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焦點專題 Focus 衛武營歌劇里程碑跨越傳統與現代的橋梁 《羅恩格林》首現台灣舞台
在我們習以為常沉浸的歌劇中，華麗的詠歎調、明確的分幕與耳熟能詳的旋律，構築出義大利歌劇的魅力與親切。然而，當一座劇院歷經10年耕耘，累積了觀眾的欣賞品味與藝術實力之後，是否能勇敢地踏出熟悉的範疇，迎接一位被視為不容易認識透徹，卻又極具深度的作曲家？2025年夏天，衛武營國家藝術文化中心（以下簡稱衛武營）將用行動作出回答透過一部從德國萊茵歌劇院引進、風格大膽、設計深刻的《羅恩格林》（Lohengrin），開啟一場穿越古今、橫跨現實與神話的美學對話。 10年磨一劍，15部劇作鋪路而來 衛武營自2015年成立推動小組促成與德國萊茵歌劇院及美國林肯藝術中心的合作以來，衛武營便將「歌劇共製」納入長遠藍圖。從2018年開館至今，15齣義大利經典與現代詮釋的歌劇已陸續登場。涵蓋《創世紀》、《驚園》、《杜蘭朵》等國際共製，也包括全本的《茶花女》、《諾瑪》、《魔彈射手》，《費黛里歐》、《尤金．奧涅金》、《憨第德》等音樂會形式，更有當代歌劇《天中殺》及前衛歌劇《創世紀》等作品，參與團隊橫跨全球多達 20 個劇院與團隊。 一一數來，藝術總監簡文彬與團隊發現：「大家可能對義大利風格的歌劇作品比較熟悉，經過這些之後我們想，現在好像可以和觀眾一起挑戰一個更具重量的作品。」 回望與前行：《羅恩格林》的時代意義 「事實上，如果搜尋史料，就會發現《羅恩格林》在華格納所有作品中，是最有義大利風格的一部。」簡文彬總監指出，這部1850年首演的歌劇，在音樂風格與戲劇結構上，仍保留著傳統義大利歌劇的特質。反過來說，《羅恩格林》對其他作曲家的影響也不可忽視。「威爾第自己也說過，包括《羅恩格林》裡的配器，在他自己的作品裡也可以找到幾乎是平行的對照。」簡文彬說，這樣的影響在《阿依達》開場的序曲特別明顯，甚至可以說那段音樂邏輯與《羅恩格林》的序曲幾乎如出一轍。這樣的觀點也突顯出華格納與威爾第這兩位19世紀歌劇巨擘之間潛藏的相互對話。 此外《羅恩格林》更是華格納風格轉變的分水嶺。「這是華格納最後一齣以『歌劇』來稱呼的作品，之後他就全面轉向『樂劇』。」簡文彬認為，相較於《指環》這類龐大樂劇，《羅恩格林》既具備可辨識的段落結構
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焦點專題 Focus「在那遠方，你們走不到之處」：華格納的《羅恩格林》（上）
在華格納（Richard Wagner，1813-1883）的整體歌劇創作中，《羅恩格林》（Lohengrin）有著承先啟後的地位。雖然它一般被視為作曲家最後一部浪漫歌劇，但在音樂結構上，如同其後的作品，《羅恩格林》已是很清楚地以一幕、一景為單元寫成；在戲劇層面上，大量的群眾場景、人物的互動則依舊不脫19世紀法語大歌劇（Grand opra）的樣態。另一方面，寫作《羅恩格林》到首演期間，華格納由德勒斯登宮廷樂長到流亡他鄉，是其人生的一大轉捩點。 從構想到首演：歷史與命運的交錯 應在1841╱42年間，華格納已接觸「羅恩格林」相關題材。在完成《唐懷瑟》（Tannhuser，1845年首演）後，他於1845年夏天開始寫作劇本，於1848年4月28日完成總譜。1848年9月22日，為慶祝德勒斯登宮廷樂團成立300年，華格納在宮廷劇院音樂會安排演出《羅恩格林》選曲，為第1幕由傳令官宣布決鬥開始至該幕結束，由其親自指揮。全劇原計劃於德勒斯登首演，準備工作都在進行中，卻因華格納同情革命的行動，為避免被捕，他於1849年5月9日離開德勒斯登；一週後通緝令發佈，《羅恩格林》首演計畫自然付諸流水。1850年4月，華格納寫信給在威瑪的李斯特（Franz Liszt，1811-1886），請求他設法安排該劇演出。李斯特一本大力支持華格納的立場，於同年8月28日，歌德（Johann Wolfgang von Goethe，1749-1832）101歲生日當天，在威瑪指揮該劇首演，並撰文大力推薦這部作品。（註1）華格納自然想親身參與首演，但被李斯特鄭重警告並嚴厲拒絕。華格納未能在場體驗作品成功的首演，是他生命裡的一大憾事。1871年11月1日，《羅恩格林》在波隆那（Bologna）演出，是華格納第一部在義大利被演出的作品，相當轟動，不僅掀起年輕一代義大利作曲家的華格納風潮，也影響了威爾第（Giuseppe Verdi，1813-1901）之後的創作。次年，華格納獲頒該市榮譽市民的頭銜。
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焦點專題 Focus「在那遠方，你們走不到之處」：華格納的《羅恩格林》（下）
阿多諾（Theodor W. Adorno，1903-1969）在他的《試論華格納》（註1）一書中，由不同角度出發探討華格納其人其作品，並批判其歌劇創作，對20世紀後半以降的華格納研究有著指標性的影響。在〈色彩Farbe〉一章裡，阿多諾以罕見的語氣高度讚誦華格納的「配器藝術」前無古人，他使用樂器有如畫家使用顏料，自行調配出需要的色彩，用以作樂。阿多諾並引述理查．史特勞斯（Richard Strauss，1864-1949）的話語，稱華格納的每一部作品都有其個別的配器風格，亦即有其獨特的「樂團」，既使在看似風格統一的《指環》裡，4部作品亦各有其聲響個性。阿多諾清楚指出，「配器師」華格納的「樂團藝術」始於《羅恩格林》，如同史特勞斯的建議，初學者要好好學習該劇「精細的木管混合方式」。透析《羅恩格林》前奏曲，即可明白阿多諾的讚嘆。 《羅恩格林》前奏曲的聲響結構 《羅恩格林》前奏曲開始的4小節在A大調和弦上展現一個沒有時空感覺的聲響。其手法為將樂團分成3組：4部小提琴為一組、兩支長笛與兩支雙簧管為一組、4支拉奏泛音（Flageolett）的獨奏小提琴為另一組，3組以不同的時間先後進入。因著重疊進來的方式，各組個別開始的時刻被遮蓋掉，這亦是這幾小節音樂結構的原則，要壓抑製造出聲響的樂器本身的特質。之所以選擇A大調之原因應在於小提琴拉奏泛音效果的技術條件，A大調亦是《羅恩格林》的調性。接著，在一個完全由高音、沒有低音的聲響帶構成的光環中，小提琴呈現了聖盃動機。藉著和聲手法，讓音樂上的時間結構得以維持在飄蕩狀態；阿多諾稱其為「時間魔幻的停滯」。 當木管群進來時，首席長笛、首席雙簧管和首席單簧管組成一個混合聲響，抹去個別樂器的音色特質。在木管樂器之後是一個由中提琴、大提琴及法國號完成的混合聲響；最後是重的銅管樂器。每當新的樂器群演奏著主題進來時，原來為主體的樂器就會退居音型伴奏的地位。因之，木管群的混合聲響進來時，小提琴即退居伴奏，扮演水平的音色結構的仲介者。依此類推，當銅管樂器進來時，中提琴、大提琴則歸位傳統的絃樂4聲部，成為樂團的基底功能。 這個看似配角的仲介者，其實一直向前或向後移動著，維持了整個音樂進行天衣無縫的連續性。另一方面，法國號和伸
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音樂首度與梵志登合作 曾宇謙暌違5年演繹布拉姆斯經典協奏曲
今年9月，台灣樂壇將迎來一場令人期待的首次交會。柴科夫斯基國際音樂大賽得主曾宇謙與長榮交響樂團駐團藝術家梵志登（Jaap van Zweden）攜手，詮釋布拉姆斯D大調小提琴協奏曲。這場演出不僅是兩位音樂家首度合作，更標誌著曾宇謙睽違5年、重新演繹這首協奏曲的重要時刻。此外，樂團也即將演出貝多芬的《艾格蒙》序曲及布拉姆斯c小調第一號交響曲，以饗樂迷。 選擇布拉姆斯小提琴協奏曲作為合作首演，對曾宇謙而言別具意義。即使從少年時期即已開始演奏這首樂曲，但為了維持樂曲的品質，他刻意將曲目封存沉澱。此次將它重新拿出來演奏，掐指一算已經5年，一上手，他便感到自己「有進步」。他坦言：「這幾年透過演奏布拉姆斯的其他作品，包括獨奏會、室內樂等，讓我對他的音樂有更深入的理解。」所以現在覺得可以將這首曲子重新拿回來演出了。曾宇謙認為：「真正的進步，是透過時間與生活經驗的累積。放下一段時間再回來，或經歷更多布拉姆斯作品的演奏，都讓我對這首曲子有更深的理解與詮釋。」如今再度回歸，他不但重新思考結構與運弓方式，在詮釋與技術之間取得新的平衡，也對整體樂句的理解、細節的處理有更多想法。 布拉姆斯小提琴協奏曲以其龐大編制與高強度的演奏需求聞名。曾宇謙認為，真正的挑戰在於如何於樂曲進行中維持體力與音樂的張力。「這是一首需要維持40分鐘爆發力的曲子，要避免聲音太衝、太粗糙，同時又要與樂團融合、交織。」為了應對演出所需的體能，他平時透過游泳、慢跑與核心訓練保持狀態，並注意避免對手部造成過多負擔。
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說戲被監管的創作——從《楊門女將》採藥老人說起
國光演出時遇見以前教過的老學生，真是老學生，從清華中文系畢業30多年了，而她竟記得當年我曾帶她們到台北的劇場看京劇！ 這是作為老師最欣慰的一刻！ 我應該是第一個在大學開「當代戲曲」課程的老師。提起戲曲，一般就只是關漢卿、湯顯祖、洪昇、孔尚任，沒人意識到還有「活著的人」在編戲曲。大學有「現代文學」課，包括小說、散文、詩，也有現代戲劇，但從沒有現當代戲曲。我開這門課，當然不能只讀文本，每次上課都抱著10幾捲錄影帶當教材。其實它們是同一部戲，但因我並非全播，而是精挑片段，技術上就要先拷貝10來份，各自找出不同的起始點，上課時依序按編號播放講解，所以這些戲我反覆看過近百遍，爛熟爛熟，但「現場」仍是無可取代。1993年中國京劇院首次來台，名角大師雲集，怎能不帶學生親臨現場？那是沒有高鐵的時代，從新竹到台北是一段「旅程」，記得我好像還幫學生辦了保險，戲碼呢，當然精挑細選。 挑戲必須穩準狠，這是學生第一次進劇場，萬一不喜歡就沒第二次了。忍痛放棄《龍鳳呈祥》、《群借華》、《鳳還巢》、《霸王別姬》、《失空斬》，認準故事新鮮動人、表演可觀的《春草闖堂》與《楊門女將》，事後證明我沒選錯，學生喜歡得不得了。 看完戲，我們持續討論，學生都很興奮，而我的情緒較複雜，我比年輕人多一層蒼涼感慨。 《楊門女將》拍攝時演員都才20出頭，看了近百遍的我，印在腦海中的是他們的青春容顏，而在台北劇場親眼見到的穆桂英和佘老太君，都已超過60歲，看戲時情緒激盪，這40年辰光是誰偷走的？值得慶幸的是居然仍是原班人馬，我一一在腦海中把他們的前後段人生相互比對，只是演到最後，採藥老人出場，一看字幕，怎麼不是畢英琦？錄影帶裡的畢英琦呢？我焦急慌亂了多日，打聽到結果，原來他30多歲就已病逝。得知的當下，我止不住爆哭，對方問：「妳認識他？」我怎會認識他？但他的採藥老人陪伴我半生。 這層感慨，我沒對年輕的學生說，而我沒說的還有另一層，這麼好看的戲竟都是在極端不自由、思想受箝制的時代編出來的。 我們都說政治不該干預創作，創作應享有全然的自由，我們說這是天理，但有天理嗎？因此我特別尊敬在被監控的狀態下端出好戲的創作者。本篇先從《楊門女將》說起。 《楊門女將》原本是揚州戲，范鈞宏改編為京劇，楊家為遠
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香港藝術發展局資助公布 有保留有刪減讓藝團面臨挑戰
香港藝術發展局（藝發局）在2025年初公布修訂資助政策，為了加強藝術團隊的流動性與讓更多藝術家受惠，除了取消年度的3年資助，只設2年和1年資助外，本來只有獲資助藝團能申請的額外資助計畫也取消，所有藝團都需在計畫資助的「大海」內碰運氣。 每年藝發局的年度資助期由7月1日開展，以往為了讓獲資助藝團有比較充裕的時間去開展工作計畫，一般來說會在3週或4週前通知結果，今年不知是否受修訂資助政策和藝發局行政總裁更替的影響，藝團遲遲未獲任何有關資助結果的消息，加上政府銀根緊張，以及很多外圍因素的衝擊（如世界性的經濟下行和國際政治局勢不定），早前由政府直接資助的「九大」旗艦藝團已被削減資助，讓中小型資助藝團的不安全感更是強烈。 最後藝團在6月30日分別收到通知，本年度有不少藝團受到不同程度的影響，包括「影畫戲」和「同流」兩個戲劇團體不獲資助，另外有兩個劇團則由獲3年資助變為只獲1年資助，其他如「前進進戲劇工作坊」、「劇場空間」等都保留在2年資助的名單內，資助額都沒有太大改變。另外「光影作坊」和「藝術到家」兩個視覺藝術團體都不獲資助，另有藝團的資助額則大幅削減。 此外，國際演藝評論家協會（香港分會）、社區文化發展中心兩個屬跨媒體資助的組織，亦只獲1年資助，資助額亦被削減10%；舞蹈方面則有3個藝團只獲1年資助；連八和粵劇學院亦難逃落入1年資助的境地。藝發局在15年前因應藝團長遠發展和減省行政程序，推出3年資助多年後作出如此修訂，在加強藝團的流動性的同時，亦相對更容易從資助增減上管理藝團出入這個機制的可能性。政府目前大力以KPI衡量部門成績，受資助藝團目前也似乎更得在量化（如觀眾數量）的成績上做出增長，才合乎當下「發展」。這樣的寒冬不見得是短期現象，而整體看來文化資助在各地城市亦不見增長，可以預期的是，藝術家們將面對疫情後的大挑戰。
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宇航的戲曲手記流派應該是一渠活水
後人癡迷流派，時常固執地活在「如果梅蘭芳還活著就好了」的非現實臆想中；後學崇拜創派大家，容易墮入簡單概括、淺顯模擬的泥沼。未曾經歷藝術麵糰被揉搓、被發酵、被蒸騰的完整經歷，一味只想直接吃蒸熟的藝術饅頭，「拿來主義」給自己戴上緊箍咒，束縛了藝術馳騁的臂膀。我覺得在傳承的根基上，自體自量、自思自表的創意歷程才是最美麗的藝術旅程。
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藝@書我的越南母親、哥哥與他人
2024年12月，台越新二代的蔡定邦以攝影書《本是同根生》獲得「巴黎攝影節光圈攝影書獎」（Paris Photo－Aperture Foundation Photobook Awards）當中的「第一本攝影書獎」（First PhotoBook Award），這是台灣創作者第一次獲得這個獎項（註1）。今年7月，哈蘇基金會（Hasselblad Foundation）宣布2025年國際攝影書出版贊助金名單（註2），蔡定邦再以《水噹噹的金雲阿姨》和波蘭攝影師Paweł Starzec《Makeshift》分別獲得10萬瑞典克朗獎金（新台幣約30萬）。短短半年，這位年僅26、國小學歷，影像靠自學的年輕攝影師，因接連獲得國際獎項受到矚目。 獲獎之於蔡定邦，不只是得到加速攝影書出版的經濟資助，實現「被看見」的想望，透過他的鏡頭，也呈現了越南女性移民及其後代錯綜複雜的生命歷程。
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戲曲夏日裡談情講鬼 《牡丹燈籠》密縫台日傳統打造新美學
近年老戲新編與翻玩經典雙頭並進的布袋戲團「不貳偶劇」，即將於農曆7月前夕，於臺中國家歌劇院搬演台、日志怪偶戲《牡丹燈籠》。團長郭建甫從燈籠與鬼魂雙生雙映意象出發，提取布袋戲形式，放大於操偶師與真人演員身上，並細緻拼貼南管梨園戲、布袋戲、能樂等多樣傳統表演元素，編織出當代鬼怪故事的嶄新滋味。在炎日夏日裡，即將為觀眾帶來無比清涼、且感官豐沛的鬼故事新體驗。
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音樂莊東杰帶領北市交 打造夏日午後燦爛
「夏日音樂漫步」作為TSO自2024年起推出的夏季系列活動，透過輕鬆、跨界的編排設計，為樂季與暑假之間注入清新氣質。這個8月，現任德國波鴻交響樂團音樂總監莊東杰將率領台北市立交響樂團（TSO）於中山堂，呈現兩場風格輕快、戲劇感十足的夏日音樂會。 首先，莊東杰將由李姆斯基‑柯薩科夫《沙皇的新娘》序曲拉開序幕，隨後由張凱閔演譯蕭邦《E小調第一號鋼琴協奏曲》；這位入圍蕭邦國際鋼琴大賽的年輕鋼琴家，目前是樂迷眾所期盼的選手，在今年賽事前夕的演出不但展現他的優秀琴藝，也能藉此累積更多與樂團合作的經驗。下半場為TSO本樂季紀念蕭斯塔可維奇逝世50年的節目重點之一，即將演出作曲家為劇場樂團而作的組曲。莊東杰解釋：「這是一首少見地將手風琴、吉他與薩克斯風融入交響樂團中，營造出接近小型劇場的作品，總共8首組曲，全曲有25分鐘，但加了這幾個樂器，就會出現讓樂團出現小酒館的聲響質地。」
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焦點專題 Focus酷派爵士風 經典Cool一夏
盛夏台北，熱浪一波波襲來，街道上急促的腳步與空氣裡懸浮的濕熱令人煩躁。然而就在城市的心臟地帶，兩廳院悄悄張開一道清涼的音樂縫隙，邀請我們走進另一種夏天的可能一個用節奏緩解焦躁、以旋律洗滌思緒的季節性避風港。 爵士樂的世界一向多元而包容，每一種風格都有它的聲音性格。但今年，兩廳院夏日爵士派對特別聚焦於那一抹冷靜、克制、講究結構與質地的「酷爵士」（Cool Jazz），一種不急於說話、卻總能在最不經意的時刻讓你屏息傾聽的音樂態度。它不是冰冷的距離，而是溫潤的深思；不是華麗的技巧炫技，而是優雅地說出內心。 這樣的精神貫穿今年的節目策劃：從邀請國際樂手登台演出的鋼琴家佛萊德．赫許（Fred Hersch）啟幕，到近年在爵士界掀起風格討論的爵士歌手瑟希兒．邁可羅恩．薩爾凡特（Cecile McLorin Salvant）。前者是細膩的傳奇爵士鋼琴詩人，而後者的音色不柔美卻極具穿透力。此外，還有與山林對話的高海拔音樂現場、劇場裡如同沉思小品的Cool爵士夜晚，表演場域與音樂風格交織出多重層次的夏日體驗。 其中最令人感到溫柔而堅實的連結，是多年來參與兩廳院夏日爵士音樂節、同時為台灣培養跨世代爵士小號手與編曲家的麥可．摩斯曼。他的存在就像這場音樂節的基底，不張揚，但支撐著節奏與信念。他年輕時曾與酷爵士的兩位傳奇人物 Gerry Mulligan 與 Lee Konitz 同台演出，如今則以教育者與創作者的身分，在這片土地上播下更多種子。 不只在劇場裡，今年的爵士派對也將音樂帶出戶外，透過一年一度的戶外派對設計，把爵士從各種場內解放出來，與夏日的空氣、草地與觀眾的身體一起呼吸。在那裡，爵士是一場讓人會心一笑的驚喜，也是一個屬於大眾的盛宴。 在這樣一個節慶裡，「酷」不只是姿態，而是一種對節奏與情感的真誠回應；「經典」也不只是復古，而是對美感與風格的當代表達。當旋律慢慢沁入耳中，我們彷彿聽見了那句關鍵的邀請酷派爵士風，經典Cool一夏。
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焦點專題 Focus 佛萊德．赫許、瑟希兒．邁可羅恩相繼來台優雅之必要，當代爵士的兩種靈魂
從街角巧遇到生命對話佛萊德．赫許與鋼琴的漫長修行 第一次聽到佛萊德．赫許（Fred Hersch）作品，是1991年12月在東京某家小唱片行。那年冬天很冷，開完會後氣溫降到接近零度。為了趕快回到旅館，一走出車站就小跑前進。 在某街角聽到一陣像是比爾．艾文斯（Bill Evans）和圖茨．蒂勒曼斯（Toots Thielemans）一起演奏的音樂；那聲音如此美妙，讓人忘卻寒冷，不由駐足聆聽。以當時對爵士樂淺薄的認知，雖然有點疑惑，但還是認為應該是兩位大師合作的專輯《契合》（Affinity）。沒想到一曲結束後，居然聽到蓋瑞．伯頓（Gary Burton）和艾文斯的合演！這下有趣了，馬上確知這絕對不是那張專輯，而是某張從未聽過的作品。 循聲取徑，找到家很小的唱片行；店主為了招睞客人，大寒天卻開了點窗，讓店裡的樂音得以流到街上，果然引來客人。 詢問後才知，這個演奏得酷似艾文斯的音樂家就是赫許，前一年日本唱片公司「爵士城」（Jazz City）邀他錄製發行了一張向艾文斯致敬的作品《艾文斯本質》（Evanessence）。這是我第一次聽到這個名字，也是對他的第一印象：比艾文斯更艾文斯的鋼琴家。 之後幾年，陸續聽了赫許向孟克（Thelonious Monk）致敬的獨奏，以及用三重奏和大樂團編曲演奏史崔洪（Billy Strayhorn）作品的專輯，才知道，第一印象是錯的，赫許是什麼都會的超級高手！ 進入21世紀後，一些人（例如我）突然聽不懂赫許的新作品了，總覺得他彈奏的旋律常常變得極為複雜，像是一團找不到脈絡的線。後來讀了一些他的自述和訪談，原來是因為他非常喜歡絃樂四重奏的形式，喜歡讓多個聲部既獨立又互補，演出時，往往心分二用，甚至三用，同時在兩三個聲部即興演奏！這種強悍的演奏能力，即使在天才輩出的爵士樂壇，也極少見！
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焦點專題 Focus瑟希兒．邁可羅恩：謬調醜唱，唱出爵士新方向
來自多文化背景的瑟希兒．邁可羅恩．薩爾凡特（Ccile McLorin Salvant）是新世代最受矚目的爵士歌手之一，歌藝絕佳，選曲眼光獨到，更在既定的道路之外走出新方向。 特立獨行的爵士新星 在爵士歌手的專業領域中，演唱諸如收錄於《美國經典歌曲集》（Great American Songbook）中的標準曲目是基礎能力，無論哪個世代，但凡能透過高度個人化再詮釋或高超擬聲唱法來呈現前述經典的歌手，都能在爵士樂壇站穩腳步，然而瑟希兒能做到更多，她勇敢選曲，除了挖掘罕見作品，也透過獨樹一格的「醜唱」技巧，為美國早期流行經典或黑樂（註1）史上的重要作品，開展新的生命。 瑟希兒擁有寬廣的音域，低音渾厚，中音嬌甜，高音清潤，即便在極限音區也能保持清晰的咬字，除此之外，她節奏感極佳且穩定，總能將歌詞本身的文字韻律融入歌唱中。仔細聆聽瑟希兒的歌聲，可發現她聲音的質地會隨著演唱內容而變化，有時前一句還捏細嗓音唱著生活辛苦，後句便音色一沉呼出一聲低吼，她不只歌唱，更是藉著歌聲演繹某個角色，呈現出絕佳的戲劇感。 2010年奪得孟克國際爵士大賽（Thelonious Monk International Jazz Competition）之後一炮而紅，爾後加入唱片大廠Mack Avenue Records發表了4張專輯，瑟希兒的作品在2014至2019年間屢屢獲得爵士樂壇重要獎項，包括3座葛萊美最佳爵士歌唱專輯獎，且兩度由《DownBeat》雜誌樂評挑選為年度最佳專輯，可說攀上事業巔峰，但她的藝術方向在2019年後漸漸發生
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焦點專題 Focus 《海拔之上》與《酷爵士》飛越山巒與酷派，兩場超級令人期待的夏日爵士饗宴
夏日，是最迷人的季節，到了夏天，總有「兩廳院夏日爵士派對」，為樂迷帶來一場又一場精采絕倫的爵士現場，每一位音樂家、每一個團體，以及所有參與其中的樂迷，大家充滿感染力的創意能量，彷彿讓整座城市的節拍律動都鮮活了起來。 聽見風景的聲音：羅妍婷六重奏「海拔之上」 今年，我想特別推薦其中兩場演出，首先，是拿下多座金音獎與國際音樂獎項的爵士唱作人羅妍婷六重奏的「海拔之上」。 可能有讀者會說，幹嘛啊，寫樂評一定要這麼假掰？還「爵士唱作人」，你講爵士歌手不就解決了？但還真不只是這樣！首先，這個詞我也是從本地音樂節的介紹看來的，再來，羅妍婷還真不是歌手兩個字可以概括的，她寫詞、作曲、演唱、編曲、組建並指揮樂隊，一個人做了非常多事情，上次看現場，她笑說自己還得兼任主持人！ 「海拔之上」的曲目，延伸自羅妍婷最近的EP project 《Land Forms》，以音樂描繪地形風貌，主題來自創作者親身走訪過的風景記憶，也許是山脊，也許是群島，或者高地、沙丘。羅妍婷的音樂，像是她釋放出自己想像力的無人機，盤旋飛掠於地表之上，忽高忽低，觀察的鏡頭，卻總能聚焦於地貌景致當中，富有詩意的標的物。 欣賞羅妍婷的樂曲，最重要的是要放鬆。將你的心神沉浸寄託在她的音樂之上，真的很容易就可以感受到什麼叫做「乘著歌聲的翅膀」。讓她載你在廣袤的空間中翱翔，用一句她自己的話來說，就是讓你「用音樂看見大自然」。羅妍婷的歌曲很有個性，除了心思細膩、創意時有驚喜的歌詞外，音樂上，她是很擅長炫技的。你可能從一個舒緩，很吸引人的動機樂句開始跟著往前走，沒多久，旋律延展下，就會發現音樂變得非常華麗複雜，樂團成員各自快速應和。羅妍婷自己甚至已經開始使用「吟唱」（scat）的技法，撇開了有敘事意義的歌詞，將人聲變為純粹的樂器，加入了樂團的合奏即興之中，音符瞬間碰撞，閃爍著耀眼的火花。像是靈魂出竅，跟著羅妍婷想像力的無人機，穿梭在精巧的煙火秀當中，給你一幅又一幅超近距離的煙花迸發特寫。或許，一直要等到無人機回航落地，心神初定的你才驚覺：「啊啊啊！剛剛的景色是如此奇幻！」
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焦點專題 Focus麥可．摩斯曼：酷派不耍酷，透過旋律線條看見彼此真實樣貌
超過四分之三世紀和一片太平洋的時空距離，讓2025年台灣和1950年代美國短暫相連的，是酷派爵士內斂舒緩的樂音。 爵士樂就是有這種跨越時空的能力。多年來參與兩廳院夏日爵士音樂節、為台灣培養跨世代優秀爵士音樂家的麥可．摩斯曼（Michael Mossman），也就是這麼與爵士結下不解之緣。出身賓州的他，自小學習小喇叭，「但我實在不怎麼喜歡學校練的音樂，於是總是打開廣播電台聽爵士樂」。從天普大學（Temple University）附近電台錄播的樂音，讓麥可．摩斯曼認識了克里福．布朗（Clifford Brown）、伍迪．蕭（Woody Shaw）和李．摩根（Lee Morgan）這幾位歷史知名的爵士樂手，甚至拿出小號與佛瑞迪．赫巴德（Freddie Hubbard）、吉米．希斯（Jimmy Heath）、和賀比．漢考克（Herbie Hancock）等人合奏。 上了大學的摩斯曼，繼續同時修習古典樂與爵士樂。後來來到紐約，坦承「我很幸運，當時許多開創門派風格的爵士傳奇都還健在，讓我有機會親臨現場，甚至與他們共同演出。」他加入萊諾．漢普頓（Lionel Hampton）、迪吉．葛列斯彼（Dizzy Gillespie，後開創咆哮樂）等人帶領的大樂團，與前衛爵士樂手洛斯可．米契爾（Roscoe Mitchell，為美國芝加哥前衛爵士團體「Art Ensemble of Chicago」團員）與安東尼．布雷斯頓（Anthony Braxton）等人同台，也從馬奇托（Machito）、提托．普提（Tito Puente）、艾迪．帕米耶利（Eddie Palmieri）以及雷．巴雷托（Ray Barretto）等大師的合作經驗中，熟悉拉丁爵士的演奏風格，甚至接到當年曾參與邁爾士．戴維斯（Miles Davis）《酷派誕生》（Birth of the Cool）專輯錄製的傑瑞．穆利根（Gerry Mulligan）來電，邀請參與巡演。回憶當年與收音機合奏的兒時想像，日後竟多次成真，讓摩斯曼總是以此鼓勵學生：「只要你認真想像某件事，最終必能使其實現」。
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焦點專題 Focus 2025兩廳院夏日爵士戶外派對3大亮點跨風格、跨邊界，用不同語言唱出爵士的靈魂
如果你覺得只坐在音樂廳裡乖乖聽爵士還不夠過癮，可千萬別錯過2025兩廳院夏日爵士壓軸登場的夏日爵士戶外派對。這場戶外演出根本是整個爵士季的自由靈魂代表，徹底展現爵士樂「打破框架、自由無畏」的本質。你可以放下拘謹、席地而坐，讓音樂隨晚風吹拂，這不是一場拘謹的音樂會，而是一場開放的、即興的、讓你可以放鬆做自己的夏日儀式。
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關於戲劇的五四三《片廠風雲》、《日落大道》、《Sunset Blvd.》的選角
一向喜歡塞斯．羅根（Seth Rogan）的喜劇，今年終於有他的新作了，Apple TV獨家，塞斯．羅根擔任聯合編導與主演的影集《片廠風雲》（the Studio, Apple TV）節奏緊湊、諷刺連發，一鏡到底的喜劇設計機智幽默，找真實世界的好萊塢編導扮演他們自己，更是內行外行的門道熱鬧都顧到了，塞斯飾演的一間片廠的CEO（Studio Head），熱愛電影，卻同時要解決片廠存續的現實壓力，雖然經過誇大，但細節與出發點的事件真實到不行。我一個在皮克斯畫分鏡故事板（Story Board）的強者朋友，也說一切都太真實了，試片、買斷劇本、頒獎典禮、選角、串流收購等等，想起那些看過的好萊塢併購故事：迪士尼買下皮克斯買下福斯、亞馬遜收購米高梅、HBO MAX到底要叫MAX還是HBO；第一集就請出馬丁．史柯西斯，看著看著，令人寬慰，連馬丁的劇本都可以被買下不拍了，其他人還有什麼好擔心？飾演Netflix執行長的還真的就是聯合執行長泰德．薩蘭多斯（Ted Sarandos），甚至還有朗．霍華、莎莉．賽隆、《絕命毒師》布萊恩．克萊斯頓、艾倫．索金等人，觀賞時完全可以感受到塞斯那種「嘿來做這件事！一定超好玩！」的瘋狂熱情。訪談中，塞斯被問到如何說服Netflix執行長來演一個Apple TV的影集，還是一位規定「演員得獎要在頒獎致詞中感謝Netflix」的串流高層完全不用說服，泰德很快回信，表示只要能喬得出行程就參與；塞斯強調，泰德就是一個熱愛電影的人。可以協調出這麼多大咖的時間、意願，佩服塞斯的協調能力跟精采犀利的觀察，要嘲諷內容產業的人，也要先開一個所有內容從業者都會覺得有趣的玩笑，以這些人的挑剔程度，肯定艱難，但這部做到了。 在這樣描述產業、演員真實與故事映照的作品中，想起了看《日落大道》、迷《日落大道》，搜查其中各種梗概的熱情。 《日落大道》（Sunset Bouleverd，1950）是比利．懷德（Billy Wilder）編導的世紀經典，任何時刻點開比利．懷德的電影，都可以深深沉浸在他精采的故事裡，作家編劇出身的比利．懷德台詞精妙，完美運用黑色電影跟喜劇元素，角色紮實結構強大。 屍體在游泳池漂浮著開始說起自己的故事，他是Joe，一個年輕失憶的編劇，因欠債闖入昔日默片巨星、好萊塢的標誌門面
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路邊的日本人「路邊的日本人」大解密！我坎坷的中文自學之路
在一次很嚴肅的提案會議結束後，太太抬起一隻手問我：「你叫這個是什麼？」我說：「手手啊！」她憋笑了幾秒才跟我說，「是『手』，一個字就好，手手只用在跟小朋友或是狗狗貓咪才這樣說的」這對我來說真是晴天霹靂，因為在此之前，「手手」已經陪伴我的教學生涯好多年了，難怪有時候上課時會覺得學生們表情怪怪的，真相竟然如此殘酷啊！
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巴黎第12屆國際偶戲藝術節 跨越物質與人世的邊界
兩年一度的國際偶戲藝術節（La Biennale internationale des arts de la marionnette）自市中心擴展至巴黎近郊，邀請觀眾探索融合工藝、身體、情感的當代偶戲。從2001年創辦以來，法國國家偶戲中心（Le Mouffetard Centre national de la Marionnette）透過這場藝術盛會推廣迸發想像的創作形式，並鼓勵跨領域合作，突顯偶戲藝術在材質與敘事上的多元可能。2025年的第12屆國際偶戲藝術節於5月13日至28日舉行，邀請歐美各國創作者以獨特的美學語言，探討生命與死亡、理智與瘋狂、歷史與未來的邊界，讓偶戲超越美學疆界，介入當代現狀。 出死入生的美學書寫 美國藝術家Lone Wolf（又名Kevin Augustine）以奇幻又詭譎的視覺語彙，營造出一場徘徊在塵世與幽冥之間的旅程。受舞踏啟發的他運用雙手、雙腳操控以泡棉與橡膠製成、肌理細膩的人形雕塑宛如被解剖的殘破屍骸，卻帶有一種溫潤又細緻的手工質感。《肉身演奏會》（Body Concert）透過軀殼與靈魂的互動，突顯生死之間的辯證，提出浮生如寄的存在哲思。
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戲劇娜拉出走之前呢？
《乘上未知漂流去》由成員背景豐富的團隊「二律悖反協作體」打造，主要講述本劇演員妍青的外婆劉華英，在20世紀初的華人離散故事，敘事在華英的生命歷程切片和妍青作為演員本人的自剖獨白間來回接駁。本作有極強的技術、設計及敘事野心，唯在技術形式的嘗試及文本編寫方面，或有待發展。 耳機劇場與身聲分離：從屬於敘事的再現 技術形式上，本劇最引人注意的是表演全程除開場約10分鐘前導外皆讓觀眾戴上頭戴式無線耳機，以現場即時音效播送到觀眾耳中，包含對演員聲音表演及物件造音進行即時創作的形式，嘗試打造沉浸式的劇場體驗。 團隊具備成熟的聲響即時創作能力，精準掌握聲音場域，例如對演員即時造音的音頻循環、改聲效果、不同音層間的平衡，皆處理得恰到好處。《乘上未知漂流去》的技術調度對台灣觀眾來說召喚了兩種當代劇場表演形式：耳機劇場和身聲分離。 前者早前有2017年德國里米尼劇團的《遙感城市》、2019年臺南藝術節《咖哩骨遊記2019．旅行裝》、2022年人權藝術生活節《不易遺忘的聲音們》等（註1）；團隊方面，再拒劇團從2016年起便有「漫遊者劇場」系列創作至今。誠然，這類作品多以遊走形式，強調耳機聲景與環境空間的互動，且多非現場而採音頻預錄演出，與《乘上未知漂流去》在劇場黑盒子演出，重即時反饋有形式上的差異，這使得本作同時帶有「身聲分離」的效果觀眾看演員在台上唇齒掀動、手上操作各種物件，但造音物與觀眾的身體距離，並未反映在聲音對觀眾顯現的效果上，耳機取消了身體的物理距離，看不見的訊號共振使得聲聲響響猶在耳邊，觸手可及。