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张震洲
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音乐 接下长荣交响乐团「驻团艺术家」梵志登与台湾结缘 期待携手开创本地古典乐新篇
隶属于张荣发基金会的长荣交响乐团日前宣布，将自2025年起礼聘世界级指挥大师梵志登（Jaap van Zweden）担任「驻团艺术家」。梵志登享誉国际，曾任纽约爱乐和香港管弦乐团的音乐总监，并以精湛指挥技艺与丰富经验闻名于世。此次合作计划为期两年，旨在提升乐团演奏水平，同时促进台湾古典音乐的发展。 梵志登出生于荷兰阿姆斯特丹，指挥生涯超过40年，曾与维也纳爱乐、柏林爱乐、巴黎管弦乐团等世界顶尖乐团合作。他以极高的音乐素养和短时间内提升乐团表现的能力著称，曾多次吸引欧洲皇室成员亲临现场聆听。 实际来台湾前，梵志登提到欣赏了长荣基金会执行长钟德美带给他的长荣海运「EVER MAX 长极轮」的首航影片，让他感到佩服也印象深刻。除了长荣交响乐团演出的背景音乐外，他也发现基金会还有营运长荣海事博物馆，同时有文化、音乐等社会慈善事业的理念与价值，与自己相当契合。实际上，他在过去25年也持续经营关怀自闭症儿童的帕帕基诺（Papageno）基金会，从利他、行善的角度出发，是他决定与长荣交响乐团合作最主要的原因。 事实上在这次来台演出前，梵志登提前10天就抵台与长荣交响乐团进行了很多交流，一周内就彩排了6首交响乐曲。他透露：「选择的交响曲广度也非常可观，包括莫札特第40号、贝多芬第5号、柴科夫斯基、马勒等交响曲，希望借由乐曲的曲风及不同困难度，让我对乐团有进一步认识，因为它们各有特色与难度都不一，在这期间内就能了解长荣交响乐团音乐家的能力。」排练中一定会听见优劣，但他说：「我很像侦探一样保持正面的态度看待。我认为即使是全世界最顶尖的乐团都一定有它可以进步的空间，我期待大家齐心合作，每天往前进步一点点。」
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焦点专题 Focus 巴黎秋天艺术节艺术总监法兰西斯卡．可和娜：跟现实连接，做政治（可能）做不到的事
全球化的今日，跨文化交流与对话是当前艺术工作者的标准配备，而艺术节则是包含观众、创作者、策展人、机构等跨文化沟通最直接的场域之一。国家两厅院与瑞士洛桑维蒂剧院联合制作的《这不是个大使馆》首登法国历史悠久、颇负盛名的巴黎秋天艺术节（Festival d'Automne Paris），今（2024）年11月将在巴黎MC93文化中心演出。艺术总监法兰西斯卡．可和娜（Francesca Corona）是决议该艺术节共制这档跨国制作的重要推手，成为巴黎秋天艺术节开办52年以来首档台湾共制节目。 巴黎秋天艺术节经常与各国艺术节和主要文化机构合作，邀请作品除了欧陆，也经常横跨韩国、南非、中国、巴西、印度、伊朗和日本等国家，致力让各种差异被看见，打造跨文化沟通的平台。现年46岁的法兰西斯卡本身也是跨文化沟通的老手，究竟义大利裔的她是如何思考这个法国老牌艺术节的未来走向？今年艺术节（除了有2024诺贝尔文学奖新科得主韩江《素食者 文字|张慧慧
官网限定报导 2024/10/28 -
焦点专题 Focus 国家场馆为何、如何建立起「背后的一群剧院」？三个重点，解析两厅院近年国际连结发展策略
在布拉瑞扬、阿爆、杨乃璇、王宇光等艺术家在法国夏佑国家剧院的「夏佑体验：台湾焦点」（Chaillot Exprience#2: Taiwan）演出之前，新生代编舞家周宽柔与导演洪唯尧在今（2024）年7月，也先后来到法国，参与亚维侬艺术节「不可能的传承」艺术家培育计划（Transmission Impossible）。这是这个法国最古老的艺术节的首度尝试，让合作的全球伙伴各自推举该国的创作者参与，分两梯次进行为期一周的交流，并与各国创作者共创呈现阶段作品。 周宽柔与洪唯尧不约而同地表示，他们各自在一周内密集看艺术节演出、直接与主创者对话并与各国创作者交流、创作，虽有语言隔阂、交流时间太短等障碍与限制，但都不妨碍他们用感官、用身体去尝试理解不同的对话对象，在异国语境中去思考与回答「我是谁」这个基本问题。 洪唯尧分享：「这次经验让我更发现国际合作有很多机会跟可能性，也让我更思考创作不该只限在台湾，创作应该不受地域、文化差异的限制，应该要关注世界，乌克兰、黑人种族、生态都跟我有关。」 无论是「夏佑体验：台湾焦点」或「不可能的传承」艺术家培育计划，台湾艺术家在这些国际舞台演出、驻地交流，与世界产生关系，背后的重要推手之一，是国家两厅院。两厅院国际发展组组长高作珮表示：「国际发展组成立时目标就不仅推制作国际巡演，国际场馆结盟合作内容是很多样性的，将艺术家交换与合创共制都考虑进来，希望能参与制作流程的前期，从研发、制作、呈现到巡演，建立循环。」
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摄影手札未来还是有机会聚在一起的
我与舞蹈空间的缘分很久很深了。 我1996年大学刚毕业时的第一份工作，就是加入舞蹈空间当舞者，后来出国念书、跳团，有将近10年的时间待在美国。2005年回台办双人舞展，也是在皇冠小剧场。2006、2007及2021年帮舞蹈空间编了3次舞，《庇护所》则是我帮舞蹈空间编的第4个作品，也是第一个不用「读谱编舞」的作品。 作为舞蹈空间最后一个自制节目的编舞者，会不会压力很大？ 其实我无论在发想或编创《庇护所》时，都还不知道舞团即将要转型或停止自制节目的决定，所以就是平常心，尽量编。因为已经是第4次帮舞蹈空间编舞，所以对舞团文化与编制有一定的了解，工作算是有效率，也在愉悦的氛围中，逐步完成这个题材我并不擅长的整晚创作。 这么多年来，舞蹈空间培养出许多优秀的舞者与创作者，我觉得跳舞的身体会变老，但跳舞的脑袋是可以一直运作下去的。舞蹈空间的实验与创新DNA，有留在我跟每个舞空人的身上，即使以后舞团的性质或任务不同了，但我相信当平老师需要我们的时候，未来还是会有再聚在一起脑力激荡、通力合作的时刻。 现阶段还是希望老师把身体顾好。我相信即使是舞蹈教育推广，也是需要创意与编舞，未来还是有机会聚在一起的。 〈忍痛放弃营运补助 暂离创作舞台 舞蹈空间舞团转型 专注浇灌艺文沃土〉
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新锐艺评 Review倾听剧场中不同的我与我们
3位各自领域的专家，来到舞台上成为表演者，他们的人生背景和代表性创造了整个剧场架构，以纪录剧场的形式描绘台湾的外交现况。从3人轮流叙述自身的故事开始，带出台湾不同国族认知的源起和冲突，描写台湾在外交上的现实困境，在剧场中设立一间大使馆，观看我们可以如何在困境与冲突中探寻自身价值和共处方式。 由3位专家所带出的代表意识，是提到台湾国家议题时最直接的3个选项：退休外交官吴建国，对两岸关系看待抱持著「认祖不归宗」，在政府单位完成外交生涯；台湾数位外交协会理事长郭家佑，成长于台湾意识开始寻思的年代，透过非政府组织的力量推动外交；曾在国外求学多年的音乐家王思雅，来自带起台湾风潮珍珠奶茶的商业世家，在台湾意识与推崇合作的理念之间拉扯，是想要中华民国还是台湾，抑或是尚未准备好走向任何一方？ 《这不是个大使馆》已在欧洲几个城市巡回，可以想像在台湾和台湾之外演出时所承载的意义有很大的不同，但有一件事是相通的，就是必须在舞台上呈现最忠实的台湾，并且充分包容各种声音后，留给观众充足的感性和理性空间。 台上仅有3位表演者，就已经有3种拉锯的国家意识，现场有将近1500位观众，而台湾民族组成和历史的复杂更是不可同日而语。作品在面对台湾观众的时候，能否给予所有声音平等的位置会是一项挑战，碍于表演者选择及篇幅上会出现一定的局限性，例如原住民在剧中是透过影片提及，在上述3种立场选择的背后，还有许多民族和历史因素的不同认知，需要同时保持关注与宽容。 在国家意识这个话题上，作品呈现是相对平和的氛围，包括结尾也暗示著「共好」的讯息。剧中吴建国与郭家佑有为了政治立场的争论，但那些争论不是激愤的，而是举出一个「我不同意」的牌子，再接下来阐述自己的想法。这提示了一种愿意接纳的包容性，在极易造成社会分歧的议题上，可能没有唯一解答，但必须不停寻找更好的讨论方式。 而为了能够达成趋近理性的讨论，3位专家人生故事的感性成分在这里扮演了很大的作用。开头不小篇幅的自我介绍，清楚讲述了每个人的理念与情感为何产生，透过日常口吻的分享，终于能够在不先带有政治偏见的情况下，了解一个人所经历的成长时代，他的生活甚至热情理想，是如何建构他对世界的认知还有对台湾这块国土期望的不同。这些故事能够做到消弭人与人之间不理解的相互伤害，拉近相异立场共同对话的
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音乐 欢庆20周年Taiwan Connection音乐节 广邀各大乐团首席来台献演
由小提琴家胡乃元所主导的Taiwan Connection（以下简称TC）音乐节，今年已届20年，为欢庆这特别的一届，音乐节以「再启伟大」为题，规划了数场经典的音乐会，包括两场室内乐团巡回、室内乐系列I与II各3场巡回、一场轻松自在场演出，以及由胡乃元、知名莫札特诠释权威钢琴家罗伯特．列文（Robert Levin）主讲的活动。让乐迷在享受演奏家精湛演出之余，更能贴近作曲家深层的构思与内涵。 细数过往，胡乃元表示在TC创立前一年，他在国家音乐厅演出舒伯特的作品，隔天跟严长寿总裁去东部，才开始讨论TC的成立与否，因此舒伯特的作品对音乐节来说有著特别的意义。最初从室内乐二重奏到六重奏的规模，成长到2007年有弦乐团的组合，到2009、2010年合作没有指挥的交响曲，「一路以来在台湾做音乐、并把音乐做到最好，是我认为最重要的事。」 虽然最初与严总裁的起心动念是「把好的音乐从音乐厅带出去」，但渐渐地，胡乃元也希望「将好的音乐从外面带进来。」因此他开始邀请外国音乐家来台湾，与本土音乐家一起交流至今。今年适逢20周年，音乐节不仅邀请音乐家，更大量邀请各大乐团首席一同来台演出。如纽约爱乐首席黄欣、 纽约爱乐低音提琴首席提莫西．柯布（Timothy Cobb）洛杉矶爱乐长笛首席丹尼斯．布列可夫（Denis Bouriakov）、柏林广播交响乐团低音管首席柳成权、前美国大都会歌剧院乐团单簧管首席赵仁赫等超过10位重量级演奏家。 纽约爱乐大提琴前代理副首席派崔克．吉（Patrick Jee）分享：「去年第一次来TC就很惊讶没有指挥，一般团员不会频繁地在排练过程中发表意见，但在这里不管是首席或最在最后一排成员，每个人都可以在排练时表达自己的想法。音乐家们非常投入在音乐中。」他在纽约爱乐已经工作多年，但从未有在TC这样的感受，在心中留下非常温暖的经验。
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音乐坠入名为《玫瑰骑士》的情网
由奥地利剧作家霍夫曼斯塔尔（Hofmannsthal）撰写剧本，德国作曲家理查．史特劳斯（Richard Strauss）谱曲的歌剧《玫瑰骑士》，可说是其艺术成就的绝顶之作。故事内容描绘18世纪的维也纳贵族间有个特别的仪式：向心仪对象提亲时，要派名为「玫瑰骑士」的使者递送象征纯洁爱情的银制玫瑰花作为定情信物。好色的欧克斯子爵，将与新兴贵族法尼纳年轻的女儿苏菲结婚，请身为威登堡元帅夫人的表妹玛莎琳物色玫瑰骑士，夫人推荐年轻贵族欧大维。而当英俊的欧大维见到美丽的苏菲，剧情有了意外的发展。为了诠释这部经典作品，NSO音乐总监准．马寇尔（Jun Mrkl）携手国内外著名歌手，更特邀于德国、日本都有丰富歌剧指导经验的太田麻衣子担任导演，此次以「半舞台形式制作」（Semi-staged）形式呈现，作为NSO 2023╱24乐季压轴好戏，值得观众期待。 Q：太田导演与马寇尔指挥似乎相识多年，请谈谈合作的经过？ A：我在德国巴伐利亚国立歌剧院担任导演助手时，认识了马寇尔指挥，陆续有过几次合作。去年在东京演出史特劳斯的歌剧《和平之日》，则是我初次以导演身分与他合作。马寇尔在音乐上有很高的造诣，也具有深厚的知识，和他一起工作很开心。这次的工作确定后，为了场勘，去年我特地来台聆听马寇尔指挥NSO演奏贝多芬《第九号交响曲》音乐会，当时和马寇尔、乐团、工作人员等，开会讨论这次演出的事宜，也勘查了舞台。 Q：您以往是否有过执导《玫瑰骑士》的经验？ A：这是我第一次执导《玫瑰骑士》。我进入歌剧世界不算早，以前是舞者，偶然机缘下与歌剧相遇。当时周遭每个人都很喜欢《玫瑰骑士》，极为夸赞，但我尚未看过，实在不懂为什么，心想：「还有其他更优秀的歌剧吧？」可是在初次欣赏《玫瑰骑士》后，「不得了！」我坠入情网。或许是因为一开始不以为然，喜欢上之后，这份喜爱的心反而更强烈。
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回想与回响 Echo走进跨时空的《青．白一念》
朱安丽是跟我合作过的戏曲演员，从她在现代剧场的表现，可以看出她在传统．戏剧的技艺是很具实力的，帮助在现代剧场呈现了一份有品质的表演功夫，这是我在参加过各种外国表演工作坊的演员身上，所看不到的一种成熟的风格。这次她在中山堂光复廰与长笛演奏家华姵，合作演出《青．白一念》，我看到DM令好奇心油然而出，于5月12日下午亲赴现场观赏。 她们的表演舞台是非常朴实的，只利用了光复厅原本二楼的回廊，及左右对称的斜梯作为穿梭的空间，及正前方搭起的一块平台，观众既可以近距离看到朱安丽眼神细腻流盼的情感，从回廊或斜梯上，亦可感受到演员形体在远视之下造成一种立体的美感。简单的灯光照明与下午室外光线从天窗投射进来，遂使观赏空间充满一种自然的现实感。 就在这样一点都不如梦似幻，反而带有真实既存的表演空间，上演了这出不是原本戯曲的呈现，却又混合了以长笛为主，配合西塔琴、古筝甚而打击乐的复音效果，烘托出白蛇的旦角漫漶著缱绻悲绝的唱腔，在戏曲本已秉赋节奏错落有致的雅音上，朱安丽的唱作表现可说是已达丝丝入扣的境地，与白蛇相依为命的青蛇虽由长笛演奏家华珮串演，相对于传统曲艺的旦角唱功，无论是唱腔或道白，她皆以长笛细腻、浓密的音韵回应，并通过大提琴的协奏迤逦出极具现代意味的旋律。尤其华姵在长笛吹奏上滚滚荡出即兴悠扬的气韵，这是难得一种在听觉上所感受到的声音飨宴，当场聆听无论朱安丽的唱腔或华姵的长笛，不只令人有耳目一新的惊艳感，更让听觉完全沉醉在这样优美的音乐之中。 我在观赏这场《青．白一念》的演出现场，深深感受到两位女性表演艺术家运用了她们独特的阴性情感，在与许仙、法海所代表无情无理的男性权力对抗时，表达了女性之间相互倚靠的孤独却共生的情感。曾看过无数白蛇传不同的故事版本，不管电影或戏剧都有过不同手法的演绎，但这一次看到的《青．白一念》却令我对这段熟悉的故事有重新的体会，细究原因，不能说不是跟朱安丽及华姵双旦的精采演出有关。
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戏剧永恒且共同的当下
今年TIFA推出《黑》与《镜：KAGAMI》两档混合实境（Mixed Reality）的作品。《黑》改编自法籍作家塔妮亚．德．蒙泰涅（Tania de Montaigne）的书，诉说无名英雄克罗黛特．柯尔文（Claudette Colvin）在民权运动史上遭世人遗忘的一生。观众戴著HoloLens 2这款可以看到数位影像叠加在现场物件上的MR眼镜在展场中自由游走，故事中主角或人群的行为，以数位影像叠加在现实具体物件（像是椅子、窗户、屋内装设）上的方式，创造出明确的时空脉络，推动并定义了叙事在公车、法庭、街道、虚构的美好世界这些不同场景间的转变。观众可以穿梭在故事之中，甚至可以与剧中人物并肩坐在公车的座椅上，或者与民权运动者一同上街，抗议审判不公。 相较于《黑》在柯尔文生命史与美国民权运动史的不同时空之间转换，《镜：KAGAMI》则是坂本龙一留给后人的最后一场独奏音乐会，整场表演都以坂本龙一的钢琴弹奏作为主要场景，伴随著曲目的变化，影像及气氛只是效果与相应的视觉化表现而已。虽然观众可以戴著Magic Leap 2眼镜在限定的范围内自由移动，但在这个表演中，多数人的移动幅度都不大，往往是选定了一个特定的位置之后，就几乎不变换位置地看完整场表演。
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新锐艺评 Review厘清此时此刻的困境
里米尼纪录剧团《这不是个大使馆》的核心是一个虚构情境：「如何在瑞士洛桑建立一座台湾大使馆？」而接踵而来的各种问题，促使对话发生。与虚构情境相反，每个表演者的发言，小至自我介绍，大到国族历史，每段经历都是真实的。演出中，有3位主要表演者，立场各异，时而合作、妥协、时而引发冲突。表演者的论述颇具代表性，是在提起政治时，声音最大的3个族群：吴建国并没有否定台湾主体性，但想法、作法保守，对中国文化抱有憧憬。郭家佑是中生代代表，积极争取台湾的主权和独立性。王思雅因家中从商，对政治议题不愿直接表态。吴建国和郭家佑积极表态，拿出「我不同意」板子，反对对方，王思雅也会举出「不予置评」板子；各方在舞台上精采辩论，展现在台湾社会，人民对言论自由高度容忍。 各个立场的论述也运用丰富的剧场语汇表达。整场演出都使用即时投影，将介绍台湾时摆放的微型布置投射到舞台后方的布幕上，展现台湾日常，让舞台调度更具动能、增加趣味性，弥补非专业表演者肢体表现的不足。音乐让表演更具吸引力，吴建国演唱了《国歌》（可能被认为是极端爱国主义者）、《中华民国颂》（画面配上慈湖公园的蒋中正铜像，像是在看过去的一场幻梦）。现场演奏的台语歌曲《雨夜花》则代表台湾人民的弱势处境。最有趣的场景，当属利用打太极的动作以及影像，点明保守派与积极派的你来我往。台湾主体性和独立性无法公开表明的困境，被化为剧场语言：演出最后，舞台上有3个大灯，分别是「宝」、「岛」、「国」，3个字始终无法同时亮灯，便是目前现状。
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舞蹈通往另一个世界的隘口
那一年我到了爱尔兰西端的莫赫悬崖（Cliffs of Moher）。 沿著高矗崖边的山径步行，起初犹不知仅隔几步之遥，临海即是欧洲最高的悬崖，最高点高出大西洋的海平面214公尺。等到站立于可以俯瞰壮阔波澜大西洋的崖边，才会因其高度有点晕眩，脚底发麻。一时雾散云开，海鸟遨翔，那些崎岖风蚀的崖石，才从海平面向上层层叠叠展露其历史皱折下的面貌，海涛风涌拍尽，白色浪花飘散。 麦克．基根-多蓝（Michael Keegan-Dolan）与舞蹈之家（Teaċ Daṁsa）所创作的《界》（MM），原文为凯尔特语（Gaelic），最常见的用法是指山路隘口或超越大型地理障碍的最简单途径（注1），既可援引为跨越「过去」的罣碍，指向「未来」可行的路径，相对地，时间在此难以简单线性地去区分过去、现在、未来，过去即是未来，而未来亦可能是回归原初，循环回旋，而人性的爱欲情仇仍然依旧轮回不已。
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摄影手札睽违五年 美丽不安的现代传说《毛月亮》再现
寓言来临的末日派对 月光晕开未知之途 上帝的手随处涂鸦 人性与科技随之起舞 这场充满奇妙与美丽的身体寓言源于天文现象「月晕」，又称「毛月亮」。当郑宗龙第一次看到月亮周围泛起银白色光晕时，深深著迷。他心中想著，有一天要为它编一支舞。 古语「月晕而风」，暗喻事物即将转变的征兆，睽违五年，《毛月亮》再度于舞台上映照虚实。 2019年，郑宗龙与冰岛摇滚天团席格若斯Sigur Rs合作，将空灵既躁动的音乐横跨在无尽舞台；艺术家吴耿祯和世界剧场设计大奖的王奕盛，打造LED拼接巨型萤幕，穿透在迷幻的音乐氛围里。80片的萤幕像月亮牵引著浪潮般浮沉、翻转或横移，舞者以汗水、肌肉及全身力量与之对话，以原始纯粹的身体动力，突显身处这个时代的大哉问：如果我们可以透过萤幕上的几次轻触，满足各样需求和欲望，那么身体的目的是什么？这个问题只有身体本身能够回答。 大疫之后，所有计划都被迫取消，《毛月亮》仿若预言，肉体重新拓荒。2024年，恍如隔世，这场交织人性、科技和身体的派对再次降临。舞者化身为兽，姿态蛰伏，欲望呼之欲出，引领观众围观这座巨幅的身体地景，也藉著月光看照自身。
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新锐艺评 Review曲判30，古调新传
1991年河洛歌子戏团推出「精致歌仔戏」《曲判记》，登上国家戏剧院舞台，成为「现代剧场歌仔戏」代表作。30年过去，唐美云歌仔戏团重新推出，保有原本剧情结构与唱词，改良演出节奏、提升舞台美学、薪传戏曲新秀，要让过去轰动的歌仔戏传奇，重新迎接新生代观众。 叙事节奏迎合当代观众 舞台美学打造不朽经典 早年河洛剧本多以大陆闽剧剧本移植，《曲判记》为张哲基、林芸生原著，后由石文户导演修编成闽南语宾白与唱词，此次旧戏新编，唐团青年编剧陈健星也参与其中。相较于1991年演出，2023年经典再现，剧情更动不多，唯二变化在于更换妹妹严秀屏得知兄长杀人之次序，不再以「线式叙事」，改「同台并演」，删减调戏渔女之情节，让妹妹在上舞台目睹惨事，作为序幕；过去有段胡御史求情严辉以及刘剑平向严辉辞别上任之幕，此次演出则改以严辉念白带过。这些改变让故事宛如倒叙法，埋下伏笔，不拖泥带水，节奏冷热交替，虽脱离不出「事随人走」之叙事程式，尚保有大量独白式唱段，却运用叙事节奏调节角色冲突与事件推移，达到抒情与情节平衡，符合当代观众感受。 过往舞台较为简陋，多以整片布景为主。而新世纪戏曲现象，著重提升动画、灯光、舞台美术设计，丰富戏曲美学。于是场景以片景、布幕动画改良呈现，诉诸相近色调配合，并运用圆弧阶梯组成让舞台空间感更立体真实，甚至能为演员演出服务。 传统文武场融合西乐之设计，一直是唐团令人惊艳之处。而此出戏将换场音乐「交响化」，点缀悬疑不安、平稳中紧张之气氛。在「承接传统」的价值上，把所有音乐空间留给最传统的七字仔、都马调、变调仔，一曲都马调从慢中快板、散板、摇板灵活运用，大量唱段相接轮转他调，回归最原始锣鼓点，流窜浓厚歌仔味，即便唱念节奏稍作修改，也不失风华。 歌仔戏编剧生态蜕变提升 新秀承功展演自身风采 对比当年歌仔戏编剧人才缺乏，「剧本荒」严重，多为移植对岸之剧本进行修编，当时故事多以顺叙为主，人物塑造较为平面。如今，台湾已有杰出戏曲编剧人才，剧情也多见「互文效应」、「双线叙事」，常以「人性」挖掘人物，与过往大不相同，反映出歌仔戏编剧生态急速蜕变提升。 此次重现采取上下半场不同演员「双演」：林芳仪与唐美云共演刘剑
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艺次元曼波 HEART to HEART 于魁智X李胜素X王安祈30年时空映照，25年京剧奇缘（下）
王：两位合作至今25年，不仅没分开过，更得到无数观众喜爱，是京剧史上重要纪录，合作默契怎么这么好，有最喜欢合作的戏码吗？ 于、李：喜欢的太多了 于：早在正式合作之前，我们曾在中央电视台、浙江电视台的戏曲晚会同台，当时她还在山西京剧院，我在中国京剧院，彼此不熟，只知道她是位好演员。 我们两人能合作，首先要感谢剧作家贡敏老师，是他力荐胜素，再加上那时我们同在中国京剧优秀青年演员研究生班学习，在这两大契机下，促成合作。我们配合得十分默契，最重要原因是对艺术的理解以及对艺术追求方向很接近，观众看我们在台上表现的音色、调门、台风等等各方面很搭，我们彼此也觉得合作时能发挥顺畅，找到表演上的共鸣。 王：两位个性都很好，有没有在塑造人物上发生过冲突？ 于：我有时比较主观，想法比较跳跃，胜素性格跟梅派艺术风格特别像，非常沉稳淡定，无论遇到什么样大问题，她都不慌不惊。 排练时候，我会直接说出「我觉得应该这样，不应该那样」，她可能不认同，但不会当下反驳我，会给我留面子，让我先发表，排完后再告诉我，她是怎样理解人物的情绪、性格、场景，我可能哪里理解得不对，有时我的理解会跑偏而不自知。 再来，我有时在台上会比较冲动。所谓冲动是指我在后台听见锣鼓声响就兴奋，手脚会发热出汗。我常在想，如果有一天听到锣鼓，我的手脚不出汗，那就是我的艺术生命要结束了。虽然我已经尽量控制自己保持稳定，但偶而受现场气氛影响难免波动，她会平和提醒我「别卯上，别猛」，把我的热气火气降下来。不管台下有多大领导，多少观众，多么热烈的回应，她总是心静如水。这么多年下来，我受她影响也慢慢学会调节情绪，特别是舞台上的感觉。 李：我举个例子。2004年我们在北京演出大型史诗交响京剧《梅兰芳》，他饰演梅兰芳。我说：「师爷爷发展和创造了许多优美的手势，生活中肯定会磨戏，扮演师爷爷生活面时，可以加一点手势的表现力。」遭他抗拒，说：「我唱老生的，这手法指了这么多年，要我兰花指，实
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回想与回响 Echo从演出谢幕之后谈起
「谢幕」的理所当然 在剧场漫长历史的大多数时间里，并没有「谢幕」这件事，演员在演出结束之后，不会回到舞台上，接受观众表达谢意的掌声与鼓噪。依据剧场史家的研究，我们现在习以为常的「谢幕」，大约开始于19世纪初期的欧洲剧场，其缘起并不是演员的意愿，而是应观众的要求而生，甚至会有拒绝「谢幕」的演员，在离开剧场回家的路上，遭到「愤怒」观众的追逐。 当「谢幕」在19世纪流行开来，终于成为表演者与观众共同接受的惯例与默契，大约再没有人会对「谢幕」的必要性，或对「谢幕」的意义舞台上下两方对彼此表达谢意，有所疑虑，或抗拒，无论我们对演出本身的评价如何，都可以接受谢幕作为演出一部分，对舞台上下双方的重要性。 换言之，我们都认为演出结束之后的谢幕，是理所当然的事。 但，「谢幕」这件事，真的是这么理所当然的事吗？ 在音乐剧《热带天使》的谢幕之前，我也没有想过这个问题。 「谢幕」之可为与不可为 7月30日，台中国家歌剧院，《热带天使》演出结束之后，就是一般性的谢幕：演员依照事先编排的顺序与方式上场，回应观众的掌声，编导上台与观众分享创作心路历程，发表感谢名单，同时如莎士比亚时代的报幕人（chorus）一样，跟观众提示作品主题的重要性。接著，编导宣布演出团队特别为当天观众准备了「彩蛋」：男女主角演员在第一次谢幕之后悄然下台，此时换穿正式礼服再度上台，与观众分享他们如何因戏结缘相恋，最终走入礼堂的精采故事，并且将要迎接新生命的到来！在全场观众的哄然之中，开始播放两人交往的花絮影片，剧场顿时变身为婚宴广场，「谢幕」也不再只是「谢幕」。 《热带天使》的谢幕活动，虽然特别，但其实不是特例，而是本地剧场近来某种趋势的展现：演出谢幕段落，愈来愈复杂，也愈来愈不「单纯」，开放、鼓励观众拍照打卡上传，邀请观众同框合影，编导上台分享创作心得与周边商品讯息，几乎已是常态，唱名感谢赞助厂商，宣布票券摸彩中奖名单，「支持艺文」与「业务配合」无缝接轨，已无扞格，剧场会不会真的不再只是「剧场」？ 另一个愈来愈常见的趋势，是编导在上台与观众分享创作历程的同时，会不厌其烦地跟观众说
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新锐艺评 Review在梦里什么都有，但现实不是梦
《梦与阴影》模糊黑夜与白昼的界线，以「梦」为创作起点，在超现实的夜里，探索潜意识的存在。借鉴于佛洛伊德和荣格的著作，以及超现实主义画家达利和马格利特的作品发想文本的发展。作品运用FOCA福尔摩沙马戏团当代马戏元素与肢体对话，揉和进河床剧团的意象剧场，试图在两者不同的领域中，寻找马戏和戏剧结合的跨领域舞台。 梦与阴影中光的流动性，运用马戏道具呼应象征 《梦与阴影》企图运用多元表演的形式，展现别于一般所认知的演出形式，马戏道具在梦中呼应的象征意义，以及作品于阴影中光的流动性：圈，环绕在长白衣服女人身旁定格的环，寻找定格中快慢的时间变化；环，在军人手中的环，转换队形横列玩出不同节奏的层递；光影，不断绕圈的灯车，营造一圈又一圈变化中视觉影子暂留的画面。 有好几度画面围绕在不断的圈中环绕，使笔者想著重蹈覆辙的夜晚，夜晚再一次来临的意象画面，似曾相识却又些许不一，画面与道具的对话，在色彩鲜艳的光影变化中，加上诗文的吟唱，丰富视听与氛围的感受性，但在梦的画面与画面中，缺少其中重要的连结性，使感官体验存在但却不完整，时常会被拉回现实，陷入造梦者的惯性手法中，察觉后，再一次被惊醒。 现实不是梦，马戏与戏剧的舞台上的共感平衡 对于整体来说，河床剧团与FOCA这次的跨界合作，跨入双向的领域中，找到中间共同的平衡点外，也在特技身体与各项道具的结合之间，建立不同的质感、剧情以及灯光呼应，并在意象剧场中视觉建构的画面中，找到转化和改变的可能性，但打开了一个出口后，必定会有裂缝的出现。 当技术不再只有技术，那还有什么存在？马戏身体和道具的解构再重组中，或许比起拼图般地拼凑各片段，积木的层次堆叠会是更好的表现方式，或许更激进且大胆的尝试，会借由群体演员的相互定位，在走动交错的步伐之间穿插关联性，免于落入一样的牢笼解答同样的问题。因为笔者在此作品中可见白衣少女是主角，但并未连结整体的发展脉络，在这场梦中的表现中著实可惜。 在这个世代中，把一件事说好╱做好很不容易 在醒来之余，仍有画面在脑海中的余韵：落在群体与个体之间、舞台景观陈设的选择之中、以及表演者望向那一盏灯的刹
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新锐艺评 Review人性的讽刺与控诉
《钦差大臣》是一个关于冒充身分、控诉人性的贪婪与腐败的故事，取自于俄国作家果戈里 1836 年的经典讽刺剧作《钦差大臣》，Kidd Pivot现代舞团8位舞者，搭配专业演员录制的台词对白，再次重现这场揭露人性丑恶的官场风暴。 寓言、小说、散文、新诗不同的表演形式中，有人说话，有人听到，有人读见，在这个世界的角落里，流动著上千万种的表现手法，在这迈向跨领域的多元舞台上，真正能把一件事情说清楚讲明白，实在不容易。 叙事方法重新拆解，找到新的观看焦点 编舞家克莉丝朵．派特（Crystal Pite）与剧作家强纳森．杨（Jonathon Young）重新拆解来自1836年的《钦差大臣》剧本，运用后设戏剧（metatheatre）的概念「关於戏剧中的戏剧」，利用第3人称的戏剧创作探讨戏剧本身的问题，或是于第2段文本里，「角色一」（figure one）打破舞台与观众的第4面墙，在每一个指令中窥探人物的动作转变，这同时也接引至角色存在的核心并影响画面的重新建构。 当叙事方式重新解构后，便会引领观者进入新的观看视角，笔者难以置信在后设概念、戏中戏及文本台词的搭配建构下，舞者如同演员，在一来一往的对话里，能完全地「接住」每句台词，完美运用肢体语言去进行对话，玩出语言在舞蹈中新的可能性，笔者曾观赏编舞者派特过往的作品《各自表述》，在此作品里各方面的加总精湛表现，让剧作《钦差大臣》以新的生命体活于舞台上。 台词与指令之间，灯光与舞蹈完美卡点结合 从开场第一幕明灭不定的灯光下，市长和秘书对话的情境画面，延伸至一个又一个角色的加入，表演者以浮夸的表情张力和惊人对拍的台词互动，身体语言在快速的灯光变化下，动作的卡点区分人物内心想法和真实世界的对比，舞者在日常动作下与舞蹈之间的转换极其俐落乾净，仿佛每一拍的动作细节都经过精心安排，才能在台词与指令下做到别于舞蹈以外、更多象征不同个性角色的表现空间。 第2段删去台词后，「角色一」（figure one）对白只剩动作指令的片段，舞者褪去了角色的建构，在没有服装下，纯肢体成为大量语言之后（第1段）的调和剂：再一次重来的剧情、再一次的队形步伐、以及再一次剖析的动作指令，
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新锐艺评 Review10年小太阳
2014年，「安徒生与莫札特的创意剧场」 于中山堂将林良经典散文集《小太阳》搬上舞台，以《小太阳：一个家的音乐剧》为题。2023年，10年回望，台中首场演出谢幕时，制作人提到10年来的改变，包含自身成为母亲，包含历经生离死别及与家人间的互动等，进而影响《小太阳》的重新演绎方式。而提及《小太阳》原作曲者刘新诚已离世，更一度哽咽。10年《小太阳》，除了制作团队的回望凝视，观众又如何看待？ 《小太阳》以〈一间房的家〉开篇，此文以「窗户外面是世界，窗户里面是家」开篇，突显家空间的意义。「只有一个房间的家」（意外搭上时事话题），无论哪一版本，皆是舞台的核心。林良在书序中言（2013麦田版），自己最珍视的篇章有二，其一是〈一间房的家〉；无论2014首演或2023新版，都掌握故事由房间启始的意义，区隔屋里屋外，阴湿城市与温暖家屋。作家另一珍视篇章为〈小太阳〉，两次舞台版本皆善用此篇，并皆撷取〈南下找太阳〉的故事，使原书「小太阳」的象征意义得以具体化。而新版更突显阳光的无所不在，月色也透过小演员之口定义为「夜晚的太阳」；林良在书中所述「书桌上开凤梨罐头」一句，戏剧透过「访问师母」的方式带出〈滋味〉一曲，新版更在戏剧首尾的夫妻对话中皆加入此桥段，凤梨罐头曾是台湾的黄金传奇，颇有突显家庭生活金澄酸甜及台湾时空背景的效果，且与「小太阳」互为辉映。
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舞蹈滚动于踩线又旋即转弯的动态之间
How to choose tomatoes? How to find the best and nature tomato? 这是今年5月底，于牯岭街小剧场上演的《TOMATO》开场，创作者周宽柔以正经又带点戏谑口吻为观众讲解： 「首先是叶子」⋯⋯ 「再来是形状」⋯⋯ 「用手摸摸看」⋯⋯「硬的不一定是好的」 「底部」⋯⋯「如果番茄的底部有些凸起，表示它有点调皮」（注） 周宽柔献声但未现身，对应其语音在观众面前以手语展演的是表演者吴志维。他身穿红色西装外套，坐拥整箱等待著被评估为「好的、纯洁的、天然的番茄」，如同美食专家般为观众展示番茄的拣选撇步。《TOMATO》的开场引人发笑，也暗藏著不安。不安在于，以戏谑态度切入性剥削意涵；以及，这要带我们往哪里去？ 若要总括《TOMATO》创作策略：除了明显的戏谑以外，则大概是分岔。这个分岔，展现在作品叙事上，以及身体与物件的关系上。就叙事而言，《TOMATO》常常滚动于即将陷入刻板印象或理所当然的方向上，却不时小拐一下，或乾脆转个弯。好比藉挑选食材的料理语境，处理核心物件番茄，就某种理所当然的发展来看，这位美食专家大概会透过其视觉（观察形状）与触觉（触摸表皮、掂秤重量）拣选出最优秀的番茄。然而，真正「被」进入料理阶段的番茄，其实是由身穿防护衣，并藏匿于现场即时影像背后的操控者Zito Tseng丢给吴志维的。也是因为Zito的出现，我们发现，几分钟前吴志维身后看似「配合」展示的影像片段，其实自成一个世界。而这个经由影像所中介的世界，可能才是欲望生成的主要动力。因为接下来被吴志维削皮、吸吮、咀嚼品尝的番茄，都不是他亲身拣选的，而是被框架好甚至被决定好的「选择」。
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音乐 TICF23 台北国际合唱音乐节暌违3年实体回归 国内外合唱好手齐聚
由台北爱乐文教基金会所主办的「台北国际合唱音乐节」，在3年疫情期间以线上结合实体等方式维持艺术动能，在今（2023）年夏天终于能全面恢复实体举办。音乐节预计于7月28日至8月6日举行，除了邀请斯洛维尼亚、瑞典、土耳其、菲律宾等顶尖合唱乐团与台北爱乐合唱团等10余个台湾优秀团体全台演出外，也同步举行台北国际合唱大赛、国际合唱音乐营及午间音乐会等精采活动。 这次邀演的4个国外团队中，有两支首度访台的队伍：瑞士男声合唱团ZERO8与土耳其流行与民谣人声天团博斯普鲁斯人声乐团（A Capella Boğazii）。ZERO8的团名取自于斯德哥尔摩电话区域号码08，甫于今年4月获得欧洲6大赛之一的「马里博尔国际合唱大赛」总冠军。他们的演出除了有传统合唱曲外，特别的专长是融合流行金曲、「理发厅合唱」（Barbershop）、黑人灵歌、爵士紧密的和声与福音歌曲等元素，加上合唱的动作、表情，赢得评审青睐。而来自土耳其的博斯普鲁斯人声乐团，台北爱乐合唱团音乐总监古育仲介绍；「这是一个擅长演唱A Capella 的团队，他们的音乐特色非东方五声音阶，也非西方大小调。由于国家位于欧亚之间，并且有回教穆斯林的影响，他们的音乐非常特别。」执行长丁达明也表示：「2019年在一个比赛看到他们的演出就非常惊艳，原本就想邀他们来，无奈因为疫情才等到现在。但到现在他们仍旧是第一个来到台湾的土耳其合唱团。」该团的演出将有土耳其传统歌曲改编，也有世界各国流行、民谣经典的曲目以飨乐迷。 由斯洛维尼亚顶尖学府组成的卢比安那音乐院合唱团（KGBL Chamber Choir），在2018年到访台湾时便造成轰动，创造出好口碑，影响了台湾合唱界。丁达明说明：「斯洛维尼亚国家文教基金会举办相当多艺术活动，艺文风气相当蓬勃。合唱大赛也受关注，全国200万人口中，就有四分之一有过合唱经验。」而这次音乐会的彩蛋，还有台湾的交换生李汶锜，在与指挥暨作曲家学习之后，将回台首演他创作的台湾民谣。暌违10余年再度访台的菲律宾圣多玛斯合唱团（UST Singers），则是国际大赛的常胜军，古育仲介绍：「他们是一支大学的合唱团，长年在外演出，参加过很多合唱比赛，征战四方。」上次访台演出时曾在下半场演出纽约百老汇最卖座的音乐剧《 绿野仙踪女巫前传》（Wic