PAR 表演藝術雜誌

幽暗中，連綿起伏的電子節拍揚起內心躁動的慾望，卻只見慢速緩行，狂歡灑脫的年少肉身。《群浪》（Crowd）透過視聽衝突，營造出如電影般的迷離氛圍，讓人凝視青春的自由與揮霍。以當代偶戲著稱的法國導演吉賽兒．韋安（Gisèle Vienne）這次捨棄物件、回歸身體，帶領觀眾探究外在和內心的矛盾。自2017年首演以來，《群浪》橫跨歐、亞、美三洲，深獲好評。這齣獨特的舞作脫離強調表現技巧、顯著形式的編舞語彙，反而從內在探尋動作發展的無限可能。

擅長以人偶同台、建構舞台敘事的韋安，超越戲劇、舞蹈、裝置等形式邊界，營造出獨樹一格的創作語彙，成為歐陸劇壇舉足輕重的跨領域導演。她透過隱晦、幽微的舞台意象，呈現個人與社群之間的衝突，邀請觀眾深入人性矛盾。舞台上震撼人心的聲光效果，也開展出超越現實的想像空間。無論是描繪渴望被愛的《池塘》（L’étang，2020）、逃離家庭暴力而闖入科幻宇宙的《Extra Life》（2023），韋安以青年男女作為主角，探討孤單靈魂的脆弱、易感、潛在衝動，以及他們如何在糾結複雜的人際網絡中尋求存在的價值，一如《群浪》中追求極致感官、宣洩慾望的男女群像。

激發感官的平民儀式

《群浪》最初的靈感並非銳舞派對，而是當代慶典。韋安花了2年投入《春之祭》的研究，從尼金斯基（Vaslav Nijinsky）的芭蕾經典到畢娜．鮑許（Pina Bausch）的現代詮釋，她想要重塑一場以肉身極限頌揚集體生命的平民儀式，尋找激情迸發的表演形式。調研過程中，韋安想起年少時流連柏林夜店的感官體驗。1990年代的柏林興起標新立異的非主流文化：同志族群、迷幻藥物、電音派對占據廢棄空間，構成一種另類烏托邦。這種放縱不羈的派對風潮確實體現了一種毀滅與重生並存的儀式性，同時也反映出世紀末之前交融恐懼及狂喜的時代氛圍。

為了營造柏林夜店既狂歡又墮落的氣氛，音樂成為整部創作的重要關鍵。由英國實驗音樂大師Peter Rehberg擔任音樂設計的《群浪》著重電音發展的歷史脈絡，從美國的「底特律電音」（Detroit techno）（註1）到德國實驗音樂先驅Manuel Göttsching（註2），讓舞台沉浸在開啟當代聽覺感官的新紀元。

從文本出發的編舞創作

創作初期，韋安特別安排派對式工作坊，讓舞者隨著綿延不絕的電音節奏，自由起舞。導演則和戲劇構作庫柏（Dennis Cooper）在旁側寫每個人的舉止和反應，以勾勒角色輪廓。《群浪》其實並非是一齣純粹的編舞作品，它的內容建立在文本之上。排練過程中，庫柏會和表演者合作，發展人物的心理狀態、角色關係，建構出一種層次多元的文本。有些故事源自舞者的親身體驗，有些則是他們一起虛構出來的情節。這些潛在敘事並非只是用文字描繪的情境，而是透過討論推展角色的想像與行動，構成一種派對的世界觀。

整部舞作融合紛雜的故事線，就像是一種混音，導演可以依照畫面需求，隨時調整敘事的能見度，同時又邀請觀眾主動觀察，並給予他們開放的詮釋空間。韋安和庫柏長年合作的模式就是如此，他們並不創造故事脈絡，而是探索文本、語言、沉默、在場和不在場的關聯，用視覺、聽覺、理性思維、感性知覺建立一種嶄新的舞台書寫。

當下的在場

排練時，韋安會用不同的練習，帶領表演者意識自己的內在狀態和周遭環境，讓他們的身體沉浸在全面性的感官體驗。他們得思考如何用肢體語言、舞蹈技巧、表演形式、心理動機，鋪展演出架構，也必須開啟感知，了解怎麼呈現內外衝突，及時間和空間之間的複雜關聯。每次排練前，表演者首先得冥想45分鐘，再展開45分鐘的即興發展，尋找真實的行動，接著才會複習舞步技巧，然後再花1小時感受整體舞台空間。最後，他們才能無拘無束地投入這場喧鬧的派對。

《群浪》的表演者並非模仿、詮釋動作的舞者，而是同時思考及感受當下的肉身。韋安捨棄取悅觀眾的舞蹈，反而要求表演者在舞台上真實地存在，藉由個人感知，展開外在行動。他們必須維持清晰的意識，同時保持開放的感官，才能聆聽心中的感受，注意到外在的變化。他們的嬉鬧絕不是佯裝，而是建立在彼此信任之上的真誠互動。儘管《群浪》仍維持舞台與觀眾相隔的鏡面關係，但表演者的狀態卻營造出沉浸式的效果，讓劇場從呈現變為體驗。

交疊的時間感

有別於強調動感的編舞作品，《群浪》刻意用慢速處理運動，並透過多元化的手法剪輯動作，讓一連串的舞動分解成姿態，並可以隨著節奏營造出重複、斷裂、暫停、變速等多樣性變化。急速電音節拍與緩慢行動的結合，產生超越理性和感性的出神效果，讓人感受到時間感知的扭曲。聽覺上，分分秒秒彷彿如風馳電掣般行進，視覺上則突顯一種時間的擴延感，給人一種用放大鏡觀察、剖析動作細節的錯覺。

透過動作、音樂、燈光的變化，韋安企圖交疊不同的時間感，讓人陷入一種時空錯置的幻覺。她想要在舞台上具體形塑自己生命記憶中的感官見證。服裝、道具、音樂的選擇刻意脫離當代夜店的浮誇風格，營造一種復古時代感（vintage）。燈光設計則透過幽微變化，讓舞台時間不斷地被延展，在幾分鐘內營造數十年的光影變遷。表演者重複且變奏的緩慢行動則給人一種回憶片段相互交疊的感受。對韋安來說，這就是劇場最奇妙的地方，表演者和觀眾共同經歷一段真實且客觀的時間，但每個人主觀的時間感卻有所差異。韋安其實運用體感經驗製造感官的落差和感知的矛盾，這種錯位的手法解構了理所當然的文化符碼及形式，讓人們探究其中的複雜層次，進而質問自己何謂真實的體驗。

註：

1. 「底特律電音」起源於1980年代中期的3位DJ：Juan Atkins、Derrick May和Kevin Saunderson組成的團體「Belleville Three」。受到德國發電廠樂團（Kraftwerk）啟發，他們開始使用合成器和鼓機製作電子音樂，並結合House和Funk的曲風，構成循環的電音效果。
2. Manuel Göttsching融合電子吉他演奏和合成器，成為德國實驗搖滾運動的先驅。1984年他的首張專輯《E2-E4》透過混音，將電吉他演奏組成無休止的重複旋律，成為電音的經典之作。