:::
李铭宸
相关文章 26 篇
-
新锐艺评 Review风味记：复杂的味道和情感，平淡的敍事和展现
《旅行的舌头》是一个驻节研究计划的延伸。创作团队来自不同地域与文化背景：包括台湾导演、韩裔日本导演、菲律宾艺术家以及台裔旅日作家。他们共享两段相似的经历：一是因工作或学习而迁徙于不同地区，二是故乡皆曾历经殖民统治。这些交集，使得他们在研究中发现了许多相互呼应的味觉经验与记忆，进而以「食物」为核心展开跨文化对话。 「食物」遂成为主轴串连起整个展演：主创团队如同「厨师」，透过挖掘各自土地的历史与文化作为「食材」，融入个人记忆、生命经验与文化碰撞等元素（「调味料」），演出本身就像一个「烹调过程」，最后端出一道道研究成果（「餐点」）与观众这些「食客」分享。整个舞台也被形塑成一座「厨房」，满溢著混杂而新奇的味道，牵引出隐而未见的情感连结。 这些「味道」除了来自食物本身，更源于主创们在研究中揭示的深层脉络，使人频频产生恍然大悟之感原来菲律宾的腌渍类食品Buro、日本的发酵鲋寿司与台湾原住民的腌肉Silaw，在制作方法上竟有惊人相似！原来湄公河三角洲的稻田地区利用发酵米腌制鱼肉的技术，被视为现代寿司的起源之一！原来菲律宾的甜米糕Biko与台湾的「米糕」在读音与形态上竟遥相呼应！这些发现，不仅展现食物的流动与变迁，更折射出跨地域的文化传播与交流。
-
艺@展览不是回顾过往 探看艺术流变及其未来
「台新艺术奖」自2002年开办以来，今年迈入20周年，这个当年国内首创同时关照视觉、表演和跨领域艺术的奖项，透过奖项机制的运作和专业艺评书写的推动，奠定它的专业地位，至今共选出67件得奖作品，不仅是对艺术家个人的表彰，也象征某个时代的印记。由林曼丽担任总策画的「NEXT台新艺术奖20周年大展」，借由重返台新艺术奖20年来的发展流变，也同时探询艺术于下一个未来之种种可能。 一场返回创作本质的回顾展 「台新艺术奖20周年大展」现于北师美术馆举行，集结40组历届得奖艺术家，在「NEXT」为命题的主架构下，或推出新作，或以得奖创作再延伸，或跨域共同创作等方式，打破过往「回顾展」作为文献或资料梳理的常态模式。除此，「台新艺术奖20周年大展」在现场展出、演出的作品之外，还有在嘉义、基隆等远距举办的论坛与活动，甚至在云端OTT观赏的影片播映等，展期间共有25场表演、带状事件型作品、行为艺术和随机的演出发生，让美术馆不只是展示的白盒子，也挑战艺术的「在场与不在场」、「可见与不可见」（如：VR）的辩证，打造出具活性、动态又富剧场特性的展览，而这样的概念正呼应台新艺术奖追求「创新、多元、深耕、公共」的核心精神。 「一开始就确立了这次不要展出得奖作品、不想成为文献展或歌功颂德的展览，而是了解艺术家的下一步、他们如何思考未来等，这样的展览才有意义。」总策画林曼丽期望能和所有艺术家得主共同完成这次展览，因此，在和历届得主沟通过「不展得奖作品，要展出现刻正在发生、或能面对未来可能性的作品」的想法之后，她邀请剧场导演姚立群、艺术家高俊宏和苏汇宇担任策展人，由他们与艺术家进行细部沟通、协调及媒合，当作品逐渐成形的同时，3位策展人也各自提出他们对于「未来」的策展观点，最后，林曼丽做整体性的统筹。 「这次策展面对的不确定性、复杂度都很高，挑战很大。」林曼丽表示，台新艺术奖从成立之初，就是秉持开放的态度，「不限制美学立场、价值取向或表达方式，而是必须在观念、形态上有所创新和突破，具备前瞻性的思维，才是奖项关注的重点。」这样的特质，不只是历届得奖作品的特色，也充分展现在这次展出作品具实验性、跨域对话、挑战边界等质地，返回创作原点的自由想像空间。
-
戏剧 李铭宸睽违剧场3年力作在超级市场里 探问「人如何成为一个人」
我好像从一个时间开始，留意也好，或是发现自己真的比较容易被这种东西吸引，譬如像超级市场、停车场、夹娃娃机店，这些更当代、更生活、跟我们更紧密的那一些空间，他们完全没有美的意图，或是在创造和建立文化的意图，但我常常在这边意会到很多事情我常会说，超市很漂亮，你一定也能够明白，他其实不是因为创造美而设计，但是他有一种美的秩序。 ──《超级市场 Supermarket》编导李铭宸 一块肉张牙舞爪而漫无目的的往前方迈进，接著翻滚进了椅子堆里；戴著现代大量生产、道具化天使翅膀的女性，匍匐在地上舞动伸展；拿著素描本的漫才演员，讲述著童话故事现代版之大乱斗。这是风格涉主创者李铭宸沉寂3年多之后，第一档回归作品《超级市场 Supermarket》的排练发展现场。时间已来到段落需要熟练与成型的阶段，不过他仍想在继续尝试「带著一种动力进来，不用发生什么，但是必须要跟另外一种动力进行沟通互动。」给著台上指示。 身为《超级市场 Supermarket》的编导，李铭宸觉得超市让他为之著迷的，就是那些不断对著消费者说话的商品。「超市的每一个东西都在跟你讲话，因为是商品，它必须被处理得很诱惑人、处理得很可口，处理得非它不可，这些充满意图的单元的所在，就是超市。」
-
特别企画 Feature 艺术家回应李铭宸：不同立场的换位思考
「策展对我来说，也是单位与创作者，甚至是观众之间的斗智斗勇。 」面对策展邀演的心情，创作者李铭宸如是说。 策展：组合背后的思维与态度 编导演全才的李铭宸，以「集体创作」见长，经常是生活经验有所体会，才会将之化作创作元素不仅个人创作如此，即便遇上单位邀请、策展合作等状况亦然，「以我个人的创作经历来说，通常不会先从题目开始，大多先有感觉、累积经验，创作才会开始。我很少重新发展、尝试过去创作中的概念或元素，可能是因为这样才会每次创作都很痛苦吧，也可能是因为，一路以来做的东西大多比较不是走文本脉络，而透过生活、经验、抽象的感知去组构作品和陈述，好像也会自然地开往这种方向。」 然而，既然说到这点，李铭宸又不得不先讨论「策展」二字，之于台湾艺术圈的定义。他思考：「以现在台湾剧场的环境来说，『策展』常常比较多觉得是一种行销的语言、扛棒（编按：台语「招牌」），像是超级市场的樱花季、枫叶季、各国零食泡面环游世界那种感觉。艺术节和策展，大多国外旧作和台湾新作混杂呈现，但作品们的组合、菜单、发生的方式，能够感觉到背后策划的思维、态度、视野。」 话虽如此，仍偶有惊喜的际遇发生。今年台北艺术节，李铭宸的全新作品《百叶》也将登台，他说这回虽然同样是以策展之名目为发端，但是「我能感觉到策展人林人中非常有意识地在处理整体节目的思考与议题性，与艺术家的沟通相处，也非常紧密，深入，体察。」这样彼此信任、畅通讨论的关系，对李铭宸来说也是很不容易的经验。毕竟场馆的邀请，时而像把双面刃，有时给予人意象不到的刺激，有时也会迎来无法预期的限制。
-
跨界对谈 王嘉明X李铭宸X高翊恺是我们生产过量，还是市场尚未打开？
剧场演出的数量与密度飙高，其实是2022年下半年最为明显的写照。疫情政策走向持续开放、台北表演艺术中心启用等因素，导致往年在补助机制与预算消耗下都会有大量演出的秋、冬两季，无疑是锦上添花（或许是火上加油？），甚至，这种从制作数量出发的观看，往往也被连结到「观众数量」、「作品品质」等疑问；于是，我们也会想像，怎样才是优良的创作频率与市场？ 从「创作的过度生产」开始思考，这次对谈邀请了今年可以说是创作量最多、领域也最广的导演王嘉明，以及睽违3年终于推出剧场创作《超级市场Supermarket》的李铭宸，企图作为对照组，窥视剧场导演的不同创作节奏；同时也邀请表演艺术制作人、经理人高翊恺，尝试在制作内部与观察外部的位置，检视今年的特殊状况，如何延续著过去，然后回应未来的台湾剧场趋势。
-
戏剧 阮剧团与李铭宸《再约》
热炒店里的浮世场景 无路可出的人生片段
由阮剧团制作、李铭宸执导的《再约》，是阮剧团第三届「剧本农场」计划的作品之一，描绘在热炒店一隅，一群约了聚会的同学、同事，那些如同万年连续剧情节的过往，以及看似要解决却什么都无法解决的现在。李铭宸将以四面式舞台，呈现这个上下场繁多、看似流动不止，却无路可出的浮世场景。
-
台北表演艺术中心特别报导 一起走吧！与青年艺术家们向前行（二）提供舞台 容忍失败
当场馆邀请青年艺术家一起前行，试图为他们搭桥铺路时，是否真的知道他们的需要？参与北艺中心「剧场管理未来式III与青年艺术家携手同行Walking with Young Talents」论坛的台湾年轻艺术工作者，也纷纷表达了他们的期待，例如提供驻村创作机会，提供排练与演出空间，提供与其他艺术家交流激荡的场域与机会，提供容许创作酝酿与失败的可能
-
编辑精选 PAR Choice
动作与声音的接龙游戏
「每个动作都有一个声音」是「JPG击乐实验室」的系列节目之一，由击乐家郑雅心与张育瑛组成的「那娜击乐二重奏」与作曲家邱浩源、新媒体艺术家王连晟、剧场导演李铭宸的跨界合作。节目概念来自生活中的听觉经验，将一些平时被忽略或习以为常的声响转化为演奏出的音乐，或加以复制、模拟、创造，进而带来不同的联想。
-
演出评论 Review
「后．真相」剧场与文本对决的真实
以詹明信后现代主义的理论，套用在这三出戏上，其主要特征为「主体的死亡」：王嘉明所要表述的没有中心和意义；「客体的溶解」（真实消失了）：高俊耀要主客不分、却更显见历历分明；语言则为「符征之流」：李铭宸符征与符旨的断裂，符征不再对应去「回译」成它们的符旨。但以过往理论如此套用现今的制作，亦没有多大的意义，只是再次验证所标榜的实验创新早已有前人所为。
-
演出评论 Review
和而不同的日常蠕动
松软的重复中，身体慢慢耗著，渐如一具大型人肉机器，时聚时分，或混或杂，而仍是共同一体，有自在的默契，也耗出某种邀请的温度。约莫第七十分钟，第二段关于时间的长讲结束后，舞者走进观众席坐下，穿上衣帽，仿佛要成为「我们」之一；倏然在座位上痉挛起来，抖落外衣，重回舞台，标示了自己的不可溶解。就在最后这一刻，他们决定应该抵抗点什么。
-
总编辑的话 Editorial
不只是改编
改编，向来是剧场中常用的手法，但是创作者如何在原著的基底下展现自己所想，而又不失原著的精神，这往往都是很难的课题。曾以《奥塞罗》一剧在台湾深受好评，现今欧陆当红的导演凡．霍夫，无疑是拆解经典的个中好手。而将在五月底TIFA登场的《源泉》，虽是他第一次改编自小说的作品，但自二○一四年推出后，就受到全球剧场的瞩目。 这次他挑战的同名小说《源泉》，为作者艾茵．兰德历经七年撰写，于一九四三年出版的第一部长篇小说，也是奠定作者于世界文坛的崇高地位的作品。原著影响力之深远，其探讨的议题业已进入思想与哲学的领域，但在兰德的笔下，除了小说本身的所探讨的议题深刻外，每个主人翁都亦有血有肉，并富深厚的人性，这也是成为凡．霍夫第一眼相中本书，吸引他改编的原因。当然，在书中围绕的理念之争及直指创作本质的种种质疑与探寻，更是成为导演亟欲将它般上舞台，要与观众共同思索的主题。但如何将共计九百八十页、上下两册的巨著，搬上舞台？并藉著剧场的空间流动，以多角度的视觉呈现多方面的议题，提供观众一个独特的视角、倾听和思考的可能？这绝对是考验及体现凡．霍夫导演的功力所在，相信也是每位观众在看完演出后回味、赞叹之处。 同样是改编，也同样的要在五月份登场的「新点子剧展」，这次以「后．真相」为题，让导演王嘉明、高俊耀、李铭宸对上莎士比亚、品特与戈尔德思，开展另一种改编与创作的型态。在古希腊，剧场就是一个辩证的场域，一个追寻真相的所在，但在这个社群网路与即时通讯软体泛滥的年代，因「后真相」现象下所催生的许多狂人、网红与民粹的此时，剧场，或甚而艺术，又能发挥它多少的功能？或是该站在何处、以什么样的关系链结、角度切入，才能在现代人的生活中发挥它的应有的影响？我想，这是观众与艺术家在看戏、作戏的同时，更值得思考的方向，相信也是这次「新点子剧展」以「后．真相」为名，背后的真相。
-
焦点专题（二） Focus 李铭宸《夜晚就在森林前方》
面对戈尔德思 剧场就在生活前方
法国剧作家戈尔德思的《夜晚就在森林前方》，是一篇长达六十三页、完全没有句点的独白，是一个男人用他可以想像到的所有文字留住一个陌生人。这样一个文字分量沉重的剧本，鲜少执导文本的导演李铭宸要如何处理？他与编剧郑智源、表演者杨奇殷，用年轻剧场世代的与戈尔德思展开一场全新的对话。从戈尔德思剧中社会边缘人的角度出发，李铭宸和郑智源试图探索一个热爱剧场文化的人，如何迷失在这被文创侵蚀的现代生活之中。
-
焦点专题 Focus
一间旅店，四种想像
创作社剧团《四情旅店》找来两岸三地四位青壮派导演，共同以「旅店」为命题进行创作。这不是一个晚上四出戏的集结，而是尝试让四个导演共同磨合出一台戏。台湾代表杨景翔与李铭宸，前者擅长处理剧作议题和语言、后者专注于空间、物件、演员的质地与状态，香港代表陈恒辉以文学入戏，经营身体、声音与意象，中国代表王子川则擅于编作荒谬喜剧。四位导演的风格与关注命题迥异，相异的美学品味，如何被放在同一个舞台上？ 在还未进剧场见真章之前，本刊分别对四位导演提问，关于创作，关于成长的环境，关于对其他导演的好奇，关于两岸三地的剧场风景，他们是怎么想，怎么看的？
-
编辑精选 PAR Choice
现世，或者末日寓言？ 李铭宸执导得奖剧本 探问《＃》的语言内幕
编剧魏于嘉获得二○一四年台湾文学金典奖的剧本《现世寓言》，将由新锐导演李铭宸搬上舞台，并换上来自网路流行语的新剧名《＃》。魏于嘉的剧本通过非人的物件及动物为角色，书写一幕幕光怪陆离、荒谬突梯的寓言场景，但来到喜爱探究语言本质的李铭宸手上，他好奇的是「寓言」的形式，为什么人们喜欢听寓言故事？为什么寓言故事要这么说？
-
艺活志 Behind Curtain
李铭宸 我的生活 就是我的书桌
彼得．布鲁克曾说，在家做的功课就是为了拿到排练场丢掉。李铭宸谦称自己虽然尚未领会个中奥义，但这话确实是他创作的圭臬，且尝试以各种方式实践。身为导演，书桌并非主要工作场所，排练场才是，甚至路上听到看到，都是功课。也试过排戏前后在书桌大量工作，发现不适合自己，「有时光是我前往排练场路上想的，都比我在书桌前想的更有用更好玩，甚至排练内容跟我设想的完全方向相反。」
-
特别企画 Feature 香港：焦点剧作家
冯程程 编导并进 以剧场思索文明
身兼编剧与导演的冯程程，是香港的「新文本」创作代表之一，除了执导过多部欧洲新文本剧作外，更曾担任前进进戏剧工作坊「新文本工作室」召集人，积极转研新文本作本土转化的可能性。二○一二年创作首演的《谁杀了大象》，借由一头大象与被迫要杀象的警员，探讨体制的暴力，进而发问在文明外衣背后，人究竟是怎样存在的？
-
演出评论 Review
崩世代与崩世界
两位导演似乎都使用了说反话的语言策略，但是反话或反讽，通常表现的是对语言的娴熟，他们尽管机智外露，却是用笑闹表现哭不出来，用流行语汇表达他们对自己的感受词穷。他们说反话，是因为丧失直接沟通的能力。请别误会，这不是缺点，反而证明了他们敏锐地抓住了年轻世代的处境。
-
编辑精选 PAR Choice
《恋曲2010》 诉说此时此刻
罗大佑以歌为十年下注解，使创作本身存在浓厚的历史观照，李铭宸也许有类似的意图，他著眼的历史，却与一般人想像的无关。「『能不能轻轻地为你唱首歌？』我最希望做到的是这个。」「我希望大家带著这观看的可能性去理解一首歌或一些事件。我会希望在这样的命题之下，提供大家体验或观察社会景况的一种眼光或感受。」李铭宸淡淡说著：「我用这个方式诉说我所处的此时此刻。」
-
企画特辑 Special
穿越身体记号的游戏性
这出以「胖」为命题《每个人的心中都有一座胖背山》，身体仅仅成了载体，不在再现角色、情感；形体上的胖，如同记号，可以扩充（增胖）、压碎（减胖）、变化（换装）、去除（裸身），这一连串符号式的加载与剥除，让胖的形象如同造字游戏般，不断繁衍、增生，胖的形体因此溢生了更多想像与「玩」的趣味。
-
艺次元曼波 HEART to HEART
「胖」达人的重量级心声
骆以军，五年级中段班小说家的代表人物；李铭宸，七年级后段班迅速窜红的剧场新秀，两人看似没有交集，却在这次黑眼睛跨剧团主办的「胖节」中被配成对。因为，从外表看来，他们唯一的共同点，就是胖！ 在这个瘦子当道的年代，「瘦就是美」成为主流审美标准。相对地，胖子的生存空间备受排挤。然而，我们不禁想问，胖，到底是个人的健康问题，还是集体社会文化的歧视？胖，可以性感迷人吗？胖，可以是美的吗？ 这次，我们找来骆以军和李铭宸对谈，身为专业的「胖」达人，两位有什么不为人知的辛酸血泪，要跟我们分享？他们如何把「胖」转化为创作的素材，发展出「胖美学」？ 且让我们来听听，他们的重量级心声。
