3大系列、9檔節目怎麼挑？第12屆臺灣國際打擊樂節全解析
第12屆臺灣國際打擊樂節（TIPC）精心策劃了9檔兼具深度與廣度的精采節目，總共邀請了11組國內外優秀團隊，其中更有多達8組團隊是首度來台演出。整體內容劃分為「張力無限」、「跨文化視野」與「魅力迸發」3大類型，展現全球擊樂風景的多樣性與潮流魅力。
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焦點專題 Focus擊樂狂想，綺麗酣夢的回首
當藝術總監朱宗慶毅然決然宣告要舉辦第一屆臺灣國際打擊樂節（TIPC）時，那份宏願，徹底翻轉了台灣擊樂的命運。要成就這場盛會，背後仰賴的是全體幕後人員不分晝夜的分工作業，當時辦公室裡無論部門職級全員出動，每個人都被分配了任務，連會計都得親自下場支援。 在這場盛會中，最令人津津樂道的，除了嚴謹的幕後籌備，便是對國際藝術家無微不至的「台灣體驗」。這份傳統，源於當時擊樂文教基金會中一群平均年齡才20多歲的熱血年輕人所創下的經驗。在當年團隊中，擔任宣傳主任的劉家渝，不僅身兼媒體、宣傳、票務與接待等多項任務，為了讓國外團隊留下無可取代的回憶，從藝術家落地台灣下機的那一刻起，她便安排專人全程拍照記錄。無論是緊鑼密鼓的排練、生活起居的點滴，還是充滿台灣味的吃宵夜時光，全都被悉心捕捉入鏡。不僅如此，當這些藝術家回國之前，團隊還會送上這幾天最即時的相片，並將媒體報導輯編成冊寄給他們，將這份感動化作永恆的紀念。 這份超乎預期的用心，深深震撼了國際團隊，在那個還需要用底片洗照片的年代，需要多少個通宵熬夜，才能趕製出熱騰騰的相本，而這套充滿人情味的接待方式，也成為往後歷屆TIPC不可撼動的最高作業標準。那份將心比心、熱情款待的初衷始終如一。從客製化卡片到讓人驚豔的在地水果，種種貼心細節都讓國際團隊感受到身為客人的尊榮。 如今，回眸那段跌跌撞撞卻璀璨無比的來時路，劉家渝的記憶依然鮮明。那不僅是一場盛會的籌備，更是燃燒青春、突破自我局限的奇幻旅程。
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宇航的戲曲手記藝術學習點滴談（二）——您捕捉細節了嗎？
當年跟汪世瑜老師學習《牡丹亭．硬拷》的時節，那段【折桂令】真是載歌載舞細節滿分，學來甚難。有同學問，我們有必要安排這麼多小身段嗎？老師回應這麼一段話：不要認為觀眾沒抓到或者根本沒看懂，我們就可以放棄不做了。我們要爭取把每一個細節展現在觀眾面前，至於觀眾能捕捉領略多少，那是觀眾的功課。
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多倫多四季表演藝術中心接連收到炸彈威脅 取消神韻藝術團多倫多演出
3月29日週日下午一點前，四季表演藝術中心（Four Seasons Centre for the Performing Arts，簡稱FSC）及其營運單位加拿大歌劇團（Canadian Opera Company，簡稱COC）陸續收到以電子郵件發出的炸彈威脅。信中聲稱，若不取消當天神韻藝術團的演出，將引爆已放置於劇院和加拿大國會山莊周邊的多個爆炸裝置。FSC隨即報警，並以安全考量為由，宣布取消當天下午兩點的場次。 該演出為神韻藝術團2026年世界巡演的其中一站，適逢其成立20周年，以「共產主義以前的中國」（China Before Communism）為主題，規劃在全球170個城市演出。自2017年首度以FSC作為多倫多巡演站的場館後，除了疫情期間暫停外，神韻每年春季都會在此演出4到6場、平均約有1萬名觀眾，並邀請國會議員及知名人士觀賞、發表心得。 今年原訂在3月28日至4月5日演出8場次，但第3場演出於3月29日開演前被緊急取消，當時已有不少觀眾抵達現場。即便FSC在週一上午重新對外開放，並表示將對後續演出採取更嚴格的安全措施，但因為陸續收到更多的威脅信件，劇院於週二晚間通知神韻藝術團取消後續的5場演出。
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新銳藝評 Review此致一具沒辦法假裝沒事的身體
《此致 生活》最準確也最動人的地方，在於它沒有把香港放回一個已經定型的歷史框架裡處理，也沒有急著替創傷安排一條清楚的理解路徑。它所選擇的入口更困難，也更接近今日許多人真正承受的狀態，當運動激情散去之後，人如何繼續活著。「生活」在這齣作品裡，從來都不只是表面上平凡的日常動作，生活在這裡是一種長時間與餘震共處的能力，是一副身體被事件穿過之後，仍要勉強維持日常的過程。也因此，《此致 生活》真正處理的，其實是後運動時代的身體政治，當劇烈的歷史時刻已經發生，人會以什麼方式把那段時間繼續帶下去。 許多與香港有關的創作，容易把表現重心放在2019年前後的街頭景觀，放在黑衣、煙霧、奔跑、警棍、口號、衝突與逃竄的可見性。可《此致 生活》讓我覺得珍貴的地方，在於它刻意把視線從那個瞬間往後挪移，挪到新聞鏡頭無法完整容納的位置，挪到流亡之後的茶餐廳、異地房間。這些經驗沒有街頭場面的壯觀，卻更靠近創傷如何真正運作，這使作品很有效地貼近流亡與失所經驗的本質，一個人到達新的地方，表面上已經移動，內心的座標卻還沒有重建完成。於是，所謂「在此地」往往同時伴隨著「仍在他方」的感受。
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關於戲劇的五四三想像練習
美伊戰爭，北韓射了10顆飛彈，假消息滿天飛，X上每一個breaking news下第一個留言都是tag Grok詢問是真是假。 「憤怒誘餌」（Rage bait），牛津大學2025年度關鍵字，指的是故意設計的線上內容，用令人沮喪、挑釁或冒犯的方式，引發觀看者的憤怒或憤慨。這類內容通常是為了增加網路或社群媒體帳號流量而發布。 非常喜愛的兩位導演艾力克斯．嘉蘭（Alex Galand）與亞瑞．亞斯特（Ari Aster）在2024、2025年各推出一部闡述分裂社會的電影《帝國內戰》（Civil War）、《瘋狂小鎮愛丁頓》（Eddington）。 《帝國內戰》中，不同陣營的美國人在州界駐軍，質問來者：「你是哪一邊的美國人?」，而在《瘋狂小鎮愛丁頓》，因疫情陰謀論與黑命貴（BLM）推到極端的身分政治，亞瑞．亞斯特並列正反兩種極端立場的荒唐，最後收在一顆鏡頭：在愛丁頓落成的超級計算基礎設施實在地切中了現代社會的推手。 喜愛的創作者就算身處極端分裂社會，也因焦慮不忍看到一切毀壞，不斷嘗試闡述他們眼前的現實：人們不能任由演算法推播情緒，即便這是個近乎無解的路。 亞瑞．亞斯特認為，網路本身的發展有正面也有負面，但若是網路加上社群，一切就會變得很可怕。他本人會滑社群媒體，但很少發文，瀏覽社群主要是為了觀察當今網路生態有多糟糕。 腦神經科學的核心：「同時放電的神經元會連在一起」（赫布理論），告訴我們大腦的運作跟社群算法一樣，愈關注負面，神經元愈會推播負面想法給你。神經元的機制：顯著性網絡（Salience Network，SN），篩選內外部刺激，比方說在人群中聽到自己名字大腦會啟動，異常會過度放大路人一個眼神或一句話、默認模式網路（Default Mode Network，DMN），在個體休息、回憶時特別活躍，功能異常可能會導致負面思惟反芻。是以正向思考真的有益於大腦，不過神經元連結受損特別嚴重的人，可能得尋求醫學治療。 是以在紛擾中，戲劇訓練出發的想像練習，成了「重新推敲事情來龍去脈，以免落入標籤化善惡二元思考」的方法之一。 最近喜愛馬伯庸小說，他善於將歷史的縫隙套入現代視角、類型思維，知名作品《長安的荔枝》，
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焦點專題 Focus解碼謝克特
出身以色列、長年在倫敦發展的編舞家侯非胥．謝克特（Hofesh Shechter），兼具舞者與音樂創作者的背景，擅長將打擊樂、電子聲響與群體動作緊密結合以低重心、持續震動的身體，與強烈節拍交織，構成一種帶有原始能量與集體感的舞台景觀，在國際舞壇上形塑出辨識度極高的創作語彙。 進入謝克特的作品，我們往往是先被聲響與節奏擊中，才意識到身體正不由自主回應。也因此，本專題除了深入解析謝克特的音樂與身體語彙的深刻關聯，回顧他的成長背景與藝術軌跡，理解音樂訓練、以色列社會經驗與舞團發展如何形塑其創作視野；接著從舞蹈與聲響的關係出發，分析他如何以節奏、噪音與聲響拼貼驅動身體，建立舞蹈與音樂同步生成的創作模式；最後，熱愛看舞的小說家何曼莊則以謝克特的最新作品《潛夢劇場》為例，觀察其劇場語言如何結合夢境敘事、舞台機制與近似Rave的群體能量，形塑一種強調感官參與的觀看經驗。 透過本專題，我們嘗試多面向解碼謝克特舞作中的幾個關鍵：聲音如何成為動作的引擎，群體身體如何在節奏中形成秩序與衝突，以及劇場如何被轉化為一場強烈的身體與感官體驗現場以此為起點，潛入他的劇場夢。
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焦點專題 Focus侯非胥．謝克特的5個不可不知
01 音樂與舞蹈雙棲 二戰後的以色列，為強健國民體魄，便要求所有學生學習以色列民俗舞。1975年出生於以色列的謝克特（Hofesh Shechter）也不例外；6歲開始學鋼琴的他，入學後也開始學習民俗舞，15歲則通過耶路撒冷音樂舞蹈學院的鋼琴演奏考試，卻在進入該學院後選擇轉向芭蕾和現代舞的訓練。他在以色列巴希瓦舞團（Batsheva Dance Company）擔任舞者期間，因台拉維夫繁盛的夜店文化而接觸到爵士鼓，離開舞團後，他便前往巴黎學習打擊樂，甚至曾擔任搖滾樂團鼓手。這段經歷讓謝克特的舞作擁有絕佳的音樂性，他甚至會自己製作演出音樂，並總能將強大的鼓聲和節拍化為肌肉的震顫，創造出如搖滾演唱會般狂熱、原始且撼動感官的劇場經驗。 02 對以色列的複雜感受 在18歲生日那天，謝克特接到了徵兵令。在以色列，每個人都必須服3年兵役，但若已開啟職業生涯的年輕以色列人例如謝克特則可在4週實戰訓練後，以較簡便的方式服役。即便謝克特在白天可以至巴希瓦舞團練舞、只需在夜間從事文書工作，對他而言，軍旅生活仍意味著規訓與壓抑。在接受英國《衛報》訪問時，謝克特曾說：「在我的國家，我們在成長過程中深受自由觀念的薰陶。然而，我突然被投入一個完全反民主的體制，整天奔跑、練習射擊，甚至連什麼時候上廁所都不能自己決定。」（註）個體與集體之間的張力與拉鋸，埋下了他日後在創作上的主命題。在911事件後，中東煙硝四起，以色列戰爭預算更日漸上升，厭惡戰爭的謝克特下定決心前往歐洲，最後落腳對藝術慷慨許多的倫敦，進而開啟了編舞之路。
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焦點專題 Focus聲響如何驅動身體共振？深度解析謝克特的聲響拼貼與身體敘事
提到侯非胥．謝克特（Hofesh Shechter）的舞蹈，腦海中會浮現出什麼畫面呢？是不是震耳欲聾的音樂與那轉化自民間舞蹈的身體動作。在當代眾多知名編舞家裡，謝克特也是極少數能同時自己編舞、自己作曲的舞蹈家。 謝克特獨特的舞蹈動作語彙其實與他深厚的音樂背景有關。1975年出身於以色列耶路撒冷，從小學習鋼琴和打擊樂，也接觸民族舞蹈，以鋼琴演奏入讀耶路撒冷音樂舞蹈學院後開啟正規舞蹈訓練。畢業後進入歐哈德．納哈林（Ohad Naharin）領導的巴希瓦舞團（Batsheva Dance Company），期間接觸到著重探索、開發感官覺察，透過豐富的意象刺激想像力，以訓練身體靈活度和爆發力的Gaga技巧。初到倫敦時期，謝克特曾以鼓手的身分參與樂團演出，樂團解散後，加入以色列編舞家雅絲敏．瓦迪蒙（Jasmin VARDIMON）的舞團擔任舞者，轉往舞蹈發展。這段經歷讓他對身體動能與內在感知之間的關係產生深刻理解。 回顧20世紀西方近現代舞蹈史，音樂與舞蹈被賦予同等分量的作品，大多是編舞家與作曲家的合作，如：新古典芭蕾大師喬治．巴蘭欽（George Balanchine）與作曲家伊果．斯特拉溫斯基（Igor Stravinsky）的現代芭蕾，或是摩斯．康寧漢（Merce Cunningham）與作曲家約翰．凱吉（John Cage）的機遇舞蹈。在編舞音樂分析理論中，舞蹈與音樂因自身元素之間的關聯性，能夠形成多層次的關係，大致可區分為：節奏的、力度的、織體的、結構的、性質的或模擬性的6類，彼此相互構築出動作與聲音的深層連結。因此，音樂與舞蹈的合作關係一般有兩種模式，一是如巴蘭欽提出的「看見音樂」（seeing the music），利用肢體動作反映音樂中的旋律、節奏等形式；二是如康寧漢的實驗，舞蹈與音樂在創作過程中彼此獨立，到演出時才相遇，形成偶然的結構關係。這樣的合作模式依賴雙方在藝術觀點與美學品味具備極大的共識，否則總有一方需要妥協。
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焦點專題 Focus夢、劇場、Rave
紐約林肯中心推出了30歲以下30美元的優惠票價，吸引年輕觀眾入場。我的同事因此第一次走進David H. Koch Theater，舞碼是《天鵝湖》，正統古典芭蕾加上家喻戶曉的童話故事，沒有比這更舒適的入門觀舞體驗了吧，我是這樣想的，結果第2天，我問年輕同事覺得如何？ 「我不知道我去幹嘛的。」 「你不覺得舞者很美、音樂很悅耳嗎？」我問。 「是吧，可是」25歲的同事還是不太滿意。 「不喜歡嗎？」 「可能沒有喜歡到要花錢去看。」 原來有代溝的不是審美觀，而是對消費的清楚認知，年輕朋友視角提醒我：「理解」跟「感受」是兩回事，對我的世代來說，上劇院追求的是一個觀摩學習的機會，如果我看不懂，那我的程度不到，要再多學習，但對Z世代來說，買票換取的是一場體驗，如果感受不到，那就是提供者的不對，下次不來了。表演藝術百分之百貨幣化、消費化的今日，劇場觀眾既不是粉絲也不是評論員，他們都是精打細算的消費者，他們在問：「花了一筆錢與兩個小時，我能得到什麼？」
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澳門兩單位2025年票選劇場作品出線 《你啟照》、《外掛玩家》分占鼇頭
澳門至今仍未有正式年度戲劇獎項，然而評論網站「評地」與社交媒體「Art騷共同體」近年持續舉辦的票選活動，逐漸成為某種「替代性機制」。兩者雖然定位不同，但共構出澳門劇場文化的年度記錄。在「評地」的票選中，石頭公社的《你啟照》獲得最高票（見附表一），成為最受評論人群體關注的作品，而在「Art騷共同體」的票選中，《外掛玩家》則成為最大贏家（見附表二）。 「評地」作者群的票選並非要選出「最好」的作品，而是選出「最值得討論」的作品與現象。《你啟照》兩位演員的真實成長故事編作而成，李啟照與塵雅正兩人本為舊同學，畢業後各自走上不同的人生道路，卻在多年後於劇場重逢。啟照因腦癱而成長於特殊的生命經驗，如今已是父親；塵雅正則持續從事劇場工作，仍然未婚。兩人對性別、婚姻甚至日常生活細節都有截然不同的看法。導演莫倩婷邀請兩人共同創作，將這份差異化以純粹的筆法呈現於舞台上。成為2025年澳門眾多自傳式劇場中最受具代表性的一齣。 幾位「評地」劇評人指出，這個作品打破了劇場處理「共融」議題的慣性，觀眾能平視地感受，而不是刻意去看殘疾人士是否需要掌聲，平常而淡淡哀傷的處理，簡樸、節制，真實地呈現「理解」的渴求與不可能。評論人認為，這部作品展現了石頭公社多年來在共融劇場中的探索與異積。 「Art騷共同體」的「2025我最推薦本地戲劇網上票選」結果，跟「評地」形成鮮明對比。作為一個由觀眾參與的網路投票，其票選結果更接近大眾的喜好。2025年的票選結果中大老鼠兒童戲劇團的《外掛玩家》成為最大贏家，囊括我最推薦劇目第一名、最佳導演、最佳編劇、最佳燈光設計、最佳服裝設計、最佳平面設計等多項獎項。 《外掛玩家》由20位參與「大老鼠」ACT PLUS計畫的兒童及青少年學員共同演出。編劇陳巧蓉創作的故事結合動漫、遊戲與日韓流行文學的元素，捕捉少年人的日常與想像。《外掛玩家》的演員均為兒童及少年，但製作規模卻接近專業舞台演出，並非人人皆可上台，而是經過角色甄選，這也讓作品更具專業水準。 兩個平台的票選結果完全沒有重疊。這種「兩極」現象顯示評論人與一般觀眾之間的關注點存在顯著差距。「評地」的評論人更傾向於探討劇場的實驗性、社會性，以及作品所導引出的文化現象。而「Ar
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戲劇 從味覺記憶出發《南薑．香茅．罌粟花》 溫柔訴說被掩蓋的故事
味蕾，是鄉愁最直覺的載體，承載著離地便難以複製的風土記憶。在《南薑．香茅．罌粟花》中，一碗父親親手熬製的「牛趴脯湯」，成了楊千雅尋根的引信。她從那熟悉卻難以再現的味道出發，逐步揭開父親的過往，也走進一段跨越邊境、追尋生命源頭的自我探尋之旅。
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檳城檳城布袋戲牽手台灣念歌團 《南洋過番歌》唱出先賢來時路
《南洋過番歌》緣起於2024年檳城偶戲節一次跨國合作的折子戲，來自檳城本土的「破浪布袋戲」（Ombak Potehi）與受邀前來的台灣微笑念歌團自此結緣，在半年內發展出完整的劇碼，先後在台中和台北演出，但基於經費問題，一直無法返回本土亮相。經過多次申請撥款後，今年終於獲得資助，如願在4月24至26日登上檳城Komtar的5樓A視聽室，一連3天呈獻馬來西亞全國首演，兩地的操偶師和樂師再次聚首舞台，以布袋戲、念歌和現場音樂演奏的形式，重現華人先賢南下過番的情感與記憶。 19世紀清朝末期以來，中國南部沿海一帶的人民因為生活艱辛，開始出海南下尋求生機，形成一股「下南洋」的熱潮，既是當地人口中的「過番」。雖知前路險象環生，但迫於生活壓力不得不放手一搏，抵達異鄉後面對重重挑戰，諸多事蹟因此流傳成為「過番歌」。
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音樂尼爾森斯領軍 萊比錫布商大廈管絃樂團呈獻交響史詩
擁有280多年歷史的萊比錫布商大廈管絃樂團（Gewandhausorchester Leipzig），孕育了歐洲古典音樂最深厚的傳統，更是當今世上歷史最悠久的民間管絃樂團。如今，在極具個人魅力的指揮大師安德里斯．尼爾森斯（Andris Nelsons）帶領下，這支承襲了正統德奧聲響的勁旅即將來到台灣，將純粹的浪漫主義與充滿戲劇張力的交響史詩，呈獻給本地樂迷。 點石成金的指揮魔法：長達10數年的深厚情誼與絕對權威 自2017╱18樂季正式接掌這支名團以來，尼爾森斯憑藉其堅定的藝術視野，成功淬煉出極具標誌的「萊比錫音色」。尼爾森斯早年以小號演奏家起家，後受名指揮大師楊頌斯（Mariss Jansons）發掘與提攜，逐步在國際樂壇大放異彩。 談及尼爾森斯與樂團的淵源，指揮吳曜宇特別點出這段關係的難能可貴。他提到，尼爾森斯就任後，目前的合約已一路續簽至2032年。能在這樣歷史悠久的樂團深耕長達10幾、20年絕非易事。吳曜宇認為，長年的合作造就了不可思議的化學反應，背後的關鍵必定是大師極佳的人和與說服力。不僅如此，吳曜宇更精闢點出尼爾森斯令人折服的藝術特質：「他有一個特點是：他只要指揮過的東西，好像就變成那一個音樂的權威。」 鋼鐵意志的震撼重現：4座葛萊美獎背後的堅強實力 這趟巡演所帶來的曲目，堪稱樂團最引以為傲的黃金招牌。在俄系交響方面，將攜手蕭邦大賽金獎得主阿芙蒂耶娃（Yulianna Avdeeva）演繹拉赫瑪尼諾夫絕美的《第2號鋼琴協奏曲》；而重頭戲則是蕭斯塔可維奇的《第10號交響曲》，這部作品在作曲家歷經長期政治高壓後誕生，充滿著掙脫束縛的爆發力。 吳曜宇對這套曲目給予極高評價，他強調尼爾森斯在俄系交響樂上的驚人成就絕非虛言，因為他在錄製蕭斯塔可維奇交響曲專輯後，紮紮實實地拿下4座葛萊美獎的肯定。這份無庸置疑的深厚功力，絕對能完美詮釋出樂曲中從壓抑嘶吼所帶來的龐大震撼。
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焦點專題 Focus一唱一鼓的傳統聲光搖滾
想像一種古老的說唱藝術，僅靠歌者伴著鼓手，就能勾勒出一個綺麗的世界並引起震撼共鳴。這就是韓國傳統的說唱藝術「盤索里」（판소리）。本專題將帶領讀者走進這門深具魅力的聲音表現，並一窺它如何在當代劇場中解構重組，爆發出跨越語言隔閡的全新生命力。 首先，在〈關於盤索里的天才10問〉中，特別邀請到IPKOASON的盤索里歌者李勝熙，為讀者揭開這門藝術的神秘面紗。透過10個深入淺出的提問，帶您了解「盤索里」的真實意涵、探究演出，並解析歌者的獨特呼喊式唱腔。為您建構紮實的文化基礎，明白盤索里不僅是一人演繹的獨角戲，更是一個仰賴歌者、鼓手與觀眾高度互動的「聲音場」。 奠基於對傳統的理解，第2篇文章則將目光轉向今年5月於臺灣戲曲藝術即將登場的當代巨作《看．見沈清》。這部由跨界團隊MUTO與盤索里團隊IPKOASON聯手打造的作品，大膽顛覆了經典《沈清歌》中強調孝道犧牲的傳統敘事，改從盲父沈學奎的視角出發，重新探索「看見」與「看不見」的生命掙扎。文章將深入解析這場沉浸式科技藝術實驗，看團隊如何將盤索里飽滿的靈魂與語言韻律，與大型 LED 影像、雷射光束、玄琴及電子合成樂完美交融，將傳統說唱擴充為一場前衛的感官饗宴。 無論您是對韓國古老文化感到好奇，還是熱中於當代科技藝術的創新，就讓我們透過這兩篇文章，走進盤索里交織著傳統底蘊與未來聲光的迷人世界吧！
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焦點專題 Focus關於盤索里的天才十問
盤索里不是一種吃飯用的盤子嗎？ 為什麼盤索里演出時都是一位歌者搭配一位鼓手？ 為什麼台上歌者唱起來常常像在「吼」？ 聽說盤索里表演會一唱唱上好幾個小時？ 盤索里的能量其實很像現場搖滾？ 趁著來自韓國的盤索里作品《看．見沈清》來台，我們邀請這次來演出的IPKOASON 成員、盤索里歌者李勝熙為讀者解答關於盤索里的種種，藉此認識這個精采的傳統說唱藝術，如何結合創新的藝術形式，持續與觀眾心神共振
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焦點專題 Focus《看．見沈清》 看見韓國說唱藝術的劃時代呈現
將於臺灣戲曲藝術節登場的《看．見沈清》（The Two Eyes，두개의 눈），是集結當今韓國表演藝術界尖端創作動能的盤索里說唱作品。本節目由韓國國立亞洲文化殿堂（National Asia Culture Center，ACC）與其財團（ACCF）策劃製作，享譽國際的跨界創作團隊 MUTO 及 盤索里創作團隊 IPKOASON 聯手打造。 MUTO 團隊成員背景橫跨影像藝術、玄琴演奏及電子音樂。影像導演朴薰奎曾操刀 G-Dragon 等頂尖 K-Pop 藝人的演唱會視覺，將流行美學帶入劇場空間；玄琴演奏家朴佑宰曾獲韓國全國國樂比賽「總統獎」，致力於將東亞哲學融入肢體表演；擔綱電子合成音樂的申範浩則是國際級知名電子音樂組合 IDIOTAPE 的成員之一。IPKOASON 由新生代盤索里藝術家李勝熙、金素珍與鼓手李香河組成，團隊名稱取自韓語的「嘴」（Ip，입）與「手」（Son，손），象徵歌者與鼓手之間的共生。這群視覺及聲音藝術家在鑽研當代美學創新的同時，亦致力於傳承古老說唱藝術的精粹，《看．見沈清》便是在此背景之下共同激盪而成。
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延長音如果藝術是一面鏡子，我們在裡面看見了什麼？（下）
上一篇專欄我們談了一場演出的各種不同面向，它反映出台灣社會幾個有趣的文化現象： 第一，我們很喜歡排隊。 只要某個地方開始排隊，很快就會有更多人加入隊伍。排隊似乎本身就證明了一件事情這一定很好。這種心理也滲透進了藝術世界。某位國際音樂家忽然被大量討論，於是大家開始排隊買票。媒體報導、社群分享，整個城市似乎都在談論同一個名字。然而過了一段時間，人們的注意力又迅速轉向下一個焦點。 這種現象和流行甜點很像。某一年瘋狂排隊買葡式蛋塔，過一陣子又換成另一種。隊伍曾經很長，但熱潮消失得也很快。甜點可以是流行商品，但藝術不應該只是商品。如果一個社會習慣只追逐「正在被討論的人」，卻忽略長期耕耘的本地藝術家，那麼最終失去的，其實是自己的文化信心。一個文化如果永遠在排隊等待「別人的明星」，卻不願意慢慢培養「自己的藝術家」，那麼這個社會很難真正建立起對自身的高度。 第二，很多人喜歡說：「不要太甜。」 每當有國際朋友來台灣，我常要解釋這句話。甜點本來就該是甜的，然而在台灣，最高的讚美往往是：「這個甜點很好吃，因為它『不甜』。」這形容的是一種細緻、節制、不張揚的高級感。但有趣的是，這種味覺習慣似乎也悄悄滲透到我們的評論方式裡。 在藝術評論中，我們似乎也習慣保留距離。演出很好，但總要補上一句「還可以更好」；技巧很精采，但往往要說「好像少了點什麼」。彷彿稱讚得太完整，會顯得自己不夠成熟。如果真的說「完美」，那似乎就顯得不夠專業了。 於是我們逐漸形成一種奇特的姿態：在讚美上極度節制，卻在社群媒體的推波助瀾下，對批評愈來愈放任。這樣的文化，真的是我們希望留下來的嗎？演算法告訴我們，愈尖銳、愈刻薄的評論愈容易被看見。留言區逐漸形成一種氛圍刻薄比理解更吸引人，嘲諷比分析更有存在感。評論不再只是觀察，而變成了一種為了「被聽見」而進行的表演。 還有第三件事情，大聲就贏。 在過往的公共討論中，我們常陷入一種誤區：彷彿語氣愈強烈、態度愈激昂，觀點就愈具備說服力。這種「大聲即正義」的慣性，如今也滲透進了網路評論。留言區往往不再是關於音樂理解的深度，而是語氣與修辭的強度博弈。討論逐漸演變為立場的對壘，而那些最尖銳、
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舞蹈堅持「日常」 離散者「真實的」力量
「前天幾則新聞 聽見皺眉 你那裡怎樣？ 遙遙無期 何時再見那裡每一個？」 「上週開始搬家 新的景觀 令人常遠望 我望哪裡有海 哪裡有港 哪個隨風飄蕩」 岑寧兒〈勿念〉，陳詠謙作詞 旅台香港劇作家法蘭奇在2022年，以私人書信穿插抗爭大事記的敘事形式，將身邊港人朋友在2019年運動之後的際遇，編寫成《寄：》，記下了離開的人在流亡生活中的自我懷疑與無奈困頓，也記下了留下的人（在囚者）在牢獄中自我調適的努力。簡單條列的大事記，是仍然鮮明的現實印象煙硝瀰漫的街頭、激烈對峙的人群，C與E在書信中分享的日常，傳達時時縈繞腦海的思念與歉疚。 時間過得很快，2019彷彿已是前世，但，時間似乎也不曾流逝，2019宛如永劫回歸。2026年的現在，我們仍然不能不面對現實中的崩壞，生命的掙扎與對抗，嘗試為創傷記憶在生活中找到安置之地。 在劇場這樣一個「模擬的」空間裡，我們能否找得到「真實的」力量，接受這些真實的挑戰？ 再拒劇團新作《此致 生活》，改編自編劇法蘭奇2022年劇本《寄：》，以更明確對稱的結構，將文本中離散港人的生命經驗重新組織，以舞蹈劇場的形式，將書信散文轉化一則關於生活、思念、歉疚、希望、反抗、和解的抒情詩，C、E、和他們的朋友們，無論在世界的哪一個角落，都能安頓自己，也能彼此鼓舞支持。
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西安千年古都西安 能否成為「演藝之都」？
陽春三月，作為千年古都、文化旅遊勝地的西安發布了一張漂亮的成績單：19座劇場織網成陣，全年超1500場演出，67萬人次觀眾，票房躋身全國前十這些數據精細地勾勒出一幅演出繁榮的動人圖景；這也讓西安文化主管部門有底氣高調宣示將千年古都打造成為「演藝之都」的雄心。應該說，從「劇場」到「聚場」的華麗轉身，確實令人振奮。興奮的是這座古城終於不再只靠兵馬俑、肉夾饃吸引遊客，開始用藝術點亮夜晚；但同時這一片叫好聲又讓人疑慮：這座古都的演藝繁榮，究竟是可持續的生態建構，還是表面業績堆砌的「流量泡沫」？ 本土原創的蒼白 客觀而言，西安演藝市場的觀眾增長是真實的，但西安演藝市場的繁榮，很大程度上建立在「引進」之上。上海彩虹合唱團、央華版《日出》、中芭《紅色娘子軍》、安德拉斯．席夫鋼琴獨奏這些引發「一票難求」現象的專案，無一例外是外來精品。反觀本土創作，除了依託秦腔傳統劇碼的易俗大劇院，西安在話劇、音樂劇、現代舞等領域的原創力令人擔憂。 倘若西安只滿足於做「精品演出的落地城市」，而非「原創內容的輸出高地」，那麼「演藝之都」的根基終將虛浮。 票房背後的隱憂 67萬人次觀眾、1500場演出，數據的確亮眼。但細究之下，西安常駐人口超1300萬，這意味著全年僅有約5%的市民走進劇場。而上海2024年演藝市場滲透率已超18%，倫敦西區更達30%以上。西安距離「融入大眾日常」的願景，仍有漫長距離。 更值得警醒的是，西安觀眾結構呈現「兩頭熱、中間冷」的畸形狀態：音樂劇、Live house吸引大量年輕人，秦腔維繫著老年群體，而面向中青年家庭、職場人群的中型戲劇、實驗話劇市場始終溫吞。這種結構一旦遭遇經濟波動或年輕人興趣轉移，票房恐現斷崖式下滑。