PAR 表演藝術雜誌

新加坡

首度以群眾募資形式籌辦 第22屆新加坡藝穗節以「再現」為主題

2026年，「新加坡藝穗節」（Singapore Fringe Festival）正式邁入第22年頭。這是藝穗節的里程碑過去21年來，由劇團「必要劇場」主辦的藝穗節都由電信業者第一通（M1）贊助。像電訊公司M1這麼一家為藝術做出如此長期資助的機構，在新加坡委實少見。M1在2025年以後取消贊助，藝穗節為了能夠持續下去，積極發起籌款活動，於是第22屆的藝穗節是首次以群眾募資形式籌辦的活動。 必要劇場將今年的藝穗節主題定為「再現」（represent），除了旨在舞台上「再現」（represent）邊緣化群體的課題，也意指這次的藝穗節以民間籌辦的形式「再次呈現」（re-present）於觀眾面前，有不一般的意義。

文字|梁海彬
官網限定報導  2026/02/09

巴黎

以「話語」創造生命能量 法國戲劇先鋒諾瓦里納辭世

法國現代戲劇先鋒諾瓦里納（Valre Novarina）於2026年1月16日辭世，享年83歲。這位獨樹一格的導演暨劇作家透過實驗性的手法，顛覆以情節、角色為主的文本創作，將書寫的文字幻化為五顏六色的筆觸，甚至是抑揚頓挫的音樂，被譽為文字魔術師、語言的革命家。他的離去雖然是法國劇場界的損失，但他留下的豐饒遺產，將持續在當代劇場抵抗語言貧乏的浪潮中，發出強而有力的回響。 話語流動的盛宴 創作能量豐沛的諾瓦里納共累計了50多部劇作及理論，可說是法國現代舞台上最激進的創作者之一。對他來說，文字並非傳遞訊息的媒介，而是驅動生命的燃料。不同於荒謬劇場常見的語言匱乏與失效，諾瓦里納企圖用書寫創造出一種充滿流動性及飽滿能量的「話語劇場」（thtre de paroles）。他將作曲的概念融入劇本創作中，在字裡行間探索迸發旋律、營造幾何運動的可能。他的劇作沒有複雜的舞台指示，更摒棄了傳統的因果邏輯，反而運用精簡的空間，讓文字脫離符號，化身為主要的角色，它們可以行走、跌倒、跳舞與呼喊，宛如一場歡騰又熱鬧的原始慶典。在這種融合理性與感性的實驗場之中，觀眾必須用全新的感知面對熟悉的語言，徹底翻轉聆聽和觀看的方式。

文字|王世偉
官網限定報導  2026/02/06

倫敦

硬體修繕需求與演出成本影響 英國國家劇院未來財務面臨嚴峻挑戰

英國國家劇院（National Theatre）的最新帳目顯示，劇院的演出收入從 2023╱2024 年度的 5,460 萬英鎊下降了 17%，至 2024╱2025 年度的 4,500 萬英鎊。這些數據涵蓋了劇院在泰晤士河南岸 South Bank 的3個劇場的演出、西區（West End）商業演出、以及國內和國際的巡迴演出。國家劇院在此財政年度（2024╱2025）共搬演了 19 部戲劇和音樂劇，而前一年共有 31 部戲；其位於南岸的3個劇院，在這個財政年度的座位上座率為 81%，相較於前一年的 87% 少了 6%。 國家劇院發言人表示，劇院2024╱2025年度在票房、募款和數位演出（NT Live）有不錯的進展，但同時也有兩項因素會影響國家劇院未來財務的永續性。 首先是財政部長瑞薇絲（Rachel Reeves）在 2024 年秋季預算案中提出增加的雇主國民保險繳款，該措施於 2025 年稍早生效，國家劇院估計，這項支出的增長將使劇院每年損失約 110 萬英鎊。另外一項因素是關於演出成本的增長。由於技能短缺、演出技術性日益增強、以及加強確保員工與創作團隊的工作福利和工作與生活平衡，製作演出的成本增加是不可逆的。報告指出，劇院預計這些變更將使劇院每年的基礎成本增加約 100 萬至 200 萬英鎊。 這些因素都將阻礙國家劇院擺脫持續虧損的目標。COVID-19疫情後，國家劇院制定了一項5年策略，目標是在 2026╱2027 財政年實現收支平衡。但由於上述挑戰，劇院現在將收支平衡的目標調整為 2027╱2028。帳目報告裡指出，南岸的劇院在未來10年需要進行大規模投資以已更換老化的基礎設施，並確保這些更新的設施適合世界級的藝術家在南岸劇院裡創作最好的作品，而這更為收支平衡的目標添增財務挑戰，雪上加霜。 同時，國家劇院在COVID-19疫情時獲得的 2,060 萬英鎊文化復甦基金（Culture Recovery Fund），這筆貸款需分 20 年償還，每年 150 萬英鎊（含利息），從去年 （2025）3月開始。上月初，英國國會上議院議員霍琪（Margaret Hodge）發表了關於英格蘭藝術委員會（Arts Council England）的補助報告，她在評論中指出許多獲得文化復甦基金貸款的文

文字|林大貂
官網限定報導  2026/02/02

首爾

韓版梅迪奇效應 演藝名人跨界推動藝文團體永續發展

14 世紀的義大利，得益於佛羅倫斯的梅迪奇家族（Medici）長期以來穩定且積極地為藝術家提供贊助，使義大利成為文藝復興的起源地，進而為人類文明寫下重要的歷史篇章。放眼當代韓國，在國產流行音樂、電視劇、電影等娛樂作品熱潮席捲全球之際，也有一群演藝界名人回流支持純粹藝術，並且逐漸形成「韓版梅迪奇效應」。 近年最具象徵意義和話題性的贊助者之一，是創辦知名娛樂公司「HYBE」的音樂製作人房時爀（Bang Si-hyuk）。身處全球流行音樂產業核心的同時，房時爀以後援會成員身分贊助韓國國立芭蕾舞團，至今已持續3年。業界普遍認為此舉並非單純捐助，而是大眾文化金字塔頂端的創作者回溯源頭汲取養分的具體行動。對房時爀來說，純粹藝術或許正是校準感受力和激盪創造力的靈感來源。

文字|許景涵
官網限定報導  2026/02/01

多倫多

藝文界聯合倡議 盼加拿大建立以勞動為基礎的稅額抵免制度

加拿大創意產業聯盟（The Creative Industries Coalition）2025年底在多倫多針對2025╱2026年度聯邦政府預算規劃發表聲明，呼籲加速建立「現場表演藝術稅額抵免」（Live Performing Arts Tax Credit）的必要性。 創意產業聯盟並非常態運作的組織，而是疫情期間為針對現場表演領域進行政策及預算倡議而組成的聯盟。成員包括表演藝術各領域最大的工會（如：國際戲劇舞台從業人員聯盟、加拿大演員工會、加拿大音樂家聯盟、加拿大聯合設計師協會等）、場館與演出組織（如：加拿大專業劇院協會、加拿大現場音樂協會等），以及具高度影響力的文化機構（如：Mirvish Productions、蕭伯納戲劇節等）約40個涵蓋勞資雙方立場的單位參與。聯盟上一次大規模發聲是2022年，針對聯邦政府提出「因防疫政策造成藝文組織收入損失的補償預算」進行評論。

文字|陳明緯
官網限定報導  2026/01/28

北京

「北京．天橋音樂劇年度盛典」年末上場 榮景背後卻見隱憂

2025年12月，北京天橋藝術中心舉行了「2025北京．天橋音樂劇年度盛典」，除了頒發當年中國原創音樂劇的各類獎項之外，中國演出行業協會也發布了《2025中國音樂劇市場年度報告》：全年音樂劇演出場次1.97萬場，較2024年同期相比增長了15.04%；票房收入18.07億元人民幣，同期相比增長7.55%；觀眾人數818.59萬人次，同期相比增長10.41%。相對於紐約百老匯目前正面臨著的製作成本大漲，招牌依舊閃亮，後台卻精算著每一分錢。中國音樂劇市場則在2025年初顯不可抑制的爆發之勢。 音樂劇一直是中國演出市場中增長最快的領域之一，2025年原版引進劇碼和中國原創劇目的票房已相當接近（前者近10億元，後者則達8.79億元），顯示這幾年正處於中國原創音樂劇發展的關鍵時刻。2025年中國音樂劇市場確實熱鬧無比，引進的原版音樂劇都是經典之作，《莫里哀》（法語）、《劇院魅影》（英語，台譯《歌劇魅影》）以及《巴黎聖母院》（法語，台譯《鐘樓怪人》）位列場次前三；《劇院魅影》、《悲慘世界》（英語）40周年紀念版音樂會，以及《搖滾紅與黑》（法語）位列票房前三。中文原創音樂劇的市場則隨著演藝新空間（即非劇場演出空間）在各地興起，沉浸式體驗需求提升，促使駐場沉浸式音樂劇新劇不斷，《辛吉路的畫材店》、《桑塔露琪亞》和《怪物》列演出場次前三，《受到召喚．敦煌》、《錦衣衛之刀與花》和《她對此感到厭煩》則列票房收入前三。如同其他類型演出，北京和上海兩地的音樂劇市場仍占全國票房的60%以及近一半的演出場次，吸引了全國超過六成的觀眾。 這次盛典同時舉行了高峰對話，對談者為倫敦尼可爾娛樂公司聯合創始人Nick Brook與原韓國音樂劇協會會長劉禧聲，內容非常精準地針對中國音樂劇市場亟需構建的生態。倫敦西區的戲劇產業高度成熟，而且西區不僅僅有戲劇與劇場，更是文化與經濟的「生態系統」；劉禧聲則提出「音樂劇必須本土化，才能讓亞洲的音樂劇作品在世界舞台上占有一席之地」的呼籲，他以榮獲6項東尼獎的《也許是美好結局》（Maybe Happy Ending）為例，剖析「韓式音樂劇」是一個由版權引進、本土化、粉絲經濟驅動、國際聯合製作構成的多元化產業體系。了解紐約百老匯的商業模式、倫敦西區的生態系統與「韓式音樂劇」的產業體系，對中國音樂劇產業未來的發展無疑地有著非常深刻的警示

文字|王泊
官網限定報導  2026/01/23

東京

「港區立港藝術中心m～m」兩年後開館 舉辦前導活動邀民眾搶先體驗

預計於2027年11月1日正式開館的「港區立港藝術中心m～m（むーむ）」，於2025年11月30日在東京都港區的日生會館舉辦「開館倒數兩年前導活動」。這是m~m首次舉辦的大型公開活動，吸引約1200名民眾參與，讓市民提前認識這座即將誕生的藝術新據點。 本次活動以論壇與跨領域表演為主軸，內容包括鋼琴演奏與即興繪畫的跨界演出，以及多項可親身參與的藝術體驗。現場也規劃了VR展示、戲劇工作坊、樂高積木創作、城市散步企畫與交流空間，讓不同年齡層的參與者都可以從多元角度接觸藝術。 在論壇中，港區區長清家愛表示，藝術文化在快速變動的社會當中，具有連結人與人、促進相互理解的重要力量，期盼m～m能夠成為共享感動與創造喜悅的空間。創意總監箭內道彥則指出「m～m」這個暱稱本身，就鼓勵大家都可以用自己的感受去理解，也正是藝術體驗最珍貴的價值。 擔任本次前導活動主持、同時也是立港藝術中心開館準備室節目總監的相馬千秋，分享了她對劇場與共生概念的想法。她表示，透過過去的討論與實踐，逐漸認為理想的共生狀態應該像「沙灘」一樣，讓所有人都可以按照自己的生活節奏自由地進出。她也指出，劇場是一個能讓人把自己的想像力帶往不同地方、連結不同他人的空間，同時也能成為某些人的「容身之處」。 港區立港藝術中心m～m位於山手線浜松町站直結位置，未來將整合約600席座位的劇場、具有移動式觀眾席的多功能空間，以及工作室、排練場與交流空間，作為港區文化藝術新的核心據點，推動市民參與、創作與交流。而劇場的暱稱「m～m」則是由公開徵選產生，象徵「港」（minato）與「我」（me）的連結，也代表從「無」中孕育出無限可能的創造力。而符號「m」與「～」分別代表手與海浪，描繪出港區人們與海邊共生的意象。

文字|新田幸生
官網限定報導  2026/01/19

舊金山

黃仁勳贊助舊金山歌劇院 打開矽谷新貴與藝術界之間的善門？

輝達創辦人黃仁勳最近有一則與公司市值、晶片要不要賣給中國、亞洲總部在哪裡、或者他又去吃了哪家小吃都無關的新聞，卻是與加州表演藝術息息相關，那就是他和太太捐了一大筆錢給舊金山歌劇院（San Francisco Opera）。 或者不該說是只有一筆，新聞是說黃仁勳夫婦從今年開始，在未來「數年」內，每年捐贈500萬美元，錢除了用在歌劇製作上，也可以用來培育年輕藝術家、社區外展、開發數位資源等，很有彈性。這筆捐款的第1個受益者，是秋季大戲《猴王悟空》（The Monkey King）。這是一部由來過台灣很多次的作曲家黃若和劇作家黃哲倫合作的新歌劇，講孫悟空誕生、修法、大鬧天宮、到被佛陀壓在五指山下的故事，11月演出時，票房口碑皆長紅，《紐約時報》盛讚是「歌劇可以在大規模上成功的明證。」 舊金山是華人在美國落地生根的起點，舊金山歌劇院這幾年來努力拓展與當地華人的關係，2022年首演過盛宗亮創作、賴聲川導演的《紅樓夢》，《猴王悟空》再接再厲，成績更上一層樓，黃仁勳夫婦也是專為這齣戲設立的委員會的共同主席。

文字|謝朝宗
官網限定報導  2026/01/11

香港

東九文化中心正式開幕 新館落成結合藝術科技

香港的表演場地不少是由政府管理，最晚落成的已經是在2014年開幕、較集中搬演戲曲作品的高山劇場新翼；近年隨著如西九文化區和大館等具個性和節目定位的場地落成，官方的場地方面，在面對設施和觀眾拓展方面的老化與滯緩、疫情後特別針對科技與藝術結合的方向下，終於迎來了政府醞釀多年，亦暖場多時，最近終於正式揭幕的「東九文化中心」。 座落在港鐵站附近，鄰近多個大型商場和住宅社區的東九文化中心，周邊的經濟活動相當活躍，其觀眾拓展的對象也是面向大眾的。中心大樓由香港知名建築師嚴迅奇及其團隊設計，其中包括「一個高滲透度、無縫地接連周邊人流匯點的架空藝術回廊」，整體採光良好的設計吸引很多人流聚集。目前場館內不少展覽是免費入場，如在「樂隊表演、擴音音樂會及錄音理想場地」的樂館進行的跨媒體藝術家王志勇《時間的潮汐》是一個沉浸的互動展覽裝置，週末要等待約1小時才有機會入場．但仍然有不少觀眾靜候參觀。亦有其他專屬的教育空間引入科技互動元素以吸引兒少族群，讓這個座落民居之間的場地更貼近大眾，讓文化藝術得以融入生活。 除了樂館，中心還有劇院、劇場、創館和形館4個場地．其中「可供全牆投影，配備折合式座椅和彈跳板」的形館，「人．舞團」的舞蹈作品《熟悉的陌生》就在這裡上演。作品由新加坡郭瑞文編舞，參與者包括新、馬和港澳藝術家。作為以推動科技與藝術為焦點的場地，作品當然利用了配置的全息投影和讓舞者罈之卓以虛擬方式進入敘事，在演後座談時創作人也有進行介紹，讓觀眾更清楚技術的運用。

文字|陳國慧
官網限定報導  2026/01/04

澳門

開創藝術的下一步？ 澳門國際表演藝術中心規劃意見收集中

澳門政府在11月中推出了「澳門國際綜合旅遊文化區」的公眾意見收集，根據政府新聞稿的介紹：「文化區的建設旨在進一步深化澳門『世界旅遊休閒中心』的內涵，推進『以中華文化為主流、多元文化共存的交流合作基地』的建設，落實『文化澳門』的發展願景。項目計劃於合適選址，規劃建設3項文化設施及配套功能空間，包括澳門國博文化館、澳門國際表演藝術中心及國際當代美術館（暫名）。」 1999年「澳門回歸」以後一直沒有建設新的官方表演藝術場地，其實早在規劃澳門文化中心之初，除了兩個開幕時就存在的鏡框舞台外，另有一個黑盒劇場在整體構思當中，但沒有付諸實行；一直到了2023年6月底「臨時活化」的舊法院黑盒劇場關閉後，文化中心黑盒劇場才正式建成啟用。自此澳門的表演場地便完全集中在同一棟建築、同一個管理部門。 其實，近10年來關於澳門官方表演場地與城市規劃之間的討論也時有出現。2015年澳門特區政府進行「澳門新城區總體規劃」第3階段公眾諮詢，當時諮詢文本中已清楚標示新城中的「城市級文化設施」及「社區級文化設施」，然而在5年後的《澳門特別行政區城市總體規劃（2020至2040）》草案（下稱「草案」）中，文化設施被歸入「公用設施」，文化設施的概念、分類與比例均變得含糊不清。文本中只強調「新城A區南端建設城市級地標性文化設施」及「外港區2的文化中心附近以及路環區的荔枝碗船廠片區規劃城市級文化設施」，而社區級文化設施則並未提及。該草案於2020年10月提出後，不少藝文工作者反映了意見，主要指出「草案」缺乏對文化設施承諾未明確提出各區公共設施的覆蓋率，尤其缺少表演場地、展覽空間等文化設施的指標，導致文化願景流於口號。而社區文化被邊緣化，偏重地標建設，草案中雖提及衛生、教育、圖書館等設施，但文化設施未被列入重點，反而強調「文化地標」。這可能增加居民接觸文化的成本，並造成地區「貴族化」現象。亦有本地文化團體及劇場工作者指出，文化應植根社區而非僅依附旅遊或地標。若缺乏政策支持，居民的文化權利難以落實，文化發展恐受限。

文字|莫兆忠
官網限定報導  2026/01/02

巴黎

兩部約恩．福瑟作品搬演 以不同面向聆聽存在的無聲吶喊

2023年諾貝爾文學獎得主約恩．福瑟（Jon Fosse）的作品席捲今年秋天的巴黎舞台。這位挪威當代劇作家以極簡的筆觸、如音樂般的重複話語、欲言又止的沉默，為難以言喻之物賦予了一種聲音。由法蘭西劇院（Comdie Franaise）及熱納維利爾劇院（Thtre de Gennevilliers）推出的2部作品分別以不同角度，勾勒出他筆下的「無聲之聲」。在政治與社會議題喧囂的當代劇場，這2部作品重新叩問身在人世的疑惑，將我們帶往介於等待、失落、哀悼與時間的裂縫。

文字|王世偉
官網限定報導  2025/12/29

新加坡

邀香港導演鄧樹榮執導畢製 跨文化戲劇學院25周年探問未來

2025年11月，跨文化戲劇學院（Intercultural Theatre Institute，ITI）邀請了香港劇場導演鄧樹榮為其畢業生執導畢業製作《奧賽羅》（Othello）。 這一版本的《奧賽羅》延續了鄧樹榮一貫的「從身體出發的簡約美學」，每場戲都像畫，舞台設計僅有幾張椅子、或幾個平台，通過不同的擺放和移位，時而表示不同場景、時而彰顯人物之間的關係、時而突顯人物的內心掙扎。每場戲都像視覺藝術作品，舞台設計也成了「說故事」的「角色」。 演員們一人分飾幾角，僅僅通過服裝和形體表達呈現他們扮演的角色，同時也讓演員們反串表演。於是觀眾始有體會，人人皆有可能是奧賽羅、或伊阿古、或凱西奧、或黛絲德莫娜成功帶出莎士比亞劇本的普世性。

文字|梁海彬
官網限定報導  2025/12/26

德勒斯登

聚合舞《當水落下》首演 從舞者身體出發探問文化與地緣政治的複雜議題

「在整齣作品之中，我不會說任何一句話，因為複雜到無法言喻。」周書毅在舞作開場之際，用麥克筆在空白圖畫本上寫給觀眾看。這是聚合舞（Polymer DMT）最新作品《當水落下》（The Seas Between Us）的開場，開宗明義地表明此作處理的議題具有極高的複雜性。此作由旅德台灣編舞家羅芳芸引領編創、並由台灣舞者周書毅與新加坡舞者李文偉 （Lee Mun Wai）共同演出。在前期研究兩年多後，於今年10月底在德勒斯登赫勒勞歐洲藝術中心（HELLERAU - European Centre for the Art ）首演，緊接著前往萊比錫euro-scene Leipzig藝術節進行巡演。 讓周書毅感到複雜得無法言喻的議題，可以從銘刻在台灣舞者身上的中國舞印痕說起。他以錄音和字幕講述了童年時期的學舞經驗，是從中國民間舞、民族舞、武功身段還有「京芭體」的身體訓練學起的。與此同時，周書毅在把杆上示範當年的練習動作，展現了中國民族舞蹈在系統化過程中受到的芭蕾巨幅影響。周書毅在舞蹈教室的學舞過程中，毫無障礙地扮演不同的民族，跳不同民族的舞蹈。長大後的他，逐漸察覺這些舞蹈與他成長於台灣土地的身體經驗之間存在極大的距離。這個自我叩問追溯回他的學舞經歷：為什麼一個台灣小孩去舞蹈教室學舞，學出來的是一套由中西混合舞蹈建構出來的中國式想像？而這個虛構的想像究竟是屬於誰的？於是，長大後的他，選擇不再跳這些不屬於他身體的舞蹈。

文字|彭靖文
官網限定報導  2025/12/22

檳城

3位編導一齣獨角戲 張曉晶迎向50歲挑戰《一枝獨秀》

檳城資深劇場人張曉晶今年邁入知天命的50歲，卻毅然決定挑戰從未演過的獨角戲，把活了半個世紀的女人心得帶到舞台上分享。為了做好第一次，她除了身兼演員和製作人，還特地找了3位在不同階段合作過的編導一起拆解女人的一生，再交由她拼貼成完整的演出。 張曉晶在中學時期便代表學校參與戲劇比賽，畢業後第一份正式工作就遠赴新加坡「實踐劇場」當全職演員，參演過創辦人郭寶崑老師的代表作《鄭和的後代》；接著再到香港演藝學院進修表演系，學成後加入當地以兒童劇為主的「明日劇團」，以及喜劇泰斗詹瑞文的「劇場組合」。在香港旅居7年後才回歸檳城接手家族生意，在商場打拼之餘仍然參與戲劇表演，兩次奪得馬來西亞「戲炬獎」最佳女主角，擔任Noise劇團的執行顧問，喬治市藝術節的策劃人，不斷嘗試不同的劇場身分，這一次終於迎來人生第一部獨角戲《一枝獨秀》。

文字|陳偉光
官網限定報導  2025/12/19

烏鎮

第12屆烏鎮戲劇節閉幕 狂歡之後卻見困境？

掛滿大街的劇碼海報，街巷、河岸邊的精彩表演，人流如織的古鎮嘉年華剛閉幕的第12屆「烏鎮戲劇節」再次將這座江南水鄉變成了巨大的文化引力場。來自10個國家的25部特邀劇碼，117個古鎮嘉年華表演，超過1357位演職人員參與了這場秋日的藝術盛宴。 然而，在這繁華景象之下，一種莫名的失落感卻在熱愛戲劇的人們心中蔓延。當玩偶小黃人IP形象在古鎮嘉年華中穿梭，當9小時的馬拉松式劇碼將普通觀眾拒之門外，當戲劇節的夜生活被盛大的音樂派對接管，人們開始疑惑：烏鎮戲劇節，究竟是在藝術堅守中野蠻生長，還是在商業浪潮中亂花迷眼？ 烏鎮模式：極致精緻的美學悖論 烏鎮是中國文旅產業中最成功的商業化案例，它用現代資本和技術能力，把一個瀕臨衰落的傳統水鄉，打造成了無與倫比的精緻產品。烏鎮的統一營運模式達到了登峰造極的水準：收購所有房產，遷出原住民，以「修舊如舊」的標準修復重建。 「一店一品」政策杜絕了基層的重複業態，服務員、船工統一培訓之後上工，連影響空間流暢性的電線杆也被全部拆除。這種極致的管理美學，使遊客能夠獲得標準化的完美體驗，但也徹底犧牲了一個活態社區的草根性、有機性和真實性。 在烏鎮，所有驚喜都是被設計好的，所有探索都是在既定規劃路徑上進行的，但生活的真實感卻消失殆盡。這種物理真實與生活真實之間的悖論，正是烏鎮模式的根本困境。

文字|李翠芝
官網限定報導  2025/12/15

布里斯托

布里斯托老維克劇院推出「教育裡的劇場」 送戲進校園為藝術未來扎根

布里斯托老維克劇院（Bristol Old Vic）是英語世界裡運作最久、最古老的劇院，該劇院正在委託年輕人創作兩個新劇本，準備把演出帶到當地中學校上演，讓學生免費觀賞演出。這是老維克劇院為維持與拓展劇院年輕觀眾的行動之一，是此劇院迄今爲止規模最大的戲劇教育計畫，名為「教育裡的劇場」（Theatre In Education）。 老維克劇院已有兩個培訓計畫正在進行中：一是「布里斯托製造」（Made in Bristol，MIB），以培訓當地年輕劇場創作者為主；另一個是名為「5年承諾」（Five Year Commitment）的劇作家駐村計畫，旨在支持與協助劇作家創作新作品。而上月宣布的「教育裡的劇場」會結合上述兩個進行中的計畫，將培育的藝術家與作品作為劇院與學校教育的橋梁，而這個最新計畫也為老維克劇院成立 260 周年畫下一個重要標記。

文字|林大貂
官網限定報導  2025/11/24

多倫多

翻譯中的城市　「白晝之夜」播映語言與文化的多聲道

多倫多「白晝之夜」（Nuit Blanche）在10月4日晚上7點到10月5日早上7點舉行，以多倫多市（City of Toronto）為範圍，3個主要展區分布於市中心（Downtown）、北約克（North York）及怡陶碧谷（Etobicoke）。 今年的主題是「翻譯城市」，藝術總監Laura Nanni提到多倫多目前有200種語言流通，她認為「翻譯不只是語言之間的轉換，而是其中所創造的連結與理解。」這個夜晚，共有125件靜動態作品展出，包括3個主要策展計畫，及其他的獨立計畫、主要機構（場館）計畫及實驗性活動，企圖呈現文化、語言、身分及地方的交織與互動。 「詩性正義」（Poetic Justice）由劉雪鈴（Charlene K. Lau）策展，從土地、條約、正義和改革的面向，反思多倫多作為原住民家園及全球人口遷徙與往來之都，該如何運作。作品之一《守護神聖之聲》（PROTECT THE SACRED VOICE）在多倫多市政府大樓外掛上「英語是一種外來語！維持美，需要抵抗！愛的革命！」的旗幟，藝術家Demian DinYazhi從自己的社群媒體貼文中找出句子，透過版畫技法製作成海報式標語，並與市政府溝通作品的呈現方式，最終能在這個夜晚，以跨性別旗幟配色的燈光打亮這些文字。

文字|陳明緯
官網限定報導  2025/11/21

紐約

工會談判時節面臨關門危機 百老匯到底賺不賺得到錢？

百老匯差一點就要像美國政府一樣關門！不過這當然不是因為兩黨對決，而是代表演員和音樂家的工會，在最新一輪的合約談判期間，都祭出罷工牌。還好勞資方在最後關頭達成協議，沒有像2007年那樣，真的走上街頭。 如果觀眾覺得這場罷工威脅的戲好像每隔幾年就要演一次，確實沒錯。因為百老匯的合約通常以3年為期，所以時間一到，資方代表百老匯聯盟就要跟勞方的演員、音樂家、幕後工作人員等（各有各的）工會上談判桌你來我往一番，不管是基本薪資、工時保障、保險分派比例，都有得爭。就工會成員來說，紐約居大不易，房租通勤物價都比其他地方貴，而且這檔戲演完不見得有下檔，當然希望有工作時能多點錢入帳。 在工會相對弱勢的美國，百老匯的工會算是比較有牌可打的，因為百老匯表演者不只先天要有祖師爺賞飯吃，還要自己後天勤修苦練，替代性不高；資方也不是單一的僱主，而是由41個百老匯劇場業主和數以百計的製作人組成，各有算計（業主不管戲怎麼賣照收房租，可說是穩賺不賠）。加上百老匯是紐約重要象徵，一旦罷工，萬方矚目，外在壓力隨之而來，所以誰也不想走到那一步。 但這也不表示工會可以予取予求，這是因為在商言商，百老匯其實是個很不划算的生意，流行的說法是每4齣戲裡只有一齣能回本，再優秀的製作人也不敢擔保每齣戲都能賺錢，談合約時自然要錙銖必較。 百老匯生意有多難做？據《紐約時報》報導，自2021年9月疫情後重開以來的46齣新音樂劇中，只有3齣回本（舞台劇成績比較好，不過主要是拜好萊塢明星客串所賜）。根據紐時算的帳，這46齣戲總製作費高達8億，平均每齣戲光要上演就先花了1,700萬，大型的音樂劇，每週固定開銷還再以幾十萬起跳，紐約居大不易的，豈止是人！ 然而百老匯聯盟不是每年都宣揚總收入創新高嗎？超級大戲如《漢彌頓》、《魔法壞女巫》現在每週票房動輒達2百萬。如果這個生意真的這麼難做，為什麼下海者前仆後繼？ 這筆帳別說外人看不懂，連圈內人也質疑。拿下7座英國奧利維耶獎風光轉戰百老匯的《酒店》（Cabaret）在連演18個月後還是賠錢下檔，就有一位投資人不甘心告上法庭，因為他不明白：9千萬的票房為何還不能回本？很多人都好奇，這場官司如果真打下去，能不能就此一探百老匯神秘帳本的究竟？

文字|謝朝宗
官網限定報導  2025/11/17

首爾

光環背後的沉重 任奫燦「韓國生活宛如身處地獄」言論引發熱議

鋼琴家任奫燦（Yunchan Lim）在韓國國內的媒體曝光與討論熱度持續升溫。除了今年4月以獨奏專輯《蕭邦練習曲》（Chopin tudes）一舉拿下英國 BBC 音樂雜誌大獎（BBC Music Magazine Awards）年度新人、最佳專輯及最佳器樂演奏獎項，7月又與恩師孫旻秀（Minsoo Sohn）回國舉辦雙鋼琴演奏會，獲得高度矚目。令人意外的是，任奫燦在8月接受義大利《共和報》（La Repubblica）訪問時的發言，兩個月後被轉譯回韓國，引發震撼。 任奫燦在訪談中坦言，自己並不懷念韓國的生活，如今僅在有演出安排時短暫停留。他進一步表示：「在韓國度過的最後求學時光，痛苦到難以承受。那感覺就像身處地獄，甚至曾想過結束生命。」他也直言不諱地剖析韓國社會的結構性問題，指出韓國地狹人稠，人際競爭異常激烈，「每個人都想出人頭地，有時甚至不惜傷害他人。」並回憶17歲在鋼琴界嶄露頭角時，曾遭遇政商界的不當干預，「那些經歷使我深感悲傷。」 任奫燦的音樂成就堪稱耀眼。7歲學琴，以第一名畢業於藝術名校「藝苑中學」（Yewon School），隨後進入韓國藝術綜合學校附設英才教育院，師從孫旻秀，迎來音樂生涯的轉捩點。2022 年，年僅18歲的他奪得范．克萊本國際鋼琴大賽（Van Cliburn International Piano Competition）冠軍，成為史上最年輕得主。隔年孫旻秀轉任美國新英格蘭音樂學院（New England Conservatory）教授，任奫燦亦隨之赴美深造。他形容孫旻秀是「我的引路者與救贖者」，足見師生情誼深厚。

文字|許景涵
官網限定報導  2025/11/13

東京

紀念千住宿開宿400周年 「千住雙關語音樂祭」邀1010人共演

由東京都、東京藝術大學與足立區等單位共同主辦的城市藝術計畫「Art Access Adachi：音樂城市千住的緣」（音まち千住の縁），為紀念千住宿開宿（註）400周年，特別於10月12日「千住雙關語音樂祭」（千住だじゃれ音楽祭）舉辦大規模演出「來啦！千住的1010人」（キタ！千住の1010人）。這場城市參與型演出集結了1010名演奏者，以作曲家野村誠發起的創作計畫「雙關語音樂（だじゃれ音楽）」為核心，展現出幽默與自由並存的音樂風貌。 「雙關語音樂」是野村誠長年推動的社會性藝術實踐計畫，以語音相似但意義不同的詞語為起點，將日常生活談話中的雙關語轉化為音樂創作。而「千住雙關語音樂祭」是長年由居民與藝術家共同參與構成，從日常的文字遊戲中尋找聲音的靈感，進而開發出全新的作曲方法，探索語言、音樂與社群之間的連結。 2025年適逢該計畫設立15周年與千住宿400周年，這場跨越世代與國界的音樂節邀請了國際與本地藝術家共同演出，包括泰國音樂學者Anant Narkkong、馬來西亞聲音藝術家黃楚原（Ng Chor Guan）與印尼作曲家Memet Chairul Slamet。他們與日本專業樂手、在地學校樂團與市民一同登台。從跳繩、貝殼、手機、飯鍋到薩克斯風，幾乎任何能發出聲音的物品都成了樂器，創造出屬於「千住」這個區域的獨特交響。 野村誠表示：「我尊敬的作曲家們這次為1010人的演出創作的新樂曲，真的是一首非常開放、表現自由的作品，能夠直接打動觀眾的身心。這次的核心主題是『共存』。正因為我們身處在一個充滿衝突與對立的時代，所以才要舉行一場沒有任何人會被排除，『什麼都可以』的合奏演出。這並不代表我們需要對齊每個人的步伐，而是希望讓大家能感受到，當這麼多不同的人們聚在一起時會發生多麽美好的聲響。」 更多資訊請見官方網站。 註：「千住宿」是舊日光街道與奧州街道上、從日本橋出發後的第一個宿場町，也是江戶時代「江戶四宿」之一。如今的位置大致對應東京都足立區與荒川區南千住一帶。

文字|新田幸生
官網限定報導  2025/11/10

北京

原創民族歌劇《紅高粱》首演 觀眾反應參差爭議不少

9月27日，北京國家大劇院首演了由中國第1位諾貝爾文學獎得主莫言和著名作曲家郭文景合作的原創民族歌劇《紅高粱》。2025年是中國人民抗日戰爭暨世界反法西斯戰爭勝利80周年，這是在政策鼓勵下眾多特定目的性的藝術作品之一。《紅高粱》是北京國家大劇院成立以來的第23部原創歌劇製作，事前引發極大關注，首演後亦有不少爭議。 歌劇《紅高粱》由莫言的小說《紅高粱家族》改編，這部小說曾改編過電影和電視劇，故事內容可謂家喻戶曉，莫言對歌劇版本異常重視，親自參與編劇，且在七易其稿中領悟到歌劇劇本的精髓：「要寫意，寫詩化、詩意的東西。」因此，歌劇中的高粱隱喻著人物命運，隨著氣候和劇情呈現不同的形態，劇詞也從小說家的敘事邏輯，轉向了詩人般的抒情和意境的營造，且借紅高粱「抗旱抗澇、生氣勃勃、充滿野性」的意象，書寫了中國人堅韌的生命力和奮勇抗爭的精神。郭文景則運用了故事發生地山東高密的茂腔、柳腔、山東梆子、山東快書、膠州秧歌、高密民歌等元素，與西方管絃樂隊的音響融合，極力打造歌劇音樂所能展現的地域性與民族性。兩位創作者都認為歌劇是表達人類情感最有力量的表演藝術形式，在其中植入中國風格和中國氣派更是為中國歌劇的發展添加了動力。 然而，撇開排山倒海但大同小異的新聞報導，《紅高粱》到底能不能算是近年來中國創作的歌劇精品？答案是令人失望的。 從兩種觀眾的反饋，可以對這部歌劇的演出得到具體的印象。一是對歌劇一知半解的觀眾，不是對音樂不那麼悅耳多有微詞，就是對詠歎調毫無記憶感而如坐針氈；歌劇迷觀眾的評價則是南轅北轍，但都注意到歌劇演出的各個層面（音樂、劇詞、歌唱、音響、導演的舞台調度、舞台布景等）。總體而言，這部單分八場不分幕的歌劇在音樂上比劇詞要成功，尤其是合唱的部分，而劇詞的詩意落在詞語的過度重複，如「我去」、「我嫁」等，反成了笑點和出戲點；義大利美聲唱法在中國民族歌劇中的適應性仍然是最大的問題，這是臨場聽覺上最不容易妥協的，歌唱者咬字清不清晰已是最基本的問題；其他如歌唱者的肢體表演、導演的舞台調度和舞美設計的刻板意象等，專業的觀眾都關注到了。可惜的是，至今仍然沒有一篇持客觀立場的專業評論出現，這是中國表演藝術生態裡最大的缺憾。 看待歌劇的成功與否從來就有兩種視角，一是從觀眾，如何得到情緒的感動和情感的轉化；二是從藝術作品，如何讓詞

文字|王泊
官網限定報導  2025/11/06

澳門

實際展演加上主題研討 「非常規空間演出」成澳門劇場秋季熱點

當「環境劇場」已成為被遺忘的名稱，「非常規空間演出」、「非典型空間演出」、「沉浸式」、「漫遊者劇場」、「城市漫遊劇場」、「新空間演藝」等演出分類紛呈，加上近年日常生活的急速數位化，劇場亦開始經常與數位技術連結，生產出新類型的觀演空間與關係。從去年至今，澳門就有超過50部不在常規劇院中舉行的演出，就剛過去的8、9月而言，就有近15部。這幾十部演出大部分屬於「澳門城市藝穗節」的節目，也有部分為民間劇團獨立主辦的製作。就空間分布而言，當中一半發生在古蹟、咖啡店、餐廳中，甚或是在黑盒劇場中但空間運用上以非典型的方式進行，觀眾大部分時間上還是一個觀看者、旁觀者的角色，只是演出中偶有需要觀眾參與、互動元素，不參與也無妨。例如四維空間的《銳舞︰搖擺的世代》便在文化中心黑盒劇場中舉行，但觀眾進場後始發現平常的劇場空間已變裝成「Rave Party」的場所，沒有觀眾席、沒有清晰的觀演關係，舞者有時會邀請觀眾一起跳舞，但大部分時間你也可以靠在場邊觀看整個演出。

文字|莫兆忠
官網限定報導  2025/11/01

四界看表演 Stage Viewer 2025巴西CIRCOS — Sesc 國際馬戲藝術節（三）

以馬戲為核心的社會改造計畫

訪策展人瑪麗娜．贊與娜塔莉．卡明斯基

自 2010 年起，巴西社會服務機構 Sesc（Servio Social do Comrcio）在聖保羅發起 「CIRCOS Sesc國際馬戲藝術節」（CIRCOS Sesc Festival Internacional de Circo），便逐步成為拉丁美洲重要的當代馬戲平台。藝術節強調去中心與普及化，節目除分布於市中心的多個場館，甚至走入低收入戶、遊民集結的下城區，讓不同社群都能接觸到國際與本土的馬戲創作。 在巴西多元種族、貧富差距及文化衝突的複雜背景下， Sesc被視為巴西民間版的「文化部」，其任務涵蓋教育、體育、藝術與社會服務，網絡遍布全國，光是在聖保羅，Sesc就有40餘個綜合型場館。對Sesc 而言，馬戲藝術節不單只是表演藝術的集結，更是介入日常、關注群體、承載多元文化的社會實踐。 CIRCOS策展團隊組成非常多元，從表演藝術領域，到建築、設計、文化傳播到法律與社會科學背景，本文採訪兩位核心策展人瑪麗娜．贊（Marina Zan）和娜塔莉．卡明斯基（Natalie Ferraz Kaminski），一探她們如何透過藝術節這個平台，貫徹Sesc的組織使命，彰顯馬戲作為文化治理工具的潛力，回應社會的挑戰的同時，也成為和所有觀眾共在、思考與感受的藝術類型。

文字|顏清琪
官網限定報導  2025/10/31

四界看表演 Stage Viewer 2025巴西CIRCOS — Sesc 國際馬戲藝術節（二）

從老去與酷兒的異質身體 到敘事與空間的邊界

馬戲從來不該只是屬於身強體壯、陽剛男性的舞台。逐漸老去的身體能夠宣示存在，把時間刻下的痕跡轉化為活生生的表現，顛覆「技藝高超」的定義；拒絕服從性別規訓的酷兒身體，同樣地，也能透過異質的身體，召喚且翻轉大眾的凝視。 比利時狀況馬戲團（Circumstances）的《非凡身體》（Glorious Bodies）讓6位已經從馬戲舞台上退役的專業表演者，重返舞台。他們以蒼白的頭髮、略顯僵硬卻依舊敏捷的身體，透過單人或群體動作、跳躍與支撐，探索重力、平衡與耐力。西班牙循環劇團（Ca Cclicus）《垂老之美》（Vetus Venustas ）找來 67 歲至 80 歲的長者與青年表演者同台，將個人檔案與記憶帶進作品，產生跨世代的對話和連結。兩部作品都在單純展示技巧之外，發起省思：當社會是一個常常拋棄「不再生產」的老年人的倉庫，我們如何讓「衰老」成為另一種創造的力量。 與高齡馬戲形成對照，澳洲三角褲工廠（Briefs Factory）的《髒髒秀》（Dirty Laundry）則用更激進的方式，直接把酷兒身體推到舞台正中央。《髒髒秀》延續他們一貫的「酷兒歌舞馬戲」風格，將高空特技、雜耍、火焰呼拉圈、變裝秀與脫衣舞融為一爐，既挑逗又張揚，逗得現場觀眾捧腹大笑。主創者費茲．法納那（Fez Faanana）說：這場秀是要把那些被社會視為荒唐或羞恥的事，堂而皇之地放到舞台中央，「我們慶祝差異、相似、創造力，以及做自己的自由即便看起來再荒謬。」

文字|顏清琪
官網限定報導  2025/10/30