PAR 表演艺术杂志

从街头涂鸦、绘画、舞台绘景／设计到剧场导演，何采柔融合不同的创作者身分游走在视觉艺术和戏剧的领域。她的绘画作品、雕塑形塑介于梦境与现实的空间，戏剧作品有如将平面的二维视觉思维转进三度空间，以极具影像感的方式呈现在观者眼前。

与河床剧团合作  踏入剧场

何采柔在美国爱荷华大学就读期间主要从事涂鸦创作，与同学游击行走于街头，以视觉性的手法融合文化符号与批判意识，透过视觉语言寻找与世界连结的可能，而后她转向平面绘画，并于返台后从事橱窗设计，之后又因缘际会一脚踏进剧场领域。这样跨度极大的背景经历，也许正说明了何采柔在创作上的多元与灵活，以及她何以能带著戏剧创作进入美术馆空间展演，成为跨越视觉艺术与剧场圈的艺术家。

「我在刚返台时认识了陆蓉之和曲家瑞，透过她们的介绍，在一场饭局里认识当时河床剧团的导演郭文泰，由于我在大学时做的是街头涂鸦，因此在那次的谈话中，我们聊了很多关于表演艺术的想法，也讨论是否有可能将涂鸦创作引进剧场。之后在二○○八年的《百夜之梦》，我替这出戏制作了两个大面具，这是我接触舞台绘景的开始。」何采柔以此作为在舞台绘景、剧场美术的初试啼声之作，强烈的视觉风格和河床剧团承袭华格纳「总体艺术」的创作理念不谋而合，也开启了她与剧场的不解之缘。

何采柔以视觉艺术创作者的身分进入剧场，在不同的领域间转换，其在创作的思考上自然也不同。对她而言，视觉艺术的呈现聚焦于特定的作品之上，戏剧的主角则是剧场空间中的人；除此之外，视觉艺术与剧场的时间框架也不同。戏剧有起承转合，观众在剧场内会随著时间演进对作品有所期待，时间与观众是紧扣在一起的。然而，河床剧团与一般剧团不同之处，在于对剧场中所有元素（包括演员）同等重视，在此前提下，视觉表现如舞台绘景或美术设计，就有可能不与演员彼此牵制，而是具有同样的重要性，这也给了何采柔更多的发挥空间。

首届「开房间戏剧节」在二○一一年举办，将场景设定在旅馆房间内的做法独树一格，而「开房间」的呈现方式，是透过空间的缩限将观众与表演者的距离拉近，同处一室的空间感将所有感受性密度压缩至最高，观众不只能专注在演员身上，其他诸如视觉、听觉甚至于嗅觉的敏感度也跟著提升。二○一一年「开房间戏剧节」获得空前的成功并入围第十届台新艺术奖，隔年「开房间」进入了台北市立美术馆「真真：当代超常经验」展、二○一三年在国立台湾美术馆的亚洲双年展展出。「开房间」进入美术馆空间的展演，也让何采柔结合视觉艺术与剧场空间的灵活创造力备受瞩目，更奠定了她跨越两个不同艺术领域的创作者身分。

何采柔首次执导的作品为《开房间：206号房》，何采柔在其中即展现出强烈的视觉风格与对空间感的掌握。而在北美馆的《四季》至国美馆亚洲双年展的《半透明的》，何采柔在视觉美学上的风格愈趋明显，无论是色彩、空间、节奏乃至于感官元素的衔接安排，她对于剧场空间的掌握，可以看到更加强烈的影像感。这种影像感的呈现，在《半透明的》演出中相当鲜明。何采柔表示，在《半透明的》她确实是使用影像创作的方式去思考戏剧，同时更以电影分镜的概念去思考每一个场景的安排。「其实在我创作的这条路上，影响我艺术思维较多的是电影导演，比如大卫．林区（David Lynch）、库柏力克（Stanley Kubrick）、保罗．汤玛斯．安德森（Paul Thomas Anderson）等，他们的电影我都重复看上许多次，也许从这点来看，我受到电影影像的影响，比纯视觉艺术来得更多。」

在暧昧中  创造戏与现实之间的距离

事实上，看过何采柔绘画作品的观众在看过她的戏后，也常会将两者联想在一起。何采柔的画作多半使用带萤光的黄色，暧昧的空间像是撷取自某个场景，在散发强烈戏剧感之余，同时指涉梦境与现实空间。「我的画作看起来基本上与现实还是有些许连结，空间布局或拼贴的画面虽然是我主要的形式，然而作品中的内容都不是在现实中不会发生的事情。」这种特质，同样也呈现在何采柔所执导的戏剧作品中，特别是空间并没有明确的指涉，在暧昧中为观众在戏与现实之间创造距离，但同时仍反射至现实甚至于潜意识。何采柔说，她想透过戏剧营造的，正是这种与现实或意识的暧昧性，让观者在此缝隙间，反而能去觉察戏剧与现实之间的距离。

何采柔结合自身视觉艺术的专长，在剧场内拓展出属于自己的一条路，然而对她而言，戏剧创作还有更多的可能等待她去实验。「虽然『开房间』系列已经缩短了演员与观众之间的距离，然而我总在想，剧场的空间和距离，是否还会有别种可能？而展览和演出又是否可以完全结合？」何采柔期待，未来有一天能做出一出打破剧场制式空间的戏，从一次次的创作中，重新思考剧场空间的可能，与其边界为何。