理查．華格納（Richard Wagner）的歌劇鉅作始終是音樂殿堂裡巍峨的高峰，回顧國家交響樂團（NSO）近年來的演出，從指揮簡文彬 2002 年選定《女武神》（Die Walküre）第三幕作為樂團「歌劇系列」的跨越性嘗試，為 2006 年的全本《指環》歌劇演出奠定了關鍵基礎，到呂紹嘉在2013年至2017年間領軍演出的《女武神》，這部經典已在此舞台激盪出多種面貌的詮釋。2026年盛夏，《女武神》的樂聲將再次響起，由現任音樂總監準．馬寇爾（Jun Märkl ）領軍，帶來備受矚目的半舞台（Semi-staged）形式音樂會。此次製作在劇場導演涂也斐的操刀下，以截然不同的視角剝開北歐神話的厚重外衣，引領觀者走入一場關於權力、愛與自我覺醒的深刻叩問。
褪去神話光環，窺探家庭與權力的角力
在涂也斐眼中，這齣鉅作更像是一部深刻的「家庭劇」，將宏大的神界恩怨轉化為你我周遭的真實情境。她認為在父權體系下，諸神之王佛旦（Wotan）的種種謀算，無非是將子嗣視為延展自身野心的工具。相對於男性的權力追逐，劇中女性的樣貌反而展現出更為幽微的層次。導演形容掌管婚姻的女神佛麗卡（Fricka）不再是刻板印象中碎念的婦人，而是洞悉一切的現代伴侶：「她其實是完全看穿佛旦的，她知道怎麼跟他談判，也是故事中唯一談判成功的人」。此外，反派角色渾丁（Hunding）的氣質亦被巧妙設定為猶如當代「黑手黨」，這種帶有幽默感的切入點，讓遙不可及的神祇與世俗產生了真實的連結。而在全劇高潮處，當佛旦最終因妥協而流露出不捨的父愛，那份從無上神性跌宕至平凡人性的拉扯與痛楚，更成為最能觸動觀眾心弦的深情時刻。
覺醒的靈魂核心，充滿動作感的音樂張力
整部鉅作中最耀眼的核心，無疑是女武神布倫希德（Brünnhilde）。有別於祈求男性救贖的傳統形象，涂也斐認為她才是文本裡真正的英雄，但藉由這位靈魂覺醒的戰士，製作團隊也進一步對當今社會拋出尖銳提問：「我們需要英雄嗎？如果我們需要有人做這樣的犧牲，他的犧牲是值得的嗎？ 」導演將這份思考連結到當今的台灣甚至全世界，反思在這個時代下「誰是應該去做這個犧牲的人」。在聽覺層次上，華格納的主導動機在此次展演裡被賦予了宛如影像敘事般的奔放動能。涂也斐在細膩地反覆聆聽後察覺，全劇本質宛若一部充滿追逐與愛戀的動作片：「華格納非常清楚所謂音樂中的動態感究竟是什麼……他所描述的，其實是一種動作。 」因此她萌生將音樂具象化為「肢體律動」的大膽想法，希望讓演員在舞台上「跑起來」，展現躍動能量。經過與馬寇爾共同討論並獲得支持，因此，在指揮引導下的樂團音符將與舞台調度緊密貼合，讓聲樂家的肢體在靜態與奔放間自由轉換；甚至在第三幕氣勢高昂的樂音中，安排女武神們展現躍動能量，替經典樂譜注入全新生命。
神聖幾何疊合光影，構築「誰在凝視」的哲學辯證
即便在資源與空間受限的條件中，精煉的視覺語彙反而催生了更具象徵意義的空間營造。本次演出不僅將聲樂家安排於舞台上方，更巧妙運用了階梯設計，正如涂也斐指出「階梯本身就是一個階級的象徵」，透過高低落差，人物間的支配地位不言而喻。為此，此版的視覺建構，企圖將抽象符號與動態節奏完美揉合。涂也斐計畫：「此次歌劇整體視覺以北歐神話、幾何符號與華格納音樂為三大設計元素，嘗試將其轉化為劇場舞台燈光和投影語言。」
這份設計理念進一步延伸，將現代極簡的「動態幾何與主導動機視覺化」，從強調視覺語彙和演員表演的現代感與音樂性切入，將華格納的音樂結構用高度抽象的畫面線條呈現。更具體而言，「舞台投影部分利用幾何線條的構圖，抽象表達與建構場景，並從場景文本中擷取最重要的視覺元素，放大解構再重組，進而搭建渾丁小屋具象物質的環境投影，並逐漸演變擴張到第三幕女武神登場神話感十足的魔火岩石宇宙，將整部歌劇的『命運』主題視覺化，突破觀眾既有視覺的想像空間。」再搭配黑、白、金、血紅等高對比色調的星艦風格服飾，視覺語彙的層次更加豐滿。
主創群還在布局中埋藏了一層「上帝視角」的暗喻。佛旦俯瞰著如齊格蒙（Siegmund）般的凡人，佛麗卡注視著渾丁，但究竟是誰在看著佛旦，然後又是誰在看著現場的觀眾？」，這份層層遞進的凝視，打破了劇場的單向界線。當層次豐富的投影最終亮起，我們不僅是傳說的旁觀者，更在這場盛大的交響音樂會中，照見了隱含其中的人性共鳴。
