PAR 表演藝術雜誌

從街頭塗鴉、繪畫、舞台繪景／設計到劇場導演，何采柔融合不同的創作者身分游走在視覺藝術和戲劇的領域。她的繪畫作品、雕塑形塑介於夢境與現實的空間，戲劇作品有如將平面的二維視覺思維轉進三度空間，以極具影像感的方式呈現在觀者眼前。

與河床劇團合作  踏入劇場

何采柔在美國愛荷華大學就讀期間主要從事塗鴉創作，與同學游擊行走於街頭，以視覺性的手法融合文化符號與批判意識，透過視覺語言尋找與世界連結的可能，而後她轉向平面繪畫，並於返台後從事櫥窗設計，之後又因緣際會一腳踏進劇場領域。這樣跨度極大的背景經歷，也許正說明了何采柔在創作上的多元與靈活，以及她何以能帶著戲劇創作進入美術館空間展演，成為跨越視覺藝術與劇場圈的藝術家。

「我在剛返台時認識了陸蓉之和曲家瑞，透過她們的介紹，在一場飯局裡認識當時河床劇團的導演郭文泰，由於我在大學時做的是街頭塗鴉，因此在那次的談話中，我們聊了很多關於表演藝術的想法，也討論是否有可能將塗鴉創作引進劇場。之後在二○○八年的《百夜之夢》，我替這齣戲製作了兩個大面具，這是我接觸舞台繪景的開始。」何采柔以此作為在舞台繪景、劇場美術的初試啼聲之作，強烈的視覺風格和河床劇團承襲華格納「總體藝術」的創作理念不謀而合，也開啟了她與劇場的不解之緣。

何采柔以視覺藝術創作者的身分進入劇場，在不同的領域間轉換，其在創作的思考上自然也不同。對她而言，視覺藝術的呈現聚焦於特定的作品之上，戲劇的主角則是劇場空間中的人；除此之外，視覺藝術與劇場的時間框架也不同。戲劇有起承轉合，觀眾在劇場內會隨著時間演進對作品有所期待，時間與觀眾是緊扣在一起的。然而，河床劇團與一般劇團不同之處，在於對劇場中所有元素（包括演員）同等重視，在此前提下，視覺表現如舞台繪景或美術設計，就有可能不與演員彼此牽制，而是具有同樣的重要性，這也給了何采柔更多的發揮空間。

首屆「開房間戲劇節」在二○一一年舉辦，將場景設定在旅館房間內的做法獨樹一格，而「開房間」的呈現方式，是透過空間的縮限將觀眾與表演者的距離拉近，同處一室的空間感將所有感受性密度壓縮至最高，觀眾不只能專注在演員身上，其他諸如視覺、聽覺甚至於嗅覺的敏感度也跟著提升。二○一一年「開房間戲劇節」獲得空前的成功並入圍第十屆台新藝術獎，隔年「開房間」進入了台北市立美術館「真真：當代超常經驗」展、二○一三年在國立台灣美術館的亞洲雙年展展出。「開房間」進入美術館空間的展演，也讓何采柔結合視覺藝術與劇場空間的靈活創造力備受矚目，更奠定了她跨越兩個不同藝術領域的創作者身分。

何采柔首次執導的作品為《開房間：206號房》，何采柔在其中即展現出強烈的視覺風格與對空間感的掌握。而在北美館的《四季》至國美館亞洲雙年展的《半透明的》，何采柔在視覺美學上的風格愈趨明顯，無論是色彩、空間、節奏乃至於感官元素的銜接安排，她對於劇場空間的掌握，可以看到更加強烈的影像感。這種影像感的呈現，在《半透明的》演出中相當鮮明。何采柔表示，在《半透明的》她確實是使用影像創作的方式去思考戲劇，同時更以電影分鏡的概念去思考每一個場景的安排。「其實在我創作的這條路上，影響我藝術思維較多的是電影導演，比如大衛．林區（David Lynch）、庫柏力克（Stanley Kubrick）、保羅．湯瑪斯．安德森（Paul Thomas Anderson）等，他們的電影我都重複看上許多次，也許從這點來看，我受到電影影像的影響，比純視覺藝術來得更多。」

在曖昧中  創造戲與現實之間的距離

事實上，看過何采柔繪畫作品的觀眾在看過她的戲後，也常會將兩者聯想在一起。何采柔的畫作多半使用帶螢光的黃色，曖昧的空間像是擷取自某個場景，在散發強烈戲劇感之餘，同時指涉夢境與現實空間。「我的畫作看起來基本上與現實還是有些許連結，空間布局或拼貼的畫面雖然是我主要的形式，然而作品中的內容都不是在現實中不會發生的事情。」這種特質，同樣也呈現在何采柔所執導的戲劇作品中，特別是空間並沒有明確的指涉，在曖昧中為觀眾在戲與現實之間創造距離，但同時仍反射至現實甚至於潛意識。何采柔說，她想透過戲劇營造的，正是這種與現實或意識的曖昧性，讓觀者在此縫隙間，反而能去覺察戲劇與現實之間的距離。

何采柔結合自身視覺藝術的專長，在劇場內拓展出屬於自己的一條路，然而對她而言，戲劇創作還有更多的可能等待她去實驗。「雖然『開房間』系列已經縮短了演員與觀眾之間的距離，然而我總在想，劇場的空間和距離，是否還會有別種可能？而展覽和演出又是否可以完全結合？」何采柔期待，未來有一天能做出一齣打破劇場制式空間的戲，從一次次的創作中，重新思考劇場空間的可能，與其邊界為何。