导演希望基本上按照德法版的舞台灯光设计，因此剧本结构先被框住了，甚至某些段落的演出时间也必须以德法版灯光为参考。我经常在夹缝里反复挣扎，只为想在框架里把我读小说的体会以戏曲文字表达出来。不过，面对「跨文化」这么严肃的命题，当然也不能对文字锱铢计较，我抱著兴奋心情敞开胸怀。最期待的是，魏海敏的「京剧身体」能被多多运用——
维吉尼亚．吴尔芙（1882-1941）的著名小说《欧兰朵》，一般认为是以传记形式对同时代女作家薇塔示爱的长篇情书，但这本小说内涵层面丰厚，在同志情感之外，更触及到许多文学甚至深层的人生意涵。研究论著甚多，诠释不一。我对小说的解读可能非常粗浅，但我在读小说时感受到的趣味及感动，是能完成这本戏曲版剧本的最大动力。
贯穿小说与剧场的「孤独」
我从小说里拈出的剧本创作主旨是这样的：女王赐欧兰朵青春长驻、永不衰老，而欧兰朵仍须以生命实践才能获得永恒。四百年来，欧兰朵在不同的时空里，历经了功业、政治、财富、爱情的追求与失落，以及文化观念的撞击，各阶段体会各有不同，唯有创作始终不懈。欧兰朵也曾历经创作的挫败，而在昏睡七日、由男变女之后，逐渐理解性别是被社会文化「建构」的，他／她从此逐渐能分别从另一方的立场了解两性，从而对「人」有了更深入的认识。深入体察人性，才是真正创作的开始。在经历阴阳两性完美的结合之后，他／她的创作终臻于成熟。欧兰朵在文学创作的追寻与体验里，实践了青春不死。
小说里贯穿著「青春、永恒、两性、文学」的，是孤独。孤独是创作的状态，也是文学的心灵。孤独才能无穷无尽，才能获得自由。欧兰朵得到了婚姻，也生了孩子，但自己不放弃孤独，也容许丈夫的孤独追寻。
整部小说在时空跨越、性别变换的过程中，对于「性别、孤独／自由、生命／死亡、青春与永恒」进行幽默又温厚的辩证，其间隐隐触及对十九世纪欧洲写实主义文学的嘲弄，整部小说可视为英国文学史的仿作，更是诗人精神心灵成长的历程。
导演罗伯．威尔森在二十世纪末创作的德法两版《欧兰朵》，特别加重对「孤独」 的呈现，甚至放弃了欧兰朵生孩子的情节，最后收束在孤独。我想，一位以剧场创作实践自我生命的艺术家，对孤独的体认一定较常人强烈；而二十世纪前期的吴尔芙，以「意识流」宣告对十九世纪写实文学的超越；罗伯．威尔森选择这部小说，和他以「光影意象」取代剧本语言情节成为剧场中心的艺术主张，应该也相互呼应。他们同样以独特的作风进行创作，而分别于不同时代在小说、戏剧不同领域内掀起一场革命也引领一股风潮。如今他们再分别与京剧交会，这样的「跨文化」将呈现什么意义？
超乎「戏曲现代化」的奇特编剧经验
罗伯．威尔森不仅以「意象」取代剧本文字，他的「叙事线」也不只一条（其实不该叫叙事线，他是反叙事的。但断裂的语言也缀起了一丝脉络，姑且仍以叙事线名之吧），演员的肢体动作和剧本的语言没有关系。演员嘴里说的是一回事，身体却是另一套，二者各自和舞台灯光构成总体剧场意象。这样的设计非常有趣，例如「创作写诗」这件事，在剧本里并没有大做文章，舞台上却以「一棵大树的成长茁壮」作为形象，叙事线在此是互补的。而这和京剧的表演及编剧完全不同，京剧演员严格的「手眼身法步」身段训练，为的是作为「情动于中，形于外」的抒情手段；京剧编剧的古典文学训练，字斟句酌为的是「心情、声情、词情」相互融合。整套素养在此全无用武之地，这次编剧经验实在太奇特了，全然不在我的「戏曲现代化」规划之内！再加上导演希望基本上按照德法版的舞台灯光设计，因此剧本结构先被框住了，甚至某些段落的演出时间也必须以德法版灯光为参考。我经常在夹缝里反复挣扎，只为想在框架里把我读小说的体会以戏曲文字表达出来。不过，面对「跨文化」这么严肃的命题，当然也不能对文字锱铢计较，我抱著兴奋心情敞开胸怀。最期待的是，魏海敏的「京剧身体」能被多多运用——应该说「化用」，因为一定会被拆解，而这也是我们期待的，很想看看京剧严谨的程式身段在导演手中被打散、拆解、重构、新造出怎样的意境，一种新戏剧型态说不定即将由此萌芽诞生呢。如果硬要让京剧天后按照德国法国版演员的肢体动作、装进已经确定的舞台灯光框架之中，那「跨」的是什么文化？
（戏曲版剧本由本人与台湾大学戏剧研究所学生谢百骐、吴明伦共同完成）
