云门舞集秋季推出两档演出，《流浪者之歌》和林怀民流浪的系列新作《水月》。这是一套蕴酿很久的宁静之舞，展现林怀民编舞创作的最新动向和云门舞者最大的潜能。
云门舞集林怀民「灵、静之旅」
《流浪者之歌》
11月13-16日
《水月》
11月18-22日
国家戏剧院
从《流浪者之歌》开始算起，可以说是林怀民舞蹈创作的另一新阶段，不但创作主题不再直指国家的、社会的议题，肢体动作的运用也从原来借用玛莎．葛兰姆，甚至更广义的西方舞蹈技巧中脱离出来。一九九〇年《流浪者之歌》的舞蹈编排从打坐以及太极，一种趋向静态的动作训练出发，企图寻找一种新的身体语汇的表达方式。而为了找到身体更基本的动作动力根源，九七年开始，云门的舞者们便跟著熊卫练习「太极导引」，找寻「从静到动」的动作形式，为此次新作《水月》的演出做准备。
「太极导引」是熊卫根据各家太极，集其所长发展出来的一种「垂直升降」的动作系统。讲究的是身体的无为，身体的松、柔。《水月》的肢体动作以太极导引为基础，然而，在这支舞里是看不到真正的太极导引的。所有的动作都已经经过变形、拆解和重组，转换成一串串松紧相接、疏缓有致的动作运行，形成《水月》一股特殊的动作气质。
《水月》也是一支循著巴赫无伴奏大提琴的乐声，所发展出来的一支纯粹、抒情的舞蹈。表面上看来，《水月》有著近乎山水泼墨的挥洒和如行云般的轻灵飘逸，然而此舞的动作与动作、与空间、与音乐之间，都存在著不可轻乎的环扣相连。正如巴赫的音乐，有著严紧的格律，在低沉缓行的乐声下，又有宽广的思索空间。于是，舞与乐的交融，产生了时而交叠、时而疏离的对应关系。
松塌、紧绷、呼吸、流动……
黝黑的舞台地板上泼洒著看似随意的白，穿著白色半透服饰的舞者在其上缓步滑行、舞动，绵延的动力流动，使舞蹈透露著一种近乎水雾的气息。
一开场，一把大提琴独奏著低沉而绵长的乐声，男独舞者站在舞台中央，有著近乎孤绝的挺立。似在茫茫中探寻自己的出路，也像是对周围的空气做一个接一个的试探。女舞者的独舞段落则是向内寻求的，更为禁梏、深刻，也更为专注，霎嘎然而止的松与紧绷得发颤的张力，两者形成强烈的对比。
另一个乐章，两组双人舞对应出更多的弦外之音。站在前头的一组双人与乐句紧密的对话，轻柔绵亘地接受任何一个来自对方的轻灵波动，一来一往，毫无间断，两人间的熟稔相知，连呼吸都几乎一致。后一组双人则在不断的出力、闪躱、相抵、拉巨之间，刺探对方的反应，企图建立彼此对应的模式。
来自舞台右方的舞者像一把剑飞奔而出，划破原有的寂静。
搅动过的人群，却又如气流般渐次回复，并产生出另一种新的，群与个人之间的相对关系。虽说是群舞，事实上每个舞者却都有属于自己的动作和节奏，累积出复杂细微的差异变化，却又同时负载了更多的共同气质。
人舞、镜像、水影、时间……
其实《水月》里所谈的对应关系，这种在舞蹈中流转，不可确定的关系变化，在今年初林怀民为台北越界舞团编作《白》的时候就已经运用过了。观众可以从舞者身上感受到能量，到底是什么样的能量也许是不可言喩，但舞者如果没有这份能量舞的感觉就差很多。
「也许是年纪大了，想看更多的东西，做什么都想慢慢来，太快是看不到东西的。这支舞正吻合了我现在的心境。」林怀民沉稳地说著。
「整支舞看完其实就只是看到一个幻影。」林怀民说道。舞台的右上方悬挂著一片三角形的镜子，倒映著舞台上的舞者。舞蹈快结束的时候，水，自镜子流泻下来，堆积在舞台地板上，形成薄薄的一片水，形成另一面水镜。舞台天幕缓慢打开，露出一整片大镜子。煞时，舞影、水影和镜中的舞者混成一片，多重交叠的舞影纷呈。而当舞者逐渐退去，舞台只剩下那一片什么都没有的，黑与白的图案。就好像什么事都没发生过。「如果说这支舞有讲什么，大概就是时间吧。」林怀民最后说道。
林怀民认为这次的舞蹈是从生活累积而来的，但更重要的是，每当舞者的身体开发到一个新的阶段，他的编舞就要跟上去。舞者的身体经过一天天的粹练，展现出更多的沉稳与自信。林怀民说：「有时候真不晓得该怎么办才好，每天看到舞者这么棒，我总是在担心我的才气不够，给他们的东西不够好。」
除了运用巴赫的经典音乐编舞是一项挑战之外，对林怀民来说，编这支舞最大的挑战是他有多安静，他能多安静，如何在这样的社会中排出安静的舞。
「我希望在这个充满忧虑的现在，人们可以安安静静地坐下来看一个东西。」林怀民说。
（本刊编辑陈品秀采访整理）
