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演出 戲曲 不只是紀念拜師梅派30年藉《在梅邊之緣》 魏海敏超越自己的人生與藝術
《在梅邊之緣》是魏海敏正式拜梅派大師梅葆玖為師30年後的紀念，說的是種緣分，在大師身旁，也在梅派藝術裡頭。 1982年，魏海敏在台灣已是京劇名伶，卻在赴香港觀賞梅葆玖演出後，深覺自身不足；兩年後，與梅葆玖對上話，也提出拜師的念頭，於1991年的北京正式成為入室弟子。梅葆玖雖於2016年辭世，但梅派藝術始終留存，於是在2022年的今日，魏海敏以三齣梅派戲《洛神》（與温宇航）、《霸王別姬》（與吳興國）與《捧印》，加上三齣與戲裡故事、典故相連的跨界新編作品《洛神引》（王安祈X張逸軍）、《虞兮夢》（采風樂坊）與《楊家魂》（台北曲藝團）為引子，既回應自身於傳統與創新間的位置，也打開這個時代對於經典藝術的想像。
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專欄 ☆＜コ:彡賣夾仙24H選物販賣小舖☆＜コ:彡劇場守則之類的
※演出中為維護觀演品質，演出全程請避免讓您的手機或鬧錶，發出電子聲響及光源影響演出進行，建議將您的手機關機、或調成靜音／飛航模式； 部分劇場空間因規劃設計或空間利用緣故，偶有場外聲響竄音情形；屋頂上的雨聲、天棚上的雨滴漏水、與城市作息一同運轉的垃圾車樂音、改車哥呼嘯而過、Live house試音或群眾鼓噪、市集歡鬧、其他劇場的同時演出、麥克貝重低音（？）等，特此列舉公告，不及備載。 ※劇場及觀眾席內，除瓶裝有蓋飲用水／白開水外，禁止飲食、嚼食口香糖或檳榔；喝西北風、吃虧、吃苦、吃驚、吃螺絲，不在此限，並建請酌情酌量。 ※劇場建物與空間因演出使用緣故，舞台地板上請勿使用亮粉、麵粉、砂土、碎石等類型物質做演出道具，任何保護措施之提議概不接受； 因甫完成保養施工緣故，演出請維持地面完整，禁止使用釘槍、螺釘等器具破壞地面，禁止使用膠帶、貼布等黏貼地面，並為維護地面壽命效期，演出需鋪設舞台地面（黑膠）使用。 請不要做踢踏舞類型表演。請不要讓液體潑灑至地面。請不過於用力踮腳。 ※遲到觀眾無法入場，或等待前台人員指示引導入場。場內較黑，請小心腳步。 ※為維護創作權益，演出全程禁止錄影、錄音、拍照；科技進步的現今偷偷拍個一張半秒不到，如果我看見別人在偷拍，比起制止也想好好善用我也有的半秒； 若為求構圖良好舞台景觀取景盡收而高舉雙手於空中久違地使用橫式構圖，場內前台人員不求干擾其他觀眾，大動作衝刺於觀眾席間過道橫越數十膝蓋骨只為對您說一句：「請不要拍照。」 謝幕時開放攝影，請幫我們PO圖發文，大力宣傳～～ ※側台請勿喧嘩。 ※因應消防法規需求，場內觀眾席區、舞台表演區之逃生指引燈須保持全程可見，作品不問內容情節，演出團隊無論規模資歷，皆須共同遵守配合，若有其他指引提引之方案惟國外演出團隊或國際級巡演節目，可視演出作品需求，維持原創之藝術安排與其理想技術效果。 相關政策布達運作，主辦場館保有最終修改、變更、解釋及取消之權利。 請不指示告知觀眾逃生方法但保持指示燈明亮。 請盡情在表演中呈現深夜或宇宙或混沌的虛空但保持指示燈明亮。 請創作者盡情說你
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演出 音樂不拘泥很自在 跟著爵士來搖擺
兩廳院輕鬆自在場「爵對好時光」2003年開始，兩廳院「夏日爵士派對」（Summer Jazz）的舉辦，首度讓爵士樂的音符，在國家音樂廳飄揚，同時也將自由、即興、搖擺等色彩注入古典音樂殿堂。多年來，在國內外樂手的耕耘下，從演奏廳、戶外廣場乃至駐店等，搖身一變成為爵士迷徜徉的城堡，也讓音樂節的品牌，益發茁壯。爵士樂本就根植於生活，在屆滿20周年的今年，音樂節再度進化，將近年來推廣的「共融」概念移植至此，第一次舉辦爵士樂的輕鬆自在場「爵對好時光」音樂會。 卸下傳統劇場表演的禮儀與規範，在輕鬆自在場的演出期間，將燈光與聲音效果調得明亮柔和，觀眾能依據自身或照顧者的狀態離席或入場，也能就當下身體情況發出聲響。現場備有抗噪耳機、紓壓球等設備，讓幼齡孩童、各種身心狀態的來賓都能卸下束縛，放心觀賞正規的演出。 當然，表演內容也必須進行調整，但不能因此打了折扣。知名爵士小號演奏家暨本場製作人兼音樂總監魏廣晧如是思考：「一方面要有耳熟能詳的概念，另一方面又能表現經典，如何能讓觀眾不需在意別人的眼光，讓所有的人在這個空間輕鬆自在，這就需要好好設計了。」 想讓觀眾自在，首要的做法就是音樂上的自在。顧及觀眾的層面廣大，要符合所有人的需求不易，他採取的策略是一一取其中間值。魏廣晧集結了8位爵士樂手擔綱演出，重新詮釋卡通動畫歌曲讓兒童有耳目一新的感受；經典電影配樂及披頭四與史蒂夫．汪達等爵士流行經典，喚起成人的過往時光，在感動下也能藉機與孩子們分享記憶中的美好。導聆人的安排，更讓台上台下縮短距離。魏廣晧解釋：「節目會分不同的段落，在開頭前，我會介紹接下來的曲目來由、樂器編制、爵士的節拍等等，讓大家能有更深的體會。」 即使1個小時的音樂會也絕不馬虎，在導聆人引導下，讓觀眾聚焦樂手的互動，理解爵士樂的聆聽習慣。更重要的是，在各種貼心的安排下，能讓沒機會接觸爵士樂的朋友們終能進到兩廳院的場域，毫無顧忌地享受愉快的音樂旅程，在炎炎夏日美好的時光中，跟著爵士樂的節奏音符，無論是大人小孩，都能輕鬆自在地搖擺。 （本文出自OPENTIX兩廳院文化生活）
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人物 聚光燈下 In the Spotlight 導演宋厚寬 孤獨的國王與他的屠龍劍
宋厚寬有兩次求神問卜的經驗。 一次是與妻子到關渡宮求天上聖母，尋問求子，結果得了一隻上上籤，不久後他們迎接雙胞胎女兒到來，那支籤如今還貼在家門口。 另一次則是更早以前，他在北藝大戲劇系面臨選組的兩難，對劇本創作和導演都感興趣的他，最後以塔羅牌指點迷津：「我記得劇本創作抽到的牌是太陽，導演的則是國王，兩個看起來都很不錯，我就問對方哪個會賺比較多錢？」宋厚寬印象很深，最後得出結論的原因與金錢無關，「對方告訴我：太陽的話會過得很快樂，另一張則是孤獨的國王。」 他選擇那張代表導演的國王。 幾年以後，宋厚寬成立臺北海鷗劇場，導演範疇從現代劇場橫跨傳統劇作，過程中也時常擔綱劇本創作，這幾年來雖有可靠的夥伴同行，但團中仍無人專職。說到底，至今依舊是他一人單打獨鬥。 他時常想起那次塔羅占卜，好像自己選擇的不是導演，而是「孤獨」這條路。或是清楚自己的個性，雖然偶爾也會欣羨一群朋友建立團隊的氛圍，但如今無固定成員、無固定工作地點，使他相對不必耗神於團隊營運或人事開銷，更能專注於導演工作。宋厚寬形容孤獨是一種代價，為了獲得導演過程中的成就感，他甘願承受。 漂亮地回答個笨問題 自2014年參與國光劇團的《賣鬼狂想》開始，觀眾漸漸發現這位新生代導演不僅擁有一流的故事節奏，還不愛為自己劃分界線，難被定義。曾與京劇、歌仔戲、布袋戲等專業團隊共事的他坦言：「真正難的不是專業知識，而是每個劇種行內的潛規則，例如傳統布袋戲的做法，通常不排戲，演出當週才進去；也曾經有過歌仔戲班只給我兩週的時間，希望我編排兩小時的戲。」但他明白，那些極度緊縮的時間，全來自長年專業訓練的結果，「他們真的只要背好台詞，一上台就活了。」 如何撐過前幾年的陣痛期，宋厚寬先給了第一條線索：提出「笨問題」的勇氣。 他承認，站在傳統面前，自己耗費數年習得的現代藝術背景，「完全就是門外漢，一進去就嚇死我了。」雖是如此，導演的身分推使他勇敢發問，「因為我在戲曲上的資歷一定沒有他們多，最開始能做的就是求教。我不怕問笨問題，而他們也總是可以漂亮地回答我。」 宋厚寬也順勢將過去嚴肅的自己卸下，大方展露自己私下風趣可愛的一面。「大學剛畢業那陣子，導戲
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演出 舞蹈臺灣優勢力芭蕾舞團 創團首演俄派經典
2021年8月，「臺灣優勢力芭蕾舞團」（Youth Ballet Ensemble Taiwan，簡稱YBET）於疫情期間成立。在這最壞的時刻，特別適合套用邱吉爾的名言：「如果糾纏於過去與現在，我們將失去未來。」、「如果你對每隻向你吠的狗，都停下來扔石頭，你永遠到不了目的地。」、「偉大的代價就是責任」、「我能奉獻的無他，只有熱血、辛勞、眼淚與汗水！」這完全就是當今台灣的芭蕾舞團寫照啊。 多年來致力青少年芭蕾舞者培訓的邱瓈誼，深覺要將芭蕾訓練從才藝水平提升到專業水準，勢必得成立職業的芭蕾舞團。不畏狗吠，要在資源匱乏的貧瘠土地，栽植美麗花朵，在萬事不備的條件下，這個挑戰無比巨大，在藝術指導李巧老師加入後，讓創團首演有了實踐的契機，創團藝術總監邱瓈誼打理行政與一切開銷，一週6天的訓練與舞碼的排練就是李巧多年來的功力展現。 面對舞者數量不夠，8位正式團員與3位儲備團員，李巧在舞碼的挑選上費盡心思，這是她的專長。當年咬牙結束四季芭蕾舞團，隻身赴俄深造8年，在林姆斯基-高沙可夫音樂院專攻劇目指導，師承馬林斯基劇院首席舞者與最高排練指導Gabriela Komleva的她，這次安排的皆為正宗俄派芭蕾，以富浪漫主義色彩的經典芭蕾傑作為主，涵蓋了歷史生活舞與性格舞。
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專欄 挑戰邊界參加演員甄選的10則實用指南
給人留下第一印象的機會只有1次。我很驚訝有些人會低著頭走進房間，無精打采地將包包放在角落裡，最後才抬起頭瞥我一眼。微笑、打招呼！表現你的熱情和活力！導演正在尋找一個在未來的1到3個月，跟整個團隊一起共事的人。讓導演知道你能為排練過程注入正向能量，表現出你除了是1名好演員，也是1個很好的人。
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演出 藝術節 2022臺北市兒童藝術節 兒童劇創作者吳彥霆 相信心中的孩子，也相信孩子都懂
長年投身兒童劇創作，同時也深耕教育現場的吳彥霆，相信藝術與教育目的彷彿，都是在幼小的心靈播種，期待即便在看不見的地方，會有一株苗獨自壯大。他就是個例證。 那個大人，只是認真的傾聽而已 「我們以前很常被放棄。」吳彥霆說。在汐止長大，學生時期的環境大多混亂，但沒走歪的他也悶著頭想了一會兒因為過去依然有人沒放棄他吧。 聊起往事，有件事情吳彥霆一直記得小學期間，他和高年級的學長起衝突，一言不合就打了起來，他形容那次的「戰況」，是「打到椅子在天上飛來飛去的。」最後彼此身上都掛彩。事後，當然被教訓得很慘，卻不是說被如何懲處，而是「那陣子我們的班導因為懷孕所以很常請假，這件事就是由學長的班導處理，我那時候的感覺就是，那個老師很明顯地偏袒。雖然我是被打的一方，最後的結論卻是因為我先開口才被打的。我那時候就覺得，天啊，我身上還在流血破皮，可是心裡那股情緒不知道如何緩解。」 隔日上學，一見班導，如大難臨頭，他說自己挫著等，「可是後來，她只是問我還好嗎？而且很認真地聽我講完整件事情的經過，沒有打斷，也沒有表示什麼，就是聽完，最後再叮囑我幾句話。」就是那一刻了。如果每個人都有屬於自己志業的起點，那麼吳彥霆可能在那一刻就找到了。 雖然他要等更久以後才會發現，一個相信孩子、不急著究責的大人，對年幼的生命之影響力有多大。總之，這件事情一直埋在他心中。「後來開同學會聊到這件事，老師早就忘了這件事情。」吳彥霆說，可是他記得。 「小時候的作文不是常常叫大家去想以後要做什麼嗎？」吳彥霆說，那時候「教育家」或者「劇場創作」的念頭都還沒來得及在他心中孵育成形，他只知道自己想成為一個有影響力的人，「哪怕影響的只有一兩個人，都好。雖然說，我們在教育現場都知道，有時候，其實看到不到那個轉變、看不到日後會發生什麼事情，但是我確實經歷過這些，所以知道有些種子放進去就是放進去。我們要把握每個過程跟小孩接觸的時候。」
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評論 新銳藝評 Review台灣外表的「台灣梆子」
評臺灣豫劇團《金蓮纏夢》臺灣豫劇團《金蓮纏夢》改編自編劇王瓊玲教授的童年記憶，管窺外婆裹小腳的大秘密，取材很「台灣」，因其來自嘉義梅山鄉；另外，人物設定與表演很「戲曲」，因一台女角全踩蹻。繼《美人尖》、《梅山春》等作品，臺灣豫劇團亟欲與本土情感連結，《金蓮纏夢》一劇不因近代背景，而犧牲戲曲演員講究的四功五法，題材的選擇可說達到雙贏。
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專欄 看戲不忘電影國際經紀人的第一個問題
荷蘭的面積與人口跟台灣相當，土地皆為平地且比台灣大一點，人口比台灣少500萬。但只要人口超過5萬的城鎮，就會有一座千人的大劇院，整個荷蘭有150多個大劇院，但市場非指劇院數量，而是消費人口。對表演團隊而言，歐盟的成立讓跨國巡演的複雜流程，簡化得像國內巡演。同時也因劇院多，對節目量的需求高，成為正向循環，讓產業處在興盛發展的狀態。
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人物 聚光燈下 In the Spotlight 導演林羣翊 留下來，守護一方幸福
接近午夜，林羣翊才結束那天的排練。 成為導演，其實是意外，但也不意外。過去所學以表演、舞蹈為主的他，曾思考作為演員，「不過，我喜歡管理、掌握一切的感覺。」也或許是指導教授杜思慧的那句「你適合擔任導演。」影響了他，才覺察自己對掌握作品整體呈現充滿興趣或許在無常的人生中，能夠掌握住某些事物可說是種補償，抑或是成就，如作為8年級前段班的他，繼續創作與經營劇團，也籌備著咖啡廳開幕，斜槓地拿捏著自己所愛的人生樣貌。
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演出 音樂讀我們的詩 唱我們的歌
「講予全世界聽」路寒袖詩選古典音樂會1987年台灣解嚴，各種語言與詩作的多樣性迅速發展，也間接促使台灣本土當代藝術歌曲的創作。長期關注中文當代藝術歌曲發展、為現代詩奉獻心力的鋼琴家葉青青有鑑於此，從2014年起便開始舉辦音樂會，將現代詩與台灣作曲家的音樂創作相連接，親自以鋼琴伴奏演出。葉青青說：「我們有那麼多種語言，我希望觀眾的接觸不要那麼單一化，能在音樂會中體會其中的不同。」 辦過詩人洛夫、向陽、席慕蓉、陳義芝的作品並委託音樂創作，同時也打造過作曲家錢南章、賴德和的專場音樂會，今年她選擇以詩人路寒袖的作品，舉辦「講予全世界聽路寒袖詩選歌樂創作」音樂會。事實上，路寒袖本人也長期致力於現代詩的推廣，他認為「『雅』與『俗』並非涇渭分明的，」為了讓詩保有詩質，又能琅琅上口，因此提出「台灣雅歌」的概念，並且努力實踐。他表示：「截至目前為止，被譜成各類歌曲的作品已超過百首，其中有多首作品先是以流行歌問世，後來又被音樂家譜成了藝術歌曲，證明了以上的論點。」 本場音樂會委託了3位作曲家以路寒袖的詩作入樂陳瓊瑜重新譜寫鳳飛飛演唱過的同名詩作〈思念的歌〉及〈因為想你〉；陳欣蕾的〈針〉描繪祖母透過一根針，縫補／奉獻家族的世世代代、〈三月嗩吶〉敘述台灣對媽祖的信仰；錢善華創作的〈台灣〉是台灣這塊土地上音樂逐漸豐富的過程，也帶有作曲家一輩子研究南島音樂的影子，〈布袋戲組曲〉則是他幼年的聲音記憶，葉青青說：「錢老師學校旁就有宮廟，每天放學經過就在那裡看戲。看到這組詩，就覺得童年回來了！」 除了委託創作，更精選賴德和、游昌發、李和莆、潘皇龍所譜寫的8首作品。尤其賴德和所創，訴說布袋戲大師李天祿原配陳茶的心境〈寫佇雲頂的名〉，以及書寫鶼鰈情深的〈畫眉〉，歌詞都曾榮獲多屆金曲獎最佳方言作詞人與金鼎獎最佳作詞獎。 此次的演出者有女高音李葭儀、林孟君、黃莉錦及男高音林義偉，加上主持人車炎江的音樂導聆。葉青青笑著說，做完這場音樂會後，「委託創作會休息一兩年。」一來是等待作品的累積，二來是找機會將舊作重新上演。因為推廣並不是一味地委託創作，並且只演一次，而是要不斷地由不同的音樂家做各式各樣的詮釋。「要成為跟西洋古典音樂一樣的經典，就是要讓觀眾持續地聽到。」她也堅信：「每位演奏者消化當代音樂都可以像古典經典作品的話，台灣的委託創作未
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話題 話題追蹤 Follow-ups 第20屆台新藝術獎 年度大獎與表演藝術獎小劇場獨角戲奪兩大獎 反省自身也傳承美學
第20屆台新藝術獎已於7月2日揭曉頒發。20年來該獎項產生逾60位得主，唯今年很特別，第一次得獎的人力飛行劇團，分別以獨立創作的《感傷旅行》，以及與身體氣象館共同創作的《王子．哈姆雷特》，包辦年度大獎及表演藝術獎、兩部作品演出場地都在承載小劇場夢想起飛的牯嶺街小劇場、都是獨角戲、都是由資深表演藝術攝影家許斌肩負平面攝影、都是由牯嶺街小劇場館長姚立群擔任製作人。 誠實面對也自我開創 獨角戲提供反省機會 「獨角戲可貴之處在於不管是導演或演員，可以不依賴別人、不受別人支配下，告訴你是誰、你的存在是什麼。」王墨林強調，反省很重要，但在台灣要冷靜下來思考，是一件很困難的事情。幸好獨角戲提供了一個反省的機會。「就是完全回到自身，面對自己，反省自己，而這個反省不必是公開性、社會性的，我們的精神實屬密室，這個反省可以在祕室進行，一重一重打開。」 為了讓獨角戲演員明白「自我」到底是什麼，王墨林要求演員書寫劇本。「獨角戲演員在舞台上自言自語，說一連串的台詞，唯有自己寫劇本，才能清楚他所說出的每一句話究竟在講什麼。」此次楊奇殷在王墨林要求下寫給自己、給眾人的《王子．哈姆雷特》劇本，修了至少40次。 除了要求演員必須「誠實」面對自己，王墨林也要求演員具有自我開創的能力。「獨角戲演員處在一個人的狀態下，他沒有對手戲，講話或者不講話，都是表演，他要解決很多問題，譬如跟觀眾的關係：觀眾看他這件事是存在的嗎？或者他不管觀眾看他這件事?或者他跟劇場空間的關係？如何把這個小小劇場空間放大想像，成為你自己的精神世界？諸如這種變化的能力很重要。」 傳承美學技藝 讓微觀走向宏觀的觀察 「我這年紀，差不多就這樣了！」王墨林把自己說得淡然。他看著身旁的楊奇殷說，「他們需要舞台需要空間發展。做獨角戲很好的感覺就是，可以把我40、50年來的身體美學技藝傳承下去。」 「我就是要讓年輕人站在前面，但是他一點準備都沒有，不明究裡的人會想『這個演員怎麼得獎的啊』！」王墨林說的是頒獎典禮那天。聚光燈打在舞台上代表領獎的導演黎煥雄及演員楊奇殷身上，來賓眼神全投向激動情緒哽咽的兩人；而炫目鎂光沒照到的，舞台下，王墨林，原本一雙瞇瞇眼，此時瞇成了一
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評論 音樂暗室中的黑貓
評2022新點子實驗場《催化效應—融・共感》中的聲響呈現當代台灣樂壇有許多將琵琶、古箏、阮咸、笛／簫等國樂器連同鋼琴、提琴等西洋樂器並置演出的先例，以交響樂團協奏國樂器，或以國樂團協奏西洋樂器的演出，也已不再是新奇之舉，如此混搭編制所產出的作品成功者有之，但也常因律制不同而未能在聲響上成功融合，或因尚未尋得合適的方式溝通彼此所承載的文化意涵，即使克服了技術層面的難處，語境上仍顯得尷尬，2022新點子實驗場：三個人「催化效應融・共感」（簡稱「催化效應」）中委託創作的3首作品為混搭編制的聲響呈現找到了新方向，但也如暗室中的黑貓般形跡難定。
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演出 藝術節 2022臺北市兒童藝術節 從聽覺劇場、線上互動，發展到實體呈現《名叫中間的地方》 邀請觀眾用想像力擁抱劇場
米粒做綿羊、花椰菜是大樹，荷包蛋變成太陽，透過奶油鑲嵌的入口，窺見那個在想像裡駐足的家園。這是《名叫中間的地方》今年的演出主視覺，使用日常的物件為元素，重新拼貼之後，創造出熟悉又新穎的世界觀。 《名叫中間的地方》為編劇邱奕嘉2020年獲得臺北兒童藝術節「兒童戲劇劇本」首獎作品，由進港浪製作所導演陳煜典帶領創作團隊，從最初的讀劇，一路發展至2021年對應疫情之下螢幕制霸的現實，所衍生出的聽覺劇場「家庭旅行版」及線上互動展演「冒險有聲書」，而今年7月，這部作品將以嶄新的樣貌回到水源劇場的黑盒子裡，帶給正在探索世界的小孩，與每一位保有童心的大人，在故事與想像力的陪伴之下，展開一場別開生面的深度輕巧冒險。
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演出 藝術節 2022臺北市兒童藝術節 為孩子說一則戰爭的故事《回家》 讓戰場上的吉他手「找回自己」
「一個彈吉他的男孩，踏上戰場而被炸得四分五裂，為了拼湊完整的自己，展開一段尋找自我和追溯回憶的旅程。」這部由複象公場推出的作品《回家》，2019年就入選臺北兒童藝術節「兒童劇場演出前期展演計畫徵選」與「童創基地」，經過這幾年的調整、打磨，舞台、音樂、語言等設計更加豐富，將於今（2022）年7月中在水源劇場演出，這不僅僅是個「找自己」的故事，也是讓大朋友、小朋友可以參與其中的創作。 跟著吉他手士兵的四肢 找回過去的自己 在桌遊「說書人」的玩法中，擔任說書人的玩家根據抽到的卡牌畫面進行敘述，可以是一個詞、一段話，或是一個故事，《回家》的劇情大綱也是在類似的方式下長出骨架。「當初想要以肢體表演、偶戲和物件發展一個兒童劇，我們就丟出許多地點，有墓園、軍營、城市、下水道等等，然後思考有什麼故事會在這些空間發生？」導演李承叡說起《回家》的發想，在這些場景下，軍人、戰場、被炸散的肢體、找回自己的故事脈絡逐漸被拼湊出來。 編劇李承寯接著補充道，不管是誰，一但踏上戰場就只能是軍人，但在那之前，每個人都有原先的身分，所以故事主軸除了要找回四散的身體部位、組合在一起之外，這些手、腳也想找回當上軍人前的過去。「在演奏『音樂』的同時，裡頭常乘載著這個人的生命經驗，音樂是一個很容易『感受到自己』的元素，於是把主角設定成吉他手。」
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演出 藝術節 2022臺北市兒童藝術節 無法再見的掰掰《掰掰見習生》與大小朋友一起練習最後的陪伴
說「掰掰」或是「再見」，都是告別的動作與用詞，一個揮手、一句話語其實也帶著「下一次再見面」的可能；但面臨親人、朋友的死亡，像是再也無法見面的最後一次道別，又該如何說出口？於是，編劇狗比與進港浪製作所合作的《掰掰見習生》，藉由兒童劇的方式，將每個人一生當中可能很早學到的「掰掰」，思考到最後一次的告別；或者，重點不是「說掰掰」，而是告別前的陪伴，在劇場裡進行一次練習。 從親身經驗開始的創作與對話 編劇狗比之所以創作《掰掰見習生》這個劇本，源於家中的狗因病過世，而她看見從小與牠一同長大的女兒透露出的悲傷模樣，成為她在2020年「兒童戲劇劇本創作徵件」截止前夕的靈感。 狗比說，她們母女與狗「三人」一起生活，互動很緊密，而自己觀察女兒在狗生病的那一個月裡好像漠不關心，但狗走了之後才發現女兒其實比她還要傷心。後來她想：「這跟小朋友的表達能力有關。」對她們來說，狗跟家人一樣沒有差別，而女兒也在這時開始理解什麼是死亡。因此，這個劇本藉著男孩這一趟「學掰掰」的見習之旅，與旅途上善良的柑仔店阿婆、鬼靈精怪的女孩，還有老狗師傅，陸續完成屬於他生命歷程的任務。 對導演孫唯真來說，要怎麼跟小朋友討論死亡是一件很有難度的事情，而她在兩年前看到狗比的劇本時，認為：「狗比用了見習生的邏輯在處理，是個有趣的視角，如何以第三者的角度，陪伴靈魂走完最後一段路。」這也與她這兩年的生命經驗產生共鳴。她說，自己的父親兩年前罹癌，到上個月過世，這段時間裡，自己剛上小學的外甥女除面臨外公的生病與死亡，還有母親的離異，而有行為倒退的現象。她說：「小朋友有自己理解世界的方式，或許是語言不夠，只好用行為來表達。」孫唯真說出了她充滿心疼的理解。 《掰掰見習生》雖是個虛構的劇本，卻與編導的親身經驗互為表裡，關於告別得做的練習，不只是在劇場，其實是在她們各自的生命過程裡，輕輕訴說不容易開口的種種話語與心情。
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演出 音樂三場音樂會 為NSO樂季尾聲點亮煙火
在疫情持續威脅起伏下，各樂團節目安排與國際音樂家往來依舊不易，但在2021/22樂季進入尾聲的此時，NSO國家交響樂團音樂總監準．馬寇爾則找到了解決之道，他在記者會中表示，將以音樂節的模式為樂季收尾，「要在這個時刻，以3場音樂會點亮煙火！」 作為「音樂節」的開場，7月16日首先登場的是「準．馬寇爾與NSO理查．史特勞斯之夜」音樂會。這場音樂會一開始，將有樂團與北藝大合作選出來的兩首「一分鐘交響曲作曲計畫」作品的世界首演；隨後的主題以法國號為重點，重頭戲是由NSO樂團法國號首席劉宜欣帶來理查．史特勞斯的第一號法國號協奏曲，而另兩首韋伯《奧伯龍》序曲及理查．史特勞斯的《唐璜》及《狄爾的惡作劇》則非常炫技，在樂曲中，法國號不僅能演奏自己的音樂，也像是與樂團對話，或作為管絃樂團的一分子，展現了各種面向。 原訂在季末壓軸的歌劇《崔斯坦與伊索德》因疫情延宕了兩年，然馬寇爾仍希望帶領大家進入華格納的音樂世界，因此規劃了以華格納為主題的兩場音樂會。7月22日「準．馬寇爾的指環旅程」音樂會由馬寇爾率領曾任德國Ulm劇院駐院獨唱歌手、並獲德國《西南日報》選為2016年度歌手的次女高音石易巧，演唱《崔斯坦與伊索德》的〈前奏曲〉及〈愛之死〉。「第二首《威森東克之歌》也跟《崔斯坦與伊索德》有很強的連結。」馬寇爾認為：「（這首是）當我們在研讀崔斯坦時，必不可缺的作品，因為不管在崔斯坦的和聲架構、音色，已經在此先預習過了。」第3首的歌劇《指環》之旅，則是由馬寇爾將華格納最偉大的作品、長達16小時的《指環》濃縮至50分鐘以內的作品；此曲是他15年前所做的改編，如今正巧能與台灣觀眾分享。 他相當自豪在這個濃縮版樂曲中並未刪除任何音符，而關於改編的模式，馬寇爾則透露：「最重要的是尊重順序，並非跳躍式地更動。當然改編無法包括所有，但每一部作品的精華與元素都存在。不同的段落中有空檔，但我將它巧妙地連接。」此外他更表示：「精華版的好處是，能夠在一個鐘頭內，體會華格納4部作品，長達15、16年創作過程中，管絃樂法與和聲的演進過程。」 7月24日的壓軸為NSO歌劇音樂會《唐懷瑟紐倫堡名歌手》選粹，兩部作品聚焦在華格納如何將合唱這個元素發揮得淋漓盡致的關鍵。由將由馬寇爾總監攜手聲樂家群：女高音
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專欄 思想不短路音樂與政治，從一個體壇歷史事件談起
據傳在寄出的最後一封信中，隆請歐文斯務必到德國看他的兒子卡爾，讓他知道「當我們不被戰爭拆散的時代是什麼樣子，人們在世上本可如何共處。」戰後歐文斯曾到德國拍一部柏林奧運的紀錄片，並見到已長大的卡爾。1980年美國以蘇聯入侵阿富汗為由抵制莫斯科奧運，同年歐文斯逝世前曾致函卡特總統試圖勸阻杯葛行動，因為「奧運精神應被視為休戰，是超越政治的。」
陳勝在、鄭雅升 心中永遠都要有觀眾
嚴俊傑 分享音樂是我動力的來源
布拉瑞揚 我就是生來當舞者
謝瓊煖 接受不懂的部分 有時好像獲得的更多
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專欄 挑戰邊界改變我人生的一部戲
一場看似偶然的演出，改變了一個國家的藝術發展，這是多麼不可思議！這個說法或許有些誇大，為了平衡一下，讓我說得更具體一些：「一場看似偶然的演出，改變了我的人生，這是多麼不可思議！」
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評論 直擊藝現場虛擬世界中的真實體驗
因為疫情，距離這個詞變得很立體，數位網路的發展，讓遠距離變成零距離，現實距離反而變成遠距離，人與人無法靠近。即使科技的高速進展早已遠遠超越人類生活日常所需，衣食無虞，物質過剩的時代，依然渴望尋求與他人的連結，渴望親吻、渴望擁抱，渴望在茫茫人海中尋找人生伴侶。
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評論 直擊藝現場公眾與私密
一直以來，劇場之於我是一種群體記憶的體驗。一群毫無關聯的人恰巧在同一時間進入同一空間，觀賞了同一場演出。即使是疫情期間，線上劇場直播也多是眾人同時觀賞的演出。然而《拾憶》卻提供了截然不同的觀劇體驗。觀劇者與表演者進行15分鐘的一對一互動。每場演出都是獨特而個人的體驗。
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專欄 看戲不忘電影跟著電影，跳進清涼大海
到了6月最想做什麼事？高唱著陳昇的〈Summer〉，同時跳進大海。 台灣四面環海，偏偏在我們成長的過程，海洋被視為禁忌，海岸線成為軍事重地，錯失擁抱大海的機會，只能從電影中去追尋那神秘的未知。
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評論 直擊藝現場在那瞬間，未來真的能想像嗎？
法文La petite mort沒有中文直譯，我們可以先翻成英文再轉成中文，意指「小死亡」，但非生命逝去，而是人們做愛準備高潮的那一刻，那空白的瞬間，就是La petite mort。它現在被用來泛指高潮的瞬間，其實就是一個短暫的出神，不只性愛，許多情境比如我們恍然大悟、驚訝、不知所措、無言等，都能以此形容。