位於首爾的樂天音樂廳（Lotte Concert Hall），演出開始前有個令觀眾會心一笑的瞬間，那就是當場內廣播以流利的英語提醒「請關閉手機」之後，突然傳出一句略顯生硬的韓語「감사합니다」（謝謝）。錄製這段廣播的主角，正是來自希臘的小提琴家列奧尼達斯．卡瓦科斯（Leonidas Kavakos）。 卡瓦科斯與韓國的緣分可追溯至 2022 年，他擔任韓國作曲家陳銀淑（Unsuk Chin）《第2號小提琴協奏曲》的世界首演者。陳銀淑對卡瓦科斯讚譽有加，稱其為「當今世上最偉大的小提琴巨擘」。卡瓦科斯 18 歲時在西貝流士大賽中榮獲冠軍，1988 年更一舉包辦瑙姆堡大賽與帕格尼尼大賽的雙料冠軍，備受全球音樂界矚目。
自2025年到當下的2026，中國劇場貌似正在經歷一場靜悄悄的「性別革命」。 據最新發布的中國演出行業協會數據顯示，2025年以來劇場類演出女性觀眾占比已高達71.1%。其中，音樂劇女性觀眾占比高達84.3%，舞劇達到82.5%，雙雙突破80%。更值得關注的是，2025年至今劇場演出新用戶中女性占72.1%，30歲以下「Z世代」占53.9%這意味著一個以「劇女」為核心標籤的觀劇群體，已在媒體和各大社群平台上成為當紅的流行熱詞，並以前所未有的能量重塑著中國舞台劇的生態版圖。 所謂「劇女」指的是熱中於音樂劇、舞台劇、舞劇等實體戲劇演出的女性觀眾。她們為心儀的演員（圈內戲稱「人質」）買票「贖人」，在散場後的劇院門外排隊等候簽名合影；她們撰寫詳盡的觀劇報告（Repo），用自拍和周邊小物交換構建起一套專屬的次文化圈子。她們把喜歡的演員叫「人質」，為「贖人」而反覆購票一句「不管怎樣，我先承諾你，未來我一定會幫你搞到這張票」的「空頭」支票，足見這個群體對劇場近乎信仰式的熱愛。 劇女是一股不可忽視的「她經濟」 從市場層面看，這個群體以高黏性、高消費力和極強的傳播熱情，成為當下舞台劇市場最核心的票房引擎。據行業觀察數據，在音樂劇18.07億元的總票房中，「人質劇」（因特定明星卡司而吸引粉絲反覆購票的劇碼）貢獻了超過60%的票房。上海音樂劇票房占全國比重高達56%，環人民廣場「演藝大世界」周邊餐飲、住宿因劇女消費而持續火爆。 從文化層面看，劇女群體正在推動女性敘事的崛起。當女性觀眾成為絕對主力，創作端自然開始回應她們的審美期待。聚焦女性覺醒話題的小劇場音樂劇《她對此感到厭煩》在滬上劇場駐場演出，大麥網評分高達9.8；全女班音樂劇《SIX》引發大量外地觀眾跨城觀演，跨城比例達30.8%。可以說，劇女不只是消費者，更是文化生產的參與者和推動者。
以演出能劇與狂言聞名的日本國立能樂堂，今年秋天將迎來一部兒童音樂劇作品。由一般社團法人善竹狂言會推動的「認識能樂堂計畫」，希望為大眾創造第一次接觸日本傳統文化的契機。該計畫首部作品《能樂堂音樂劇 扮鬼臉的鬼》（能楽堂．音楽劇 ベッカンコおに）於2026年9月19日至23日在東京國立能樂堂上演，嘗試透過淺顯易懂的故事，引導兒童及初次接觸日本傳統表演藝術的觀眾走進能樂堂。 《扮鬼臉的鬼》改編自日本作家さねとう あきら（本名：實藤述）創作的民間故事風格兒童劇作，長年深受日本觀眾喜愛，累計演出超過4千場。劇名裡的「ベッカンコ」是吐舌頭扮鬼臉的意思。故事裡的主角是一名長相奇特、彷彿一直在做鬼臉，內心卻比任何人都溫柔的鬼。某天，他遇見獵人的女兒「小雪」。小雪天生失明，又遭到村子裡的孩子們排擠，總是孤單一人。同樣理解孤獨的兩人不以外貌，而是以心靈看見彼此，逐漸培養出無可取代的情誼；然而，人與鬼之間的感情不被世界所接受，兩人也因此面臨命運的考驗。作品藉由這樣的設定引導觀眾重新思考，人為何害怕異己，以及真正的理解與關愛究竟是什麼。 本次製作並非只是將既有的兒童劇搬進能樂堂，而是配合傳統舞台空間重新改編。主演由大藏流狂言師、重要無形文化財綜合認定保持者善竹大二郎擔任，並邀請同為大藏流狂言師的茂山千三郎，以及活躍於音樂劇界的石鍋多加史等人共同演出。服裝採用源自狂言的傳統裝束，現場音樂則加入箏、尺八與大鼓等日本邦樂元素，並與鋼琴、打擊樂相互交織，創造兼具古典氣息與現代劇場氛圍的舞台聲響。 本劇由藤田朝也負責監修與改編、河田園子執導，並使用現代日語演出，避開較難理解的傳統狂言語言，讓兒童與一般觀眾更容易進入劇情。部分場次結束後還將舉行以「扮鬼臉的鬼與能樂堂」為主題的座談及工作坊，進一步介紹作品與演出空間。主辦單位也提供限量名額讓成人同行的小學生免費入場，希望降低家庭接觸傳統藝術的門檻。這場跨越兒童劇、音樂劇、狂言與邦樂的實驗，不只重新詮釋一部經典作品，也展現能樂堂與當代觀眾建立新連結的可能性。
美國國家交響樂團（National Symphony Orchestra，下簡稱美國國交）終於在夏天結束前公布了新樂季：分別在大華府地區的6個地方的60場演出，及5州7城的全國巡演。表面上看來，沒有甘迺迪中心（John F. Kennedy Center for the Performing Arts）的舞台，美國國交仍然可以持續演出，但背後的問題：甘迺迪中心是否會繼續提供人力及財務的支援？受過政治「洗禮」的美國國交未來何去何從？還是沒有答案。 美國的交響樂團通常是在春天公布新樂季內容，這樣到秋季開演時，已經有近半年的宣傳期。但是國交今年一直拖到開演（9月26日）前6週才宣布，顯示了當前最大的困境：與甘迺迪中心切不斷理還亂的關係。 美國國交是甘迺迪中心的第一個「房客」，自1971年以來即在中心常態演出，1987年更接受中心的整併，正式「嫁入」甘迺迪中心，美國國交每年的預算，有三分之一來自中心，其他像排練場、管理人事費用等，也都算在中心帳目下。 這個關係30年來是利多於弊，所以維特得不錯，但在川普回鍋白宮後開始生變。他一改之前與甘迺迪中心互不相擾的態度，強勢入主中心的營運，不但大幅改組人事，重定營運方向，甚至連中心的名字都強加上他的名字（雖然法官裁定不合法）。他這個「順我者生，逆我者亡」的手段在政治上或許有效，用在甘迺迪中心卻是一個災難，藝術家抵制、觀眾不上門，上季度唯一長期演出的美國國交售票數不到預估的一半。 繼續在「門可羅雀」的「川普甘迺迪中心」演出或是拒絕成為川普政府宣傳的「樣板」，是美國所有藝術家與團體都要面對的問題。同樣以中心為家的華盛頓歌劇團就選擇離開，但歌劇團嚴格說來只是中心花錢補貼的「房客」，去留只是合約糾紛，已經成為「一家人」的美國國交不管要「離婚」或「分家」，都不是短時間能完成，更有可能手續還沒辦完，川普任期已滿打包走人，中心又要「重整家園」，所以美國國交真是進退兩難。 但手不留情的川普，面對觀眾抵制的難堪，乾脆以整修為名，宣布中心關門兩年，這給美國國交帶來新的問題：拖著一家子音樂家不演出也是要付薪水，但連個家都沒有要怎麼表演？ 日前宣布的樂季算是解答了這個問題，展現了美國國交的決心和毅力，也顯示客席音樂家的支持。至於觀眾應該也不是問題
近年來，澳門演出團體紛紛前往中國內地不同城市演出。尤其是深圳的「蛇口戲劇節」，以「新空間演藝」為主題的策展方向，與澳門小劇場團體及策展人長期累積的非常規空間演出經驗相契合，因此過去4、5年，已有不少澳門團體赴蛇口演出，或與大灣區其他團隊合作。而近一兩年，珠海的橫琴島似乎正成為澳門藝術家北上展演的另一重地。 珠海橫琴島與澳門的氹仔、路環僅隔一河。澳門居民可從橫琴口岸乘車或步行過關進入橫琴，據說行人最快僅需20秒即可完成通關，往返澳琴兩地十分便利。澳門輕軌亦於去年增設橫琴線，大約每6分鐘便有一班車，進一步縮短了兩地的交通距離。 《橫琴粵澳深度合作區文化事業發展扶持辦法》由橫琴粵澳深度合作區民生事務局於2024年12月21日印發，並自2025年1月1日起正式施行。此前，2024年11月已推出支持合作區第二階段發展的一系列配套政策，其中「促進澳門經濟適度多元發展」被視為重點任務，多項扶助措施陸續推出。本月，澳門政府文化發展基金宣布「澳琴聯動大型文化品牌活動資助計畫」，鼓勵以「一節兩辦」或「一展兩地」模式在澳琴聯動舉辦活動。資助期由2025年7月28日至2027年12月31日，其中橫琴方面的活動須於2027年全年舉行。資助範圍涵蓋演出、展覽、藝術節或文化節，申請項目必須屬於文化藝術範疇，並具備澳門及橫琴元素，且需具公開性或公眾可參與。同一活動必須先在澳門舉行，之後方可在橫琴舉行。資助上限為100萬澳門幣，總預算為300萬澳門幣。受資助者可依據《扶持辦法》第9條「支持澳門品牌文化活動延伸至合作區舉辦」的規定，向合作區民生事務局申請，經評審認定後，按活動在合作區舉辦首日的人民幣匯率折算，獲得1：1的配套資助。
一年一度的檳城喬治市藝術節從8月1日舉行到8月9日，第2週的壓軸節目迎來台灣身聲劇場的《落頭氏》，對檳城出生的演員劉佩芬而言，有一種把戲帶回家的感覺。《落頭氏》源自聯合編導荘惠勻聽到劉佩芬所述自小聽聞的屍顱蠻飛頭鬼故事，決心從這個東南亞靈異傳說出發，加入華人遷徙的元素，帶回它最初萌芽之地，重新說一遍。 劉佩芬在檳城就讀中學時期便參與戲劇表演，曾經加入北島戲子劇團，參加身聲劇場創辦人吳忠良的工作坊時便有意前往台灣，剛好碰上一群北島戲子的朋友去台灣念書，她就跟著大家一起考進大學，為了能夠加入身聲，還選了鄰近的大學，一邊念書一邊參加劇團，畢業後成了全職表演者，不經不覺過了20多年。
5月底至6月中，巴黎文森森林（Le bois de Vincennes）深處聚集「太陽劇團」等單位的彈藥庫（Cartoucherie），迎來「巴黎作坊╱國家舞蹈發展中心」（Atelier de Paris / CDCN）主辦的第20屆「6月事件」舞蹈節（June Events）。這個由編舞家卡洛琳．卡爾森（Carolyn Carlson）於1990年代創立、1999 年落腳於此的機構，今年集結逾百位藝術家，在阿拉伯世界研究院（Institut du Monde Arabe）、文森城堡（Chteau de Vincennes）、瓦隆-布魯塞爾文化中心（Centre Wallonie-Bruxelles）等9個場館合作下，推出26檔演出、14齣世界首演。20周年是機構中年回顧的時刻，也讓人不禁追問：一個「國家舞蹈發展中心」辦的藝術節，究竟該長成什麼模樣？
加拿大具代表性的表演藝術雜誌《Intermission Magazine》上個月在其 IG平台發布了一則標題為「我們正在尋找熱愛劇場、以多倫多為基地的內容創作者」的招募貼文，並於7月啟動「ATT內容創作者孵化計畫」（ATT Content Incubator）。 這項試辦性質的培育計畫，鎖定已在IG或TikTok發布表演藝術相關內容的新興社群創作者，讓獲選者有機會與多倫多不同劇團及劇場社群互動，並參加由劇評人與社群媒體專家帶領的工作坊。參與者也將透過觀看演出、分享自身觀點，並在既有社群經營經驗的基礎上拓展創作實踐，實驗表演藝術推廣與評論的不同管道。
第17屆「世界劇場藝術節」（Theater der Welt 2026）於6月18日至7月5日在德國開姆尼茲（Chemnitz）圓滿落幕。作為一個人口不到25萬人的前東德中小型工業城市，開姆尼茲不僅於2026年主辦世界劇場藝術節，2025年還被遴選為歐洲文化之都。今年世界劇場藝術節共呈現33部國際作品、逾200場活動，其中包含 3 部世界首演、11 部歐洲首演與 18 部德國首演，整體售票率高達 91.8%，並吸引近 1.7萬名觀眾前來參與。德國廣播電台（Deutschlandfunk）的報導點出，世界劇場藝術節是繼歐洲文化之都落幕後「在長期以來受到忽視的城市裡又一場盛大的文化饗宴。」 世界劇場藝術節為德國最負盛名、規模最大的國際當代表演藝術節，以邀請國際性節目為主要策展方向，每三年一屆在德國不同城市輪流舉辦。藝術節長年致力於打破「以歐洲為中心」的傳統美學，大力引介亞洲、拉丁美洲與非洲的當代實驗作品，並持續推動當代表演藝術在跨文化、去殖民與當代議題上的探索。
時至6月，法國28個文化機構尚未收到今年下半年的文化補助，面臨營運存亡的危機。法國劇場界人士團結一致，批評馬克宏政府偏袒私人企業並給予巨額免稅，卻罔顧文化發展，逼迫他們陷入水深火熱的絕境。這場藝術圈與當權者的角力再度考驗「文化例外」（exception culturelle）政策的理想性，也突顯政府粗暴撙節手段重創文化事業的嚴重性。 撙節刀口下的藝文困境 今年年初，法國內閣改組導致文化補助款發放遭致延宕。就在各大公立機構望穿秋水之際，財政部削減表演藝術補助的傳聞不脛而走。儘管新任文化部部長佩加爾（Catherine Pgard）積極爭取，但仍有10%的補助款遭到凍結。 7月初，國家藝術與文化企業工會（Syndeac）向總統、內閣及各政黨領袖陳情，說明共計有28個文化機構瀕臨生死存亡的臨界點。（註）許多劇院因通膨導致成本飆升，在收入不成正比的情況下，沒有任何儲備金去償還銀行貸款。公開信中申明，文化預算目前僅占國家總預算的0.7%，這次的預算凍結無非雪上加霜，迫使劇院取消已制定的年度計畫，甚至可能導致某些機構明年暫停營運。儘管政府以能源危機及熱浪對策為由，希望公立機構共體時艱，但表演藝術工會無法理解的是：為何政府寧可犧牲整體文化產業，卻不願對私營企業的減稅補貼提出對等要求？ 無一倖免的存亡危機 在28個受創嚴重的文化機構之中，位於巴黎西北方楠特爾（Nanterre）的亞蒙迪劇院（Thtre Nanterre-Amandiers）首當其衝。去年才重新開幕的劇院亟需國家資助以償還超額的修繕經費，今年卻被削減近80萬歐元的補助。劇院營運方表示，若預算持續凍結，員工將被迫休無薪假，甚至面臨劇院的破產危機。 巴黎北方博比尼（Bobigny）的MC 93劇院總監阿荷敻波（Hortense Archambault）則聲明：40萬歐元的補助削減讓劇院陷入財務赤字，也讓出資的地方政府無所適從。她強烈譴責馬克宏政府的雙面手法：一邊在國外宣揚法國文化，一邊在國內拆毀其基礎建設。 土魯斯國家戲劇中心（Th
凱門劇場7月上演雙人劇《普通房》，劇情講述兩名女同志室友的合租生活，通過日常的組屋空間，探討年輕世代的身分認同與友情修復的議題，讓觀眾一窺人的內心最脆弱而真實的一面。 今年新加坡劇場有好幾部講述女同志群體課題的戲劇作品，除了凱門劇場的《普通房》，野米劇場依照往年形式，在「同志驕傲月」的6月上演了關於女同志議題的《女孩們》（Girls Girls Girls）。《女孩們》由編劇亞非言（Alfian bin Sa'at）和Deonn Yang（也是該劇導演）聯合創作，把來自不同世代與不同生活背景的故事交織成一幅風景畫。5位演員們詮釋了20位女同志的故事，精采熱鬧。 今年的新加坡藝穗節在1月份為觀眾呈現了音樂劇《拉拉愛情故事》，此劇由女性主導的多元酷兒劇團Woody Avenue演出。《拉拉愛情故事》是由新加坡、澳大利亞和英國的聯合製作，以「女同志的愛情故事非得要以悲劇收場嗎？」的議題展開，刻畫一位想要寫出「最快樂閃耀、最夢幻的愛情故事」的音樂劇的女主角，如何在書寫不順遂、愛情生活不如意的重重困境中，尋找依靠、尋找自我。
一個近乎赤裸的男人佇立於巨石之上，有如新石器時代的標本。其他人則穿著當代服裝，檢視、搬運著四周的石塊。在這開場之後，比利時舞團「偷窺者」（Peeping Tom）的新作品《編年史》（Chroniques）（編按）在長達一個多小時的演出中，把我們與5名舞者拋入一座不斷變形的時間迷宮，在亙古與當代、神話與科幻、暴虐與荒謬之間來回穿梭探問永恆。 這個成立於2000年，以「怪誕」聞名的當代舞蹈團體，在拒絕傳統肢體美感、以犯罪驚悚氛圍與超高難度身體扭曲構成的詭譎風格外，更時而帶著刻意的挑釁與冒犯，我們觀眾被逼著正視自己害怕、甚至厭惡的一切。顯然，新舞作再次以極端的形式將其創作美學推至臨界點。
接任藝術總監之前，范戴克本身就是一位擁有25年表演與創作經歷的雜耍藝術家，長期觀察整個馬戲產業的變化。「我從有記憶以來就熱愛馬戲的一切面向。」他說，或許正因如此，他的策展思考並不像許多劇場策展人那樣強調形式分類。「我了解當代馬戲，也了解較傳統的形式。我認為自己可以成為兩者之間的橋梁，它們不應被過度區分。」
5月的鹿特丹（Rotterdam），距離中央車站步行不到5分鐘的劇院廣場（Schouwburgplein），被帳篷、舞台與人潮占據。白天，孩子們在馬戲遊樂場裡學習拋接球與平衡技巧，年輕人坐在露天酒吧享受節慶的氛圍，來自世界各地的策展人與馬戲愛好者則穿梭於各個表演空間之間。廣場上的免費演出、劇院裡的售票節目、孩子的工作坊與成人限定的深夜場，兼具深度與廣度，幾乎涵蓋了所有年齡層的觀眾。 相較於歐陸其他馬戲藝術節，為期5天的荷蘭「馬戲之城藝術節」（Circusstad Festival）規模並不算大，然而，在小而美的藝術節背後，其所肩負的任務，遠不只是辦一場熱鬧的嘉年華。藝術總監門諾．范戴克（Menno van Dyke）說：「15年前創立之初，它真正面對的，是荷蘭當代馬戲產業幾乎不存在的現實。」 因完備產業生態而誕生 馬戲之城藝術節於 2010 年成立，由鹿特丹的盧克索劇院（Luxor Theater）及鹿特丹劇院（Theater Rotterdam）、Codarts馬戲學院（Codarts Circus Art），與本地的Rotjeknor青少年馬戲團共同發起。當時荷蘭雖然已有馬戲高等教育體系，卻缺乏創作與演出市場，國內沒有成熟的當代馬戲團隊，觀眾對這項藝術形式也十分陌生。除了偶爾來訪的國際團隊，當代馬戲幾乎不存在於荷蘭文化版圖之中。 范戴克說：「當時荷蘭已經有馬戲學院即將送出第一批畢業生，但國內幾乎沒有真正的產業環境。如果整個產業無法發展，這些剛畢業的學生將沒有工作機會，只能離開荷蘭到其他國家尋找出路。」 因此，馬戲之城的誕生從一開始就不只是節目平台，而是一項完善產業生態的計畫，希望完成3個任務：讓荷蘭觀眾認識當代馬戲、為學生與新銳創作者提供演出機會，以及讓孩子透過工作坊與青少年馬戲團演出親身參與馬戲。 如今回頭再看，荷蘭已擁有成熟且活躍的當代馬戲生態：團隊數量持續增加，作品品質穩定提升，許多創作者開始活躍於歐洲巡演網絡之中。每年舉辦的「荷蘭馬戲推介平台」（Dutch Circus Showc
「這裡有魔法。」貝爾菲爾德（Robin Belfield）精心改編的莎士比亞經典喜劇《仲夏夜之夢》（A Midsummer Nights Dream），在一開場便在牆上投以這樣的字幕，宣告進入這個劇場就等於進入魔法世界。 獨角獸劇院（Unicorn Theatre）位於倫敦橋（London Bridge）附近，是一間專門製作演出給兒童觀看的劇院。劇院藝術總監巴格蕭（Rachel Bagshaw）和聯合導演貝爾菲爾德共同製作導演這個新版本的《仲夏夜之夢》，適合7歲以上的孩童觀賞。這個製作是獨角獸劇院首次與位於莎翁故居史特拉福（Stratford upon Avon）的皇家莎士比亞劇團（Royal Shakespeare Company）共製的大型製作，4、5月已在倫敦完成演出，上月中劇組搬到史特拉福，在皇家莎士比亞劇團的劇院之一「另一個地方」（The Other Place）開演。
趕在歐洲熱浪來襲前，源自過往德國舞蹈年會（Tanzkongress）的「德國舞蹈三年展」（Tanztriennale）以盛大的舞蹈遊行於6月中的漢堡街頭熱鬧展開。為期8天的藝術節囊括超過20支舞作展演、4天的論壇與身體工作坊、為期3個月的跨舞風駐村合作短篇呈現。以及為了讓三年展深入地方，早在去年6月就在漢堡啟動一系列舞蹈活動，包括提供舞蹈從業人員參與的「Moving Meetings」；以及引領當地的民眾與舞蹈愛好者認識不同舞蹈類型、體驗跳舞樂趣的「All Moves」，以每月一場不同舞風的工作坊，引領當地的民眾與愛好者認識不同舞蹈類型、體驗跳舞的樂趣，最終一步步在漢堡建立舞蹈社群。而這一切，就在6月14日開幕當天的封街大遊行「City Parade」 開花結果。 從漢堡勞動博物館（Museum der Arbeit）一路遊行至漢堡市立公園（Hamburg Stadtpark），多元舞風團體接力演出、邊走邊跳，沿途引來大量市民停留與圍觀，最終更在地方舞團「MAI:COMPANY」的引領下，集體在公園內共舞，正式揭開第一屆舞蹈三年展的序幕。
作為山手線最新車站周邊的大型都市更新計畫，高輪Gateway City不只是商業開發案，也試圖將文化納入未來城市的想像之中。由NU Festival實行委員會主辦、JR東日本共同主辦的「NU Festival 2026」，於6月26日至28日首次舉行。以「Next New Unity」為核心概念，藝術節結合電子音樂、科技藝術與公共空間，將演出與展覽帶進車站、廣場、美術館、空中花園，甚至桑拿設施之中，讓整個街區成為一座開放式的文化場域。 本屆藝術節最受關注的焦點之一，是與西班牙巴塞隆納科技藝術節Snar的合作。主辦單位表示，Snar並非單純提供品牌授權，而是以合作夥伴身分參與策劃，包含音樂演出「NU Live」到藝術科技的「NU Art」單元。對於長期關注電子音樂與科技藝術發展的觀眾而言，這也是這個全新藝術節的最大特點之一。
為香港戲劇和影視貢獻一生的戲劇大師鍾景輝在今（2026）年6月初安詳辭世，享壽89歲（1937-2026）。消息傳來，除了本地傳媒廣泛報導，電視、電影、劇場、教育各領域的很多他的朋友和學生──現在都是著名的影視和劇場人，包括周潤發、杜琪峯、謝君豪等──都紛紛發布紀念文字。 鍾景輝由中學開始接觸戲劇，參與校際戲劇比賽多次獲獎，成就其一生為香港表演藝術的盡心盡情。他在1950年代末赴美進修戲劇，在耶魯大學修讀藝術碩士課程，鍾景輝曾在訪問中提及，去到美國就投入吸收戲劇的養分，卻是以倒數心態留在異地，期望學成後貢獻香港。在那個演藝文化有待開拓的年代，人稱「King Sir」的鍾景輝，如此委身藝術文化並成就跨領域發展，一方面是他在這方面有亮眼的才華和廣寬的視野，另一方面，當時的香港亦渴求著有這樣的藝術家，去為這個小城的文化去開墾，帶來一片令往後演藝人可以承傳志業，觀眾認識和欣賞劇場的美麗風光。
在同一個夜晚，萊茵國家歌劇院芭蕾舞團（Ballet de l'Opra national du Rhin）攜手利奧．勒魯斯（Lo Lrus）與莎倫．伊爾（Sharon Eyal）兩位熟識20年的編舞家打造兩個宇宙，以截然不同的語言訴說著同一個關於韌性與歸屬的故事。 2005 年，來自法屬瓜德羅普島（Guadeloupe）（編按1）的勒魯斯與出生於耶路撒冷的伊爾在以色列特拉維夫的巴希瓦舞團（Batsheva Dance Company）相遇。此後伊爾創立自己的舞團L-E-V，勒魯斯也加入擔任舞者兼助理，同時持續發展自身的編舞創作，兩人的藝術對話極為深厚。當萊茵芭蕾舞團藝術總監布魯諾．布歇（Bruno Bouch） 將伊爾 2019 年的作品《外觀》（The Look）納入劇團曲目，並同時委託勒魯斯創作新作品《這裡》（Ici）作為對位，這場積累20年的相知便凝結成一幅極具張力的鏡像。兩部作品一明一暗，非但沒有相互稀釋，反而在對比中相互強化，探索集體的壓縮與控制，頌揚個體在集體中的綻放。
今年第61屆威尼斯雙年展在評審團全體總辭、以色列與俄羅斯館爭議等政治漩渦之際，最大排長龍、媒體瘋傳的，無疑是從表演藝術跨領域竄紅的藝術家弗倫亭娜．霍金格（Florentina Holzinger，1986年生於維也納）將奧地利國家館改建為《威尼斯海洋世界》（SEAWORLD VENICE），徹底顛覆感官與道德邊界的沉浸式體驗，或者說，一次烏托邦已死之後的殘酷祭儀，一則關於生態末日與階級剝削的警世寓言。 她將奧地利館這座於1934年設計的理性主義建築，徹底改造成一座游樂園、污水處理廠與神聖建築三位一體的機器有機體。刻意攪亂純粹與污染、罪孽與贖罪之間的二元對立，令那些被隱藏在視線之外、卻始終如影隨形的廢棄物，赤裸裸地暴露在眾人面前。
是話劇還是戲劇？是文學劇場還是一場沒有準備好的排練？ 由余華同名小說改編的《文城》（City of Fiction）是今年阿那亞戲劇節的開幕大戲，6月17日在海邊「孤獨外劇場」首演，這部戲由陳明昊（導、演）、段奕宏、周冬雨主演，明星效應使得這場演出格外受到關注，同時也引爆了近年來對於戲劇認知的最大爭議。 爭議的焦點直接落在「提詞機」和「念劇本」上。首演現場，周冬雨被指全程依賴提詞機，念錯台詞後脫口而出「oh no」；陳明昊全場手持劇本；段奕宏前半場尚能脫本演出，但後半場也未能完全脫稿。這對於看慣了「北京人藝話劇」的觀眾而言，幾乎是不可接受的，因為「背台詞是話劇演員的基本功」。 不少觀眾因此在現場大喊退票，事後在網路媒體上也是一面倒地檢討這場演出的不是，甚至「周冬雨演戲不背台詞」這個話題也因此衝上熱搜。然而，導演的解釋提供了另一種解讀：這是有意為之的「疏離」設計，旨在暴露排練狀態，打破「完美表演」的幻覺，同時，即時攝影、當代藝術裝置、大吊車的機械及海邊的孤獨圖書館背景，都成了這部戲的「表演者」，切實地表達了虛擬城市的文本意涵。這符合「後戲劇劇場」將文本、舞台美術、音樂、演員身體、空間等要素等量齊觀，創造一種「共時性的在場體驗」，而非線性的敘事。陳明昊坦言：「回頭看很多新的突破，一開始都像是外行的『誤會』，我們的戲劇經驗就該被這樣的新能量一次次刷新。」
韓國文化體育觀光部（後簡稱文體部）於 6 月 5 日在國立國樂院藝樂堂舉行第2屆「國樂日」紀念儀式，當天也同步啟動為期10天的「國樂週」，全國各地推出逾50場演出、教育與體驗活動。 「國樂日」是依據 2024 年 7 月施行的《國樂振興法》內容而制定的法定紀念日，今年是第2次舉辦紀念儀式。日期選在 6 月 5 日，是因為「與民樂」一詞最早記載於《世宗實錄》的世宗29年6月5日，取其「與百姓共享音樂」之意。文體部長官崔輝永在紀念儀式致詞時表示，國樂如今已成為韓國音樂與文化的根基，並持續與世界各地觀眾產生共鳴，成為新創作的源泉，承諾未來將持續支援，讓國樂更貼近國民日常生活。 國樂週期間，光化門廣場上演約800人參與的大規模街頭遊行與拔河表演；首爾敦化門國樂堂舉辦「敦化門國樂週」，探討聲音的起源與美學；南山八角亭則安排歡迎外國遊客共襄盛舉的傳統演戲與舞蹈表演。民俗戲劇和音樂表演連同街頭遊行於 5 日中午，從德壽宮大漢門出發，一路前進至光化門廣場，由國防部軍樂隊傳統樂隊領頭，協同江陵、晉州三千浦、平澤等地代表農樂與假面舞保存會，以及20餘所大學與初高中風物農樂隊參與。此外，「大韓民國傳統演戲節」在首爾林戶外舞台開幕，國樂院禮樂堂上演結合宗廟祭禮樂與社稷祭禮樂的代表節目《王的祭壇，百姓的土地》。首都圈以外，包含仁川、世宗、光州、釜山等地也同步舉辦約50場相關活動。
美西兩大交響樂團舊金山交響樂團（San Francisco Symphony）和洛杉磯愛樂樂團（Los Angeles Philharmonic）不約而同在5月下旬公布新的音樂總監，兩個名字都出人意表，雖然原因不盡相同。 舊金山交響樂團選中的是陳以琳（Elim Chan），她在香港出生長大，之後留學美國，開始正式學習指揮，曾經擔任母校密西根大學的樂團音樂總監。她是第一位獲得Donatella Flick指揮獎的女指揮，曾在倫敦交響樂團擔任葛吉夫的助理指揮，參加過洛杉磯愛樂的杜達美指揮課程、及海汀克的大師班，學歷很是亮眼。她是近年受矚目的指揮之一，已經登台波士頓、紐約、費城、洛杉磯、多倫多、荷蘭大會堂、巴黎，接下來還會指揮柏林愛樂、萊比錫布商大廈、NHK、維也納愛樂等。至於舊金山樂團，她在2023年1月、10月、2025年3月以客席身分亮相，今年6月則是以待任總監身分出場。 但做客是一回事，當大家長又是一回事，就長期全面執掌一個樂團發展的音樂總監來說，她的經歷就比較缺乏，只有瑞典NorrlandsOperan一季和安特衛普樂團五季的主指揮。但舊金山是完全不同的規模，她明年接任時剛好40歲，相比杜達美28歲接洛杉磯愛樂、麥凱萊31歲接芝加哥交響樂團，嚴格說來，陳以琳不算年輕新秀；只是她是東方女性，在樂壇極為罕見，看起來比她實際年齡小得多。舊金山人口有五分之一是華人，其中更有不少講廣東話的老僑，陳以琳想來會廣泛出現在華人社區的活動中。
熱浪襲擊5月底的巴黎，花都一整週都籠罩在32度的罕見高溫與烈日之下。隨著炎夏提早揭開序幕，各大戶外藝術節也紛紛在巴黎街頭開鑼，透過一系列免費的節目，邀請觀眾走出黑盒子，感受表演藝術深入日常、顛覆常規的魅力。
文化旅遊產業近年在中國興起，各地爭相創作，打造以本土風情人物為核心的大型實景演出，但隨著演出量的熱潮湧現，內容品質卻是斷崖式下降。無人機低空漫遊，豔俗的燈光秀，流於套路的非物質文化遺產「打鐵花」，土味歌曲串連，再加滿台堆砌的金碧輝煌，本該莊嚴肅穆的泰山封禪大典，都可能淪為差評滿天飛的高價後悔藥。 不過，令人刮目相看的是，當湖南洞庭湖畔岳陽樓的飛簷在夜色中被光影點亮，當守樓人的聲音穿越千年時空時，岳陽樓景區推出的沉浸式走讀詩境戲劇《今上岳陽樓》用一場別出心裁的表演，讓這座千年名樓從靜態的文化地標變成了動態的情緒劇場。自去年5月首演至今，超過10萬觀眾、500餘場演出、景區夜間消費提升20%的數據，印證了它作為文旅+戲劇融合標杆的成功，也為傳統文化的當代轉化提供了經驗和啟示，筆者亦於近期親臨觀賞。
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