有興趣的日本文化的《劉三妹》，「現在回過頭看，以我當時入行的年份或能力，做的還算不錯。」另外，豫劇團的王海玲老師從藝五十年紀念、挑戰新編戲曲的《花嫁烏娘》，也是他相當喜歡的一部作品，「這次《哈姆雷》我也覺得很滿意，有種年初就可以交成績單的感覺。」

「我希望我每個作品都可以成為該劇團的定目劇。」李育昇認為，如果可以把富有潛力及好評的舊作品養成定目作品，無論對設計個人或劇場整體環境都會比較好，「我覺得，從補助政策的年度製作計畫就開始有問題了，每年都要劇團去生新作品，而不是花兩、三年去推一個戲。」總是在重複首演即絕響的老調，大家每年勞心勞力推出新作，卻苦無機會累積資源，李育昇覺得相當可惜，「衣服就那樣堆在劇團倉庫，也不知道哪天可以再穿出來。」

對日本文化著迷的李育昇，希望有天可以改編芥川龍之介的《地獄變》或《河童》，把小說搬上舞台，《羅生門》都已經改編成功了，這兩部應該也可以改。」另外，他也蠻想做《美國天使》這部戲，「有跟柏伸討論了一下，他也很喜歡，但題材跟台灣社會的文化差異太大了，很難搬上舞台。」

曾經大量寫作，自嘲現在除了臉書幹譙文就沒有文字創作，對李育昇來說，身在這個大量閱讀圖像的時代，不論是讀書寫字或看美國影集都是創作養分，「我通常都是睡覺前，一個人很安靜的時候會看影集。最近在看『漢尼拔』配宵夜，好像不太好。」

縫紉機是個很奇妙的機器，跟工廠裡那些看起來強壯威猛的重型機具不同，縫紉機專做些小針小線的小小活，面對的是脆弱柔軟的布料，從量身到剪裁，縫製衣服是相當私人且溫暖的體驗，好像他的手輕輕撫觸著你一樣。他用那把家傳的布剪和縫紉機，踏板跟針來回鉤穿，上上下下，重複做著一樣的小事，線穿過線布靠緊布。這是人類生活中最基本的一項需求，一件讓自己安心且無畏風寒烈曬的衣服，可以告訴別人我是誰的衣服。縫紉機看起來小小的，但在微小中卻蘊藏極大力量，就跟李育昇一樣。

工作法寶

布剪

家傳的裁縫專用剪刀，刀柄上寫著「舞妓」兩字，跟「庒三郎」皆出自日本相當知名的剪刀名門。剪起布來俐落乾淨，最重要是有種傳承之感，曾經握在父母手中，而今輪到他來保管。

大黑袋跟工具箱

原本是專門放婚禮服裝的大袋子，剛好可以裝進一整套婚紗。現在則是他裝戲服或大型服裝道具的袋子。前側夾袋則放著近期的發票和請款單，「這個袋子千萬不能搞掉啊！」李育昇笑說。紅色工具箱則放剪刀、線材等即時可派上用場的工具，如遇緊急狀況可見機行事，現場施工。

iPad

許多工作上的資訊、筆記或數據，李育昇都丟進iPad，「Line應該可以說是我最重要的一個工具吧，很多即時資訊在上面。」iPad有著手繪的角色草稿，布市的攻略地圖，「自己畫的，需要的哪塊布，在布市的哪個角落，怎麼走，一定得畫地圖不然我會迷路。」