我们往往对音乐剧投以一种强烈的「商业」想像与诉求。
这种想像与诉求是对比于学院体系出身的艺术创作，让音乐剧与「赚钱」达成绝佳连结，所以几个关键词也会慢慢被套入，包含大型与大卡司制作、巡演场次多、售票与行销能力强等，但也可能因目标观众为普罗大众，题材内容会相对流行、浅显，加上歌舞的非写实表现手法，也会被界定为缺乏深度、无法乘载议题，甚至是曲解。这或许遥望自欧美音乐剧，特别是当《猫》、《钟楼怪人》、《狮子王》等百老汇音乐剧来台演出，就算总被「黑特」场地不佳、票价过高，还是能吸引到观众，让这些制作一来再来。同时，我们也可以注意到，被界定为「商业剧团」者除制作一般舞台剧，也多半有音乐剧创作，如绿光剧团、果陀剧场、全民大剧团等，可见音乐剧与商业剧场间的密切连结。
「商业」的背后也带著对「建构产业」的理想，但暂且不论音乐剧、或是剧场在台湾是否构成产业架构，牵涉到的是：观众基数的扩展、创作者与表演者的培育机制、创作与展演环境的养成等，而不单单是一个作品的发表。国外的创作经验确实可以借镜，但耗费长时间累积与建构的历史、环境，真能快速地、全面地复制到台湾？或者，我们对商业剧场与音乐剧仅有单一的模组去揣想，把「商业想得太简单、或太片面」是合理的吗？我们预想的音乐剧优势，在台湾会否存在著本质上的困境？
舞台上与幕后的人从哪来？又该去哪？
曾创作出多部音乐剧、现为广艺基金会执行长的杨忠衡，以「韩国大邱音乐剧节」为例，列出了台湾音乐剧的「五大没有」：「一、没有音乐剧的专属场馆。二、没有音乐剧学校、系所。三、没有民间组织。四、没有专门补助经费或投资。五、没有企业团体支持。」（注1）暂且不论这些全面服务音乐剧的选项，是否为台湾剧场产业发展的必须；或者，是否忽略了不同国家的剧场历史与背景？但是，这「五大没有」还是点出了台湾音乐剧的「后援体系」。
台湾在进入大剧院时代——大致可以从2018年前后，国家表演艺术中心3个场馆皆完工算起，习惯建设大型场馆，往往陷入供需平衡与观众数量的拉扯。若以音乐剧的角度来看，需要的不只有大型场馆，同步的需求是更适合音乐剧展演的音场设计、喇叭配置等，而这些有别于一般舞台剧的诉求，往往拉高演出成本，需要更长的演出周期来摊平开销——不过，台湾场馆的供不应求，无论场馆大小，都很难给予超过两周的演出周期。（注2）
不过，近年倒是出现较长演出周期的中、小型场馆演出，获得好评的是《鬼归代言人》，使用「乐悠悠之口光复南」的小型场地制造亲密感，影集式设计也带动观众追戏的乐趣。另外像是《I Love You, You’re Perfect, Now Change》，在南村剧场约莫百余席的座位数，从2022年1月到7月连演150场，不同卡司、非假日场次，都提供有别于其他剧场演出的娱乐选项。这两者都尝试了台湾少见、却常被提及的「定目剧」模式。这个尝试到底应验于个案，还是能延展成套路，有待后续观察。
另外，则是编剧、作曲与演员等创作者的培育机制。学校系统的部分，国立台湾师范大学、东海大学等校系都开始发展音乐剧表演与创作，特别是师大表演艺术学士学位学程与研究所，明确以音乐剧演员与创作者为入学指引与毕业方式。至于场馆部分，台北表演艺术中心于2016年启动「TPAC台北表演艺术中心音乐剧人才培训计划」，透过表演工作坊、创作工作坊、进阶演出培训、委托创作等安排，除健全音乐剧的创作环境，也为场馆自身的演出进行规划，从培育接轨到演出。而台中国家歌剧院从2017年开始引进国外音乐剧，如《死亡笔记本》、《摇滚芭比》等，以及台湾原创音乐剧，逐渐成为其年度规划中「夏日放╱FUN时光」的其中一个策展主题；并于2019年开始发展音乐剧平台，进行人才培育。
无论学校、或是场馆的培育机制都发展尚浅，培育成果是否直接投入到音乐剧产业，仍有待观察。不过，音乐剧培育机制的萌芽，不乏是面临到剧场本身的危机，希望用音乐剧开启与观众间的连结，替剧场注入活水。我们所需要的或许不是专属于音乐剧的系所、或是场馆与剧团；反过来想，有场馆、学校支持也不代表能够生产出被认可的音乐剧创作。所有过于直接的联想，往往会带来一场灾难。但向下扎根、寻求可能，音乐剧或许是在剧场营运与创作的困境里预想的出口——这个出口通往何处，仍在遥望远处微光。
