视觉艺术学者王圣闳于2018年为台新艺术奖撰写年度观察报告时，提及「周边事件」蓬勃发展的现象：
相较于「展示」本身，我们是否已来到一个更为侧重「事件生产」的时代？如果仔细观察近年台湾当代艺术的发展，不难发现许多中、大型的展览必定会配备极其绵密的周边事件。无论是论坛、讲座、工作坊、教育推广活动，还是正式或非正式的小型对谈，策办者们总是力求在展览期间塞满每一个能够维系讨论热度（以及脸书活动曝光度）的周末时段。（注1）
时间过了6年，即便对隔行如隔山的表演艺术界而言，这段文字依然适用。
如果表演艺术在于台上台下、此时此刻的聚集与交流，那么观众就演前演后的对话需求，期待的又是什么？
对于曾听过云门舞集创办人林怀民分享创作的观众，一定不陌生「你看到什么就是什么」这句话。（注2）这是创作者愿意将自由诠释权交予观众的余裕，也是观众对自己、对作品的双重信任——然而，却也将作品闭锁于观众独一无二、不须言语的个人体验之中。近年，随著当代剧场愈来愈强调公共性与集体思辨，更试图以任何形式的「讨论」，延续作品本身内建意义。或说，将作品视为某种抛砖引玉，提供议题切入点，引发公众╱观众关注。
表演艺术的「周边事件」，当然不见得全都具备深厚思辨意涵。这类活动，大致可分为「行销宣传」与「作品诠释」两种类型，多以「与观众建立连结」为目的，也都行之有年。前者寻找的是潜在观众，借由对谈、访谈向大众宣告「事件即将发生」，有时更试图与来自不同领域的知名人物对话，拓展可能的观众群。附加任务则是让观众进场前，能对作品有一定的认识。这对现今资讯爆炸、活动密集的当代社会而言，自有其存在必要。至于宣传物与内容物是否一致，不是这阶段该烦恼的事情。至于后者，如节目单文字资讯的延伸，类别涵盖演前导聆、演后座谈、策展系列节目论坛等。此外，近年场馆常于售票网页或社群媒体公告导聆╱座谈名单，也成为吸引观众购票的动机之一，或如馆方曾有企划人员私下表示「有演后座谈的场次总是卖得比较快」。
演出结束后的发酵与酝酿，似乎是强调「群聚」的表演艺术界（以欧美剧场为典范）始终向往的境界。国家戏剧院2017年整修后重新开幕，便借由地面层商店区的规划提出如此想像：「大幕落下之后，这里依然开著灯，有人赶著离场回家、有人想散步思考，如今多了个选择，可到此一游，找个地方待一下，整理整顿心情，或七嘴八舌交换心得、尽情闲聊乱聊、直到夜深。」（注3）然而就实际情况来看，终究难以在台湾剧场生态实践，反倒愈来愈常出现演前导聆、演后座谈「爆场」的大场面。
