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李秋玫
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話題追蹤 Follow-ups踏上古老且陌生的國度 敲響傳統與創新
朱宗慶打擊樂團（以下稱朱團）明年1月即將邁向 40 周年，這無疑是值得慶賀的里程碑。然而回望過去，這段歷程並非一帆風順，而是經歷無數努力與奮鬥而來。作為一個民間團體，樂團甚至一度思考過存亡的問題。朱宗慶坦言，樂團的價值「不能以數字衡量，而應從歷程來看」。 回顧全球發展歷史，打擊樂團能延續至 40 年者極為罕見。朱宗慶指出：「從歷史法則來看，全世界的打擊樂團幾乎沒有超過 40 年的例子。」他回憶 2022 年赴美時，曾親眼見證過去極具代表性的阿馬丁達打擊樂團（Amadinda Percussion Group）在一場演出結束後，當場宣布解散。自此之後，除了已走過 63 年歷程的史特拉斯堡打擊樂團（Les Percussions de Strasbourg）之外，以職業型態運作超過 40 年仍持續運轉的團體，放眼全球也僅有史特拉斯堡打擊樂團與朱團。 3年疫情時期，朱宗慶打擊樂團同樣受到嚴苛的考驗。直到 2022 年赴美巡演時，他深受鼓舞：「那次演出共有5首作品，每一首都獲得全場起立鼓掌。那兩千位觀眾不是一般民眾，而是來自世界各地頂尖的打擊樂家。」然而回台不久後，樂團便遭遇火災。朱宗慶回憶：「當我們以為終於站上高峰時，一場火災發生，但我們第一個決定就是不打悲情牌，要勇敢活下去。」 2022 年 4 月 2 日，朱宗慶卸下國表藝董事長之職回到樂團，立下決心要陪伴團隊完成轉型與再生。他推動名為「動能循環」的計畫，花了半年時間，要求所有團隊成員每日撰寫公務日誌，從中徹底了解樂團內部運作狀況。朱宗慶坦言：「朱團表面看似良好，實際上包含基金會、教學總部等，加起來約兩、三百人，內部挑戰非常大，這對我而言是極大的考驗。」 在這樣的覺察中，他開始思考如何帶領樂團走向下一階段。於是誕生了所謂「倒數 1000 天」的行動計畫（編按：從40周年倒數），其核心是一次根本性、革命性、翻轉性的改變。不僅要翻轉朱團的歷史，也要翻轉整個系統，包括樂團、基金會與教學體系的全面革新。 創團以來，朱宗慶始終以「現代與本土、傳統與現代」為藝術核心理念，並認為唯有主動尋求與世界的交會與創新，才能推動藝術永續發展。他說：「我們的改變，就是想辦法從世界各地匯集、交流、創新。」因此，他們在多重事物的進行之中，以「奧德賽計畫」為名出發，
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藝@CD穿越時空，重現巴洛克本真之聲
台北室內合唱團（Taipei Chamber Singers）的第13張專輯《璀璨巴赫》（Bach Cantatas），是台灣合唱界邁向國際古樂（早期音樂）領域的重要里程碑，也是歷時3年的「音樂本真行動」計畫的完美總結。這張專輯不僅是合唱團首次與國際唱片公司合作發行，更是他們第一張提供線上串流的專輯，以及台灣第一張以古樂版本詮釋的巴赫清唱劇專輯。 跨越浪漫，追尋巴赫音樂的「心法」 長久以來，台北室內合唱團在「文藝復興」與「當代音樂」兩個相對的領域皆表現出色、屢獲國際獎項。有鑑於在詮釋巴洛克音樂時，台灣多數合唱團仍以「交響管絃樂團＋交響合唱團」的模式呈現，較少關注「音樂本真演奏」（註）的觀念。合唱團企劃經理鄭逸伸提到，當團隊思考如何與古樂團合作時，歐洲古樂專家強調的重點並非只是音色或情感，而是「從手稿、樂器特性去理解音樂線條與音形的真實樣貌」。他引用歐洲專家的說法指出：「他們能掌握心法，那個心法就是音樂的思維。」 為了掌握這樣的演奏語彙，合唱團展開了為期3年的研究與訓練計畫，向歐洲古樂與巴洛克聲樂專家取經，將歐洲領先的音樂語法知識轉化為實際的演唱技巧。 樂器與人聲的共振 《璀璨巴赫》的製作陣容可謂星光熠熠，由屢獲「留聲機大獎」的古樂大師皮耶．韓岱（Pierre Hanta）擔任指揮。韓岱曾任教於巴塞爾音樂院，被譽為大鍵琴宗師雷昂哈特（Gustav Leonhardt）的精神繼承者。 專輯邀集法蘭西古樂團（Le Concert Franais）4位歐洲頂尖獨唱家合作女高音朵洛．梅爾蒂（Dorothee Mields）、女中音瑪格特．奧辛格（Margot Oitzinger）、男高音弗羅．西弗斯（Florian Sievers）、男中音馬蒂亞斯．維爾（Matthias Vieweg）。 為達到巴洛克時期的演奏標準，合唱團經歷了嚴格訓練。鄭逸伸透露，團內特別挑選16位成員參與，加上獨唱家共20人。這正是韓岱心目中清唱劇的理想規模。在長時間的訓練與排練中，團員們學會與古樂器「共呼吸」與「共聆聽」：「我們第
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焦點專題 Focus雙巨匠領航，臺北市立交響樂團暌違6年亞洲巡演
臺北市立交響樂團（TSO）於10月中旬圓滿結束了前往日本福岡、熊本、防府，以及韓國富川、統營共5大城市的亞洲巡演。這是 TSO 繼 2019 年美國巡演之後，暌違6年再次踏上國際舞台的重要里程碑。本次巡演所有場次皆為邀演，由現任桂冠指揮伊利亞胡．殷巴爾（Eliahu Inbal）領軍，並於韓國場次攜手韓國國寶級鋼琴家白建宇（Kun Woo Paik）同台。值得注意的是，這是樂團第一次到韓國，也是首度在富川音樂廳的演出。 馬勒權威展現TSO國際級實力 本次巡演的核心曲目為馬勒（Gustav Mahler）第5號交響曲，韓國場則特別加入蕭邦（Frdric Chopin）F小調第2號鋼琴協奏曲。殷巴爾認為，當一個樂團的實力達到相當水準後，就會希望拓展視野，向更廣大的聽眾展現他們的成果。他觀察到 TSO 近年來持續成長，並自覺身負重任。殷巴爾表示：「TSO近年持續成長，透過這次巡演，他希望讓不同國家的樂迷認識『真正的 TSO』，也將最用心、最真誠的演出帶給每一位觀眾。」 殷巴爾從2019年起以首席指揮與TSO合作，至2023年開始擔任桂冠指揮。經過馬勒、布魯克納、蕭斯塔可維奇等系列作品及多張的錄音作品至今，他自信地認為 TSO 已經具備國際級的水準（international level），因此他感到有責任（responsibility）跟隨樂團巡演，展現他們的實力並分享音樂。
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焦點專題 Focus 讓台北的樂音走向世界北市交團長郭佩瑜的經營哲學
臺北市立交響樂團（下簡稱北市交）近日完成了一次意義深遠的日韓巡演，不僅演出成果亮眼，更象徵著樂團正式朝「走入國際市場」的目標邁出穩健的一步，也具體展現了團長郭佩瑜所倡導的「務實經營哲學與穩健發展策略」。 穩健布局：從地方出發，開啟亞洲的敲門磚 郭佩瑜將這次巡演視為樂團在國際舞台上踩著穩定腳步前行的重要行動。巡演的城市選在福岡、熊本、北九州與韓國富川，並非一線大都會，而這樣的選擇其實是深思熟慮的結果。由於指揮大師殷巴爾（Eliahu Inbal）的合約限制，在6個月內需避開他近期曾演出的城市，因此郭佩瑜笑著比喻他們採取的是「從地方包圍中央」的策略。 她認為，從地方城市建立口碑與關係，不僅務實，也能為未來更大的挑戰鋪路。「這是我們開啟亞洲的一塊敲門磚，期望能與更多亞洲音樂廳建立長期合作。」 務實經營：讓行政成為音樂的後盾 郭佩瑜出身公務體系，熟悉行政與財務運作，上任以來，她以「務實」為核心，為樂團打下穩固的行政基礎。她重視跨部門的「橫向聯繫」，讓節目、行銷等單位能同步運作，使音樂家能專注在最擅長的音樂專業上。 這樣的經營理念不只讓組織運作更順暢，也在財務上開花結果。她舉例，北市交的自有財源收入在她任內3年間已翻倍成長，展現了穩健經營的實力與遠見。 國際舞台的回響：成績亮眼的亞洲巡演 這次巡演的成果同樣令人振奮。5場演出全數受邀舉行對樂團的國際地位意義重大。票房表現幾乎場場爆滿，日本3場幾近售罄，韓國的門票更在開演前就銷售一空。結合殷巴爾的國際影響力與北市交的整體實力，樂團成功在亞洲市場留下深刻印象，也為未來更廣闊的巡演版圖鋪下基石。 巡演的過程，更成為團員彼此激勵與成長的契機。她笑著透露：「在日本首場演出結束後，回到飯店仍能聽見同事練習的聲音。」這份自發的投入與熱情，是樂團近年最動人的改變。郭佩瑜說：「讓團員走出台灣，是一種刺激，也是一種推力，讓他們在短時間內迅速訓練耳朵、培養默契。」 展望未來：打造台北的聲音，邁向下一個舞台 身為公立樂團的掌舵者，郭佩瑜始
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焦點專題 Focus北市交新世代崛起，在國際舞台綻放光芒
演出結束，收拾了樂器、換掉了禮服，坐上回飯店的遊覽車裡，音樂廳外還下著雨，但臺北市立交響樂團（下簡稱北市交）首席姜智譯因為在台上激動亢奮而脹紅的臉，仍舊是紅的！問他還好嗎？他笑了：「我每一場都是這樣。在國際舞台上演出，承載著驕傲啊，還要有必須要展現出的那些榮譽感！」一句話道出了北市交團員們的專注與熱情，也揭示了這次日本與韓國巡演背後的高壓與榮耀。 挑戰中的榮譽感：在極限中保持專注 巡演的節奏緊湊，對團員的體力與專注力都是一場考驗。姜智譯回憶，在日本的行程中，樂團甚至要在 46 小時內完成3場演出。儘管如此，每位團員仍保持高度紀律與專業精神，展現對音樂的執著與責任感。站上國際，不只是表演，更是一種榮譽的承載。「那是一種必須被展現的光榮。」姜智譯說。 馬勒第5號交響曲層次豐富的作品更像是一種養分，促使樂團在結構解析與情感表達上同步成長。姜智譯說：「每一場我都很興奮，最真的是在情感和音樂的章理中，努力呈現指揮想要的畫面。」
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焦點專題 Focus臺北市立交響樂團首登韓國富川
台上謝幕再謝幕，台下仍意猶未盡、遲遲不願離席。臺北市立交響樂團（TSO）與指揮殷巴爾合作帶來馬勒第5號交響曲的深刻詮釋，樂聲在富川藝術中心（Bucheon Arts Center）音樂廳的美好音響中層層迴盪。這場演出，不僅是台灣與韓國的一次藝術交流，演出獲得韓方錄影播出，場館軟硬體設備與經營更是北市交未來音圖中心的借鏡。 從城市精神到聲學完美 作為一個新城市，富川市位於首爾與仁川之間，雖然不是韓國的一線城市，卻以文化厚度著稱。自1980年代起，韓國變計畫讓富川市以「文化」作為城市品牌核心，率先成立了富川文化財團，並於1988年成立市立藝術團，成為地方文化建設的先驅。富川將文化視為城市發展的關鍵資源，不僅提升市民的生活品質，也為城市帶來獨特的精神象徵。 在這樣的城市背景下，富川音樂廳於2022年5月落成啟用，成為韓國首座為古典音樂量身打造的古典公演場地。音樂廳的設計兼具規模與聲學精準度，擁有1445個座位，為觀眾提供理想的視聽體驗；舞台上方設有可調式反響板，可根據鋼琴獨奏、室內樂、管絃樂及合唱等不同編制，調整出6種最佳音響模式。此外，音樂廳更建置了管風琴，是韓國地方城市中首座具此設施的古典音樂專用場館。 富川音樂廳位於富川市的黃金地段，擁有極佳的交通便利性，市民可輕鬆搭乘地鐵或公車等大眾運輸工具前往。這座音樂廳不僅是演出場地，更象徵富川多年文化耕耘的成果，提供常駐藝術團專屬空間，也成為亞洲古典音樂交流的重要平台。 跨國合作的文化願景 富川藝術中心節目企劃部經理尹普渼（Bomi Yoon）坦言，邀請TSO的構想並非偶然。她表示：「與其不斷邀請歐洲頂尖樂團，我們更希望與亞洲交響樂團建立網絡與共鳴。這樣的交流能讓亞洲音樂界彼此學習、共同成長。」TSO的巡演計畫與其理念不謀而合，促成了這場具象徵意義的合作。 此次演出陣容更被藝術中心視為亞洲古典未來圖像的縮影，因為由歐洲傳統象徵的殷巴爾執棒、代表亞洲創新力量的TSO演奏，再加上韓國傳奇鋼琴家白建宇的參與，構築出橫跨文化、世代與地域的藝術對話。尹普渼認為：「這種組合不僅僅是一場單純的音樂會，而是一場能夠展現亞洲藝術水準和深度的標誌性演出。
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焦點專題 Focus 音樂家的聲音日記（一）日本篇聲響之旅：北市交日韓巡演音樂廳體驗
巡演對音樂家而言，不僅是技術的磨練，更是對整體默契與臨場應變的重大考驗。各地音樂廳在空間結構與殘響條件上的差異，往往深刻影響音樂的層次與呈現。指揮殷巴爾會依據場館的音響特性，細緻調整演奏細節，並透過彩排掌握廳內的聲音回饋。團員們也必須保持高度敏銳，在短時間內靈活調整速度與力度，以維持聲部間的平衡，讓每一場演出都臻於完美。 以下將介紹此次巡演所造訪的音樂廳，並依演出順序收錄TSO音樂家分享對音樂廳的的個人感受。期望隨著這些文字與照片，帶您一同展開一場紙上的音樂旅程。
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焦點專題 Focus 音樂家的聲音日記（二）韓國篇聲響之旅：北市交日韓巡演音樂廳體驗
巡演對音樂家而言，不僅是技術的磨練，更是對整體默契與臨場應變的重大考驗。各地音樂廳在空間結構與殘響條件上的差異，往往深刻影響音樂的層次與呈現。指揮殷巴爾會依據場館的音響特性，細緻調整演奏細節，並透過彩排掌握廳內的聲音回饋。團員們也必須保持高度敏銳，在短時間內靈活調整速度與力度，以維持聲部間的平衡，讓每一場演出都臻於完美。 以下將介紹此次巡演所造訪的音樂廳，並依演出順序收錄TSO音樂家分享對音樂廳的的個人感受。期望隨著這些文字與照片，帶您一同展開一場紙上的音樂旅程。
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焦點專題 Focus 台灣之聲，跨海綻放台北愛樂首席四重奏的東瀛文化之旅
2025年9月初秋，來自台灣的古典音樂之聲，以室內樂的優雅形式跨越海洋，在日本「大阪・關西世界博覽會」與東京兩地連續帶來了多場精采展演，成功在國際舞台上留下鮮明的台灣印記。這股力量，便是由台北愛樂管弦樂團首席弦樂四重奏團所組成，由國立臺北藝術大學音樂學院前院長蘇顯達領軍，攜手第二小提琴林天吉、中提琴朱育佑、大提琴孫韻淳，以及打擊樂首席陳思廷，肩負起文化交流的重任。這次演出不僅展現了台灣古典音樂的精湛技藝，更透過東西方元素的巧妙融合，訴說著在地的情懷與故事。
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焦點專題 Focus 第4屆東亞樂派論壇追尋根源、重塑記憶與文化主體性的三重奏
由台北愛樂管弦樂團主辦、聚焦東亞文化傳承與現代發展的「東亞樂派論壇」，於2025年9月9日在東京台北駐日經濟文化代表處盛大舉行，邀請了日本、台灣3位重量級文化領袖，以跨越千年歷史與多學科的視野，剖析東亞三地如何在儒家文化基底與全球化浪潮下，形塑其獨特的藝術與文化面貌。 3位講者分別是日本薩摩琵琶演奏大師塩高和之、台語雅歌作詞作曲家陳維斌，以及台北愛樂管弦樂團創辦人賴文福。他們從古老的樂器、瀕危的語言，到現代的古典樂發展，展開了一場關於文化記憶與自我表述的深刻對談。 第一講：琵琶的千年傳承從皇室雅樂到國民敘事詩 塩高和之一開場便透露了傳統藝術家所面臨的實際挑戰。他指著體積龐大的琵琶幽默地說：「為了要運這把琵琶，都要花兩倍的價錢。」 這種不易搬運的「現代日本琵琶」，承載了日本音樂上千年的聲音史詩。 他首先追溯了日本音樂的源頭中國文化的輸入。早從飛鳥、奈良時代（西元6到8世紀）起，包括新羅、百濟、高麗、林邑等地的樂舞便已傳入日本。尤以雅樂的傳入為關鍵。西元701年雅樂寮（歌舞司）的設立，被譽為當時的「國際音樂大學」，女性學員比例相當高。他強調，雅樂琵琶能夠千年形制不變，持續流傳至今，在世界範圍內極為罕見。這穩定性的關鍵，在於天皇制度：「天皇周邊的高階層人士會去學習雅樂、研究雅樂、欣賞雅樂。」 然而，琵琶的歷史在鎌倉時代（12世紀）迎來了革命性的轉捩點。隨著《平家物語》的誕生，日本音樂出現了第一個完全本土化的作品。《平家物語》的傳播形式，不再是純粹的書寫，而是透過彈唱，讓琵琶藝術從原本的皇家專屬，變為「一般國民可以聽到的藝術」。琵琶因此小型化，更易於攜帶。塩高和之總結，鎌倉時代是包括茶道、花道在內，「現代的日本文化的起點」。 雖然江戶時代琵琶一度因琉球傳入的三味線普及而衰落，但在江戶末期，薩摩地區（鹿兒島）誕生了新的薩摩琵琶彈唱形式，強調邊彈邊唱，將想要講述的故事表現出來。 進入現代，琵琶在戰後與軍國主義的聯想一度使其衰退，但在1960年代末，鶴田錦史等大師開始將琵琶從歌唱伴奏轉變為純樂器演奏，並與武滿徹合作，走向國際。塩高和之為第一講做出深刻的結語：「僅模仿師父的技藝
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焦點專題 Focus 演出之外Tech World 科技下的台灣故事
在2025年大阪．關西世界博覽會中，台灣館以「Tech World」為名，以科技為主軸，向世界展現台灣在科技、文化與生命議題上的思考與能量。這座鄰近西側入口的展館，是整個世博場域中不可忽視的一座獨立館。 Tech World 館的外觀靈感來自台灣山脈的輪廓，採用金屬綠建材折板技術，塑造出山巒起伏的動態效果。白天在光照下閃耀光芒，夜晚則透過室內光線流瀉出山影輪廓。建築採永續理念，是一座在環境與科技對話中落實綠建築理念的典範。館內共有3大劇場與多種展演空間，每7分鐘開放 40 人進入體驗。全館分為歷史、自然、未來3條主題線，不僅呈現台灣的生態、人文、技術，也結合智慧手環互動系統，即時記錄參觀者的心跳、情緒、體驗數據生成專屬的心動曲線。 Tech World 館長邱揮立受訪時提到，館內動線從頭走到底大約需要 35 分鐘，這是特別設計要讓觀眾能完整沉浸於展覽的流程與節奏。
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焦點專題 Focus 在樂聲中前行台北愛樂管弦樂團日本巡演的文化觀察
走過40年，台北愛樂管弦樂團2025年再次踏上日本舞台，完成大阪與東京巡演。這不只是音樂交流，更是一場民間樂團在資源有限下求新求變的實踐。創辦人賴文福直言：「真的很不容易，尤其在經費方面。」在台灣，音樂人口增加、樂團數量激增，使得資源被稀釋，民間樂團能否在此生態下長期維持藝術水準，是一個值得思考的問題。 台北愛樂管弦樂團與公立樂團不同，沒有政策的保障，也無財團支持。自由自主，代表著彈性，卻也註定艱辛。賴文福說：「最大的困難不在音樂，而在永續，那是我們的挑戰。」這句話道出民間樂團生存的核心矛盾藝術自主性是理想，卻也是壓力。 弦樂四重奏：規模縮小的策略思考 日本巡演採取弦樂四重奏形式，表面看似縮水，實則構思精妙。賴文福說：「大型管絃樂團是一種形式，但我們也需要用更靈活的方式去表達。」這種小規模編制不僅降低經費壓力，也讓樂團在城市與場館間更自由移動，以「累積」取代大團聲量的效應。 大阪演出結束後立刻轉戰東京，賴文福強調：「這樣大家才會知道，有一個台灣樂團持續在日本發展。」民間樂團在國際舞台上的存在感，需要時間、策略與不斷重複的演出。觀眾組成除了台僑，也包括日本聽眾，樂團甚至與日本作曲家合作編曲，並且在當地透過論壇疊加自身的影響力。這種計畫顯示，藝術行銷與文化對話已經成為民間樂團生存的重要手段。 「東亞樂派論壇」文化定位的挑戰 藝術不只是演出，更傳遞思想。台北愛樂管弦樂團啟動亞洲之窗計畫之後，持續在韓國、台灣與東京等地進行作曲論壇與學術交流，又從2021年逐步發展出「東亞樂派論壇」的架構。賴文福指出：「我們以『東亞樂派』為學術框架，去發展理論與實踐。」這背後隱含兩個衝擊：一是「台灣能否在東亞文化對話中占據凝聚角色？」二是「民間樂團又能否以有限資源持續推動學術與創作？」即便資源有限，愛樂依然在創作上積累成果，不僅展現台灣音樂實力，也試圖打破「旁觀者」的身分，向東亞文化提出主動性的發聲。 布袋戲交響詩：本土化的文化實驗 台北愛樂管弦的布袋戲系列，是最具象徵性的文化實驗。賴文福回憶：「我發展布袋戲交響詩是從台灣元素開始的
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音樂 暌違10年重登台北國家音樂廳高雄市交響樂團「無界搖擺」 揮灑爵士與交響的對話
暌違10年，高雄市交響樂團（KSO）將到台北國家音樂廳，以一場劃時代的跨界之作宣告全新篇章。由指揮吳曜宇領軍，攜手爵士大樂團TPO Big Band演出的「無界搖擺 The Unbounded Swing」音樂會，從古典到爵士、從歐洲到美國，跨越地域、風格與世代的界線，不僅是一次聲響的融合，更是一場文化的對話開啟。 音樂會上半場將以兩首法國作曲家的作品揭開序幕。首先登場的是杜卡（Paul Dukas）的《仙女》（La Pri），以波斯神話為靈感的舞蹈詩，這次演出也是此曲台灣首演。 「大家都知道杜卡的《魔法師的學徒》，但其實《仙女》才是他的真正巔峰之作，連作曲家自己都這樣認為。」吳曜宇指出，這首作品以華麗的銅管與細膩的配器描繪出夢幻神秘的氛圍。 接續登場的則是拉威爾的《圓舞曲》（La Valse），原本是受俄羅斯最具影響力的藝術推動者與芭蕾製作人迪亞基列夫（Sergei Diaghilev）委託創作的作品，後來因理念不合而未被搬上舞台。吳曜宇說：「這兩首我將它們看成是樂團炫技的曲目，不論是單純的技術，還有音色、節奏與速度的轉換都是相當有可看性。」 下半場則帶來美國當代爵士大師溫頓．馬沙利斯（Wynton Marsalis）的《搖擺交響曲》（Swing Symphony），這將是該曲在亞洲的首度演出。
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音樂2025台灣國際古樂節 雙大鍵琴的對話
自2023年起，大鍵琴家許舒堯發起古樂節，從個人大鍵琴獨奏發展至去年庫普蘭誕辰400年主題的多面向策展。今年古樂節邁入第3屆，以「A Colpi di Tasto」為題，深入探討義大利音樂教育與鍵盤即興傳統。主打節目「雙琴爭鳴」由義大利與台灣鍵盤家攜手演出，並輔以座談、講座與教學示範，拓展古樂的教育性與當代表達力。 應邀共同演出的阿爾貝托．布塞蒂尼（Alberto Busettini）是歐洲知名的大鍵琴家與指揮，長期致力於巴洛克音樂的詮釋與教育，並曾與義大利多個古樂團合作錄製專輯。許舒堯說：「他對即興的理解非常深，我們的合作像是在對話，不只是合奏。」 解讀巴洛克密碼：Partimento即興演奏法 本場演出的核心是以雙大鍵琴呈現「帕蒂門托」（Partimento）。Partimento 源自義大利，是一種18世紀義大利特有的作曲與教學法，曾對巴赫（Bach）、韓德爾（Handel）及巴黎音樂院的教學及即興演奏方式產生深遠影響。許舒堯指出，Partimento 等於是作曲家僅提供結構設計（藍圖），讓演奏者在鍵盤上即興完成。雖然主題與曲式已載於手稿中，但最終的呈現全憑演奏者的想像力與解讀。 由於當時音樂家鮮少將這套即興法書面化，直到近10年，這些手稿的實際演奏方式仍是一大謎團。Partimento 訓練演奏者直觀的邏輯思維，曾盛行於18世紀的拿坡里，當地4所著名的孤兒院就是以此法培養街童，訓練他們成為專業音樂家與作曲家。 聚焦曲目：從雙帕蒂門托到熱情協奏曲 而古樂節不只是聆聽古老樂器的機會，更是一次關於創作與詮釋邊界的探問。正如許所言：「音樂有時候不需要太多，只要兩台大鍵琴，一段旋律，就能說完整個故事。」 音樂會上半場主要聚焦於義大利巴洛克作曲家伯納多．帕斯奎尼（Bernardo Pasquini）的《雙帕蒂門托奏鳴曲》，這是目前已知最早的雙大鍵琴曲目。許舒堯解釋，這套曲目的手稿只為兩部鍵盤樂器提供了兩條單一線條（通常是低音旋律）。旋律上會有數字，演奏者
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四界看表演 Stage Viewer穿越現實與幻想的地獄旅程（上）
人類對未知的恐懼與想像，始終蘊藏著無限的可能。近年來，全世界共同面對流行病毒的肆虐與國際局勢的動盪，人們對生存環境的不安更加深切，也因此激發出更廣闊的想像力。作為對社會動向最敏銳的一群，藝術家如何透過創作回應這個世界的脈動，並與觀眾分享心中的感受，已成為重要的課題，他們經過時光淬練、打磨而出的作品，正是人類表演藝術最真實且珍貴的寶藏。2025年8月初，日本東京新國立劇場（New National Theatre，Tokyo）全新製作、世界首演的歌劇 《娜塔莎》（ナターシャ）就是這樣一部傑作。
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四界看表演 Stage Viewer穿越現實與幻想的地獄旅程（下）
《娜塔莎》歌劇在形式上最令人矚目的做法就是多語言的使用。主角娜塔莎來自烏克蘭，但生活在德國，因此她說著以上兩種語言，而阿拉托則以日語對應。多語言的做法是來自於劇本作者多和田葉子、指揮大野和士及導演克里斯蒂安．雷特（Christian Rth）等人的構思，不僅是形式上的實驗，而是關乎於歌劇主題核心與哲學觀點。
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焦點專題 Focus 澳洲名導莫辛斯基致敬電影大師費里尼威爾第《弄臣》 從經典到當代的對話
在歌劇史上，威爾第（Giuseppe Verdi）的《弄臣》（Rigoletto）一直被視為劃時代的作品。它旋律優美，戲劇張力強烈，更因尖銳揭露人性與權力的黑暗面而廣受關注。今年臺中國家歌劇院將以《弄臣》揭開「遇見巨人系列」的序幕，帶來已故澳洲名導伊萊亞．莫辛斯基（Elijah Moshinsky）的經典版本。這部作品自1991年於澳洲歌劇院首演後巡演逾30年，至今仍是國際舞台的常青樹。而這一次，它將以嶄新的角度，向義大利電影大師費里尼（Federico Fellini）致敬，並與現代觀眾展開深刻對話。 作為威爾第「中期三部曲」的第一部，它以強烈的戲劇衝突與細膩的音樂語言，探討了愛與背叛、權力與人性的矛盾。臺中國家歌劇院藝術總監邱瑗補充：「這次的版本，不只是19世紀末20世紀初的作品，他談論的主題還是16、17世紀的題材，這麼遙遠得時空如何讓現代人感受其中要討論的價值觀是什麼？」她相信，透過莫辛斯基的重新詮釋，《弄臣》不僅能喚起觀眾對經典的共鳴，更能引發對當代社會價值的思索。
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音樂 維也納金色大廳合唱團、洛杉磯大師合唱團相伴杜達美領軍洛杉磯愛樂 10月獻演斯特拉溫斯基與馬勒經典
在樂迷翹首期盼下，指揮巨星古斯塔沃．杜達美（Gustavo Dudamel）在今年秋天將率領暌違31年的洛杉磯愛樂（Los Angeles Philharmonic），攜手歐美兩大殿堂級合唱團維也納金色大廳合唱團、洛杉磯大師合唱團來台，重返國家音樂廳。規模超過250人的龐大陣容，將以兩套曲目展開旅程，一晚屬於斯特拉溫斯基的火焰與節奏，一晚則是馬勒的生命與永恆。這樣的組合，世界僅此一場，而且是「台灣限定」。 斯特拉溫斯基與洛杉磯愛樂的不解之緣 1935年，斯特拉溫斯基首次與洛杉磯愛樂合作，演出後送給各聲部首席一個吻與一朵紅玫瑰。這份浪漫而深刻的舉動，開啟了他與樂團超過30年的情誼，後來更讓他選擇定居洛杉磯。 《春之祭》在洛杉磯愛樂的歷史上占有特殊地位，樂團105年歷史中演出已逾150次，既是樂團的傳統，更是每任音樂總監的試金石。2003年，這首作品更成為華特．迪士尼音樂廳啟用後的首張錄音，象徵著樂團與作曲家的深厚淵源。 《洛杉磯時報》評論杜達美對《春之祭》的詮釋：「既能釋放潛藏於我們體內不可抑制的毀滅能量，又能以精湛的音樂掌控力駕馭這股近乎超人的張力。」此次來台，他將以《春之祭》搭配色彩繽紛的《火鳥》組曲，帶來火焰般的節奏與詩意。 曾於洛杉磯求學的鋼琴家嚴俊傑直言：「第一場《火鳥》、《春之祭》很節奏型，樂曲等於洛杉磯愛樂的代表，為他們自己的慶典都是演這些曲子。此外第一場的第一首約翰・亞當斯（John Adams）的作品《狂熱》短篇交響曲（Frenzy: a short symphony）也是非常重要，因為那是他為了洛杉磯愛樂去年才寫的。」
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音樂 迎向團隊40周年慶擊樂劇場《泥巴》大幅改版上演 朱團為自己說聲生日快樂！
為迎接明年朱宗慶打擊樂團40周年的到來，樂團將於9月起推出擊樂劇場《泥巴》全新版本。本作原為2019年、2021年推出的第2號擊樂劇場，描述「瓷林」創辦人林光清從苗栗蘆竹湳鄉間走向國際品牌的故事，在樂團40周年前夕的2025年，朱團再度重演《泥巴》，並以樂團4個世代的人脈，重新打造一個「徹底歸零、再出發」的版本。 藝術總監朱宗慶表示：「2022年底的倉庫火災，把前一版所有布景、道具和部分樂器都燒光了，讓我們這次一定得重新製作。再次檢視的同時，發現《泥巴》其實不只是林光清先生的故事，也很像是樂團即將邁入40周年『再燃鬥志』的心境。」
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音樂 睽違7年的再臨佩特連科首度領軍訪台 柏林愛樂帶來3晚音樂盛宴
睽違7年，柏林愛樂管絃樂團將重返台北，由首席指揮基利爾．佩特連科（Kirill Petrenko）首度率團來台，在國家音樂廳帶來3場演出。這不僅是柏林愛樂第6度訪台，更是佩特連科上任以來首次領軍登上台灣舞台。 柏林愛樂與台灣的20年情誼 自2005年首度來台，柏林愛樂便與台灣樂迷建立深厚連結。當年兩廳院廣場聚集逾3萬人觀賞戶外轉播，轟動的場景促成了「數位音樂廳」的誕生。牛耳藝術行銷總監張懿之回憶：「2005年兩天晚上舉辦戶外轉播，第一次迎接柏林愛樂到來，當音樂會結束我走出音樂廳，看到廣場滿坑滿谷的人，他們發自內心的激動與吶喊的情景是我一輩子忘不了。也因為當下強烈感染力，讓拉圖爵士還有樂團覺得感動而催生了『數位音樂廳』。」 台灣蹦藝術協會理事長林仁斌則形容：「照武俠小說的說法，江湖上如果柏林愛樂謙稱自己是第二的話，那沒有什麼樂團可以擺第一位。在我的心中，他是全世界唯一首席天團。」