PAR 表演藝術雜誌

法國編舞大師瑪姬．瑪漢（Maguy Marin）充滿創意與哲思的舞蹈世界，顯現出日常生活的豐饒趣味與人性的多元價值。不同於追求感官效果的編舞家，她的作品充滿了細膩的情感和普世的關懷，讓觀眾意猶未盡、回味無窮。筆者在訪問她時，深深感受到她作品所蘊含的勇氣與樸實。她以一種和藹親切的態度分享工作經驗，並直接表達出她對於當代表演藝術發展的隱憂。儘管她曾因為創作風格的抽象性和重複性而飽受批評，但她樂於接納所有的意見與回饋，並把它們當作是持續創作的動力。

近年來，她嘗試走進人群，用親民的風格反映她對現世的評論。二○一四年首演的BIT藉由充滿變化的節奏表現出群體的力量，彷彿鼓勵著個人走出封閉的世界，團結起來對抗現世的陰暗與顛簸。在此次訪台演出的《臉》Singspiele中，瑪姬．瑪漢則運用肖像探索每個人內心深處脆弱的靈魂。

《臉》是她與兒子大衛．曼布希（David Mambouch）首次共同創作。來自舞蹈與戲劇兩種不同領域的母子彼此深刻交流、擦出精采的火花。透過簡約的動作、迷幻的氛圍，本作帶領觀眾進入一種意識之外的探索、充滿想像的世界。舞台上的表演者究竟在扮演、詮釋還是活在當下？瑪姬．瑪漢和大衛．曼布希邀請大家一同閱歷他者臉上的風景，傾聽人類存在的慾望。

Q<：《臉》的外文劇名Singspiels出自於德國的「說唱劇」(Singspiel)（註1）。為何您會選擇這個融合說白、演唱和音樂的劇種作為演出名稱？

A：我和大衛的工作先從低聲吟唱開始。那不算是唱歌，而是整個表演都有一股聲音在背後輕聲低吟。那股聲音彷彿在訴說一個故事。說唱劇利用對白和演唱去描繪一個故事。此次演出名稱使用其複數形態，暗示將有許多不同的故事在台上鋪展，角色的生命會隨著低吟歌唱逐漸展開。

Q：這次您為何想與劇場演員合作？

A：一九八一年創作的May B只有一半的表演者有專業舞蹈背景，另一半則沒有。我的作品一直在探索身體的可能。我可以與來自不同領域的表演者一起工作，但首要的原則永遠是從身體出發。在創作的時候，我可能需要一些有專業技巧的舞者，但我也可以跟其他領域的表演者一起合作。

Q：《臉》的靈感來自法國哲學家列維納斯(Emmanuel Levinas)關於他者面容的論述。在這齣作品裡，臉龐扮演了相當重要的角色，它給人一種熟悉卻又陌生的感受，也引申出本我與他者的思考。為何您會選擇這個既平凡又具有個人特色的元素？

我一直對「臉」充滿興趣，長久以來我許多創作也從這個概念出發。多年前，我創作過一齣關於女性面孔的小型演出，但我沒有把它再延伸成一個更完整的舞作。我有很多作品的靈感都來自於列維納斯的論述。其實，大家很少細看每個人的臉龐。我們觀察人，卻不會注意到他們面部的線條，與其散發的力量。一張陌生的臉可能會讓我們想到與他者的關係、彼此的差異。於是，我和大衛決定先朝著這個概念出發，透過舞者和演員身體上的不同去展開這次創作。我們試圖突顯出每一張臉的獨特性，對觀眾提出以下幾個問題：要如何看一張臉，發現他的內涵？怎麼建立與他者的關係？每個人的形象如何開始蛻變、發生變化和轉移？

Q：您怎麼挑選所呈現的肖像？為何會選擇用照片，而不是面具？

A：照片有一種面具無法取代的特質。面具太過戲劇化，而照片完全複製了真實的面容，彷彿單純的影像被賦予了一種生命。其實，這齣創作的形式就如同面具表演。但我們盡量避免面具帶來的戲劇性，選擇用照片讓觀眾回歸平凡的生活，就像走在街上。我們將蒐集而來的照片貼在一張大牆上，由我和大衛細心挑選。整個挑選的過程就像是與陌生人相遇。被選中的照片背後都讓我們覺得有一段獨特的故事。

Q：為何您在作品中融合了知名人士和一般百姓的面孔、古典和當代的肖像、照片和畫像？

A：我覺得，在演出過程中看見一些知名人士淹沒在芸芸眾生之中，整個作品會變得非常有趣。這會讓大家用另外一種角度觀察這些熟悉的面容，去發現一些新的事物。這也會使觀眾思考：為何這些似曾相似的面容變得如此陌生，它們透露出什麼全新的訊息？在舞台上同時呈現無名的、知名的面孔、甚至像面具一樣人工化的肖像，就如同水平成列出每一種人，讓觀眾逐一省視他們，用一種不同的方式觀看眼前的他者。

Q：《臉》運用換衣服的動作和簡單的姿態去形塑角色的轉變。您如何從照片發展這些片段的日常姿態？又是怎麼把所有面孔串連起來？

A：一切都是慢慢探索出來的：姿態、服裝、角色的節奏……等。每一張面孔都給我們一種獨特的感受，一種屬於他身體的節奏感——儘管他真實的身體並不存在。我們試圖捕捉每一張臉傳達出來、關於他身體的訊息。也許，人們永遠用相同的姿勢在穿襯衫。但根據不同的節奏、相異的狀況，這個動作會變得完全不一樣。緊急狀況下和放空的時候，我們不會用同一種節奏穿襯衫。藉由穿衣服這個動作，我們尋找出各式各樣身體的不同節奏。

基本上，所有面容的探索都是分開的。我們會同時與好幾張照片工作，但其實彼此之間根本毫無關聯。接著，我會用一種宏觀的角度看待所有挑選的照片。試圖呈現出人類形形色色的樣貌：男性、女性、同性戀者、跨性別者……等。我把每一張臉攤開來重新檢視，也許它們之間會出現斷裂，那就得再加上另一張照片使轉變的過程變得更流暢。

Q：可以說身體的節奏是讓您將主觀化為客觀的創作關鍵嗎？

A：沒錯。當我們發現照片被注入一股生命，一切就成立了。這也是發展創作的準則：要讓這股生命力不斷延續，不會在換了一張肖像之後而中斷。要讓呆板的影像活起來、並在變臉的過程中持續讓生命流動，這需要非常細微、精巧的工作。透過川流不息的生命，我們會發現每個身體的脆弱、他們共通的人性、與滲透其中的動人靈魂。

Q：在發展創作時，您已經有了狹長舞台的概念了嗎？

A ：不。整個創作過程先從面孔開始，舞台空間是在偶然的情況下產生的。《臉》的表演者要在不消失的條件下，讓大家看見怎麼從一張臉孔轉變成另一張面容，又得一直保持源源不絕的生命力。就像是走在平衡木上，不能讓自己踩空掉下去。要先確定舞台動作的基本線條，才能發展空間。

Q：這個作品裡，表演者基本上是從左舞台往右移動。他的線性動作使人想起《環鏡》中時間的流動。為何您會選擇以水平的方式發展舞台動線？

A：在《環鏡》中，的確有利用消失製造出一種循環的運動。隨著舞台上的動作一直顯現又消逝，不同的人彼此更迭，產生一股流動感。但在《臉》中，舞台動作就像是拉著一條繩索、永遠都不鬆手。從頭到尾，舞台上都只有一個人拉著這條繩索。《臉》主要描述舞台上個體的存在及他的變化。他每換一種身分，就會帶來一種全新的氛圍。我認為這營造的空間感比時間性來得強。在音效的處理上，也會讓人有置身都會、在他者空間徘徊的感受。一切就像一種漫遊。觀者散步在城市之中，他看見這些不同的時間、風景與在這空間來來去去的人們。其實同樣具有時間性與空間感。我覺得觀者其實本身也在移動，就像是他正在街上漫步閒晃，不停地與陌生的他者相遇。

Q：您的作品經常來台灣巡演，也受到本地創作者的一致好評。您有什麼建議可以給予台灣新一輩的創作者？

A：要用一種非常開放的態度去觀察這個世界，捕捉它周圍的所有能量。不要把自己的世界局限在藝術或舞蹈上，而要感受到我們生活周遭有什麼事情帶給我們影響，鼓舞我們去工作、投入創作之中。要從藝術、劇場、舞蹈這些小圈圈裡跳出來，敞開地擁抱這個近在咫尺卻又廣漠浩瀚的世界。就我看來，經常閱讀、觀察人們都是滋養我們創作的材料。藝術家無法只跟形式工作。他必須找到內在的必要性、一種促使他行動的力量。就我而言，這就是創作的動力。就是因為這個世界如此糟糕，我們才有義務去集體發聲與討論。是這股衝動激發出形式、引導著創作。

Q：二○一五年開始，您的舞團正式入駐里昂郊區的Ramdam（註2）。您與許多團體一起合作，試著將這兒發展成一個獨立的藝術中心。可以為我們介紹一下這個計劃嗎？

A：Ramdam目前由三個團體合作經營，主要提供給年輕的舞者、演員、音樂家一些訓練。我們每年邀請十多個團體來駐村，每個團體都保有自己的獨特性、創作風格。在這兒，大家不但可以集體工作，也彼此分享著不同的藝術形式、想法和評論。當今的社會中，藝術變得愈來愈商品化，有理想的藝術家愈來愈難以生存。政治人物愈來愈看重數字、觀眾人數，要求藝術工作有一定的營利。這也影響到一些劇院總監，甚至是藝術家們，他們愈來愈想要成功，吸引大量的觀眾。我認為這有損於藝術創作。藝術家應該要不顧一切，保有一種堅持、研究的精神。因此我才想成立一個自由創作的園地，讓年輕的藝術家可以繼續學習，拓展他們的人際脈絡，有機會發表他們的作品。Ramdam的精神在於一種分享、一種團結性。它讓我們學習怎麼在有限的資金下，彼此合作、延續創作的精神。

Q：可以談一下您最新的創作嗎？

A：我最新的作品會在二○一七年十月首演，會有十名表演者，五男五女。這次我會跟音樂家Charlie Aubry合作，並用現場演奏的方式呈現。這個計畫也建立在節奏之上，但會強調出更豐富的戲劇效果。但目前整體計畫都還在籌備之中，我也無法確定最後的成果。

註：

1. 發展於18世紀末的說唱劇是將對白音樂化的演唱劇種，帶有喜劇風格與奇幻色彩，深受當時德國群眾喜愛。許多知名作品都以說唱劇的形式演出，例如莫札特的《後宮誘逃》Die Entführung aus dem Serail 、貝多芬的《費德里奧》Fidelio、韋伯的《自由射手》Der Freischütz等。
2. 1995年，瑪姬．瑪漢收購了位於聖福瓦萊-里昂（Sainte-Foy-lès-Lyon）的一座細木加工廠，將其改造為提供藝術家駐村、發展創作的自由園地——Ramdam。2012年，在卸下Rillieux-la-Pape國家舞蹈中心總監職位後，瑪姬．瑪漢決定將舞團進駐自己的故鄉土魯斯（Toulouse），但當地市府無法給予舞團一個長期工作的地點，於是瑪姬．瑪漢決定在2015年將舞團遷移回獨立營運的Ramdam。