PAR 表演藝術雜誌

表演藝術的跨界演出，早就不是稀奇的事，你可以聽見舞者張口說話、演員起身跳舞、影片幻燈搭配演出或流行樂界的樂團在劇場強力放送等，這種打破過去單一演出型態的創作呈現，可以說是二十世紀以來表演藝術發展的重要面向（註1）。但在台灣，所謂的跨界演出，都還只是點與點或線與線的接連，很少做到全面的結合，因此，此次由有夠驚奇劇團所製作的節目「詩，無處不在II」，號稱結合四十多位不同領域的藝術家的「總體劇場」演出，就格外令人注目。

「總體劇場」概念的發展時期約在十九世紀後期，主要由德國歌劇導演華格納以「完整藝術作品」的歌劇理念，賦予劇場成爲總體藝術的使命；於是，將各類藝術統合運用於演出的總體劇埸的理念，便在二十世紀前期受到歐美劇場界廣泛的引用，成爲劇場跨界演出主要的概念源流（註2）。

平等看待一切元素的創作槪念

「詩，無處不在II」結合了不同領域的藝術家共同集體創作，促成此次演出創作的幕後推手是張永智。「會選擇跨各領域的藝術形式，大概因爲我的性格也是喜愛多重跨界吧」，他說。國立藝術學院戲劇研究所主修劇本創作、目前兼任光武工專藝術概論講師、華岡藝校音樂講師及音樂工作室專業編曲的張永智，不定期參與劇場演出，再加上從小學鋼琴、也愛寫詩，因此對不同領域的藝術並不陌生。爲什麼會想大費周章地找那麼多創作者一起集體創作，張永智解釋，受到諸如亞陶「意象劇場」等理論的啓發，他開始思考全面打破傳統藝術形式的可能。亞陶提出的意象劇埸（image theater）強調在劇場的表演空間中，演員並不是唯一的主體，燈光、音樂……等也應是重要的劇場元素，且彼此有相對應的關係、位置，沒有絕對的主從之別，「所以我們應該平等看待一切元素，把每一種藝術的疆界打破，然後用新的結構方式放在一起」，張永智說。他形容每個領域的藝術家都像是訓練有素的園丁，學了一生的操作技術，然後在熟悉的領域耕掘，「這樣只是挖掘者，而非創作者」，張永智說，如此一來，藝術形式只成爲一套挖掘方式，舞蹈、音樂、文學……都變成一種媒介，所以應該要彼此互相交融，看能「創作」、迸發出什麼新的東西。也因此，張永智在這次演出中找了許多的藝術家共同創作，包括音樂創作、演唱者徐清原、雷光夏和董運昌，以及編舞家譚惠貞、劇場燈光設計黃祖延、電影導演鄭有傑、劇場導演黃少民等。工作方式由一段音樂開始，各領域創作者針對丢出的音樂隨意創作、各自醞釀養分後再回來共同發展，而由張永智作統整的工作。「將各領域藝術家不同想法集結後，我發覺大家關心的還是愛情這個命題，於是一個都會男子的愛情故事就出來了。」張永智說道。在大方向出來之後，創作者開始各自的創作工作，然後固定時間就技術及概念細節開會討論。「我的角色比較像是組織協調、場面調度者，而不是導演」，張永智以劇場的組織圖類比，此次演出最頂端是場面調度，之下爲各類設計者，再下面是文本、表演者、舞者、音樂、演奏者、裝置、燈光、影像……等，所有這些元素都是「演員」，這些「演員」訴說著「一個男人決定用靈魂和惡魔交換一個不存在的女人的愛情」的故事。由於張永智對各藝術領域並不陌生，大概了解各創作者的思考邏輯跟感受，「所以合作過程創作者願意信任我，這是很重要的基礎；因爲藝術家的自我意識比較強，需要他們信任的人來『摸順大家的羊毛』。」張永智笑說。

其實在五年前的「東區藝術節」，張永智即在復興小學的操場做了「詩，無處不在I」的演出。最初對於要做什麼大家並沒有一個清楚的概念，張永智一開始便將自己寫的詩集給音樂、舞蹈等創作者，創作者們用自己的方式解讀之後，就散發出不同的創作衝動，「不一定和我原始作品有關，但不管如何，我扮演媒介的角色就算成功了」，張永智說道：那時是第一次嘗試，沒有遊戲規範，對作品的完成度、概念也不是很清楚，每個人都處在極度不安全的狀態，「也因爲大家都還不成熟，有很多情緒上的問題，一邊摸索一邊試驗一邊大吵大鬧」。

邀請各領域中更開放、專業的藝術家

和張永智一起做過「詩，無處不在I」的演出，過去也曾參與劇場創作、現爲音樂工作室製作人的徐清原，此次將負責音樂藝術設計與規畫；音樂方面，除了他自己，還有四位金曲獎音樂獎項得獎者聯手現場演奏演唱。「『詩，無處不在I』的演出單純是憑著一股衝動，知道要朝向的目標，但沒有焦點也缺乏方法」，談起過去與現在，徐清原娓娓說道：「這次『詩，無處不在II』各領域邀請的藝術家則是更開放、專業，在藝術形式整合方面會較有機、更富創意」。

「對我而言，是一個很特殊的學習機會」，編舞家譚惠貞表示，這次最大的收穫就是能和其他領域的創作者共同溝通，了解他們對作品關注的面向爲何。然而初嘗此種演出形式，譚惠貞表示，雖然大方向已經出來，但因爲有太多創作者一起工作，無法像過去自己可以確實掌握演出，「剛開始不知道權限在哪裡，容易自我設限；也因爲不確定總體創作作品會是什麼樣子而心不安……，不過現在則有期待的快感」；也因此，譚惠貞這次在選擇舞者上花了很多時間，「對周圍變化是否能敏感反應」是她考慮的重要條件，「因爲一旦各領域創作作品完成、要兜在一起時，一定有許多地方要溝通協調，因此舞者必須具備馬上反應、修改原本方向的能力」。

此次擔任影像設計的電影導演鄭有傑，今年完成的第一部電影短片BABYFACE即獲邀金馬國際觀摩影展。由於張永智爲BABYFACE擔任配樂，兩人因而結緣。「感覺好像是王家衛的拍片方法，不知道完成的到底會是什麼東西；但這也是好玩的地方」，鄭有傑說道，此次和許多創作者合作的過程中，對自己創作風格有更進一步的了解。過去拍片，有時爲了某種戲劇性的效果，他會放進一些不合理的元素，但因爲是屬於自己的創作，可以自成一種邏輯；可是現在不確定其他創作者會丢出什麼，所以自己的創作部分如果有不合理的地方，當最終和別人的作品並置時，一定會被觀衆察覺，「創作需要完全誠實，這也讓我重新檢驗自己」，鄭有傑說道。

擔任空間設計與規畫的曾玉潔，並無其他創作者在初期創作階段所面臨的心慌，因爲對她而言，最慘的會是最後進劇場那幾天：「其他領域的藝術家是在前期創作作品，我是要在大家的東西都放進劇場之後，才開始我的設計。」因爲進劇場後就開始會有一堆技術上的問題必須克服，在空間設計的概念上，面對各個創作作品，她將以「簡化」、「動靜態演出協調」爲目標，讓動態表演進行時，個別元素皆能突出；而靜態展示時，空間配置也能得當。另外，現場除了裝置藝術家謝宿蓮等人的作品外，曾玉潔還向許多朋友借了畫作、複合媒材或攝影等作品來豐富空間，並靠著一些技術性的調整，比如裱褙的改裝，來強化每個演出區域的風格。

觀衆席也是裝置的一部分

此次參與的創作者，有的過去曾和張永智合作過、有的是他平常欣賞而在此次大膽相邀，「共同的特點都是自我完成度非常高、同時也願意和不同領域的藝術家共同激盪創作」，張永智說：「到時演出會是『你泥中有我我泥中有你』，分不出這是誰的作品」。而演出前幾天安排的小型演唱會、舞展，部分是總體演出時的片段，部分則是新創或延伸的，主要是讓創作者有獨秀、發展的空間。此次演出，對觀衆而言，也會是一次新鮮的經驗；共有四百個觀衆席──所有椅子皆是裝置的部分，觀衆可坐可臥可躺；看戲看累了，閉上眼睛只聽音樂也可以。演出現場還有吧台，觀衆可憑票券喝咖啡、喝酒。「詩，無處不在II」不同型態、不同樣貌的演出方式，相信不論是觀衆或創作者，都能體驗到一番藝術新滋味。

註：

1．「二十世紀戲劇的回顧與展望」，《表演藝術》雜誌第九十一期之特別企畫。

2．請參考〈藝術元素的重組與再製〉一文，《表演藝術》雜誌第九十一期。

特約撰述｜祁媚雅