兩個小時的夾敘夾議，雖然達到布萊希特所主張的「疏離效果」，全場觀眾不斷保持著故事外的冷靜思考，不過同時要提問的是：這是導演希望達到的完全目標嗎？
莎士比亞的《哈姆雷特》，大概是歐美現代劇場中，最經常被搬演的劇目，不過後進的華文戲劇圈，似乎更喜歡較為輕薄的《哈姆雷特機器》。這個原近兩百頁的莎翁劇本，經過當代劇作家海納．穆勒的一番暴力「解構」，只剩下了支離破碎、艱澀難解的九頁。而這薄薄的劇本所挑戰的，正是從文學的「戲劇」發展到導演之「劇場」，所開拓出來的表演藝術新場域。
而此次在台港中兩岸三地聯合製作的《哈奈馬仙之hamlet. b》，張炳釗和張藝生兩位香港導演，便很有意識地，將劇本外的「劇場」論述戰場，瞄準華人世界正瘋狂前進的「文化創意產業」之夢。這場唐吉訶德大戰資本主義風車之旅，在一景到底的虛實四方形框框，及背面大螢幕之舞台上，導演用六個演員時而疏離敘事，時而進入角色扮演的演繹形式，述說一個哈姆雷特（偶像演員）與奧菲莉亞（追星粉絲）的愛情故事。而議論的是，當一個文學經典，經過文化創意產業之手，成為可以不斷複製重複的機械式商品之後，這段舞台上的演出時光（偶像與粉絲的戀愛）還剩下了什麼？
哈姆雷特的憂鬱 在台灣更苦悶
其實比較有意思的，是這齣戲的戰鬥姿態。就在名作家張大春在自己的部落格拋出「文化創意產業是狗屁」之說，經過網友大量轉載，媒體短暫炒作、文化界自動噤聲，很快地就風平浪靜之後，這齣對文創批判意味濃厚的演出，在台灣劇場界的反應竟然也是平靜，甚至演出後在「兩廳院名人堂」的小型座談，諸劇場先賢們的反應亦一片祥和（這齣戲的○八年版本，在香港劇場圈曾激起一波正反意見的論戰），哈姆雷特的憂鬱，放在完全被資本主義KO（編按：knock out，擊倒）的台灣，顯得更加苦悶與孤寂。
在多聲道語言（港、台、中、英、德語）的火力交織下，展現的是繁複之結構與意象鋪陳、交叉、轉向與匯流，尤其是劇場符號的層層繁殖演繹，譬如在舞台上的最重要意象—— 冰塊。在《哈姆雷特》原劇中，深愛著王子的奧菲莉亞，發瘋不慎跌落河水，在此這個落水身姿，配合著演出海報的圖像投影，冰塊象徵著這一刻，她「唇間殘雪」的冰河意象，「⋯⋯快樂正在我冰冷的嘴唇上燃燒，它最終會慢慢融化，還是慢慢結成冰⋯⋯」，就在這個瘋狂的時刻，奧菲莉亞與哈姆雷特（粉絲與歌迷／消費者與販賣者／觀眾與劇場⋯⋯）的關係，究竟會結束還是繼續⋯⋯？
接著是劇中的前故事〈鐵鎚男與抱冰女〉，一個天真的藝術家（哈姆雷特），夾在示威群眾與鎮暴警察之空隙間，進行他的行動藝術—— 用大榔頭槌冰塊，此刻闖了一個需要冰塊冷靜的抱冰女（劇場女粉絲），無論如何想要花錢買他的冰塊（作品），冰塊在此指涉的是劇場（特別是實驗劇場）與消費社會之間的關係。更延伸的是快速膨脹的消費社會，所啟動的全球暖室效應，冰塊也跟藝術文化一樣，駛向無法回頭的融化消失盡頭。最後回到故事，千里迢迢趕到中國大西北的女粉絲，終於在冰風暴淹沒的劇院舞台底下，救出無法面對機械式的第一百場演出，而躲避藏身的演員哈姆雷特（毀滅後的重生？）。
語言理智多過動作感情 這是導演的問題？
兩個小時的夾敘夾議，雖然達到布萊希特所主張的「疏離效果」（distancing eect），全場觀眾不斷保持著故事外的冷靜思考，不過同時要提問的是：這是導演希望達到的完全目標嗎？筆者覺得劇本不乏詩意的角色心理陳述，與可以精采的血肉情感表演場景，但演員的演出刻意保守，尤其是大有發揮空間的哈姆雷特與奧菲莉亞。而共同缺乏的身體的投入，看到的大都是演員的上半身表演，語言比動作好，理智比感情多。這也使得全劇缺乏溫度，缺乏進入故事的身體感受，只剩下思維對理性論述的贊成（To be）或反對（or not to be），而這正是一個導演需要處理的問題（that is the question）？
