《冥遊記》所描繪的是一個禮儀規範下的倫理社會，故事中人被以身分定位，並按照身分行動。當武曌進到陰間時，她向唐太宗行禮跪拜的舉動便是在確認雙方的翁媳關係，同時確認身分制度的有效。這種倫理秩序的建立，又是以唐太宗的建國神話作為基礎。唐太宗不斷重述其建國的偉業，使得以他為主導的身分與秩序獲得正當性。劇中建國神話最具代表性者，就是《秦王入陣曲》的出現。另一方面，《冥遊記》的敘事採取雙線對照的結構，對於唐太宗與李唐皇室描繪，往往可以在武曌與武周政權找到對應的敘述。武曌也建立了自己的建國神話，她通過佛教經典的運用來建立正當性，即劇情中提到彌勒轉生的自稱。
「日光，無所分別。」是這個成立於2006年的劇團「曉劇場」的開場白，似乎正呼應著團名的「曉」破曉。從在台北士林成團，到已於萬華扎根10餘年；也從士林的3層公寓，到和平西路三段巷弄裡的地下室、華江老公寓，然後是龍山文創基地B2與糖廍文化園區。曉劇場除發展面向社會議題的創作，如《穢土天堂三部曲》、《焦土》等，也改編張曼娟、黃春明、三島由紀夫、宮部美幸等作家經典，並落實與萬華在地的連結，開設社區戲劇班，發表系列作品，和南海發展中心進行身心障礙者戲劇課程。曉劇場現正進行中的下一步是，多數劇團長年以來的夢想擁有一座劇場。
反覆的溝通來回，與差點說出口的放棄 「劇場使用」與「文化資產」兩種專業交會後，彼此延伸出來的問題，往往不一定能找到交集，甚至絆著彼此的步伐。例如曉劇場核心成員葉育伶也提到，過程中曾有文資委員將整個園區的古蹟建物都拿出來討論，但曉劇場所承租的只有B棟，她苦笑說：「古蹟作為一個整體，怎麼可以單棟討論？這個問題，文資委員覺得很荒謬，但我們也覺得很荒謬。」
1988年4月，還在就讀國立藝術學院戲劇系的大學生馮翊綱與宋少卿以「在劇場裡說相聲」為創作方式，號召同學到系館中庭看表演，然後取名為「相聲瓦舍」，30年來演出不輟。從團名來看，無論是表演形式的「相聲」，或是宋代作為娛樂場域的「瓦舍」，往往會將相聲瓦舍的創作歸類於「傳統藝術」、或是「說唱藝術」，但創辦人馮翊綱很堅定地說：「我們做的是現代戲劇。」
今年夏天，眾所期盼的臺北表演藝術中心（以下簡稱北藝中心）終於迎來開幕。除了參觀別具一格的建築結構、欣賞館內演出，中心一帶還有著許多適合在演出前後消磨時光、又能一探城市歷史記憶的好去處。這邊為大家介紹劍潭、士林一帶6個好玩有趣、寓教於樂的景點。
作為台灣最具代表性的說唱藝術，大家對「唸歌」的印象，多是一至兩位彈著月琴與大廣弦的演出者，且彈且唱且說且演，娓娓道來各種民間傳說、歷史故事。在國寶級大師楊秀卿的用心傳承下，唸歌藝術也與各種當代媒介嫁接，翻轉出令人驚喜的面貌。且聽楊秀卿彈起月琴，說一說她如何讓「唸歌」繼續走下去
《麗晶卡拉OK的最後一夜》仍卡在一個尷尬的位置雖可藉其取材感受到創作者不言自明的情感，但在細節書寫與整體呈現方面仍缺乏更有效的創發與表現。我想，其進一步的困難在於，如何在商品化的過程裡，維持並持續挖掘內在的核心價值與情感深度，而非停滯於外在形式與框架，便能讓「懷舊」不只是純粹的行銷策略。
一場錯夢，確實讓《西樓記》活了過來無論該解讀為戲弄觀眾，或挽救全劇。王嘉明藉情節調轉的變奏，讓傳統與現代美學更顯反差；同時，也回應過往執導崑劇的「夢的脈絡」。我著實驚喜於這樣的結局安排。不過，《西樓記》的新意，卻更是王嘉明的「限制」無法新寫曲文的重組，終究離不開原著的制約與詮釋的囿限。另外，整體節奏與調度不夠順暢，折子的接合也卡死於情節交代而非表演發揮，都考驗對崑劇的理解與進一步創發。
二○一七年在國家戲劇院實驗劇場首演的《叛徒馬密可能的回憶錄》，是簡莉穎身為國家兩廳院駐館藝術家時所進行的田野調查與創作計畫成果，原本她想寫的是「台灣版」的《美國天使》，但在資料蒐集與訪談的過程中，發現愛滋已經不是絕症的現在，感染者面對的是不一樣的人生難題，於是方向轉了大彎明年此劇將搬上國家戲劇院的大舞台，本刊特地專訪簡莉穎，一談創作過程中的點滴與轉折。
十二月推出的「致親愛的孤獨者」劇展，以人類共有所感的「孤獨」為題，推出《2923》、《你必須醒來》、《花兒》、《＃越想越不對勁》四齣小戲，由范瑞君、王靖惇、梁允睿、黃彥霖等人擔綱編導，探討各種人生境況下的孤獨處境與孤獨中的自我凝視。
這一年可說是台灣原創音樂劇製作大爆發的一年，不管是首演、重演或重製，數量超過廿個，可說是歷年來的高點。然此時台灣音樂劇發展乍看蓬勃，其實外強中乾，量雖然逐年增加，但產出的質卻有道不出的無奈，大多數創作者和劇團總是倚靠熱情和衝勁，突破困境和挑戰。相較於音樂劇產業發展完熟的韓國，與起飛中的中國，台灣的音樂劇如要更上層樓，政府的扶植挹注、場館的合作共製，都可能讓未來看到一片藍天
回看今年的表演形式呈現，最令人有感的莫過於「參與式藝術」，不管是戴上耳機、五感齊發的行走體驗，在過程中參與投票、議題討論，或是以素人身分加入演出，多樣的參與體驗表演可說是蓬勃發展，蔚為風潮。表演藝術獨有的現場性與共時性，讓參與成為個人獨特的經驗，是這類型藝術深具魅力的特色之一。
因應北中南場館增加、各地藝術節蓬勃展開，許多團隊在創作之初就會考量日後重演或巡演行程，以往巡演多是大團專利，現在許多中小型製作也多了許多全台走透透的機會。巡演重演雖然有可分攤製作成本、增加作品曝光度的好處，但巡演人事費成本往往被邀請單位低估，讓團隊看見大餅卻吃不到，而且走出舒適圈，也需面對票房行銷壓力，這些都是團隊必須評估的因素。
由新加坡劇作家鄒文森創作的《上身不由己》，主角「強」擁有多重身分，看似在任何情境都能自在轉換，卻也呈現許多內在矛盾與衝突，透過他與其他角色的互動，也照見現代人內心最深處的孤獨無解。導演林唐聿保留原劇的時空設定，呈現星國的「多聲道」文化，希望藉由新加坡的現況，刺激觀眾看完戲後的反思。
沒有官方資源，崑曲卻能在台灣落地生根，進而開出奇花異卉，可說是因緣巧合，加上藝術家的熱愛與努力。近年來，除了指標性的白先勇青春版《牡丹亭》與《玉簪記》，還有致力崑劇跨界創作的二分之一Q劇場，因崑劇小生溫宇航加入而帶出崑劇創作路線的國光劇團，多元的演出，讓台灣觀眾從「不入園林，怎知春色如許」，到看到滿園「奼紫嫣紅開遍」，崑劇在台灣，已然從荒蕪中雕塑出屬於台灣的崑劇美學。
梁允睿一直都喜歡紅色，以「紅潮」作為團名，取的是漲紅了臉的意象。「一輩子，都要為自己愛的事情臉紅一次。」創作總源於「一觸即發」，媽媽寄來的麻油雞飯蒸熱時的滿室香氣演變出《美味型男》、瘖啞人士的手語日常對話延伸出《啞狗男人》，這回碰上了瑪莉也是如此，點著了線頭便一路往下竄，他一邊研究、寫本，一邊抱著吉他哼唱、歌曲一首首地生，織就了《瑪莉皇后的禮服》。
在《父親》中存在感十足的劉怡君，是科班出身的舞蹈工作者，「在學校的時候，別人都叫我大牛，對事情有好奇心，會我行我素地衝過去。」劉怡君形容自己是「想得很多，走得很慢」的那種「牛」，秉持著這種特質，她遊歷歐洲、參與舞團，從觀察中體驗、學習，直至二○一三年加入偷窺者舞團。在這個難以定義的創作團體中，自由又富挑戰性的工作方式，讓她開心地說：「可以吃這行飯是多麼幸運的事！」
神用自己的形象造人，人用自己的形象建城。城市本一物，你我惹塵埃。城市不事生產，祂只管複製與貼上。天地不仁，以萬物為芻狗：巴赫、布魯克納、Isaac Hayes以及《代》劇的郭貝爾，與列車進站、列車廣播及鐵捲門的噪音平起平坐你帶什麼進城，城市就有什麼樣的聲音。
繼與台南的高中生聯手創作的《我的星球》後，日本導演柴幸男再度來台，與台灣的演員排練了《我並不悲傷，是因為你離我很遠》，原劇去年底在東京首演，這回柴幸男在台北駐地兩個月進行創作，與不同的演員合作對他而言是令人興奮的挑戰，他說：「就算使用同樣的食譜，只要食材不同，我就想做出新的料理。」
不管是來賓與觀眾混在一起的《張吉米的喜酒》，一次只有一位觀眾、可以帶你到天涯海角的《CYH-279 摩托計程車》，張吉米創作獨特的劇場形式，讓「觀眾」對演出而言是非常重要的存在。張吉米說，他創作總是先決定觀眾的位置，「位置決定了，你就會知道舞台在哪裡。可能是物理上的空間，也可能是心理上的位置。」
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