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陈正熙
国立台湾戏曲学院剧场艺术学系专任助理教授
发表文章 59 篇
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回想与回响 Echo从演出谢幕之后谈起
「谢幕」的理所当然 在剧场漫长历史的大多数时间里，并没有「谢幕」这件事，演员在演出结束之后，不会回到舞台上，接受观众表达谢意的掌声与鼓噪。依据剧场史家的研究，我们现在习以为常的「谢幕」，大约开始于19世纪初期的欧洲剧场，其缘起并不是演员的意愿，而是应观众的要求而生，甚至会有拒绝「谢幕」的演员，在离开剧场回家的路上，遭到「愤怒」观众的追逐。 当「谢幕」在19世纪流行开来，终于成为表演者与观众共同接受的惯例与默契，大约再没有人会对「谢幕」的必要性，或对「谢幕」的意义舞台上下两方对彼此表达谢意，有所疑虑，或抗拒，无论我们对演出本身的评价如何，都可以接受谢幕作为演出一部分，对舞台上下双方的重要性。 换言之，我们都认为演出结束之后的谢幕，是理所当然的事。 但，「谢幕」这件事，真的是这么理所当然的事吗？ 在音乐剧《热带天使》的谢幕之前，我也没有想过这个问题。 「谢幕」之可为与不可为 7月30日，台中国家歌剧院，《热带天使》演出结束之后，就是一般性的谢幕：演员依照事先编排的顺序与方式上场，回应观众的掌声，编导上台与观众分享创作心路历程，发表感谢名单，同时如莎士比亚时代的报幕人（chorus）一样，跟观众提示作品主题的重要性。接著，编导宣布演出团队特别为当天观众准备了「彩蛋」：男女主角演员在第一次谢幕之后悄然下台，此时换穿正式礼服再度上台，与观众分享他们如何因戏结缘相恋，最终走入礼堂的精采故事，并且将要迎接新生命的到来！在全场观众的哄然之中，开始播放两人交往的花絮影片，剧场顿时变身为婚宴广场，「谢幕」也不再只是「谢幕」。 《热带天使》的谢幕活动，虽然特别，但其实不是特例，而是本地剧场近来某种趋势的展现：演出谢幕段落，愈来愈复杂，也愈来愈不「单纯」，开放、鼓励观众拍照打卡上传，邀请观众同框合影，编导上台分享创作心得与周边商品讯息，几乎已是常态，唱名感谢赞助厂商，宣布票券摸彩中奖名单，「支持艺文」与「业务配合」无缝接轨，已无扞格，剧场会不会真的不再只是「剧场」？ 另一个愈来愈常见的趋势，是编导在上台与观众分享创作历程的同时，会不厌其烦地跟观众说
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特别企画 Feature 年度现象表述深植于当下的特定关怀，台新艺术奖迈入20周年
2002年，我接到基金会黄韵瑾执行长电话，她提出主办年度艺术奖的构想，征询我的个人意见。我的第一个反应是：省事事省（台语），并在对话中反复表达对此有所保留的态度。这段对话，最后有什么结论，印象已经模糊，总之，执行长的态度就是：势在必行。 倏忽而过，就是20年，63个作品得奖，312个作品入围决审，以第20届的提名名单为计算参考，应有超过2000个作品获得提名。以台湾艺术领域的规模而论，这些数字颇为可观，或也可以代表台新艺术奖影响之广至少就观照范围而论。 台新艺术奖是一个包括，并跨越视觉艺术与表演艺术领域的奖项，以「突破框架」、「跨域对话」为目标的评审机制设计，是其有别于其他艺术奖项的自我定位特色。这样的跨越对话，对入围和获奖名单的决定，乃至于对整体艺术生态的演变，有什么具体的影响，需要更多资料的梳理、更细腻的分析，非本文所能处理，因此，我接下来的讨论将会以表演艺术领域为主，虽不特别强调「突破框架」或「跨领域」的观点，但并非不受影响，也会尝试表达跨越的意识。 表演艺术奖项的前世今生 记忆所及，最早以表演艺术为范围办理竞赛奖项的活动，应该是1999年由《中国时报》主办，「表演艺术年度十大」与「晶球奖」（注1）网路票选活动，但之后因为客观因素无法配合，表演艺术界缺乏共识，无疾而终。自此而后，即使偶有创立「台湾东尼奖」的呼吁，但终究未成气候，2019年，文化部回应表演艺术联盟所提出的呼吁，交付国家表演艺术中心进行咨询研究，研议后续，但至今似乎也仍无具体规划。 过往针对设立表演艺术专属奖项的讨论，多集中于如何有公平的评审机制，如何有更多奖项以提高鼓励的效益，如何得到官方的支持与不介入的承诺，以及如何顾及观众（市场？）的反应，至于设立奖项的用意，无非就是对表演艺术工作者努力的肯定，并期待能刺激观众参与表演艺术的意愿。 台新艺术奖之所以能够持续举办20年，基础厚实的民间基金会的支持，没有官方介入的疑虑，当然是主要原因；年度聘任专责提名观察委员的机制，提名、复审、决审的完整过程，是对「长期参与观察」基准的回应；透过媒体与专业社群及社会的持续对话，因应外在环境改变的评审机制的调整，也强化了这个奖项的专业性与公共性。20年持
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特别企画 Feature向宇宙下订单＞＞戏剧类
2020超亲密小戏节《回光城市》 2020/10/16-10/18 台北市大安区潮州街176号 受荷兰Micro Festival的创作邀请，由飞人集社团长石佩玉与影像艺术家欧佳瑞共同创作《回光城市》，借由影像、物件、戏偶等元素来描述台北的不同面向，带出这个亚洲城市的文化风貌。首演于2019年的荷兰多德瑞特市，后于2020年超亲密小戏节的古亭区登场。故事内容源于日常生活里的「饮食」，借由吃食╱烹调的过程来隐喻男女之间的关系，并将生活制约进行解构，提炼出异想而来的城市寓言。 推荐人 杨美英 作品规模迷你，开演前，观众看到现场墙面投影的城市景观，于开演后被收纳于一只皮箱内。仅管尺寸缩小了，却也转换观演现场的空间感，同时，因此产生了聚焦的效果，变动、流转的众生相，反而有如被格放，多了可能细细玩赏的趣味。 20分钟的演出，无任何语言，叙事手法融合了影像、即时影像、物件、偶、音乐等媒材予以复合，彼此并置、互动、交会，表现细腻而层次丰富。 表演文本内容，从观众熟稔的常民生活与空间记忆取材，并从中拣选或创造鲜明的视觉意象，诸如展演过程中琳瑯满目的交通号志、一段双人骑车迎著风雨、红白塑胶袋的静置画面等，可说于方寸之间盛装了观众日常经验和身体性的共感，并进行再发酵、奇异化，转换人们看待生活、城市空间的原有视点，打开新的想像、或自我省视。 《回光城市》（A Suit Case of Taipei），是2020年超亲密小戏节「古亭区」路线的三个作品之一，维持「Close to You」策展多年一贯的小空间、近距离的观演模式，不寻常的是，彼时，受到Covid-19 疫情影响，全球已经突破3700万人确诊、107万人死亡，整体社会弥漫著一种不安，大幅改变了人们的生活状态。 此刻的回顾，备感作品中看似琐碎的城市景观交通、男女饮食情爱，在叨絮的轨迹中，滋滋有味，打造出富有异想灵光的日常，发出透光的温度。 人力飞行剧团《感伤旅行（kanshooryokoo）当你前往南方我漫长的忧郁变成一座用遗忘构成的西伯利亚》 2021/03/2
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戏曲
改编的难题
《丑王子》作为一个新创戏曲作品，在传统的层面有不错的发挥，能够展现戏曲在各个方面的厚实底蕴，但在创新部分，则无太大的突破，撷取、改编、拼贴、并置、互文，都已是常态，但也因此而有局限。《钓金龟》是典型的道德剧目，教孝意义大于对人性幽微的探究，《理查三世》虽非典型历史剧作，意不在重现史实，但仍隐含著原作者对这段历史的评价，改编者选择以心理分析角度切入，嫁接两个不同面向的题旨，能否成立，是有待进一步斟酌思考。
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戏剧
嬉笑怒骂中的家庭悲剧
《盛宴》不仅关乎剧作家个人生命，也是对家庭伦理的深沉思索。向来言简意赅的剧作家，不可能会写出如《长夜漫漫路迢迢》那样叨叨絮絮的长篇作品，嬉笑怒骂的创作意识，也让他避免陷入悲情自怜的陷阱，但《盛宴》的文本仍有如《长夜漫漫路迢迢》的深沉悲剧感：父母子女爱恨交织、纠结难理的关系，在人性、伦常、自由的欲望、情感的羁绊之间拉扯，无可化解的沉重和痛苦，幕落之后，仍如幽魂般流连不去。
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戏剧
不只是说一个动人的故事
《白色说书人》说了一个动人的亲子故事，但对于作品主题的表现╱论述：白色恐怖下的人性真实，却因为它所采用的表演形式，而少了更进一步的辩证思考，真人表演与戏偶操演的结合，应该是相互阐明的，我看到的却是他们的彼此消弭，终究无法共同建立起更有辩证价值的论述。
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戏剧
不愿接受，但能做些什么？
老板虽然被打倒在地上了，但房租还是会涨，酒吧还是得关门，努力的人们还是必须独自面对那徒然的人生，而我们还是会持续关注究竟「谁」会不会领表参选，继续带领我们一起发大财因此，我们必须自问：除了在剧场中，揭穿、嘲弄、反击那些压榨我们的机制和个人，我们在现实中还能做些什么？从剧场内到剧场外，我们如何连结观看的动作和具体的作为，将戏剧性的嘲讽转化为真实的批判？
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特别企画（二） Feature
今年，他们想看的是……
又到了每年「头壳抱咧烧」的时刻了，本刊依循往例，整理了今年三月至十二月的重头戏，挑战戏迷乐迷舞迷的「抉择困难症候群」，也逼戏迷乐迷舞迷扪心自问：「如果电影与剧场同时落水，你会救谁？」喔不是啦，你会为谁掏钱？当然，也循例找来十位心有定见的达人名家，看看他们烧脑后的选择清单为何，让读者看看，他们是否与自己心有灵犀一点通
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演出评论 Review
在剧场里，我们思考救赎
对《Dear God》的创作者而言，创作与信仰是相关的，而「救赎」是其不言明的理念核心，对我来说，这部作品是哲学性的严肃思考，是与某种崇高意念的对话，而与「救赎」相关的人性本质，则是我的关怀重点。在这个社会里，我们有太多功利的考量，太多盲目的义愤，却少有这样的思考与对话，因此，我们在面对人性惨剧时，只能一次又一次地诉诸对峙冲突，终究摆脱不了残暴的恶性循环。
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演出评论 Review
无法轻松以对的「存在」提问
于王墨林而言，「家是什么」的提问，和「剧场是什么」的提问，其实同样是关于他个人「存在」的提问，而存在，确实是再严肃不过的事。在《长夜漫漫路迢迢》剧中，透过他对自己的提问，两个不合时宜的，不易相处的创作者，展开在两个时空之间的对话，从尤金．奥尼尔凝视著我们的眼神中，我们仿佛也看到了皱著眉头的王墨林，默默地谴责著我们的轻浮。
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演出评论 Review
让人无法逃离的嘶哑琴音？
动人之处，在于剧作家的失落、愤怒、和困惑，在于他是一个以说故事为业的人，却被迫要在一个故事已经不再有任何意义的时代中，继续努力说著故事，并且抱著一点点引起阅听者兴趣的希望，只是，他却又摆脱不掉身后如背后灵一样紧随的提琴手。
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演出评论 Review
如果，对战争更深沉的诘问——
我们当然都知道军队的存在是荒谬的，战争是无人性的，对历史失忆更是不可宽宥的，国家、忠诚、牺牲、正义这些观念的本质与谬误，更有被深刻检验之必要，只是，在这样一个我们（包括创作者）无法接受，却只能与之妥协共存的明亮世界里，这些可贵的洞见，是否能帮助我们对当代战争与军事体制的本质，有更尖锐直指核心的诘问？
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演出评论 Review
狂放一场 却终究「悲喜分明」
张爱玲写的就是通俗剧，却从来不是黑白分明，在她的时代里，那些世间男女种种细琐的人情世故，看在聪慧如她的眼中，虽然可笑却也可怜剧场里的《红玫瑰与白玫瑰》，虽然也是通俗剧，却没有小说原作中的暧昧，太多黑白分明的对比，太多理所当然的教训，写白了或许应该隐晦的，说出了或许应该沉默以对的，阅读、观赏、思考的趣味，也被有点多余的道德感给稀释了。
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戏剧
说了不少心底事，还有呢？
《Re/turn》所提供的娱乐，是有品质的娱乐，是需要观众动点脑筋才能受用的娱乐。观众在被娱乐的同时，情感得到慰藉，对人性也多了一些沉思与领悟。只是，这样就够了吗？即便创作者可以提供比其他媒体更有趣、更有启发性的娱乐，但在这样一个充满各种类型娱乐的时代里，难道剧场也别无选择？
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戏剧
走过，为何痕迹不留？
《那一夜，在旅途中说相声》，终究还是和伊恩莱特、莎曼珊的旅游节目，没有根本的不同，还是一样的景点、美食、节庆，至于是六星级旅客或背包客，是感官享受或心灵启发，是旅人还是乘客，同样都是猎奇，都是来去不留痕迹的观光客。
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戏剧
「以子之矛攻子之盾」的战争
和只将文化创意视为商品的文创中心／绝对论者相比，《哈奈马仙之hamlet b.》的创作者对所谓文创产业自然有更具批判性的思考，从剧中扮演哈姆雷特的演员所处的情境，与他所经历的认同危机，我们大概也可以猜想，《哈》剧的创作者所必须面对的内在矛盾，对他们的挑战也要远大于在观看者心中所引发的疑虑。
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演出评论 Review
得到快乐就是这么简单？
《快》的角色与戏剧情境太过简化：何时与宪在的面貌模糊不清，对生命与社会的态度，以至于面对现实而生的痛苦挣扎也太过表象，如强说愁绪一般的做作。
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演出评论 Review
令人不安的「好看的戏」
整体而论，《QA首部曲》是一个非常好看的剧场作品，满场观众的热烈反应可为印证。从专业评论的角度来看，编导、表演、设计以至于技术执行，都有一定的水准，尤其是担任主角的蔡柏璋，让一个稍嫌平板的文本，得以转化成为好看的演出，有相当重要的关键作用。但在走出剧场时，真正让我不安的，就是《QA首部曲》给人太舒服的感觉。
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演出评论 Review既然回家了，为何仍言无处著落？
到剧场当中，（小说中）叙事者的声音不见了，只剩下颇为动听的歌仔新调，和由大提琴与钢琴绵绵不断的乐声，将整场演出层层包覆的音乐情境。原本小说中在场的叙事者也不见身影，只以形式化的舞者／舞蹈取代，戏剧动作在缺乏时间感（历史感）的场景变化中，跳跃著勉强前行。
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演出评论 Review
华丽过后，依然寂寞
《华丽上班族之生活与生存》具备一切商业成功的元素，又有严肃主题可以让观众在观戏之后侃侃而谈，却不至于感觉受到挑衅冒犯，无怪乎满场笑声掌声。只是，华丽上班族们看到自己在台上的形象而心有戚戚焉，却不会因为李想的悲惨遭遇而心惊胆颤，更不会因为张威的旋起旋落而更深刻地理解自己的处境。