台灣曾是全世界最大的動畫代工地，迪士尼的最大的外包公司，技術能力不在話下，但在動畫創作上，卻一直少見出色作品，從金馬獎「最佳動畫長片」獎項的屢屢入圍從缺，可見一斑。問題出在哪裡？台灣大專院校的動畫科系每年栽培出四、五千名的畢業生，對產業又有何影響？自由開放、資本競爭的市場中，動畫產業的未來又在哪裡？
台灣動畫圈的人才與能力都有，但為何無法像日本、歐美那樣，產出質量均佳的動畫電影？動畫創作者史明輝與紀柏舟從各自的經驗，提出觀察：史明輝台灣動畫發展一直以來的困境，在於不知道應該如何對待「動畫」這個創作形式，雖有政策鼓勵，但只是點到為止、願景模糊。紀柏舟走過藝術影展與商業創作的練功旅程，表示「把藝術跟商業合併在一起，是最難的交叉點。」但唯有對創作品質的堅持，才能有個人特色。
台灣第一位以系列為主題的女性報導攝影家王信，正在臺北市立美術館展出「另一種目線」個展，集結一九七○年代以來最具代表性的十四個系列，包括「訪霧社」、「蘭嶼．再見」、「霧台、好茶、三地門、大社」等系列，多數與原住民有關。「對我而言，攝影的功用和價值是在它的記錄和報導性上。」王信堅持如是理念，為部落留下了變動時刻的重要見證。
「回到過去」是電影的重要造夢魔法，而搬演歷史真人真事的電影，更得在種種面向下功夫考究重現，當年的禁忌、傳奇等等等，就這樣重現大銀幕，帶領觀眾回返那些年看那些事，而奧斯卡大叔的影子，也在不遠處招手
《莎士比亞歌曲集》與《莫札特：女高音作品集為韋伯姐妹而作》這兩張聲樂唱片，正巧都展現了「歸納歷史，展望未來」的特質，演唱家推出了充滿主題概念的專輯，在廿一世紀集結了創作者當年的心靈意志，讓欣賞者得以建立歷史綜觀，在聆聽時能更加具有時空交錯的感動。
由社會學者李明璁策劃的這兩本書：《台北祕密音樂場所》與《耳朵的棲息與散步》，「有姿態」地呈現台北這個城市的聲音風景，前者描繪在需求、對音樂的熱情與商業運作之間找到平衡的音樂場所，卻遭商業力量摧毀了它們成就的生活豐富性；後者透過對各界人士的訪談，描繪稍縱即逝、只留存在記憶中的聲音風景。
「被困電梯裡」的這位導演，正是給我類似的窒息感。由於失去了調控時間作為感覺的主動性（為新科技服務而不是相反），片中大量對白的場面，我看見的不是「演員仔細的表情神態」，卻是「一張張在演戲的面譜」。時間，因而就不是流動的。
在這個溫馨的聖誕時節， 把你的期望給我， 將我的回憶給你， 平常或許各忙各的，難得一見， 有時也得公事公辦， 沒機會交心深談。 只要一同經歷的往事還能回味， 默默關注彼此動態的心情不變， 情和義何止值千金， 一份禮又算得什麼。 哥們、姊們交換的才不是禮物， 是心意、是玩笑、 是過去、是情誼。
他們因為這齣戲，同台了五年，即將演出第兩百場，創下了台灣戲劇史的紀錄《最後十四堂星期二的課》，讓金士傑與卜學亮共享生命中的變化與甘苦，如同一趟豐富的旅程，在每一次巡演同台之時，共同品味當下的美好。時值冬日，兩人互送應時的溫馨禮物，暖身暖心暖友誼，祝願身體健康、戲演久久
樂評人與音樂家，一個評論一個被評論，看來好似是對立關係，但對認識已經十五年的焦元溥與嚴俊傑來說，卻是「互相漏氣求進步」那頗有默契又相輔相成的牢固友誼。兩個人從當年的相識，聊到二○○二年那一回嚴俊傑參賽、焦元溥當觀眾的那場柴科夫斯基音樂大賽，以及近期兩人正在做的事與體會心得。兩人互送的禮物也不改「鬥嘴鼓」作風，玩笑與期許兼具的心意，盡在其中
一位是無獨有偶工作室劇團團長，一位是飛人集社團長，鄭嘉音與石佩玉這兩位當年一前一後進入九歌兒童劇團的老朋友，如今都是團隊的領頭大家長，一樣忙著做戲、營運劇團，但總是不忘隔空關懷對方、彼此打氣，忙到沒空過聖誕節的兩人，藉採訪機會碰面，開心暢聊，分享工作與生活點滴甘苦，交換祝福與禮物，也交換各自的期許與願望
從通訊、社交娛樂到生活管理，手機就像從身體延展出的另類器官，主宰現代人生活的節奏，它的各種聲響也召喚出不同的身體行動。藝術家吳長蓉正在國立臺灣美術館展出的個展「耳令聲」，發表從現代人手機出發的錄像新作《耳令聲》，她在高樓處以縮時攝影俯拍低頭族群像，在反思人與科技的關係之餘，也呈顯科技生活的一些趣味。
年底，是文青最愛的電影季節，有網羅近期精采國際影壇藝術電影的金馬影展，就連院線片也濃濃影展風，柏林影展、坎城影展、威尼斯影展的佳片也一擁而上。英國大師肯．洛區二摘金棕櫚的《我是布萊克》，才華洋溢的札維耶．多藍與湯姆．福特分別改編自舞台劇與小說的新作，還有趣味洋溢的企畫式電影製作文青們的十二月，讓電影妝點得繽紛動人！
過去的鄭京和，神乎其技宛若公孫大娘舞劍。六十八歲的鄭大娘，挑戰她從未全本演出的巴赫無伴奏。褪去了青春時那細膩的自持、面面俱到的樂思，與精心營造的瑰麗音色，她口中吐出的肺腑之言，絕非一派溫柔與和善，那宛若回歸本真的素描筆觸，口氣卻硬得近乎鐫刻的力道。鄭京和似乎把年輕時少見的火氣，悉數醇化成一種雄辯的力道。
芭蕾群陰Ballet Monsters的新書《全民跳芭蕾》以簡單線條和風趣中帶點機車的畫風，畫出了舞蹈教室的眾生相。若說前作《芭蕾女孩的秘密日記》是舞者生活的外傳，讓讀者一窺舞台下的日常生活；那麼《全民跳芭蕾》更加貼近芭蕾愛好者的內心世界。除了教室裡的風景，作者筆下的舞者社交媒體群像，亦讓人拍案叫絕。
然而，亦恰恰是把道具與陳設的「展覽性」放大提高到超越戲劇需要的比例，布景便由空間變成景觀，甚至奇觀，目的已經不是服務劇情，卻是化身某種展覽物，旨在滿足慾望投射。它的「假」，在於設計的鉅細無遺沒有發揮應有或更大的想像力，而只有讓空間在觀眾嘖嘖稱奇的讚歎中，扮演了唯肖唯妙的玩具屋。
一五九○年代，年輕的英倫人想要認識世界，會走進環球劇場看莎士比亞。 一九三○年代，柏林奧運期間，首次以電視直播賽況，世界進入觀眾客廳。 千禧年初，首屆Web 2.0大會舉辦，標誌互動、分享、關係的網路世代展開。 二○一六年，社群媒體龍頭Facebook開啟直播功能，將真實物理空間消解更徹底，社群興起，電視退位，自媒體的戰國時代已吹起號角，而七年前環球劇場開跑的NT LIVE浪潮也在這年席捲台灣影城。 在垂直分眾最極致的時代，吸引人的直播關鍵是什麼？又對強調現時現地的劇場有什麼影響？直播是可利用的工具、可發展的藝術形式，還是瓦解劇場現場的雙面刃？ 本刊除了就直播經濟分析產業與劇場現況外，也邀請了三組創作者──王翀、許哲彬、達康.com談談他們對直播的想法與觀察。
這兩年，「直播」風潮掀起，無疑成為網路最夯趨勢與話題，直播平台如雨後春筍冒出，但在社群網站巨頭紛紛加入戰局後，無法掌握人流的平台顯見衰退；而直播的獲利模式，除了中國「打賞」機制造就的「網紅經濟」，也衍生出「直播＋電商」的新面貌。而如何能讓這股直播風潮健康地持續壯大？策劃優質與分眾的內容，會是可能的生存關鍵
透過Podcast、YouTube或FB粉絲頁，以現場連線將活動訊息拋給閱聽大眾，這種以宣傳與連結觀眾為目的的直播形式其實很早就開始了，但真正將演出內容直播給非原演出場館內的觀眾欣賞，要從紐約大都會歌劇院開始，後來英國劇院也趕上潮流，現今NT Live 已成為全球最成功的劇場直播品牌，甚至日本寶塚歌劇團也效法推出現場直播，以饗海外粉絲。但劇場直播會不會排擠掉劇場觀眾量？或是成為另一種藝術形式？都值得繼續觀察
新科技如VR、3D列印等技術介入劇場，不僅改變了「現場」的概念，也對作品產生質變。對王翀而言，可能性增加了，物理邊界消解了，花招可以百出，但如何讓劇場的本質依然在科技浪潮中存在，才是劇場創作者的終極關懷，「即便因新科技，讓觀眾可以在家看演出，我們還是必須透過劇場的手段和空間產生關係，要不然，劇場就失效了，就消失了，死了。」
新科技總是炫目，許哲彬也指出了運用上的危險：「大家對直播這件事很熟悉，所以一旦用到劇場，觀眾會先入為主以為你就是要嘲諷某件事，笑一笑之後呢？」他認為，直播科技呈現當代「人人想被注意」的焦慮，「直播背後的那種集體心理狀態是我感興趣的，但如果沒有把這件事想透，貿然用到劇場裡，就只會流於一種表面的技術而已。」
原以為簡單的搞笑是最易移植到網路上的表演，卻意外地水土不服，「達康.com」的康康說：「有一種漫才是快速的一問一笑，在問答裡展現機智和幽默，這種類型比較不吃氣氛，也許比較適合直播。」以達康的例子來看，他們不做網路直播，擔心無法呈現作品的氣氛，唯一可以接受的做法是：「如果現場是有觀眾在場，那我們可以接受做直播。」
對農業議題的關注，是藝術家黃博志近五年來創作最大的轉向，他從母親的生命經驗出發寫成《藍色皮膚：老媽的故事》一書，間接反映五十年來台灣農業與經濟、社會體制的變遷，近期更透過檸檬樹種植計畫，試圖跨出藝術實踐與社會對應的局限。初步成果正在北美館展出，除了六棵檸檬樹，也陳列了耕種過程中在田地、廢置農舍裡發現的各種物件、文字書寫及目前釀造出的五百瓶檸檬酒。
整個十一月是金馬國際影展的月份，今年我們看到許多導演做出了不同以往的嘗試，改變長久以來的習慣，去挑戰未知，不僅僅是導演個人生涯的突破與刺激，也將帶給觀眾煥然一新的驚奇！
奧地利鋼琴家英格夫．溫德是二○一○年蕭邦鋼琴大賽第二名得主，當年的鋒頭差點蓋過首獎得主阿弗蒂耶娃，他曾說「蕭邦、李斯特、華沙是我自己人生的三個支柱。」他的人生能以鋼琴家身分展開，與此三者息息相關，於是在DG唱片公司錄的這張《蕭邦、李斯特在華沙》，可說是意義非凡。
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