擁有來自超過廿二個國家的七十二個表演場館及藝術組織會員，亞太表演藝術中心協會可說是亞太地區重量級的表演藝術組織。在暌違十一年後，國家兩廳院再度主辦亞太表演藝術中心協會年會，以「亞太連結」為主題，反映趨勢、架構亞太地區的發展現況與合作網絡，並探討區域網絡所扮演角色、藝術中心及創作之間的關聯。而在三天講座所探討的方向中，最令人深思的是，廿一世紀的亞洲表演藝術，要如何定義亞洲，進而在全球文化中標示鮮明的文化定位？
廿一世紀的網路時代，資訊整合連結成為主要課題之一，各方經濟體擴展市場之際，表演藝術如何在其中呼應變動？而台灣由於島國的地理條件，在節目成本與製作執行等方面較之他國更為受限，如何與其他區域連結交流或共製節目，亦成為近年來表演策畫的重點趨勢。
亞太表演藝術中心協會（Association of Asia Pacific Performing Arts Centers，簡稱AAPPAC）成立至今十六年，擁有七十二個表演場館及藝術組織會員，分布所在超過廿二個國家。今年的年會，在暌違十一年後再度由國家兩廳院主辦，於十月廿五日至廿七日，集結亞太地區近百位人士於一堂，以「亞太連結」為主題，反映趨勢、架構亞太地區的發展現況與合作網絡，並探討區域網絡所扮演角色、藝術中心及創作之間的關聯，以及當今表演藝術產業所面對的關鍵課題等，以尋求建立更廣且密切的交流合作平台。
為期三天的講座，大致提出的方向有：強調軟硬體結合之重要，亦即人才創意與場館條件；各地藝術中心的對當地藝術發展之責任與品牌建立；新世代人才的培訓與未來延續；區域連結下，節目共製的意義。其中最令人深思、但龐大難解的是，每個地區都自問，廿一世紀的亞洲表演藝術，要如何定義亞洲，進而在全球文化中標示鮮明的文化定位？
林懷民：「東方文化在哪裡？」
首先是由林懷民在其「如何在廿一世紀烹飪米食？」的演講中提出此問，指出亞洲國家的表演藝術有哪些展現文化的可能。雲門舞集的作品向來被視為融合東西方舞蹈與身體觀念的成功典範，儘管擁有諸多輝煌肯定，林懷民依然在巡迴世界的經驗中強烈感受到，西方人所固著的東方想像。曾被甫觀舞完的西方觀眾問道：「作品的中國文化在哪裡？」林懷民了解這起因於現實與藝術創作的差距。
尤其是當代劇場以西方為主，亞洲表演藝術創作者在面對世界與認同問題時，為了定義創作中的文化根源，常擺盪於傳統與當代之間。林懷民以一連串的影片介紹，迅速拉出亞洲當代舞蹈的輪廓。探討亞洲創作者在不同時期選擇之方式，如八、九○年代的編舞家多選擇：以傳統融合當代表現手法、以傳統技巧為基礎另創之舞蹈語彙、以當代語彙表現傳統概念，或反之。過渡期之基礎建立與尋找的意味濃厚。
新一代編舞家則嘗試擺脫傳統束縛，另創當代的自我表達。有的回歸與土地之間的聯繫、新詮部落傳統，有的與科技藝術結合，探尋當代身體命題。對此，林懷民認為，現在各國藝文界的交流往來頻繁，其中必定會觸碰到世代的差異，當我們思考「如何談論亞洲」時，也必須與年輕世代的創作者和觀眾對談，才能開啟藝術中心的未來展望。
藝術中心的品牌建立與節目共製
現任澳洲阿得雷德藝術中心主辦之澳亞藝術節總監Jacinta Thompson，和韓國策展創意製作人Kyu Choi有密切的節目共製合作關係，在「連結創意與場域」的講座中，兩人特別分享跨國合作的經驗與看法。
澳亞藝術節是一獨特的表演創作平台，提供給亞、澳兩洲藝術家做跨文化的合作創作。由於表演藝術的作品創作過程已十分複雜，當其牽涉到不同傳統、文化、語言時，兩方製作單位如何將各方觀點整合為一，使之順利於不同國家上演，更需要積極溝通與友誼信任。
在澳亞藝術節的經驗中， Thompson認為場地資源和傾聽彼此文化是跨國製作順利的關鍵。由於各國表演場地在規格和硬體設備上不盡相同，製作節目時便要注意到這點，或是接待其他國家的表演藝術團隊，要幫助對方依場地限制調整適應。此外，了解彼此文化是交流的另一重要基礎，例如，印度觀眾認為一齣戲一定要長達三小時才能把故事說清楚，這是他們的劇場文化，然而一樣的長度到澳洲卻行不通。共製節目就要針對不同區域的民情剪裁改變，也成了導演和製作人的重要挑戰。
網路資訊便利快捷的今天，Thompson覺得更需要像澳亞藝術節這樣強調面對面之重要性的藝文活動，不但是國家間的政治交流，也有跨文化的探索。為此，藝術節特別製作亞洲白皮書，以定位澳洲與亞洲國家之間的合作可能。
Kyu則是於二○○五年展開週期性固定的國際共製與駐村計畫，成功撮合韓國團隊與其他國際藝術家的聯合製作，並積極拓展「亞洲創意製作人網絡」。對他來說，共製的概念，除了國際，也包含不同領域的跨界合作。
Kyu指出，製作人關照的面向很多，除了掌握藝術家的創作特色和觀眾期待，也必須考量藝術與市場要產生何種衝撞，以及國家與國際的不同概念，如何影響作品的定位。而各地藝術中心也必須在節目策劃上有清楚的特色，如此，觀眾對場館品牌容易有認同，藝術團隊則更清楚藝術中心的任務與目標。由於「亞洲定義」的問題在年會中不斷被提及，Kyu認為這正是他在國際共製時特別思考的，如何以製作人的角度，協助藝術家意識到自己也是世界的一部分，進而從文化層面出發、創造身分與歷史的溝通平台。
歐盟視野、新世代策展人之展望
歐洲節目共製與區域連結的模式由來已久，在「國際合作模式探討：以歐洲為例」此講座中，兩廳院特別邀請前亞維儂藝術節總監費弗爾．達榭（Bernard Faivre d'Arcier）和前歐洲藝術節協會秘書長Hugo De Greef，為與會者提供運作組織與實際狀況之分享。
達榭表示，歐洲自八○年代開始就有三種合作網絡模式，運作至今。第一是歐洲劇場聯合組織：遠從莫里哀時期，歐洲便奠下了劇場的定目劇與巡演機制，成為今天的基礎。而從二○○○年開始，聯合法國、德國、比利時、義大利、葡萄牙、芬蘭六個國家的城市藝術中心組成“PROSPERO”，以共製方式，創作出有歐盟視野、前瞻性的劇場作品。其共製節目便有基本六國藝術節的巡演行程，開放的當代品味受到國際重視，如，曾應邀來台演出的義大利導演卡士鐵路奇（Romeo Castellucci）即是由此發跡。
第二是官方文化單位對聯合製作的資金支援。如英國文化協會、法國在台協會、歌德學院（德國文化中心）、塞萬提斯學院（西班牙語文化中心）等，這些單位都資助並促成跨國的聯合製作。第三種合作網絡，則是有如藝術經紀、劇院間的巡迴合作模式，例如兩廳院與卡菲舞團的合作，加上編舞家莫蘇奇亦是Créteil國家編舞中心的總監，將共製節目《有機體》推上里昂舞蹈雙年展的舞台。此借鏡於巴黎與其他劇院或團隊的合作模式，也成為台法交流的範例。
目前擔任比利時文化部顧問的De Greef，則強調必須要先定義歐洲當前的狀況再做聯結。今日談到歐洲時，要將地理條件、政治現實和藝術現況都考慮進去，尤其是歐盟體是否改變了什麼、國家的概念是否隱退等問題。歐洲現在多以城市的藝術中心作為當地的藝術指標，因此城市藝術節必須展現出領導企圖、建立對話場域。De Greef現為「青年藝術節策展人工作坊」的總召集人，工作坊中有來自世界各地的年輕世代，以連續數天的規劃、討論策展，並將成果延續至其他國家。他認為這眼前最必要的，透過論壇與組織，以歐盟的角度談論各自的文化定位與特色，並從中試著建議、假設歐洲可能的新未來。
藝術中心的活化與永續發展責任
來自澳洲的連納智（Michael Lynch）長久致力於藝術行政的工作，在「探討場館區域整合」的講座中，分享其在香港西九文化區管理局行政總裁的現職上，於規劃場館時的心得與想法。香港因政治特區的特色，較容易維持藝術表達的完整性，但也是規劃時的最大挑戰，如何考量政治因素，並適時地做一些體制上的革命，是最微妙的拿捏。與中國政府共事，「溝通和交流觀點」成了重要議題。目前西九文化區仍在硬體建設和建立管理的階段，但已廣邀藝術家和表演者提供意見，納入建設的整體思考，以創造人性空間。
與鄰近區域的連結是場館的首要功課，連納智認為，藝術中心的經營必須包含公共開放與民主化，聯合藝術家和當地社群互動，活化教育功能與機構力量。連納智觀察，台北的藝文活動非常盛興，然而離開台北不過半小時的車程，為何就沒有蓬勃的當代藝術發展？於他而言，便是少了如上所述的當地場館經營，而這是非常迫切的。面對場館與區域連結的議題，連納智特別提醒，藝術中心的負責人必須意識到，地球正到處受到破壞，此時，能夠興建大型建築是一種權力。藝術中心必須要對未來的文化趨勢有所前瞻，使其永續發展，這正是場館經營的最大責任。
