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吳岳霖
《PAR表演藝術》特約編輯、劇評人、戲劇顧問與國立清華大學兼任講師，曾任表演藝術評論台執行編輯。希望自己的文字裡能夠有光，還有溫度。
發表文章 276 篇
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戲劇 開發「盜火風格」的音樂劇《One Two Punch 痛感一擊》 搖滾出女拳擊手的內在成長
近年原創音樂劇在台灣蔚為風潮，有別於過往常見的百老匯音樂劇來台巡演、或是IP授權演出，台灣團隊陸續開發出屬於在地語言、題材的音樂劇作品，而不同劇團也逐漸擁有自身的風格與特色。 首度挑戰音樂劇的盜火劇團，經歷了兩年左右的醞釀與發展，先是獲得廣藝基金會第5屆「表演藝術金創獎」銀獎的肯定，並於去（2024）年底發表「半場讀劇音樂會」，廣納各方意見後，才於今（2025）年5月底正式演出《One Two Punch 痛感一擊》（後簡稱《痛感一擊》）。不過，在頗受好評且獨具特色的「懸疑三部曲」之後，屬於盜火劇團的第一部音樂劇會有怎樣的面貌呢？
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聚光燈下 In the Spotlight 演員廖原慶 表演，是他選擇做一輩子的事
廖原慶的身分是多樣的，就如我們熟悉「部分的他」是一位演員，得扮演不同角色。 他與梁皓嵐主持的Podcast節目「善嵐慶女」已邁入第6季，有不同領域的聽眾因聲音認識這名劇場演員。近期作品《上樑＿下工後的修羅場》（後簡稱《上樑》），他同時是編劇與演員；不過，編導經驗其實來得更早，是娩娩工作室《米蒂亞：一則台灣新聞》，而這更源於他的另一個身分高中表演藝術老師，因為此作最初是他協助學生創作的。此時的廖原慶，又指了指掛在牆上、即將演出的《騷動之川》海報，笑說主視覺是由他設計的。 這些事情多半環繞著「劇場」，所以廖原慶說他從研究所開始，就把自己定義為「劇場工作者」，不打算被其中一種狀態綁住，只要「做這些事情的時候，可以看見一個比較舒服的自己」。 「我在我的自由裡面穩定的發展。」廖原慶這麼說。「自由」與「穩定」兩個看似矛盾的字眼，在他的劇場生活裡實踐。
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戲曲 《鏢客》之後，睽違兩年推出武俠續集臺灣豫劇團《錦衣》 再寫「復仇」新篇章
臺灣豫劇團於2023年推出70周年團慶大戲《鏢客》，借用鏢局廣納與聚集各方人才的形象，既暗喻又明示了臺灣豫劇團這70年來的景況，以及劇團、豫劇本身的豪爽氣質；同時，也在慶祝創團70周年的歡快裡，開啟了編劇劉建幗建構的「武俠世界」。在《鏢客》劇末，採取了戲曲、乃至於現代劇場少見的「預告片」形式，提示了劇中人物駱成有即將開展的新情節，於是《鏢客》的故事結束，但這個武俠世界並未落幕。 只是，距離預告將近兩年後的2025年，臺灣豫劇團才終於推出了《錦衣》，作為這個系列的續集。
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聚光燈下 In the Spotlight 布袋戲主演吳聲杰 闖進不孤獨的布袋戲「武林」
布袋戲演師仰賴的是「操偶」與「口白」的技藝。操偶是讓戲偶能有動起來的生命，口白則賦予戲偶聲音，而劇中男男女女、老老少少的聲線也往往由同一位主演擔綱。不過，演師多數時候藏在戲台後頭。但隨著現代劇場的介入，演師的「現身」成為全新課題，也是多數布袋戲團陸續嘗試的創作方法。其中，臺北木偶劇團大概在2019年前後開始有此嘗試，藉此去找尋人與偶間的共鳴，以及兩者存在於舞台的平衡。 身為臺北木偶劇團主演之一的吳聲杰，不只是從戲台裡頭走向舞台前方，被喜愛看布袋戲孩子們稱為「猴子哥哥」；他更是在大學之後才接觸布袋戲，進而從一名二胡演奏者，闖進布袋戲這片「武林」，隨著無數位門派宗師、或民間高人，持續進化成現在的青年好手。
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特別企畫 Feature從「奇情與怪誕的警世」到「內心與社會的探索」：犯罪紀實改編戲劇的內涵轉變
犯罪事件的紀實改編，一直是戲劇的重要取材。 若要追溯，無論東西戲劇都可見數千年以上的案例，只是較難辨認事件本身的真實性與來源、劇作家的取用管道與意圖等，因此無法準確梳理脈絡。其中，事件本身的杜撰、口傳過程的失準等都難以辨認「真實」與「虛構」的界線。直至報刊雜誌興起後，才有彼此參照的可能。以台灣為例，在大正15年（1926年）台南運河完工後，發生不少男女因感情問題投河自殺的事件，被記錄於《台南新報》和《台灣日日新報》中；後續在1930年代，便已有歌仔戲以此為題進行改編，以口白為主，穿時裝，再加上當時的流行歌曲，近似電視8點檔。當時一定要唱的曲子是〈運河悲情曲〉、〈運河哭〉，後來也成為歌仔戲中的流行曲調。二戰之後，亦有電影出現。這類創作陸續出現於歌仔戲「時事劇」，在1930年代內台商業劇場興盛時期同步興盛，時事新聞往往在發生當天就被演出。 取材社會事件，多半帶有噱頭成分，能與觀眾產生有效的共鳴，於是故事內容也重在「奇情」、「怪誕」，甚至多半帶有腥羶色成分。 1979年，台灣電視史出現了第一部警匪電視劇《天眼》，以單元劇方式呈現。雖無法完全確認其中改編自真實案例的比例，但在每集故事劇末作結時，都會安排評論人金培凱講出固定台詞「老天有眼，可以明察秋毫」，明顯有勸誡觀眾不可作惡的意圖。並在中期後，《天眼》會於各集播出後增設單元〈天眼追蹤〉，公布重大刑案的通緝犯照片與資料，呼籲民眾提供破案線索。因此，背後的企圖愈見明確，且連動真實與虛構間的呼應關係，而以「勸世」與「警世」為目的。 其他如《台灣靈異事件》、《藍色蜘蛛網》、《玫瑰瞳鈴眼》、《台灣奇案》等單元劇都在1990年代紅極一時，其中擔任單元劇主持人、或引言人的盛竹如、郭美珠等生產出不少金句，其功能多半延續了《天眼》中的金培凱角色，同時也略帶傳統「唸歌」的特色（後來的電影《血觀音》直接邀請楊秀卿表演唸歌，更突顯與借用其勸世功能）。
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戲曲 不求為汪精衛翻案「武」「舞」交織抒情美學 《精衛》重新理解爭議人物
革命者？政治家？國賊？ 這是漢學研究者楊治宜在《汪精衛與中國的黑暗時代：詩歌．歷史．記憶》一書中的3個章節，其實也是歷史人物汪精衛的3個人生階段與定位。 由於歷史往往是「勝利者」、「當權者」的立場，而汪精衛在1940年在（當時的入侵者）日本的支持下成立政府，讓「漢奸」、「國賊」成為他在教科書中被一筆帶過的形象。但楊治宜重新梳理了歷史與事件，也包含汪精衛書寫的詩歌，用史學、詩學、記憶學3種方法論來解讀他的爭議性，甚至是回應該時代。這本書的出版，也讓國光劇團藝術總監王安祈在行過書店櫥窗時，意外見著，因而發展出《精衛》這部舞劇。 跨界舞劇，藉此表現人物的內心幽微 《精衛》的起點是「舞劇」。 去（2024）年3月國光劇團春季公演，書法家董陽孜看到武生李家德在《長坂坡、漢津口》與《挑滑車》裡的紮靠表演後，認為這樣的武功不能只被戲曲圈欣賞，向國光劇團提議「跨界」合作，特別提到現代舞，以及已在國際間享有名氣的翃舞製作；同時，介紹了李家德與編舞家賴翃中交流，並希望發展出舞劇作品。 樂見其成的王安祈，本想用《霸王別姬》作為文本，「讓李家德京劇的唱念做打，加上現代舞者這兩套語彙、兩套身體一起碰撞出火花。」不過她隨即打翻自己的念頭，認為用現成的劇本與表演，套入跨界元素，是對舞者的不敬。王安祈認為：「對於跨界，我都很謹慎，先打好幾個問號。我就在想，要跟現代舞跨界，這個人物、或是他的題材是非常內心的、非常幽微的，甚至這個主角自己都未必能回答得很精確。」這樣的內心狀態才能運用現代舞進行更為抽象的表述。 不過，當時的王安祈仍沒找到最合適的題材，直至同年7月看到楊治宜的新書，讓她靈光一閃，「汪精衛在亂世中的抉擇，自己都說不清，我覺得他是個內心複雜、幽微到極點的人物。」人物決定後，這本書成為《精衛》最主要的參考書，而王安祈也發現自己的先生其實收藏了很多汪精衛的書，「我覺得在冥冥中召喚出了這個人物。」 從書籍裡，從歷史裡，王安祈翻找出了汪精衛，只是如何改編、是否翻案又是下一道難題。
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戲劇 從漫畫到音樂劇，打造原創情節的「劇場」化《三個不結婚的女人》 挑戰結婚之外的人生關卡
《三個不結婚的女人》（後簡稱《三女》）是台灣漫畫家日下棗自2022年於IG與漫畫星同步連載的作品，講的是3位個性截然不同的姊妹：長相帥氣的基層員警大姊思榕、毒舌美妝YouTuber二姊思彤與戲劇系腐女小妹思瑜，在不結婚的前提下，發展出的單元情境喜劇。其中對話明確擊中當下社會對於結婚、戀愛與單身的各種課題，是《三女》獲得熱烈反響的關鍵。 歷經上半場讀劇音樂會、SHOWCASE等將近一年半的創作過程，由五口創意工作室製作的《三女》終於在今（2025）年推出音樂劇，由孫自怡導演、王詩淳編劇，將故事設定在漫畫發生時間的3年後，以原創情節的方式「劇場」化，展開「與其將就戀愛，不如講究生活」的全新故事。
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戲劇 映照日常的魔幻想像《在獨角獸消失之前》 由「神」到「人」的自我覺醒
《在獨角獸消失之前》（簡稱《獨角獸》）是何日君再來劇團再度與編劇阮慧敏合作，將「命運三部曲」推向第二部。 第一部曲的劇名很長，借用了知名動畫《小魔女DoReMi》裡的魔法咒語，化作《霹靂卡霹靂拉拉波波莉那貝貝魯多再給我一次機會吧！》（簡稱《霹靂卡》），談的是「被『神』寫定的命運」。對團長兼導演的呂俊翰而言，創作《霹靂卡》時「對於『有沒有命運』、『人可不可以戰勝神』這件事情，我覺得答案是蠻篤定的。」但在作品完成後，「我反而對這個答案有點開始動搖。」他所想的是：「每個人的命運某個程度還是被寫定的，但我們真的就可以把所有行為都歸罪於『神』嗎？還是說，我們現在得到的結果，某個程度是我們自己選擇下來的？我覺得這之間的辯證蠻有趣的，才開始有了二、三部曲的想像。」 於是，《獨角獸》在3年多的醞釀下誕生，由「神」到「人」，開啟「人的自我覺醒」的討論。 神諭卡與婚姻 啟發《獨角獸》的劇情與討論 呂俊翰與阮慧敏的編導合作，來自在國立臺北藝術大學時，因陸愛玲老師的課堂需求進行媒合，而《霹靂卡》就是當時創作出來的作品，直到何日君再來劇團創團後，才正式於桃園市景福宮的廟埕演出，同時也開啟何日君再來劇團兩條很重要的創作路線環境劇場與青年劇作家合作。 討論命運的作品走向三部曲系列，雖是呂俊翰的發想，但《獨角獸》的故事源頭卻與阮慧敏有相對密切的關係，一是「獨角獸神諭卡」，另一則是「婚姻」。 簡單來說，《獨角獸》主要講的是莫尼卡這名女性在結婚前夕，發現了一些關係可能失衡的蛛絲馬跡；此時，獨角獸出現，把她帶往獨角獸王國，而王國裡的每隻獨角獸都個別有需要守護的人類，但人類漸漸不再相信他們，因此王國即將崩壞，希望莫尼卡能夠幫忙。 故事中的莫尼卡面對獨角獸的講述，不斷呼應著自己的現實人生；對阮慧敏而言，剛踏入婚姻的她也曾面臨這樣的猶疑。她說：「在這以前，我也沒有覺得它（婚姻）有多重要，可是真的結婚後，就覺得這的確是個人生轉捩點的儀式。」同時，她也結合了自己曾經操作、同時又質疑「獨角獸神諭卡」的過程，藉此將神諭卡裡給予指示與訊號的獨角獸具象化，因而成為《獨角獸》的故事出發點。
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特別企畫 Feature 2024年度現象：02．演出取消直指票房慘淡？無關疫情？依舊疫情？台灣劇場面對成本、行銷與天災的多重考驗
自2020年起，劇場演出取消的原因近乎都與COVID-19疫情有關，舉凡因應不同階段的防疫策略，而被迫調整的各種演出規範，包含演出團隊人員確診、染疫者足跡而有清消需求、國外創作團隊的隔離天數等。 但在2021年7月後，隨著三級警戒的管制逐漸鬆綁，時而升溫、時而穩定的疫情也因確診數、疫苗覆蓋率、防疫疲勞等指標，讓防疫慢慢回到日常，而劇場再次開放，甚至因疫情間相繼取消的演出陸續重返，導致場館、演藝團隊、觀眾等都開始難以消化整體量能。2022上半年，瘋戲樂工作室在臺中國家歌劇院巡演的《當金蓮成熟時》宣告：「離《當金蓮成熟時》台中首演剩下10天不到，我們的票房只有一成，加上疫情持續擴散風險益增，在這劇團從未面臨過的壓力與困境下，為了及時停損與止血，我們必須取消在臺中歌劇院3場的演出。」除疫情之外，「票房」成為壓垮這場演出的最後一根稻草，似乎也撕開了探討台灣劇場票房結構的一條縫隙。 直至2024年，「演出爆量與票房慘淡」始終是近幾年台灣劇場的年度現象，特別是《PAR表演藝術》在2022年雖歸結出兩則年度現象〈全球通膨危機，觀眾荷包空票房也空〉、〈難敵本土疫情驟升，表演藝術票房一片慘澹〉，但其實是從不同因素來探究台灣的劇場票房。而近期則是在資深媒體人江昭倫寫下〈台灣劇場出大事了！〉（註）一文後，聳動標題助燃了業界對此現象的焦慮與恐慌，甚至是無助與無奈。 整體來說，近兩年（2023-2024）因票房慘淡而取消演出場次的比例其實並不高，卻顯而易見地呈現於售票系統、劇團公告裡，是有別於過往的。同時，也愈來愈難以完全歸咎於疫情，探究背後成因的必要性與日俱增，進而成為現今觀察劇場的重要指標。
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特別企畫 Feature 2024年度現象：08．寶寶劇場、青少年劇場現身以「分齡」重塑台灣劇場的「分眾市場」
分眾，是近年劇場行銷的重要關鍵詞。在於找尋劇場觀眾的過程中，更加意識到作品不可能滿足所有觀眾的喜好；更甚者，COVID-19疫情之後，觀眾對於劇場類型、內容、形式的訴求，因應年齡、性別、地理位置、收入水平、價值觀、興趣等面向而有更為明確的分類。 若劇場的分眾概念多從喜好切入，藉此去思考製作面與創作面如何對焦，嘗試更有意識的「觀眾溝通」；「分齡」則可能是更為細項的觀眾分類，且是從創作端出發，去塑造現有的劇場生態與市場，成為近年的重要趨勢之一。 也就是，過往劇場服務的觀眾年齡層多以「成人」為主而「成人」本身就已囊括極為寬廣的年齡層。另一種長期推動的是所謂的「兒童劇」，甚至兒童劇也在持續轉型，在實踐中探索現代兒童的面貌。近年除有勾勾手合作社、陪你長大工作室劇團等團隊，以及臺北表演藝術中心等場館，致力於作品開發與推廣，導入議題與思辨，更有逐漸成熟且蓬勃的發展趨勢在「寶寶劇場」與「青少年劇場」。
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藝次元曼波 HEART to HEART 打破慣性，一起做好玩有意義的事—EX-亞洲劇團X身聲劇場X阮劇團（一）3個劇團的碰撞 打開劇場未來式
EX-亞洲劇團、身聲劇場與阮劇團，分別是位於苗栗、新北、嘉義的現代劇團，過去並無合作機會；這次因為國家文化藝術基金會的藝術未來行動專案，提出「神鬼人間道台灣劇場未來式」計畫，就他們各自的表演系統、身體工法，以神、鬼、人間3種（被）理解脈絡，展開3年期的交流與排練過程。 劇團的3位導演各有所長。來自印度的Chongtham Jayanta Meetei（江譚佳彥）深耕本質劇場，強調身體語彙的當代展現；來自馬來西亞的張偉來，擅長融合表演者的肢體聲音及樂器的運用；台灣在地的汪兆謙，著眼文本、翻轉民俗文化揉合於現代戲劇。這次，我們從劇團的3位演員李昕宜（EX-亞洲劇團）、劉佩芬（身聲劇場）、鍾汶叡（阮劇團）出發，談談他們各自的演員之路，也在認識彼此的過程中展開表演與生命交會的可能。 Q：如果用幾個關鍵詞來自我介紹，跟介紹來自其他劇團的夥伴，你們會怎麼介紹？ 劉佩芬（下簡稱劉）：我叫佩芬，來自身聲劇場。我覺得我是一個很膽小、很懶惰，但又有點想要叛逆的人。 小蝦（鍾汶叡）是個很有活力的人，每次問他意見，都可以給出很有用的想法跟意見，然後⋯⋯有點難控制他。昕宜永遠都是那種最理性、最嚴謹的人，總是會很有條有序地整理導演想法。 鍾汶叡（下簡稱鍾）：我是阮劇團的鍾汶叡，大家都叫我小蝦。我給自己的關鍵詞有3個，第1個是我覺得自己蠻喜歡做造反的事，第2個是我是這個劇組裡的老么，我很enjoy這件事情，另外一個就是我常常會做些不負責任的想法反正我想到什麼就先丟出來，能不能做就再討論，但就很容易就被誤會是在「鬧」。 我會拉著佩芬一起，每次想到可以做什麼就會很興奮，但沒有辦法馬上很嚴謹地執行，於是會邊玩邊做，讓人覺得我們太放肆了。我對佩芬有些偏愛的濾鏡，因為我真的太喜歡跟她玩了，所以我對佩芬的關鍵詞就寫了「我最愛的」，然後我覺得她是個很俐落的人，她剛剛說自己懶惰，我覺得沒有，可能是她對自己很嚴格我覺得他就是那種「時間一到，開關就會打開
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藝次元曼波 HEART to HEART 打破慣性，一起做好玩有意義的事—EX-亞洲劇團X身聲劇場X阮劇團（二）作為演員的壓力，各自面對的瓶頸
Q：台灣的劇場演員其實蠻辛苦的，要承擔很多不同層面的壓力，你們有面臨到什麼瓶頸嗎？ 李：如果到不同城市去做這件事情，確實會有很多現實考量，像是經濟負擔，其實到此時此刻，我都還在想說要繼續做劇場嗎？我真的是一個演員嗎？我真的可以靠這個活下去嗎？我好不確定。 去年，我開始在密室逃脫兼職，才發現「表演」這件事情不只在一個劇團，或是我們常見的舞台上，例如歌劇院、衛武營、兩廳院這種地方才可以發生，原來是可以在其他事情被運用上的，我才慢慢相信自己可以做「演員」這件事情。但我也還是會疑惑，假設我之後都不接演出了，只在密室逃脫裡演戲，那我還是個演員嗎？ 這是種很微妙、很矛盾的感覺。我如果都不在劇場，不在大家一般認知定義的舞台上的時候，我是不是就被拔掉「演員」這個標籤了？這個標籤被拔掉之後，我還是演員嗎？
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藝次元曼波 HEART to HEART 打破慣性，一起做好玩有意義的事—EX-亞洲劇團X身聲劇場X阮劇團（三）跨出圈圈互相認識 激盪出不同的面貌
Q：因為國藝會藝術未來行動專案「神鬼人間道台灣劇場未來式」計畫，你們才能夠認識彼此，在開始接觸之後，你們感受到彼此的劇團有什麼差別嗎？ 鍾：我覺得去年的衝擊比較強。因為第一年就是認識，去年才開始正式工作。 例如那時候來EX-亞洲劇團排《普羅米修斯》，因為Jayanta的排練方法相對凝重，對我來說，他的詮釋方法要很慢，然後要走進心裡最深的地方，再湧出來。我們自己劇團排練時，好像都沒這樣去想過一句台詞，阮劇團比較在意的是台詞背後的動機、角色之間的關係等。 李：我印象深刻是發展的速度。 像是跟Jayanta工作，通常會讓我們有一、兩個小時的時間去發展；但同樣的段落，身聲劇場就大概是半小時，而阮劇團會是10分鐘！ 劉：對我來說也是衝擊很大。 像昕宜講到創作，Jayanta會印圖片給我們，然後看圖，要我們去延伸、去發展，這對我們來講是不習慣的，因為我們比較少用「看圖」的這種方式，也比較少用討論的方式，比較是用身體、用樂器直接做。同樣地，阮劇團也很需要動腦，所以跟他們一起排練，就得講很多話，而身聲就相對少用語言團長都說，不要用你的頭腦，放下頭腦。 同樣是即興，身聲是用身體，阮就像是在用語言。 李：每一團好像都有個自己劇團的翻譯官在解釋導演的想法，但大家其實都沒有講好，誰要負責這件事情，很自然會在過程裡面，有人出面統整這件事情。 鍾：我覺得阮劇團的演員是蠻自由的。 對我而言，我更在意的是「我們這群人」，會有點投入自己的感情，因為跟他們一起玩蠻開心的。
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焦點專題 Focus中山堂劇場╱國立傳統藝術中心高雄園區
中山堂劇場的前世 位於高雄左營的中山堂劇場，是國立傳統藝術中心（簡稱傳藝中心）高雄園區的演出場館，前身為「左營海軍中山堂」。 左營海軍中山堂於1950年開幕，原是海軍集會的場所，後改為電影院，也是劇團及康樂隊勞軍演出的藝文空間。最初中山堂位於軍事管制區內，後來因為兵役制度、國防政策等轉變，軍事管制區開始縮減，因此自1960年代起開放一般民眾觀賞電影，進而形成商圈。1962年，海軍另外興建「文康中心」（左營海軍中正堂），從此中山堂播映二輪國片、中正堂播映二輪西洋片，後期則不再特別區分。不過，這也成為尚未有「週休2日」的年代裡，高雄民眾在經歷5天半的工作後絕佳的休閒娛樂場所。 於1996年就曾到位於高雄的臺灣豫劇團工作、現為傳藝中心企劃行銷部科長的傅寯表示：「一路演變過來，我覺得是台灣整個娛樂環境的縮影。」2009年的最後一天，中山堂吹熄燈號（中正堂也在3年後的2012年結束營業），似乎代表當時的娛樂方式與生態走入歷史。 2013年，高雄市政府文化局將中山堂登錄為高雄市歷史建築，而歷史建築的活化始終是政府的課題，因此在隔（2014）年，時任文化部長的龍應台開始啟動傳藝中心南部園區計畫，經歷數任部長對於規劃的思考與調整，終於在今（2024）年正式啟用傳藝中心高雄園區，其中包含中山堂劇場、臺灣豫劇團與臺灣歌仔戲中心，成為傳藝中心繼宜蘭園區、臺灣戲曲中心（台北）後的第3個園區，並肩負歌仔戲培植、孵育與發展的重責。
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焦點專題 Focus米倉劇場
米倉劇場的前世 米倉劇場前身為「桃園郡米穀統制組合倉庫」，位於桃園市桃園區市中心，於日治時期昭和11年（西元1936年）興建。 與時任桃園市議員范綱祥一同於2017年提報「桃園郡米穀統制組合倉庫」為文化資產保存的建築研究者藍博瀚認為，所謂的米穀統制組合倉庫是在日治後期很特殊的時代環境下出現的倉庫群。主因是大正到昭和初年的米價浮動造成恐慌，日本政府頒布《米穀自治管理法》，由米糧產地的台灣直接興建倉庫，將多餘的米調度使用，隨時平穩米糧與米價。 戰後的1946年，倉庫由「臺灣省糧食局」接收，改稱為「臺灣省糧食局新竹事務所桃園分所」第9、10號倉庫，同樣作為「糧食」存放，而非農會系統以販售為主，「在政府治理的意義來講，是為了要穩定台灣的糧食存量。」藍博瀚如此說明。 這3棟倉庫其實非常相似，藍博瀚表示：「米倉的外觀很素，不仔細看會覺得3棟都長得很像。並且與日治時期印象中的倉庫以紅磚建造的外觀非常不同，米倉都是抹水泥的。」從建築特色、使用素材等方向考察後，大致可得知用於農會、里民活動中心的A棟倉庫，與劇場本體的B棟倉庫皆為日治時期，而目前主要用於行政服務、並作為劇場前台的C棟倉庫則是戰後興建。「它們都是很『模組化』的倉庫型態，最大特色就是當時為了因應大量興建，這類米倉應該都採用統一設計圖的方式。」藍博瀚又補充：「雖然那些圖到現在沒有找到。」但大溪、富岡一帶都有很類似的建物。 他也特別提到，A、B兩棟屬於廣間型磚造建築，外牆間有空氣層，可以達到隔熱與通風效果，構造也可隔離米糧與牆體，避免接觸到磚體的潮氣，這與日治早期、中期的設計是有明顯差異的。 不過，到了1970、80年代，桃園的發展以工商業為主，米產開始下降，再加上農糧署在桃園健行路（林口支線旁）興建更先進的低溫倉庫，加上附近的碾米廠裁撤，米糧不再需要就近存放。在功能逐漸喪失之後，「桃園郡米穀統制組合倉庫」於2017年通過文資身分，公告登錄為桃園市歷史建築，並於2021年開工修復與活化，2022年7月經網路命名活動定名為「米倉劇場」，同年10月正式以新面貌與新身分與民眾見面。
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焦點專題 Focus板橋放送所「傳奇放送科藝文創園區」
板橋放送所的前世 板橋放送所的全名是「臺北放送局板橋放送所」，是日治時代全台5大廣播設備之一，負責強化台北放送局無線電波送到嘉義民雄，達成全台廣播的功能，由台灣總督府技師栗山俊一督造，於1930年完工，隔年啟用。 其建築立面設計強調水平線條與幾何形式，結構採當時最為先進的鋼骨、鋼筋混凝土構築而成。尤其在一樓放送機室與電力室為大跨距空間結構，採用鋼骨梁、 RC板組構而成，牆體則採中空鋼筋混凝土壁。板橋放送所為日治後期的現代主義建築代表之一，既是台灣廣播史的重要場域，同時有建築史價值。 1945年，日本在第二次世界大戰宣告投降，中華民國政府接管台灣、澎湖等地，板橋放送所維持其功能，成為中國廣播公司的中廣板橋發射站。直到2014年產權移交給交通部，交通部觀光局原計畫改建為辦公大樓；但在文史團體爭取下，板橋放送所於2015年指定為新北市市定古蹟。隨後於2017年完成調查研究，2018年規劃設計完成，2019年先行施作戶外景觀工程，開放民眾使用戶外園區。 經2021年2月公告促參（編按：意為促進民間參與公共建設，由公機關徵選民間單位提案），由「財團法人新北市當代傳奇文化藝術基金會」獲選入駐運營，跨域打造結合科技與表演藝術之元宇宙「傳奇數位表演藝術放送所」，主體工程於2021年開工、2022年完工，並在去（2023）年8月開幕營運，（註1）以「Dart傳奇未來科藝共創計畫」通過國家文化藝術基金會「藝術未來行動專案」，逐步成為現今的樣貌。
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焦點專題 Focus不只板橋放送所，你還可以去──
板橋放送所鄰近新板特區，距離板橋車站（三鐵共構）與台北捷運板南線府中捷運站皆步行約10分鐘左右。附近店家林立，提供各種需求，於是林秀偉與吳采璘帶路，提供了幾家他們最常去的店家，期待當代傳奇劇場與太古踏舞蹈劇場的粉絲們，能與她們同行。 1、大魔大滿足鍋物板橋旗艦店 （新北市板橋區實踐路30號） 演員與舞者們在排練過程都需要消耗大量體力，而大魔大滿足鍋物大份量的肉類正好可以讓他們補充蛋白質，然後迎接下一次的演出！ #來這裡說不定會遇到興傳奇青年劇場的青年演員們
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戲劇 青少年自殺議題 + 喜劇？！《行動代號獨角獸》 開啟青藝盟全新創作模式
「第一個是劇名要叫『行動代號獨角獸』，第二個是『青少年自殺議題』，然後希望可以是個『喜劇』。」青少年表演藝術聯盟（簡稱青藝盟）盟主、亦是《行動代號獨角獸》導演的余浩瑋說起創作源頭，丟出這3組關鍵詞。 「青少年自殺議題」與「喜劇」聽起來衝突，無非是余浩瑋希望把沉重議題說得輕盈，保留正向能量。劇名的部分則完全是種直覺，但編劇李屏瑤在接到邀請後，也將這個充滿行動力的劇名往她接觸過的青少年靠近，認為：「他們有時候會問些非常尖銳的問題，但他們其實沒有針對誰，就是這樣講出來，無法收住力道，講完之後也可能會後悔。我覺得這好像是每個世代的青少年都會有的衝撞，只是壓力來源不一樣。」而這群青少年就好像一隻又一隻的獨角獸，獨特卻又未知其中的未知，不只是他人對他們的觀看，甚至也有自己對自己的理解。因此，《行動代號獨角獸》就由此出發。
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戲劇祭儀的劇場化 《牽水（車藏）》轉譯陣頭的文化與生命價值
「（車藏）」在道教科儀中分為「血（車藏）」與「水（車藏）」兩種，而水（車藏）主要在於超渡溺水之亡魂，以脫離苦海獲得解脫。牽水（車藏）是雲林縣口湖鄉的祭儀，每年農曆6月7至8日會於當地蚶仔寮舊金湖港萬善祠和金湖萬善爺廟舉行。該民俗活動起源於清道光25年（1845）的水患事件，磅礡雨勢導致溪水倒灌沿海地帶，一夜之間，從虎尾溪到北港溪沿海一帶全部淹沒，其中蝦子寮與竹苗寮更是死傷慘重，官方保守統計死亡人數為3000人。因此陸續興建兩座萬善祠，並開始牽水（車藏）儀式。 2010年，文建會指定「口湖牽水（車藏）」為國家重要無形文化資產，為雲林縣第一個國家級重要民俗。自2018年起，九天民俗技藝團（簡稱九天）經歷田野調查、廟埕演出後，將在李小平導演、林茂賢擔任民俗顧問下，以「陣頭劇場」登上衛武營，既轉化九天自身的陣頭表演能量，同時也將「口湖牽水（車藏）」劇場化。
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藝號人物 People 戲曲演員鄒慈愛 我就是我自己的主角（上）
其實，鄒慈愛很少演主角。 在京劇行當裡，鄒慈愛習的是老生（註1）。老生對應的劇中人物，往往是主要角色，特別是在流派藝術的發展過程中，老生演員亦曾引領一代風華。 終於在國光劇團即將邁入第30年，再次將首演於2002年、並被譽為國光京劇新美學重要起點的《閻羅夢》搬上舞台，由鄒慈愛演出其中一場的主角司馬貌一位懷才不遇、又指天罵地的書生，被賦予「半日閻羅」的任務。不過，同樣被交付任務，鄒慈愛一開始是不想演的。「為什麼以前不給我演，現在要讓我演了？」或許是賭氣，或許是懷疑，她想了各種拒絕的方式：「我怕票房不好，我怕我演不好。司馬貌這個角色都擺在那，唐哥（唐文華）演過、盛鑑演過，所以我怕我演不好。」她此時笑了出來，説：「其實我就是想要賭一口氣。」 「但後來我輸了，因為我愛演！」鄒慈愛哈哈大笑。