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演出

《點擊得永生》
戲劇 梅菲斯特的暗黑科技

出奇偶劇團《點擊得永生》 打造復古全新浮士德

要準確翻譯國外劇團名稱,通常不是件容易的事要嘛犧牲發音,要嘛放棄意譯。難得的是,來自西班牙梅諾卡島(Minorca)的「出奇偶劇團」,卻成功捕捉團名「Trukitrek」的精神。正如帶有巧妙驚喜感的「出奇」,「truki」發音近似加泰隆尼亞語「truc」,而後者意指以舞台機關、劇場手法、操作技藝等「小把戲」(trick)營造出其不意的神秘效果。以出奇偶戲團來說,最為人熟知的便是人偶合體(humanette)表演形式、結合偶身與演員肢體,並將動畫影像融入手作場景。 在製造舞台驚喜之外,「Trukitrek」另以「trek」暗示命定的旅跡。以加泰隆尼亞風俗為主體的梅諾卡島,曾先後受法、英兩國統治,透過地中海連結來來往往的人種、語言與文化,不以島嶼為局限,反以此為起點。或許是承襲了島嶼帶來的開闊與流動,成立於1998年的出奇偶戲團,不以特定劇場語彙與美學風格為限。事實上,其團隊組成更是多元,如來自視覺藝術與插畫背景的喬瑟普.皮里斯(Josep Piris),以及同時具電影導演身分的盧.普利茨(Lu Pulici),與夥伴在劇場實驗動畫影像,透過表演變幻鏡頭語法;近30年間創作無數令人印象深刻的作品,並大幅降低語言門檻,一路帶著作品走訪超過40個國家。 出奇偶戲團的旅跡也數次包含台灣。2011年,出奇偶戲團曾於國家兩廳院TIFA國際藝術節帶來秒殺節目《香蟹大飯店》(Htel Crab),以三格鏡框的視覺構圖、誇張生動的默劇肢體,在真人與物件、遠景與特寫的來回切換間,呈現一樁夜半搶案的詭譎懸疑與香豔刺激。 至於另一經典小品《我在車站等你》(Mr. Train)關於空無一人的車站,一名孤獨老人與流浪狗的相遇也於2022年巡演基隆、嘉義、台南、高雄、花蓮等地。順帶一提,出奇偶戲團還曾設計獨特的「戶外戲台」(open-air stage),可容納70名觀眾,如巡演戲班方便帶著作品繼續旅程。無論街頭或正規劇場,都能讓觀眾瞬間進入人偶交錯的奇幻世界。

文字|白斐嵐
官網限定報導  2026/03/11
音樂

專屬現場的沉浸式聲響探險

台北室內合唱團《島嶼上沒有四十四隻石獅子》

當合唱團不再乖乖站立在舞台上,指揮不再全程給予拍點,這會是一場什麼樣的音樂體驗?台北室內合唱團將帶來第7號人聲劇場作品《島嶼上沒有四十四隻石獅子》,由作曲家林桂如與導演洪千涵攜手共創,集結了合唱指導許瀞心(Apo Hsu Ching-hsin)、文字顧問鴻鴻(Yen Hung-ya)及動作設計林祐如(Lin Yu-ju)等優秀陣容。這將不僅是一場音樂會,更是一次打破傳統鏡框式舞台、將觀眾包圍在四維空間裡的全新聲響旅程。 這部作品的誕生,源自於台北室內合唱團長年對當代音樂的堅持與探索。行政經理高端禾表示:「與其說創新是方向,不如說它是台北室內合唱團的 DNA」,他們在營運與製作上始終拒絕處於「模仿的狀態」,期盼能對人聲藝術產生原創的貢獻。他說:「我們希望在這個人聲這個領域打開一個新的窗,」讓演出「從第一顆音符、一個動作都是原創。」面對這條充滿未知的挑戰之路,團長暨歌手方素貞坦言排練有時實在「太硬了」,但她深知合唱團具有不可推卸的社會責任,她堅定地說:「以台北室內合唱團累積到現在的實力,我們不做,誰做啊?」她認為既然團隊有能力,就應該盡一份社會責任,為台灣甚至亞洲的當代人聲藝術,開創出無可取代的品牌軟實力。

文字|李秋玫
官網限定報導  2026/03/09
戲劇 重新布局空間 展現獨角戲功力

《籠子裡的白狐》 施冬麟續說城市怪談

《籠子裡的白狐》是金枝演社資深團員施冬麟編、導、演的獨角戲,最早發表於2024年底,與另一齣同樣由團內資深團員李允中發想創作的《雞雞好吃》,以「1+1」的方式共同於牯嶺街小劇場演出,被視為金枝演社的「中生代創作系列」。 施冬麟表示:「團內有時會嘗試二哥(王榮裕)之外的創作可能,就提到能否做做看比較小型的製作,於是我跟允中有舉手!」過程中有不同方案、組合的提出,最終是兩人各自發展一部短篇作品,分成上、下半場演出。

文字|吳岳霖
官網限定報導  2026/03/08
音樂

從都會角落到歌劇院 一趟城市裡的聲響之旅

曼徹斯特國際工房╳黃若《浮聲之城》

如果說建築是凝固的音樂,那麼當音樂流淌進城市的血脈,城市本身是否也能成為一座巨大的樂器?要理解《浮聲之城》(City of Floating Sounds)這部跨界鉅作的獨特美學,我們必須先走進作曲家黃若的創作世界。這位旅居紐約的華裔作曲家,被《紐約時報》盛讚為「風格獨具的作曲家」,他的音樂語言活潑而富有創意,靈感汲取自中國古調與民俗樂、西方前衛與實驗音樂、自然與處理聲響、搖滾與爵士;其多元的曲風橫跨管絃樂、室內樂、歌劇、劇場、舞蹈、跨界創作、聲音裝置、建築裝置、多媒體、實驗即興、民謠搖滾與電影等,以其融合東、西方文化元素的獨特聲響聞名。 黃若不願僅被視為一位作曲家,他更將自己定義為概念藝術家(Conceptual Artist)。長期生活在西方的他,提出了一種第三文化的觀點,它既不是純粹的東方,也不是純粹的西方,而是融合這兩者產生的一種新的文化有機體。 這種融合風格衍生出他自創的「多維立體主義」(Dimensionalism)創作技法,強調聲音的空間感與動態,這正是《浮聲之城》的核心靈魂,讓音樂不再平躺於樂譜,而是立體地生長於空間之中。

文字|李秋玫
官網限定報導  2026/03/05
音樂 雙鋼琴演奏48年

魏樂富與葉綠娜 琴牽半世紀

台灣雙鋼琴演奏的先驅、享譽國際的音樂伉儷魏樂富(Rolf-Peter Wille)與葉綠娜,將於台北國家音樂廳舉辦「魏樂富&葉綠娜雙鋼琴48年演奏會」。這場音樂會不僅標誌著兩人攜手近半世紀的合作里程碑,也是一場凝聚經典改編、創意聲響與深厚情感的音樂饗宴。 從填補空檔到開創雙鋼琴時代 魏樂富與葉綠娜的合作始於1978年魏樂富來台,並於1979年正式組成雙鋼琴搭檔且結為連理。回顧當時的台灣,音樂環境尚未如今日多元成熟,雙鋼琴演出更是罕見,他們可謂此一表演形式的重要開拓者。多年來,兩人除在雙鋼琴舞台上持續創新,也在獨奏、合奏、創作、廣播與文字書寫等領域累積豐碩成果、獲獎無數。長年在藝術上的卓越展現形塑橫跨世代、影響深遠的藝術風景。 外界看雙鋼琴或四手聯彈優雅和諧,但實際上兩人在舞台上的互動充滿了細膩的計畫與默契。關於聲部的選擇並非固定,而是基於實際考量。葉綠娜透露,通常會先看誰的手比較大、誰比較適合哪個聲部、誰前誰後、誰踩踏瓣,都需要極高的協調性。除了聽覺,視覺上的安排也是關鍵。魏樂富形容,四手聯彈時兩人的手在鍵盤上交錯,若太久沒合奏,動作會感到陌生。一旦恢復練習,那種不想撞到對方、流暢交替的肢體記憶便會像「時光機」一樣回來。談及與其他人合作的差異,魏樂富笑著直言,跟別人合作必須保持禮貌,但跟葉綠娜一起演奏時「可以說真話」。對他們而言,雙鋼琴比四手聯彈更好玩,因為兩架鋼琴提供了更大的自由度,在台上如同對話,若沒有互相拋接球的挑戰與反應,演出就會變得無聊。這種在台上隨時感知對方速度與情緒變化的「心電感應」,正是48年默契的極致展現。 向經典致敬 本次演出的曲目安排極具巧思,且環環相扣。音樂會將以舒曼與巴赫的作品揭開序幕。首先演出的舒曼《以 B-A-C-H 為主題之賦格》的四手聯彈,展現浪漫樂派對巴赫的崇敬。緊接著是巴赫的《西西里舞曲》以及4首《創意曲》,後者這幾首創意曲是由布拉姆斯的學生、荷蘭裔美籍作曲家 Louis Victor Saar 所改編,據推論,這次演出應可視為這幾首曲子的「台灣首演」。同樣具有傳承意味的,還有葛利格改編自莫札特C大調第16號鋼琴奏鳴曲(K.545)的雙鋼琴版本,增添

文字|李秋玫
官網限定報導  2026/02/24
音樂

羅大佑「四季戀紅交響宴」 以流行「交響樂」叩問音樂初心

被譽為「華語流行音樂教父」的羅大佑,將帶著他對音樂的全新思考與編制,展開「四季戀紅交響宴」音樂會的巡迴演出。這位現年72歲的傳奇音樂人,不僅將於3月及4月分別在臺中歌劇院與高雄衛武營登場,更將在4月18日成為首位登上紐約古典音樂聖殿「卡內基音樂廳」(Carnegie Hall)舉辦個人音樂會的華語流行音樂家。這一次,羅大佑不只是歌手,更是一位將流行音樂「交響化」的音樂人,他捨棄了在大型體育館開流行音樂演唱會的喧囂,選擇走進聲響細膩的音樂廳,向這個混亂的時代提出他最深情的音樂回應。 音樂會名稱「四季戀紅」寓意深遠:「四季」象徵著地球的循環與內在韻律,而「戀紅」則代表著熱情與希望,尤其對應2026年(丙午年)火能量滿溢的意象。羅大佑感慨,現代人類活動導致氣候變遷,四季已經不分明了。對他而言,音樂的功能在於找回秩序與初心,羅大佑說:「當四季回到春夏秋冬分明的時候,就是幸福的時候。」這場音樂會便是希望透過音樂,讓觀眾在紛擾的世界中找到沉靜內心的所在,重拾與宇宙、地球對應的相處狀態。 為了這次以「原聲」(acoustic)為核心的演出,羅大佑展現了驚人的毅力與對音樂的執著。雖然現年已72歲,但他每天仍維持長達8小時的鋼琴練習。他透露最近沉迷於練習蕭邦的曲目,特別是高難度的練習曲,這不僅是為了手指的靈活度,更是一種生理與心理的連結訓練。羅大佑認為:「年紀愈大,手愈要能夠活動。手活動的話可以連接到神經,自己思考會更細。」除了鋼琴,羅大佑也將在這次巡演中挑戰「樂器之王」管風琴。中學時他便開始學習彈奏雙層且需要腳踩低音踏板的電子琴,奠定了手腳並用的基礎,這份年少時的記憶,將在高雄衛武營場次得到回響,屆時他將親自彈奏管風琴,讓震撼的低頻與建築共鳴。 為了呈現最純粹的聽覺體驗,羅大佑與「春龍交響樂團」合作,這是一個融合了搖滾(鼓、吉他、貝斯)、古典(鋼琴、絃樂四重奏)、國樂(笙、笛、揚琴)及人聲合唱的16人編制樂團。為這系列音樂會擔任音樂總監及指揮的華語流行音樂音樂製作人朱敬然表示:「其實我們這個演出的第17個成員,是各個場地。」他強調,在體育館演出可以靠巨大的喇叭聲壓「壓倒一切」,但在音樂廳,每個場地的殘響與聲學設計都是獨一無二的。演出者必須去與場地「磨合」,找出那個聽覺的「甜蜜點」(Sweet Spot

文字|李秋玫
官網限定報導  2026/02/23
音樂 40年榮光與民間力量的極致

台北愛樂管弦樂團 以馬勒《千人》奏響「新愛樂」序章

台北愛樂管弦樂團自1985年成立以來,始終是台灣音樂史上不可忽視的音樂團隊。創團之初,由傳奇指揮家亨利.梅哲(Henry Mazer)親自領軍,他不僅帶來了嚴格的訓練,更磨練出溫暖厚實、獨樹一幟的「梅哲之音」。行政總監俞冰清回憶,樂團在1990年成為亞洲第一個登上維也納金色大廳演出的團體,當年行前梅哲曾對團員說過一句感人至深的話:「台灣將來有一天是要以這一群音樂家為榮。」這句話不僅應驗了樂團在當年歐洲巡演時被譽為「島嶼的鑽石」的輝煌成就,更奠定了其作為台灣民間文化外交重要推手的地位。歷經40載,台北愛樂管弦樂團宛如俞冰清所描繪的,是一塊巨大的「磁石」,凝聚了無數熱愛音樂的人才,許多團員從年輕參與至今,始終未曾離開,共同譜寫了這40年的榮光。 為了慶祝40周年的里程碑,台北愛樂管弦樂團將於12月25日在國家音樂廳挑戰古典音樂史上編制最龐大、難度最高的鉅作馬勒第8號交響曲《千人》。這場演出對台灣音樂史具有劃時代的意義,首席指揮林天吉強調,過去在台灣演出馬勒第8號,多是由國家資源挹注的公立樂團完成,而這一次「是台灣第一次以一個民間組織製作出來的結果」。這象徵著台灣民間的音樂能量與環境已經走向成熟,能夠獨立承載如此巨大的藝術工程,將知識與藝術從公部門擴散至民間共享。 本次演出的陣容浩大,集結了超過350位演出者同台競藝,由梅哲的嫡傳弟子林天吉擔綱指揮。獨唱陣容星光熠熠,特邀韓國女高音金順英(Kim Sun-young),以及台灣聲樂家林慈音、林孟君、鄭海芸、翁若珮、王典、趙方豪、曾文奕等共同演繹。在編制上,除了台北愛樂管弦樂團與梅哲愛樂青少年管弦樂團,更向下扎根,邀請光仁中學與師大附中音樂班的學子,以及青韵、政大校友等合唱團共同參與,展現了音樂教育傳承的深厚意義。 面對如此艱鉅的曲目,女高音林慈音形容剛開始練習時彷彿在與音樂「打架」,但當所有人合一時,呈現出的將是「宇宙的聲音」。她感性表示,演出這首樂曲是一種「近乎信仰般的救贖感」。合唱統籌張成璞也形容這部作品是「人類交響合唱的頂峰之作」,旨在彰顯宇宙的浩瀚與奧妙。 在歡慶40年榮光的同時,台北愛樂也宣示了未來的轉型藍圖。創辦人賴文福博士幽默地引用日本政壇熱門話題,將高市早苗首相的「工作、工作、工作,不斷地工作」轉化為樂團:「創

文字|李秋玫
官網限定報導  2025/12/19
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戲劇 記錄記憶

《柏林製造》 探問何謂真實

當人們買票進劇場時,會在意眼前看到的是真實還是虛構的嗎?這或許是比利時劇團「柏林」(BERLIN)(註)未曾想過卻被迫直面的命題。如同本劇故事主角看似是如今年邁的前柏林愛樂舞台經理弗里德里希.莫爾(Friedrich Mohr),卻在第一個一鏡到底的鏡頭就露了餡:鏡頭聚焦於老人,工作團隊卻不小心被暴露在鏡頭之中。 《柏林製造》以多螢幕影像、訪談片段與現場樂手的演奏,在團隊跟著莫爾走訪柏林街頭,跟著他一同追尋數十年來未能完成的心願:重建一場因為戰爭而未完成的音樂演出轉播。這部作品強烈、深沉、給人意猶未竟的好奇,也可能是憤怒。作品把歷史的裂縫、個人的遺憾與創作團隊的掙扎層層堆疊交織,讓觀眾不只看到記憶的再現,也透過作品反問自身,此刻在劇場裡觀看演出的我們,究竟真正想看到什麼?

文字|王顥燁
官網限定報導  2025/11/27
戲劇 創造焦點與YUCK Circus串聯台澳馬戲女力

《Bed Trip》從失眠出發,打造「當羊跨越過柵欄之後」的世界

一群畫著兩撇鬍子的女生,在舞台上態度張狂、喜感爆裂,做起高難度技巧像個陽剛硬漢;刻意模仿典型白人直男的姿態,甚至以誇張的角度秀出褲襠的「份量」,引起台下觀眾的狂笑。 「創造焦點馬戲團」(下簡稱創造焦點)導演梅芷菱難忘第一次在社群媒體上看到YUCK Circus演出片段時的激動,她驚呼:「原來女子馬戲還可以長成這樣!」 我們一樣,卻又不完全一樣 同樣是女性、同樣面對性別與身體,來自西澳的全女馬戲團 YUCK風格輕鬆、粗鄙、帶著惡趣味,談議題的同時毫不犧牲幽默與快感,與台灣女子馬戲挖掘創傷與痛感的路徑,形成強烈對比。 2023年,創造焦點在愛丁堡藝穗節親眼目睹YUCK的演出,梅芷菱形容全團像迷妹一樣興奮:「因為終於發現有人在做跟我們一樣的事,但又不完全一樣。」 導演喬治亞.德瓜拉(Georgia DEGUARA)也注意到這群台灣觀眾:「我們看到一群女生一直來看,只覺得:哦,她們看起來很 punk、很酷。」 兩團一見如故,合作的想法就此落下,直到衛武營馬戲平台的牽線,才真正萌芽。那個「一樣卻又不完全一樣」的差距,形成跨國共創《Bed Trip》的奇妙張力。

文字|葉炫伽
官網限定報導  2025/11/24
舞蹈 撫慰火車事故中逝去的靈魂

莊國鑫《Mihaay6432》以身為筆 書寫阿美族的當代儀式

編舞家莊國鑫從特殊的生命經歷出發,推出新作《Mihaay6432》,以此緬懷並撫慰台鐵普悠瑪6432號列車脫軌事故(註1)中的罹難者。 莊國鑫回憶,當時他與妻子、10位學生正在這班列車上,或許是祖靈的冥冥庇護,他們有驚無險地躲過一劫,此後卻深受創傷後壓力症候群(PTSD)之苦,7年來靠服用藥物維持生活。在這段灰色的日子裡,莊國鑫想起自身部落的傳統儀式Mihaay(慰靈祭),在族人歌舞中安放悲傷,並將其轉化為劇場語彙,為現代都市人帶來一份來自阿美族的古老慰藉。 Mihaay是目前全台灣阿美族部落中,僅太巴塱部落獨有的內部儀式。與開放的、慣習的ilisin(年祭)不同,Mihaay較為罕見,只有部落重要人士(頭目或祭師)逝世時才會舉辦,由亡者的家人與族人於半夜舉行,不對外開放。儀式過程中,男女族人分立棺材兩側,以歌舞的形式表達對亡者的哀思與懷念,氛圍莊重,是阿美族舞蹈中唯一男女族人不牽手的祭舞。「Mihaay最重要的核心不是哀傷,它提醒所有在世的人,在懷念亡者的同時要繼續勇敢地活下去。」莊國鑫說。

文字|洪唯薇
官網限定報導  2025/11/20
戲劇

藝術生產機制下的權力思辨

克萊蒙.達贊的慢馬戲《勞動狂想》

在劇場,勞動是隱形的。 當觀眾坐定、燈光亮起,眼前呈現的是一場精美的舞台成品。但在幕後,是一群黑衣人默默支撐這個系統運轉,從卸車、搬運、裝台、換景到拆台、撤場,這些隱身黑暗的勞動身體,共同構成藝術生產機制。 法國馬戲導演克萊蒙.達贊(Clment Dazin)的《勞動狂想》,選擇從這道縫隙切入,將後台推到前台,把衛武營國際藝術文化中心的卸貨口變成舞台,讓觀眾直視藝術場域本身就是一個勞動現場。 反思勞動的起點 達贊的創作取徑,與他早年的職場經驗緊密相關。在成為馬戲導演之前,他曾在客服與歐洲直升機公司(Eurocopter)任職,同時撰寫一篇關於「職場關係中的心理情感維度」的碩士論文。 「那時我訪談了公司很多同事,發現制度如何滲入身體。你會看到肩膀下垂、呼吸變淺、背部彎曲那是壓力留下的形狀。」他回憶說。 在他看來,現代企業的體制往往以「開發潛能」之名,實則削弱了個體的力量。這種對身體與意志的馴化,也延伸成他後來對舞台勞動的反思。

文字|葉炫伽
官網限定報導  2025/11/12
舞蹈

策展如點菜 端上一席即興盛宴!

舞蹈家余彥芳與「國際愛跳舞即興節」的再出發

邁入第15年的「國際愛跳舞即興節」從「i.dance Taipei」到改名為「i.dance Taiwan」(後簡稱idt),見證了台灣接觸即興舞蹈社群的誕生、茁壯與變形。今年,創辦人古名伸交棒給中生代舞蹈家余彥芳,不僅象徵著世代傳承與觀點更新,亦是尋找接觸即興下一世代語言的時刻。對余彥芳而言,這是一場充滿珍惜與細膩的延續。「我本來以為會和古老師有些拉扯,沒想到順利到難以想像。」她笑著說。 余彥芳與古名伸的淵源可追溯至她的大學時代,從學生到舞團成員,之後離開成為獨立創作者。這段長達20年的歲月,給予余彥芳開闊視野的養分,也奠定回望的基礎。今年她以策展人身分回歸,以「點菜」作為策展隱喻,邀請所有即興的愛好者共赴一場「身體的盛宴」。

文字|鄭宜芳
官網限定報導  2025/11/06
音樂 暌違10年重登台北國家音樂廳

高雄市交響樂團「無界搖擺」 揮灑爵士與交響的對話

暌違10年,高雄市交響樂團(KSO)將到台北國家音樂廳,以一場劃時代的跨界之作宣告全新篇章。由指揮吳曜宇領軍,攜手爵士大樂團TPO Big Band演出的「無界搖擺 The Unbounded Swing」音樂會,從古典到爵士、從歐洲到美國,跨越地域、風格與世代的界線,不僅是一次聲響的融合,更是一場文化的對話開啟。 音樂會上半場將以兩首法國作曲家的作品揭開序幕。首先登場的是杜卡(Paul Dukas)的《仙女》(La Pri),以波斯神話為靈感的舞蹈詩,這次演出也是此曲台灣首演。 「大家都知道杜卡的《魔法師的學徒》,但其實《仙女》才是他的真正巔峰之作,連作曲家自己都這樣認為。」吳曜宇指出,這首作品以華麗的銅管與細膩的配器描繪出夢幻神秘的氛圍。 接續登場的則是拉威爾的《圓舞曲》(La Valse),原本是受俄羅斯最具影響力的藝術推動者與芭蕾製作人迪亞基列夫(Sergei Diaghilev)委託創作的作品,後來因理念不合而未被搬上舞台。吳曜宇說:「這兩首我將它們看成是樂團炫技的曲目,不論是單純的技術,還有音色、節奏與速度的轉換都是相當有可看性。」 下半場則帶來美國當代爵士大師溫頓.馬沙利斯(Wynton Marsalis)的《搖擺交響曲》(Swing Symphony),這將是該曲在亞洲的首度演出。

文字|李秋玫
官網限定報導  2025/10/27
數位全閱覽資料庫廣告圖片
戲劇 從觀眾的客廳回返舞台

《好色的杯棉子》 關照劇場的最基本單位—「人」

在通勤時段的捷運裡戴上假睫毛、塗好指甲油,夾緊專屬耳環,這是末路小花外送演出《來一客杯棉子》唯一的演員張棉棉進入陌生客廳solo前,邀請角色上身的固定流程。 從2021年的《來一客杯棉子》好命篇,一路到2024年底甫結束的《來一客杯棉子,好辣》,近5年來,末路小花團員張棉棉穿戴上杯棉子的肌膚,一台車帶著導演、演員與小幫手,奔向雙北市高樓或平房、豪宅或租屋處數十個大大小小不同的客廳、廚房及浴室私領域,以都會單身女子的生活切片視角,逆行居家與劇場空間定義,觀眾毋需走進劇場,反其道而行地讓表演者即興以觀者家裏的陳設作為舞台物件,透過戲劇,密縫起創作與真實人生的邊界。

文字|齊義維
官網限定報導  2025/10/23
戲劇 沒有標準答案!

《我,有一個問題?》 揮灑「問題」的瘋狂遊樂場

長大後,許多人懷念兒時能用新奇、純粹的眼光看待世界。小孩被賦予多提問的權利與勇氣,但隨年紀漸長,被教導要提出有用的問題,並盡快找到正確解答。《十萬個為什麼》、搜尋引擎,甚至AI成了成長過程的指引。這樣的便利與目的導向,悄悄奪走提問的勇氣,也削弱了探索和接納多種回應的可能。 然而,在面對一連串看似天馬行空的問題時,詩人提供了另一種可能。智利詩人聶魯達(Pablo Neruda)的《疑問集》向宇宙、世界及生命提出316個包山包海、難以窮盡的疑問,台灣詩人夏夏則在《一隻貓會有多少問題?》中,以詩回應或再度發問,讓疑問成為開展更多可能的契機。 延續這份詩意,即將在臺南藝術節演出的《我,有一個問題?》(後簡稱《我》),策展人温慧玟以這兩部詩集為靈感,邀請洪千涵創作這部無語言的親子作品。《我》不是一本舞台版的百科全書,而是一首獻給兒童、曾是兒童的大人的舞台詩。導演洪千涵從詩集的提問中「打開一趟問問題的探險之旅,讓我們不要被標準答案給限縮或定義,記得自己還擁有提問的權利。」

文字|陳明緯
官網限定報導  2025/10/21
音樂

2025台灣國際古樂節 雙大鍵琴的對話

自2023年起,大鍵琴家許舒堯發起古樂節,從個人大鍵琴獨奏發展至去年庫普蘭誕辰400年主題的多面向策展。今年古樂節邁入第3屆,以「A Colpi di Tasto」為題,深入探討義大利音樂教育與鍵盤即興傳統。主打節目「雙琴爭鳴」由義大利與台灣鍵盤家攜手演出,並輔以座談、講座與教學示範,拓展古樂的教育性與當代表達力。 應邀共同演出的阿爾貝托.布塞蒂尼(Alberto Busettini)是歐洲知名的大鍵琴家與指揮,長期致力於巴洛克音樂的詮釋與教育,並曾與義大利多個古樂團合作錄製專輯。許舒堯說:「他對即興的理解非常深,我們的合作像是在對話,不只是合奏。」 解讀巴洛克密碼:Partimento即興演奏法 本場演出的核心是以雙大鍵琴呈現「帕蒂門托」(Partimento)。Partimento 源自義大利,是一種18世紀義大利特有的作曲與教學法,曾對巴赫(Bach)、韓德爾(Handel)及巴黎音樂院的教學及即興演奏方式產生深遠影響。許舒堯指出,Partimento 等於是作曲家僅提供結構設計(藍圖),讓演奏者在鍵盤上即興完成。雖然主題與曲式已載於手稿中,但最終的呈現全憑演奏者的想像力與解讀。 由於當時音樂家鮮少將這套即興法書面化,直到近10年,這些手稿的實際演奏方式仍是一大謎團。Partimento 訓練演奏者直觀的邏輯思維,曾盛行於18世紀的拿坡里,當地4所著名的孤兒院就是以此法培養街童,訓練他們成為專業音樂家與作曲家。 聚焦曲目:從雙帕蒂門托到熱情協奏曲 而古樂節不只是聆聽古老樂器的機會,更是一次關於創作與詮釋邊界的探問。正如許所言:「音樂有時候不需要太多,只要兩台大鍵琴,一段旋律,就能說完整個故事。」 音樂會上半場主要聚焦於義大利巴洛克作曲家伯納多.帕斯奎尼(Bernardo Pasquini)的《雙帕蒂門托奏鳴曲》,這是目前已知最早的雙大鍵琴曲目。許舒堯解釋,這套曲目的手稿只為兩部鍵盤樂器提供了兩條單一線條(通常是低音旋律)。旋律上會有數字,演奏者

文字|李秋玫
官網限定報導  2025/10/19
戲劇

風乾發酵 尋根生根

Jaha Koo《超辛奇小熊軟糖》

辛奇與小熊軟糖,看似天差地遠的組合,很難想像它們怎麼被湊作堆,不管是在餐桌還是劇場。 辛奇,這個2021年才廣泛進入大眾視野的名詞,取代過往熟知的韓式泡菜,改採音譯「kimchi」,選字則兼顧「辛辣、新奇」的意涵。(註1)若說食物本就代表某個地方的風土民情,具有其歷史、地理與文化意義,那麼由韓國官方積極推動泡菜改名,延續申請世界文化遺產的企圖,欲與中式、日式泡菜作出區隔,選定漢字甚至未曾考量字詞本身在當地文化原有的文化連結(如台灣本就有知名電影導演名叫「辛奇」,如今意旨卻被韓式泡菜強行取代),則證明了「食物」如何可以成為文化影響力爭競之地。 相較辛奇與韓國強烈與直接的連結,小熊軟糖倒是「透明」許多。除非特地探究品牌起源,否則消費者很難第一時間將大批生產、包裝精美且全球隨處可得的軟糖,聯想為某種「德國風味」雖說小熊軟糖的出現,也與特定文化脈絡相關,如其造型其實源自於歐陸市集盛行的「跳舞熊」傳統(註2),自然也成為德語文化重要節慶娛樂之一,以此傳遞糖果帶來的美好體驗。不過,畢竟小熊軟糖並不是每個家庭可以自己在家裡製作料理、交流感情的食品,反而更令人意識到食物從生產到消費的資本推力。

文字|白斐嵐
官網限定報導  2025/10/15
戲劇

練習本身,就已值得搬上舞台

澳洲引力神話馬戲團《一萬小時》

觀眾還未入場坐定,8位赤腳、身著日常排練服的表演者已經在場上暖身,有人倒立、有人翻身落地,有人抱著肩膀喘氣,汗珠順著手臂滴在黑色地版。這裡既是排練場,也是舞台。演員身後,是一座巨大的 LED 時鐘,冷峻白光顯示著「10,000:00」的倒數起點。表演還沒正式開始,空間早就充滿能量。 這是來自澳洲阿德雷德(Adelaide)、最具代表性的當代馬戲團隊引力神話馬戲團(Gravity Other Myths,簡稱GOM)去年首演的最新作品《一萬小時》(Ten Thousand Hours)。此作接連拿下2024年阿德雷德藝穗節「最佳馬戲表演獎」(Best Circus Award)以及2025年「評論人協會獎」(Adelaide Critics Circle Award)。今年10月將應FOCASA馬戲藝術節之邀,來台演出。

文字|顏清琪
官網限定報導  2025/09/26
舞蹈 羅文瑾的卡夫卡式舞蹈實驗

《有可能,但現在不行》 在三扇門前演出人間的荒謬

2024 年是卡夫卡逝世100周年,世界各地以出版、展覽、演出等形式回望這位現代文學巨匠。對編舞家羅文瑾而言,這個時間點是一個契機。在 1990 年代,從她與台南人劇團合作的肢體設計開始,便持續在文學與舞蹈之間遊走。2006 年一次進書店偶然讀到《變形記》,讓她深受震撼:故事沒有頭也沒有尾,主角變成蟲,這種斷裂而荒謬的結構成為她心中的疑問,也逐漸發展成創作的底色。她開始思索卡夫卡的性格、存在主義與現代主義的關聯,並在 2018 年的作品《虫》中嘗試以舞蹈回應,一路上經歷補助失利與創作中斷,她在 2024 年重新整頓,與戲劇構作合作,終於完成這部三幕式舞作《有可能,但現在不行》,藉此重新釐清自己與卡夫卡的關係。

文字|林穎
官網限定報導  2025/09/18
世界舞台 盡在你手廣告圖片
音樂 維也納金色大廳合唱團、洛杉磯大師合唱團相伴

杜達美領軍洛杉磯愛樂 10月獻演斯特拉溫斯基與馬勒經典

在樂迷翹首期盼下,指揮巨星古斯塔沃.杜達美(Gustavo Dudamel)在今年秋天將率領暌違31年的洛杉磯愛樂(Los Angeles Philharmonic),攜手歐美兩大殿堂級合唱團維也納金色大廳合唱團、洛杉磯大師合唱團來台,重返國家音樂廳。規模超過250人的龐大陣容,將以兩套曲目展開旅程,一晚屬於斯特拉溫斯基的火焰與節奏,一晚則是馬勒的生命與永恆。這樣的組合,世界僅此一場,而且是「台灣限定」。 斯特拉溫斯基與洛杉磯愛樂的不解之緣 1935年,斯特拉溫斯基首次與洛杉磯愛樂合作,演出後送給各聲部首席一個吻與一朵紅玫瑰。這份浪漫而深刻的舉動,開啟了他與樂團超過30年的情誼,後來更讓他選擇定居洛杉磯。 《春之祭》在洛杉磯愛樂的歷史上占有特殊地位,樂團105年歷史中演出已逾150次,既是樂團的傳統,更是每任音樂總監的試金石。2003年,這首作品更成為華特.迪士尼音樂廳啟用後的首張錄音,象徵著樂團與作曲家的深厚淵源。 《洛杉磯時報》評論杜達美對《春之祭》的詮釋:「既能釋放潛藏於我們體內不可抑制的毀滅能量,又能以精湛的音樂掌控力駕馭這股近乎超人的張力。」此次來台,他將以《春之祭》搭配色彩繽紛的《火鳥》組曲,帶來火焰般的節奏與詩意。 曾於洛杉磯求學的鋼琴家嚴俊傑直言:「第一場《火鳥》、《春之祭》很節奏型,樂曲等於洛杉磯愛樂的代表,為他們自己的慶典都是演這些曲子。此外第一場的第一首約翰・亞當斯(John Adams)的作品《狂熱》短篇交響曲(Frenzy: a short symphony)也是非常重要,因為那是他為了洛杉磯愛樂去年才寫的。」

文字|李秋玫
官網限定報導  2025/09/09
音樂 迎向團隊40周年慶

擊樂劇場《泥巴》大幅改版上演 朱團為自己說聲生日快樂!

為迎接明年朱宗慶打擊樂團40周年的到來,樂團將於9月起推出擊樂劇場《泥巴》全新版本。本作原為2019年、2021年推出的第2號擊樂劇場,描述「瓷林」創辦人林光清從苗栗蘆竹湳鄉間走向國際品牌的故事,在樂團40周年前夕的2025年,朱團再度重演《泥巴》,並以樂團4個世代的人脈,重新打造一個「徹底歸零、再出發」的版本。 藝術總監朱宗慶表示:「2022年底的倉庫火災,把前一版所有布景、道具和部分樂器都燒光了,讓我們這次一定得重新製作。再次檢視的同時,發現《泥巴》其實不只是林光清先生的故事,也很像是樂團即將邁入40周年『再燃鬥志』的心境。」

文字|李秋玫
官網限定報導  2025/09/05
音樂 睽違7年的再臨

佩特連科首度領軍訪台 柏林愛樂帶來3晚音樂盛宴

睽違7年,柏林愛樂管絃樂團將重返台北,由首席指揮基利爾.佩特連科(Kirill Petrenko)首度率團來台,在國家音樂廳帶來3場演出。這不僅是柏林愛樂第6度訪台,更是佩特連科上任以來首次領軍登上台灣舞台。 柏林愛樂與台灣的20年情誼 自2005年首度來台,柏林愛樂便與台灣樂迷建立深厚連結。當年兩廳院廣場聚集逾3萬人觀賞戶外轉播,轟動的場景促成了「數位音樂廳」的誕生。牛耳藝術行銷總監張懿之回憶:「2005年兩天晚上舉辦戶外轉播,第一次迎接柏林愛樂到來,當音樂會結束我走出音樂廳,看到廣場滿坑滿谷的人,他們發自內心的激動與吶喊的情景是我一輩子忘不了。也因為當下強烈感染力,讓拉圖爵士還有樂團覺得感動而催生了『數位音樂廳』。」 台灣蹦藝術協會理事長林仁斌則形容:「照武俠小說的說法,江湖上如果柏林愛樂謙稱自己是第二的話,那沒有什麼樂團可以擺第一位。在我的心中,他是全世界唯一首席天團。」

文字|李秋玫
官網限定報導  2025/09/03
音樂 紀念馬水龍逝世10周年

「孕育於山海之間」 重現台灣音樂巨擘的經典與深情

在馬水龍(1939-2015)逝世10周年之際,國立傳統藝術中心臺灣音樂館與國家交響樂團(NSO)攜手呈獻「孕育於山海之間」音樂會,邀觀眾一同走進這位台灣音樂巨擘的心靈世界,感受他筆下山海交織的情感與音符。 音樂會將於 9 月 11 日晚間在國家音樂廳呈現,演出陣容堅強,由指揮張佳韻領軍NSO,鋼琴家辛幸純與梆笛演奏家賴苡鈞擔任獨奏,並由台北愛樂合唱團與朗誦者雅柏甦詠.博伊哲努、邱文隆共同演出,主持人為顏綠芬。 馬水龍是台灣音樂史上相當具代表性的作曲家與教育家,其作品融合西方現代技法與台灣本土情感,展現出獨特的音樂語言,也是第一位在美國紐約林肯藝術中心以整場形式發表個人作品的台灣作曲家。他曾連任亞洲作曲家聯盟總會5位執行委員之一,擔任過亞洲作曲家聯盟中華民國總會暨中華民國作曲家協會理事長,以及亞洲作曲家聯盟副主席等。作為國立臺北藝術大學音樂系的創系主任與前校長,他在課程架構與教育理念的規劃上,深深影響了一代又一代的音樂人。此外,他創辦了「春秋樂集」,鼓勵同儕與年輕人創作,並積極參與文化政策與國際交流,為台灣音樂界帶來深遠的影響。因其非凡貢獻,亦獲中華民國總統府頒授二等景星勳章。 紀念音樂會中,將演出4首具有代表性的馬水龍作品,涵蓋其創作的中期與晚期,展現他音樂語言的多樣性與深度。首先為《梆笛協奏曲》,此曲應中國廣播公司委託創作,首演於1981年;全曲採用連樂章形式,融合梆笛的清麗音色與管絃樂團的豐富音響,展現出台灣音樂的獨特風貌。管絃樂曲《孔雀東南飛》以中國古代詩詞為基礎,融合西方管絃樂技法,呈現出濃厚的台灣情感。《關渡狂想曲》鋼琴與管絃樂以關渡地區的自然景觀為靈感,鋼琴與管絃樂的對話展現出馬水龍對故鄉的深情。《無形的神殿》男聲合唱與管絃樂結合李魁賢的詩作,表達對台灣土地與文化的敬意,音樂語言深刻而感人。 這些作品不僅是馬水龍音樂創作的精髓,也是台灣音樂史上的重要篇章。在同一場音樂會中,觀眾將有機會一同聆聽這些經典之作,感受馬水龍對音樂、對故鄉、對土地的深厚情感。

文字|李秋玫
官網限定報導  2025/08/23
戲曲 切.格瓦拉留下的那隻「手」

義興閣《英雄製造》 重組自己的英雄

「所謂的英雄,或者是所謂的『被崇拜的人物』,好像不能是成功的。」義興閣掌中劇團主演王凱生這麼說:「不能成功,革命才會延續下去,他也才有可能會被視為一個有血有淚的英雄。」 這句話,恰恰回應了今(2025)年由國立傳統藝術中心主辦之「戲曲夢工場」的策展主題「乙巳革命」中的「革命」一詞。 於是,義興閣掌中劇團決定從古巴革命核心人物之一的切.格瓦拉(Ernesto "Che" Guevara)入手;但身為一個充滿叛逆靈魂與中二精神的「搖滾」布袋戲團,義興閣掌中劇團並不打算循著之前《GG冒險野郎》(改編自西班牙作家賽萬提斯的經典著作《唐吉訶德》)的成功轉譯經驗,僅把切.格瓦拉與他著名的回憶錄《摩托車日記》(Diarios de motocicleta)作為取材靈感,重點則放在切.格瓦拉「成為英雄」的「製造」過程,也就是劇名英雄製造。

文字|吳岳霖
官網限定報導  2025/08/22
戲曲 五年級歌仔戲天王天后齊聚

《愛。相隨?》 重現「愛」的多種可能

國立傳統藝術中心於去(2024)年推出「歌仔戲旗艦展演補助計畫」,鼓勵歌仔戲團隊製作精緻劇場作品,透過節目製作達成維護傳統經典、銜接當代創意、探索未來趨勢等目標,可以說是歷來最具規模的歌仔戲製作補助計畫。首部作品《愛。相隨?》由財團法人廖瓊枝歌仔戲文教基金會製作,將於今(2025)年七夕情人節正式首演。 《愛。相隨?》的旗艦規格不只體現在演出時長,分成3天、4個場次才完成整個故事,同時也集結了台灣不同劇團、不同地區的「五年級」歌仔戲天王、天后,如許亞芬、郭春美、陳昭香、張秀琴、莊金梅、石惠君等演員,出演不同場次的重要角色,寄託了創作團隊對於歌仔戲濃濃的愛,相隨在作品裡頭。

文字|吳岳霖
官網限定報導  2025/08/20