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話題追蹤 Follow-ups姊妹咬蘋果 躍演紐約行（上）
2025年1月，躍演VMTheatre Company帶著台灣原創音樂劇《勸世三姊妹》登上紐約外百老匯劇院Theatre Row連演4場，《PAR表演藝術》總編輯黎家齊認為，這不單單只是把演出原封不動地挪到美國演出，而是為了外百老匯的舞台進行一定程度的再製。而這趟試演的起心動念、事前準備、落地執行等細節，究竟是怎麼發生的？《PAR表演藝術》編輯部特別邀請《勸世三姊妹》導演曾慧誠與製作人林易衡，一同來聊聊紐約之行嘗試將《勸世三姊妹》帶入百老匯音樂劇產製流程的過程與經驗。
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話題追蹤 Follow-ups姊妹咬蘋果 躍演紐約行（下）
而《勸世三姊妹》在紐約的試演無疑是成功的，這加深了團隊將作品推到美國市場的信心，「我們花900萬到美國的階段任務已經完成，確定要往下發展，其實有3個面向的問題要處理。」林易衡解釋，第1個面向是「版權」，因為要將《勸世三姊妹》這個IP進行改編，無論是編劇詹傑或音樂創作康和祥的版權，要如何授權給美方？是需要討論的。
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焦點人物 演員、音樂人黃韻玲 早一點或晚一點，我或許就不會去演
在今（2025）年初搜尋「黃韻玲」的相關新聞，會出現她在2024年10月1日生日這天，發行33年專輯《平凡》的黑膠復刻作為給自己的生日禮物，家人同事也到場陪她歡度60歲生日；再過一陣子，則有週刊報導她接任臺北流行音樂中心（後簡稱北流）董事長後，邊做邊學地替中心打好基礎、推動各項活動。同時，還有綠光劇團塵封16年的《人間條件四》，終於邀集原班人馬黃韻玲、林美秀和陳希聖的回歸加演消息。 黃韻玲最近一次演舞台劇，也已經是2016年的《人間條件一》，那時考量演員年齡與體力因素，劇團曾宣布可能是原班人馬最後一次同台；時隔9年，作為《人間條件》固定班底的黃韻玲又回到舞台上，她的想法很簡單：「大家本來就各自忙碌，能跟美秀和希聖再次同台，吳Sir（吳念真）的時間也可以，當然要參與啊！」
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法蘭克福資助女性藝術家與學者25年 美新尼雅基金會宣告結束營運
2025年3月中，由美新尼雅女性學術與藝術基金會（Stiftung maecenia fr Frauen in Wissenschaft und Kunst，下簡稱美新尼雅基金會）舉辦的最後一場「女王之路系列講座」（Kniginnenweg）順利落幕，講座標題為「到此為止，後會有期」（Bis hierhin und weiter），是美新尼雅基金會結束營運前的最後一場公開活動。這個從2002年活躍至今的講座向來由美新尼雅基金會與法蘭克福各文化機構合作舉辦，讓女性藝術家和學者對大眾發表受基金會支持的計畫。講座名為「女王之路」，因為是獻給業界女性與其傑出的計畫，但女性的職涯很少像德國俗諺所說的「國王之路」那麼平坦寬廣。 2000年成立於法蘭克福的美新尼雅基金會，以「賦予女性力量就是改變世界」為宗旨，長年支持女性藝術家、音樂家、劇場和舞蹈工作者及學術研究者走出自己的道路，並獎助各種透過女性主義視角關注社會議題的計畫，舉例來說，近年受資助的有聚焦於政治議題的戲劇和電影作品，探討日益右傾的全球政治光譜、相應而來的反女性主義浪潮、以及極權國家的全球網路監控對基本民主與言論自由的威脅等。另外，也有致力於改變學術領域裡以男性敘事為主導的計畫，如2016年資助的「數學界的女性」國際攝影展，至今在世界各地展出已超過100場，呈現20位不同國家的女數學家肖像和訪談，為這個仍屬男性主導的領域開啟了新視野。
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藝@展覽以身體與影像 推疊出生命的記憶
大約20來年前就聽說張曉雄在1990年代初期，在北京辦了中國第一次的男體攝影展，寫進了中國攝影史，在他的攝影展「青春祭」終於可以一睹這批1990年至1995年間的攝影作品。張曉雄是捕捉光線與動作的高手，他的攝影與其傳奇生命經驗密不可分，我試著從攝影起心動念的角度來切入。 因為南北越分裂舉家遷往柬埔寨，張曉雄在此出生度過童年，卻在12歲時，紅色高棉推翻施亞努國王，在混亂屠殺局勢下逃往南越，輾轉被母親送往中國杭州避亂，家族四散，唯一一本家庭相簿，保存了中南半島的童年記憶，因為對遺忘的恐懼，啟發了他日後以攝影來保留回憶。
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音樂班貝格交響樂團 聯袂頂尖好手碰撞華麗樂章
這一系列備受矚目的音樂會中，所有參與者均為當今古典音樂界的頂尖好手無論是擁有獨特歷史淵源與厚重音色的班貝格交響樂團（Bamberger Symphoniker）、被譽為「捷克的希望」的指揮家胡薩（Jakub Hrůa），還是獲得國際大獎加持的鋼琴家范特捷（Luk Vondrček）與小提琴新星金本索里（Bomsori Kim）。在這次訪台音樂會難得推出兩首獨奏協奏曲組合，在一流樂團搭配下，更呈現出演奏家精湛的藝術。 班貝格交響樂團是德國唯一一個不出身於大城市、行家才知道的德國頂級樂團。樂團緣起於二戰時，被捷克驅逐的一群德國音樂家。在流亡經過邊境後，於巴伐利亞邦的班貝格落腳。由於這個歷史背景，樂團融合了東歐捷克與德國的特殊聲響，音色暗沉、渾圓，即為獨特的「班貝格之聲」。作曲家馬勒不但曾擔任班貝格樂團的指揮，樂團的駐地也是知名的「馬勒指揮大賽」舉辦地。
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關於戲劇的五四三與家人看戲
還是圍繞著吃食討論更無傷大雅些：「要在台中吃？」「回員林吃？叫外送？或者直接在家熱菜好了喔對了舞台很漂亮耶」。 或者聊聊交通方式吧：「騎腳踏車？」「台中捷運通車了呢我們都沒搭過」「會搭台鐵區間車回員林」「啊對，歌劇院之前有一家新加坡菜，倒了嗎」「黑天鵝那個舞者跳得很有力一點也不娘，很帥。」 這時候我聆聽。 不擅長聊天的家庭多半會為了食衣住行以外的話題困窘，離開臺中國家歌劇院《天鵝湖》的播映現場，多少普通日常的台中家庭這樣閒聊著，我也是其一。 過年期間，台中歌劇院的「NTT放映室」做了一系列春節特映：《灰姑娘》、《天鵝湖》、《睡美人》、《奧菲斯與尤麗蒂切》、《巴黎生活》等。免費放映，適合過年期間扶老攜幼前往，挑選適合家人一起看的劇目太艱難了，猜測兩個姪子可能的喜好，先排除歌劇，最後因應家人們的時間，挑中了馬修．伯恩（Matthew Bourne）版的《天鵝湖》（Swan Lake）。 1995年的作品，2019年於倫敦沙德勒之井劇院錄製，東尼獎得獎作品，美學較現代，又不至於去掉故事線到讓青少年看不懂，黑天鵝改由男舞者飾演，我不認為做任何事都需要帶來啟發，但至少分享給孩子們更多不同的人的樣子。 芭蕾舞劇開演，王子在床上掙扎惡夢，醒來後日常的行禮如儀，明顯取材自英國皇室，皇家不自由的生活與皇后的混亂情感成為王子的日常困境，王子一躍而起燈光轉換打在家人的眼鏡有反光呢。自覺陪家人看舞劇真不是件容易的事，即便在男女舞者跳舞時那芭蕾的抱、靠、張力，我都些微緊張，何況劇情推演到王子在湖畔遇到黑天鵝，展開一連串的雙人舞，那些親密、依偎與拉扯，感受到曖昧，我的腳趾不由自主緊抓地板，有點害羞與赤裸，畢竟在老家完全不可能看各種男性與男性、如此親密又汗水密合的貼身舞蹈，尚未劇終，已思考著如何自然開啟話題。 後方一直傳來小孩的聲音跟大笑，「王子怎麼這麼難過？」「王子要去哪裡？」，穿著豬肝紅羽絨衣的中老年人在某些時刻離去，開門、腳步聲、滑手機的人群，我從「看戲」，漸漸轉而注視著「看著群眾穿梭觀眾席的劇場」。 演出結束後，與親戚走出劇院，各自去上廁所，陷入短暫沉默。 親戚先反應：那個佛朗明哥跳得
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戲劇小丑、乩童、魔術師 以戲劇跨界探索新視野
邁入第17屆的「新人新視野」，今年將由劉唐成、郭鎧瑞、林陸傑，分別打造3齣風格鮮明、概念大膽的全新創作。讓小丑、乩童與魔術3種截然不同，卻又與「表演」有著千絲萬縷、密不可分的職業，以戲劇跨界探索劇場新視野。 直面成長與夢想，當《小丑與他的創造者》決裂 曾赴英國深造，與小丑大師菲利普．高里耶（Philippe Gaulier）等人學習的劉唐成，不僅是一位小丑表演者，也曾以演員、導演的身分多次參與劇場演出。在作品《小丑與他的創造者》中，他將直面自己的內心：「當一位小丑，隨著年紀漸長、自尊心愈發高漲，不願再接受失敗，開始抗拒曾經熱愛的小丑表演，那該如何？當一個創作者試圖逃離自己的初衷，最終能否與內在和解？」這齣類自傳式的作品，將會帶領觀眾碰觸成長與夢想之間撕裂時的結界，但是否能跨越，只能在劇場中一探究竟。
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戲曲把台灣傳說搬上舞台
「這袋烏麻子妳帶著，花轎沿路行、妳沿路撒，等到來年春天烏麻吐鬚，阿爸就會當沿路去找妳」 《烏麻吐鬚》改編自民間故事「蛇郎君」。「蛇郎君」流傳在台灣的故事有許多版本，除了漢人，原住民也有類似的傳說。談到蛇郎君的故事起源，有研究認為可能是由中國移民帶來台灣、再與原住民的版本交流而生，而亦有人再往前追溯，認為中國最早的版本很可能是受西方童話故事《美女與野獸》啟發而產生。但在不同的文化中流傳的版本，則會反映著該文化所重視的價值觀。因此漢人的版本會比較強調女兒的孝道以及蛇郎君的富有。由此看來，中華王金櫻傳統文化藝術協會（後簡稱劇團）即是秉持著這樣的核心價值改編故事；劇團或許因烏麻吐鬚的意象與蛇攀前行的姿態相似，加入了女兒出嫁沿路撒烏麻子的橋段，並以「烏麻吐鬚」命名，以加強台灣的在地風格。
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特別企畫 Feature 聶光炎及其後：台灣當代技術劇場的演替四組關鍵字，解析台灣技術劇場演進史
聶光炎所參與的劇場時代，不僅見證台灣藝術文化起飛的黃金盛世，也標記著技術劇場的飛躍成長。隨著文化展演場館紛紛設立，不僅表演團隊和演出作品的質量並進，劇場軟硬體需求亦大幅提昇，若從台前的編導演轉向幕後的舞台燈光技術，我們將如何循著技術劇場的演進路徑，拼出台灣劇場史的新視角、新領域？技術劇場的實踐如何參與表演藝術美學和觀演關係的形塑和改變？以下試從聶光炎展覽提取、歸納出4組關鍵字詞，呈現「從技術劇場視角測繪台灣劇場史」的發展過程，也期待勾引出更多同好，一起展開台灣技術劇場史的基礎建構工程。 關鍵字1：從「#手繪」到「#電繪」 上個世紀的舞台設計以手繪布景為主，優秀的繪景師除了得準確依循舞台設計師的設計圖呈現，需掌握油畫、水彩畫、國畫這3種技巧，還得練就一手毛筆字方能於布景題字。繪景師既要工筆寫實，也得抽象寫意，更得配合舞台設計師的特殊風格，例如，劇場設計家聶光炎為了讓舞台空間感更為立體，在構思布景時，常身兼燈光設計師的他會將光源納入圖像構成的元素。至於燈光設計師則須考慮布景的光源，如何讓景深更突出，創造出更豐富細緻的光影層次。 早年沒有相關科系，舞台繪景皆為師徒制，學徒跟著師父邊看邊學，幫師父代筆直到獲得認可。從事舞台和電影美術的顧毅來台後在政戰幹校戲劇組授課，學生王以昭和聶光炎可說是台灣第一代具備專業劇場繪景能力者；成立於1980年代的「景翔舞台設計公司」，則由王以昭大弟子吳國清、台灣木工第一把交椅王家全（人稱「王班長」）和服裝設計師林璟如等人共同成立。在那個電腦還不盛行的年代，舞台設計師將草圖交予繪景師，繪景師以等比放樣，繪製大尺度的舞台布景。手繪布景費時費工，趕工時需召集能手，將偌大的布景鋪設於在數個籃球場大的空地上，眾人在烈日曝曬下一筆一畫完成。 克雷格（Edward Gordon Craig）和阿匹亞（Adolphe Appia）帶來20世紀歐美劇場設計觀念的革新，也影響了台灣。在1970年代和基督團契合作演出時期，從作品劇照中可以發現聶光炎對舞台設計的思考逐漸從「平面化」轉向「塑形立體」，從寫實走向抽象與象徵，例如以雕塑概念運用幾何、塊狀造型，讓舞台更具三
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特別企畫 Feature 聶光炎及其後：台灣當代技術劇場的演替凝視，聶光炎所凝視的（上）
在「凝視舞臺聶光炎和我們的劇場時代」展場內，一個刻意隔成小黑盒的房間展示著一座鏡框式舞台模型。這不是一個靜態的模型，而是以機械和投影裝置的《八月雪》全自動換景復刻模型。隨著演出場次更迭，劇中的布景和影像在沒有演員的台上次第變換，對沒有劇場工作經驗的人來說，這個脫胎自「技術彩排」的換景場面，因為全機械自動操作而有了如夢似幻的氛圍。 2002年在國家戲劇院演出的《八月雪》，由諾貝爾文學獎得主高行健編導，聶光炎任舞台設計，演出製作團隊匯集了跨界菁英、一時之選，是當年劇場界的話題之作。劇情環繞著名禪宗公案五祖弘忍傳法六祖慧能的經過，以炎夏八月降雪喻禪意人間，換景模型最終也在天幕上映現慧能著名的偈語：「菩提本無樹，明鏡亦非臺。本來無一物，何處惹塵埃？」 那年，聶光炎將邁入70之齡，設計能量和創造力卻豐沛得令人震懾，一年內有4齣劇場作品《金大班的最後一夜》（果陀劇場）、《長生殿》（台灣歌仔戲班）、《閻羅夢》（國光劇團）及《八月雪》舞台設計都出自他手。20年過去，這些作品鮮能再度於劇場被觀看，只能從劇團影像記錄、舞台模型和聶光炎保存的設計圖稿，想像場中線條光影與演員互動交織而成的氛圍。一思及此，復刻於舞台上轉瞬即逝的慧能偈語，引發的觸動與其說了悟，毋寧更近於惆悵。
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特別企畫 Feature 聶光炎及其後：台灣當代技術劇場的演替凝視，聶光炎所凝視的（下）
人文精神蘊藉紮實技法的劇場設計 劇場工作者的聶光炎，以他的品格、態度在不同世代劇場人圈粉無數，那麼作為劇場設計家的他呢？ 「凝視舞臺」的名稱，源自無論在排練場或劇場，聶光炎總是聚精會神地投以凝視。無人知道當他那樣凝視空間時，有多少想像的光束、色彩和線條穿梭飛躍其中，等待被他落實為映入觀眾眼球的人間風景。直到聶光炎手執畫筆，在工作本上速寫、著色、筆記，再工整繪製成設計圖樣和線稿，接著上色描繪成布景，加以斑斕燈光投射，設計家的想像終成演出場景，容納著角色的命運流轉，也容納無數觀眾的出神凝視，直到劇終人散，設計家創造的視覺饗宴如流砂抹去的曼荼羅畫，只能局部留存於記憶和檔案 事實是，台灣恐怕欠聶光炎（以及他前後無數投入劇場幕後工作的人們）一個從技術劇場角度訴說的台灣劇場史。這個隱隱的遺憾，讓「凝視舞臺」展覽內容不只有作為主角的聶光炎，還有「我們的劇場時代」。17組受訪人除了敘及與聶光炎共事的經驗和啟發外，也回顧他們一同走過的劇場狂飆歲月，特別是從幕後技術劇場視野所見的台灣劇場演進。
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藝@CD記憶與文化的交織
台灣旅美作曲家張紅蘋（Apple Chang）的最新專輯《綻Blossom》，以西方樂器融合東方音樂的意象，形塑出在歷史洪流中大時代小人物的樂章。如同她在專輯裡寫到，祖父在癌症末期因服藥導致意識模糊時，緊捉住她的手大喊：「快躲到防空洞！」因為祖母就在僅隔一棟房子的距離，親眼目睹空襲掃射。即便時光流轉，戰爭的陰影與恐懼，仍無法從記憶中抹去。 這樣的故事，至今仍在敘利亞、烏克蘭到加薩走廊的戰場上，日以繼夜地不斷上演。張紅蘋邀集來自不同國界文化背景、卻對生命有著共同信念的音樂家匯聚一堂，企圖藉由音樂的力量，跨越藩籬，用音樂喚起對生命多層次的省思與感悟。參與演出的音樂家與製作團隊包括前艾默森絃樂四重奏首席Eugene Drucker、日裔大提琴家久保田拳、指揮曾維庸、鋼琴家盧易之、紋聲音樂與紐約Skillman Music等。 這張專輯收錄5首作品，前3首器樂曲富含濃厚東方音樂的元素，從描述日本文化到古中國絲路的塞外風情，運用五聲音階、大提琴模擬蒙古馬頭琴聲響，甚至結合拍打、打擊、撥弦、滑音等技巧，展現中國遊牧民族音樂特色。 器樂曲中的前兩首是日本印象的音樂。第一首《櫻花雨》以鋼琴的琴音開場，猶如在櫻花林中花瓣如雨般地落在臉上，譜陳整曲的氛圍。撥片演奏的豎琴模擬日本箏的聲響，長笛則以氣音模擬如尺八般的音色，反覆奏出「櫻花」（Sakura）3個音的動機，在繽紛飄落的櫻花雨中呈現出空靈的氣息，將大和民族的淒美展露無遺。可惜的是，爾後絃樂奏出的五聲音階旋律，反而令筆者聯想到中國古裝劇的音樂風格，與日本的大河劇音樂意境有所差異。在此除非作曲家要表現的只是廣義的東方意象，或許才能作為合理的解讀。 《藝伎》則以當代音樂手法，精采生動地模擬日本「箏曲」與「三味線」的音樂質地。以「急與緩」、「明與暗」、「虛與實」，表現日本傳統文化的哲理。長笛以顫音、氣聲模擬尺八的音色，鋼琴敲打著低音，營造震撼的聲響，讓此曲演繹出如日本能劇音樂的氛圍。後段進入較快速度的部分，類似前一首的中國音樂氛圍再現，與前後的音樂，顯得有些突兀。 第3首《絲路幻想》由大提琴低沉綿長的獨奏、緩慢寬廣的淒涼旋律開啟全曲，無論是模擬革胡或馬頭琴，都不禁令人遙想古代大漠煙沙的廣闊塞外。轉進快板，打擊與急促的絃樂，抑或是模擬胡琴音樂嘶喊般的長音及
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戲劇比真心還難交出的手機 《完美陌生人》轉譯電影的流動感
「如果我有偷吃，我哪可能提議大家玩這遊戲。」 「說不定你就有，你想藉此讓事情曝光，就和連環殺手想被別人知道的心理機制一樣。」（註1） 你與親密伴侶、知心好友的信任關係，究竟可以推展到什麼境界？你敢說出心中最真實的秘密、最黑暗的思緒？還是，你敢不敢交出你的手機？ 7名好友（包括3對夫妻加上另名友人）來到其中兩人家中定期聚餐，席間女主人忽然提議來場比「真心話大冒險」還危險的「信任遊戲」，要所有人交出自己手機。在這晚上任何來電或訊息，都得向在場所有人開誠布公，徹底挑戰人性，以及各種建立於信任與親密之上的人際關係這是義大利2016年席捲全球賣座影片《完美陌生人》（Perfetti sconosciuti）的故事設定，導演保羅．傑諾維西（Paolo Genovese）本人也參與編劇，不但榮獲義大利金像獎最佳影片肯定，寫下超過1,600萬歐元票房佳績，更翻拍20多國語言版本。台灣雖無中文版電影，但即將由躍演劇團推出中文舞台劇，讓觀眾一同參與這一晚心驚膽跳的真實與謊言，背叛與秘密。
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腦海裡的旋律大腦不說謊，而且天生愛美：《戴珍珠耳環的女孩》有神奇魅力！
去年在台南奇美博物館的「英國國家藝廊珍藏展」引起廣大共鳴，從文藝復興巨擘拉斐爾、荷蘭大師林布蘭到後印象派名家梵谷，50位大師、橫跨西洋藝術史400年的經典原作來台展覽，讓喜歡看畫的藝術愛好者大呼過癮。 「看到原作就是不一樣！」我身邊好多朋友數次重刷展覽，樂此不疲。運用現代高科技，透過高解析度數位檔和頂級微噴技術輸出，複製畫的品質愈來愈高，有時肉眼幾乎分辨不出是真跡還是複製，但，為什麼當繪畫原作近在眼前，觀看時就是有說不出的感動？ 位在荷蘭海牙的莫瑞泰斯皇家美術館（The Mauritshuis）因為收藏了畫家梅維爾（Johannes Vermeer）的《戴珍珠耳環的少女》，成為許多藝術愛好者的朝聖之處；我也是其中一個，曾經不遠千里特地拜訪，為的就是一睹女孩的風采。《戴珍珠耳環的少女》是世界上最受歡迎的畫作之一，永遠忘不了那個夏天午後，我站在這幅尺寸袖珍的名畫面前，心裡泛起一股悸動：綁著湛藍與豔黃頭巾的女孩朱唇微微張開，欲言又止，伴著那迷茫的回眸凝望，小巧的耳垂掛著珍珠耳環，閃著明亮的光這幅畫的複製品我已看過很多次，手邊也收藏了書籤、雨傘、馬克杯、托特包，但站在真跡面前，當我和女孩眼神交集的剎那，一瞬仿佛永恆。 大腦科學家想了解《戴珍珠耳環的少女》為何如此有魅力，他們也想比較當人們在美術館裡觀看真跡以及看複製品時，我們的腦袋裡到底發生什麼事，看真跡和看複製品時，大腦真的會有區別反應嗎？一系列的實驗結果十分有趣。 科學團隊首度用腦電圖（EGG）和磁振造影（MRI）來偵測腦神經活動與觀賞藝術品之間的關係。研究人員表示，《戴珍珠耳環的少女》有股魔力，讓人情不自禁地盯著她看，觀者會被一種特殊的神經系統現象所俘虜，研究人員稱之為「持續注意力迴圈」：站在畫作前，觀者的眼睛首先被女孩的目光吸引，然後注意力向下移動，抵達女孩的嘴，最後抵達珍珠，再回到她的眼睛，而且這個連成三角形的迴路會不斷循環。 研究人員指出，17世紀荷蘭黃金時期最傑出的畫家梅維爾是操控人類注意力的箇中好手，在《戴珍珠耳環的少女》這幅作品中，梅維爾巧妙地創造讓注意力無限持續，並且一再重複這個注意力迴圈：《戴珍珠耳環的女孩》不僅吸引觀賞者的目光，還將人的注意力鑲入循環之中；如此的機制讓人不知不覺中花更多
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澳門拉大藝術光譜 「Todos Fest ! 共融藝術節」5年有成
「Todos Fest ! 共融藝術節」已然成為石頭公社一年一度的品牌節目，在幾乎每月一節慶的澳門，「共融藝術節」可算是一個獨特的存在，每年與不同的社福機構、藝術團體合作，以「共融」為理念，為身心障礙者、長者提供演出及創作平台。「Todos Fest!共融藝術節」從2021年開始舉辦，並一連兩屆作為澳門城市藝穗節的「節中節」，去年首次離開官方節慶，由石頭公社獨立主辦，也獲得博彩企業金沙澳門作為場地支持單位，在離島氹仔炮燭廠遺址活化片區中舉辦。 舉辦至第5年、且獲得不俗口碑的「Todos Fest !」，卻傳出沒有得到政府單位資助的消息，主辦單位只能硬著頭皮繼續辦下去。相對過去幾年，第5屆的「Todos Fest !」在表演類節目的數量上似乎減少了，卻迎來法國鬼才編舞家傑宏．貝爾（Jrme Bel）享譽國際的舞作《盛會》（Gala）（註），而且所有節慶活動都在澳門文化中心的劇院和廣場上舉行。《盛會》的澳門版本由莫倩婷、關若斐擔任重排助理，在澳門公開招募16位表演者。台上表演者具有不同的身體經驗，有舞者、演員、兒童、身心障礙人士及銀髮族，展現了出一幅多元、平等的風景，在傑宏．貝爾看似簡約卻是精心編排的結構下，不同能力表演者在台上展現的並非一般才藝表演式的弱勢社群演出，而是透過不隱藏差異、允許「做不到」的平等展示，共構一個互相包容的公共空間。在宣傳經費限制有限、澳門大眾對當代舞蹈興趣不足的條件下，這部理應作為澳門年度盛事的演出，入場人數還是坐不滿澳門文化中心小劇院，但演出現場氣氛的高漲、觀眾的熱情投入，卻是澳門劇場演出中少見的。
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日常素描你看過《後宮甄嬛傳》嗎？
在發展各個劇場作品的旅途中，田調採訪一次又一次打開我的故事面向，破冰訪題往往來自無關緊要、卻把受訪者帶回自己生活場景的問題上。作品《微塵．望鄉》，我去市場體驗越南美甲店，問起越南姊姊是否給自己女兒剪過腳趾甲；作品《愛滋味》，訪談感染者朋友，我希望他們分享自己最浪漫的約會體驗
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香港多位音樂舞蹈創作人辭世 透過口述歷史與文獻記錄承傳
最近音樂才子方大同辭世，讓許多樂迷深感惋惜，網路上不少人去重溫他的訪問和音樂會。香港表演藝術界近月亦有幾位資深學者、創作者和技術專家辭世，也讓圈內人士唏噓不已。 香港資深音樂學者與樂評人劉靖之教授於2月初辭世，他除了是音樂研究者亦是翻譯學研究者，在1970年代就開始撰寫音樂評論，多年來筆耕不輟，硏究涵蓋音樂、文學和翻譯3個領域，主要著作包括《中國新音樂史論》、《劉靖之談樂》3輯、《歐遊樂記》、《林聲翕傳》等，並在中國多個音樂學院進行長期的學術交流。劉教授在2001年已響應香港中央圖書館發起的「文獻徵集行動」，將他個人收藏多年的珍貴書刊、文獻，贈予公共圖書館，成立了「劉靖之文庫」特藏。 一樣是2月份，香港舞台技術及設計人員協會名譽顧問、香港話劇團前舞台技術主管林菁先生辭世。他是在1989年加入香港話劇團參與劇場技術及舞台管理專業，在劇團服務超過30年，不單是劇團的元老級人馬，也為香港的劇場技術及舞台管理留下了很多寶貴的經驗，並曾經在話劇團出版的書刊中接受訪問。 3月，著名作曲家陳能濟先生離世。印尼出生的他，在1989年初獲台灣高雄市實驗國樂團邀請，擔任樂團職業化之後第一任駐團指揮；在台灣生活5年期間創作不斷，及後在1993年獲香港中樂團邀請，出任樂團助理音樂總監一職。在1970年代，陳能濟就曾協助香港中樂團由業餘發展至職業化，提倡「中樂交響化」的理念，他的作品數量甚豐，包括音樂劇《城寨風情》、《六朝愛傳奇》、大合唱《東方之珠禮讚》、音樂朗誦劇《孫悟空三打白骨精》、舞劇《九天玄女》。香港藝術發展局的「口述歷史及資料保存計劃」有關於陳能濟的訪談，在鄭學仁博士的努力下在今年上架，讓樂界朋友可以在透過網站了解他的創作歷程。 香港著名填詞人、有「詞聖」美稱的盧國沾則在日前於睡夢中辭世，他的作品包括《小李飛刀》、《天蠶變》、《人在旅途灑淚時》、《陸小鳳》等，都是香港電視劇一代觀眾的集體回憶。而曾經參與「香港舞蹈口述歷史（1950至70年代）」計畫的梁漱華女士，是中國和加拿大著名舞蹈編導家和教育家，也是加拿大舞蹈教師協會首位承認的中國舞教師，亦曾在香港留
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戲劇關於「自由」的劇場遊戲，真的面對了「未知」？
走進劇場，空曠的舞台上只有簡單的吧檯桌和A梯，似乎就是個平常的小劇場演出，但，觀眾席中彌漫著不太一樣的氛圍，彷彿對接下來一段時間有所期待不是針對戲劇主角，而是對將要出場的表演者。 因為拒服兵役而被限制出境的伊朗劇作家Nassim Soleimanpour寫於2010年，充滿實驗性的劇作《白兔紅兔》，是他為突破禁錮、體現自由的嘗試。這個作品從2011年愛丁堡藝穗節首演之後，就廣受歐美劇場界歡迎，吸引了不計其數的知名影視和劇場演員，輪番上台面對未知的挑戰打開第一次面對的文本，依據劇作家的文字，和現場觀眾一起行動，完成文本的呈現，或「演出」。聚思製造端從2023年開始，連續3年的製作，從兩位劇場演員，擴大到12位跨領域的表演者的演出規模，將於今（2025）年告一段落。 當表演者進場，從工作人員手中接過密封的文本，打開封套取出文本，開始唸出劇作家的文字以後，我們就一起被帶進了一個充滿隱喻的世界：無法預知的文本，像是劇作家處境未卜的寫照；觀眾被要求報數，讓我們想到這部作品的創作緣起；吧檯桌上的兩杯清水和一瓶毒液，喻示極權體制中的抉擇難題；表演者和觀眾一起呈現的馬戲團場景，對應劇場以外的混亂世局；白兔與紅兔的實驗，則是集體主義與個人自由的辯證。劇作家透過這些隱喻，向伊朗以外地國家地區的表演者與觀看者提問：在你們身處的社會中，藝術是如何被對待的？自由的條件又是什麼？個人能夠擁有哪些權力？
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抵達終點左轉後來美美變成馬達了
《蘇州河》最近4K修復重映。短短79分鐘的電影，真是百看不膩。第一次看的時候還小，看完茫茫的，一股憂愁曖昧的調調留在記憶裡。最近這幾次看，則是抱著有點想把婁燁的腦袋扒開來的企圖。這年頭，能愈來愈欣賞以前就喜歡的導演，不容易。 《蘇州河》的旁白是典範，因為那是台詞。現在我們常見的旁白，都是「主角的內心獨白」。譬如很多偶像劇、韓劇會用這樣的開場：我叫陳淑君，今年42歲，是一個失婚3次的女作家畫面就會出現女作家在新書發表會的現場，講述她最新的小說《結婚萬歲》在我開始嘗試寫影視劇本的時候，也很容易會傾向用這種方式帶出人物，因為方便又有效率：可以快速建立角色的聲音、交代背景設定、得知角色現實的阻礙與內在的衝突。好用到看似在展示（to show），而非單純告知講述（to tell）但老實說，這還是用講的。後來我意識到，這手法其實有點偷懶，也沒什麼美學可言，有些導演甚至用這種方式拿來挽救鬆散破碎的敘事。 婁燁是愛惜創作的導演。他不偷懶，不取巧，不迎合。因此《蘇州河》的旁白就是拿著攝影機的人的台詞。這下鏡頭晃不是因為單純導演喜歡手持感，而是這位攝影師從他的視角在說故事。儘管從頭到尾都沒看到他的臉（除了一個剪影，以及從警察口中吐出來的名字）。用文學的語言，這就是第一人稱視角。還胡言亂語。婁燁聰明的地方是建立一個「不可靠的第一人稱」然後透過鏡頭語言在第一第三之間滑來滑去，神不知鬼不覺。 我們現在都很熟悉第一人稱，每天都在社群媒體上我來我去的。但其實第一人稱是很近代的東西，想想各種經典小說：《傲慢與偏見》、《安娜卡列尼娜》、契科夫或是中國的《紅樓夢》都是第三人稱視角。不過第三人稱視角裡還有很多層次，我個人覺得兩種寫法都不簡單，寫作就是難。有陣子網路上很喜歡寫一種貼文：我夢見然後開始揭露一件不太好的事，可能涉及到他者的隱私，或是某些敏感的話題。但大家都會知道那是一真實發生的事。這就是最初階的不可靠第一人稱，大家其實都很擅長。 文學上這方面的翹楚，就是芥川龍之介，近代我喜歡石黑一雄的《群山淡影》、《長日將盡》及朱利安．巴恩斯的《回憶的餘燼》。這幾年我非常著迷開發各種媒介上不可靠第一人稱的可行性。日常生活中我不是一