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音樂打碎，是為了拼出不一樣的圖案
碎片，是拆解整體後的結果，也是重新構組樣貌的起點。大提琴家薇勒斯坦（Alisa Weilerstein）在疫情期間，嘗試打破巴赫大提琴無伴奏組曲順序，將27位當代作曲家新作融入其中，形成6部風格迥異的《碎片》。她在多個訪談中強調：「我希望能讓聽眾忘掉樂曲的背景脈絡（without context），以最純粹的方式感受聲音。」這份初衷不僅是個人心願，還是對當代樂壇一次深入的反思。
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焦點專題 Focus從跨世代交鋒到全齡同樂，讓自由靈魂從小放飛
走過24個年頭，國家兩廳院的「夏日爵士派對」早已成為台灣樂迷在仲夏夜裡最期盼的隱形脈動。今年，這場盛會以「Play It Solid！」為核心主題，不僅呼應了早期爵士俚語中代表「極致出色、無懈可擊」的讚美語彙，更宣告了本屆大師雲集、堅定且極具分量的精采企畫。 本次專題將引領讀者深入探索本屆陣容的豐沛靈魂。首先，我們將傾聽甫獲葛萊美獎的「人聲瑞士刀」當代爵士巨星妮可．茱萊提斯（Nicole Zuraitis）如何以鋼鐵般的意志，從喧鬧酒吧的背景樂手一路逆襲。她以獨立音樂人之姿包辦創作與製作，將創傷煉化為詩意的爵士原創曲目，更將獲獎的商業收益全數傾注於流浪動物救援，展現柔性行動主義的動人力量 循著國家音樂廳的軌跡，我們將接著見證兩位跨世代大師的精采交鋒：當代薩克斯風天后雷琪夏．班傑明（Lakecia Benjamin）承襲約翰．柯川（John Coltrane）的精神，揉合放克與靈魂樂，吹奏出如烈火般燃燒的即興生命力；而見證半世紀融合爵士歷程的傳奇鼓王彼得．厄斯金（Peter Erskine），則帶著《Dr. Um》計畫的黃金班底登台，在風馳電掣的鼓點中再現歷經天團淬煉的純粹律動。兩人共同勾勒出爵士樂既向傳統致意、亦朝未知前行的壯闊風景 不僅國際名家璀璨，國內群英的匯聚更展現了島嶼爵士的成熟樣貌與大膽突破。邁入15周年的「兩廳院夏日爵士節慶樂團」，首度揉合狂放咆勃、熱情拉丁與精緻古典絃樂，向大師查理．帕克與克里夫．布朗致敬。為落實全齡參與，阿圖羅．奧法里爾（Arturo O'Farrill）領軍的「輕鬆自在場」《節奏千層麵》，更打破觀演界線邀觀眾共創律動。最終，這股能量將在戶外派對全面釋放，客家山歌、傳統民謠與台語流行輪番上陣，讓世界的爵士聲響裡，驕傲地鳴放著台灣專屬的混血生命力。
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焦點專題 Focus老娘自己來！葛萊美爵士天后妮可．茱萊提斯的逆襲傳奇
從喧鬧酒吧裡的背景樂手，到包辦演出、創作、編曲、製作的葛萊美獎最佳爵士演唱專輯獎得主，被譽為「人聲瑞士刀」的妮可．茱萊提斯（Nicole Zuraitis）將現實世界的創傷煉化為歌曲，憑藉鋼鐵般的意志與勇氣，一階階逆襲攀上高峰。 貨真價實的「瑞士小刀」 當「人聲瑞士刀」這樣的概念被拿來形容一個歌手時，我們在討論的是什麼樣的歌唱怪物？ 在聲樂演唱的領域中，妮可．茱萊提斯的嗓音會被定義為抒情次女高音（lyric mezzo-soprano），既有溫暖渾厚的中低音域，向上延伸至高音域時也能保持飽滿圓潤，如此在胸聲與頭聲之間肆意遊走的歌唱能力，通常得在音樂科班磨上多年才練得成，妮可則將此歸功於兩位聲樂老師少時的歌唱老師蘿拉．馬許本（Laura Mashburn）教她健康的發聲方式、就學紐約大學時的黛安娜．海爾德曼（Dianna Heldman）指導她演唱歌劇的所有技能。 妮可最終沒有走上歌劇與演唱藝術歌曲那條路，她在完成學業後唱過音樂劇、歌廳秀（Cabaret）、爵士、搖滾、節奏藍調、靈魂歌曲等，就像瑞士刀要切水果有主刃、要喝飲料有開瓶器那般，妮可總能開啟各種歌唱技巧來處理不同的音樂風格，在爵士小酒館裡能邊彈鋼琴邊以絲絨般的低吟營造親暱感，在大型摩城（Motown）經典演唱會能以充滿爆發力的強混聲（Belting）點燃現場氣氛，既有莎拉．沃恩（Sarah Vaughan）那徹底器樂化的敏捷度，卡門．麥克雷（Carmen McRae ）充滿對話感的樂句處理，又有黛安娜．克瑞兒（Diana Krall ）的煙燻慵懶，時不時再加上一點邦妮．雷特（Bonnie Raitt ）的熱情嘶吼。 有趣的是這位被樂評讚為「如同打開瑞士刀的各種刀刃般轉換聲音」的歌手，最終是以一張由她獨自包辦所有詞曲創作及編曲工作的原創專輯《How Love Begins》，贏得2024年葛萊美獎「最佳爵士演唱專輯獎」，就此攀上音樂生涯高峰，《All About Jazz》官網更是稱讚她為「一流的詞曲創作者、充滿爆發力的歌手，以及頂尖的鋼琴家。」 這是獻給所有咬牙堅持的人 擁有立陶宛及義大利血統的妮可
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焦點專題 Focus兩種時間，一種爵士
今年的「兩廳院夏日爵士」，邀請了幾位爵士重量級的音樂家前來，首度與樂迷相見的樂手除了葛萊美獎得主妮可．茱萊提斯（Nicole Zuraitis）外，中音薩克斯風演奏家雷琪夏．班傑明（Lakecia Benjamin）的實力也不容小覷。雷琪夏的演奏總令人想起火焰。那並非只是速度或力度，而是音色裡近乎燃燒的能量，以及一句句即興之間毫不保留的生命力。承襲約翰．柯川的精神血脈，同時吸納放克、靈魂、拉丁與嘻哈等音樂養分，她早已發展出鮮明而獨特的聲音語言，也成為近年國際爵士樂壇最受矚目的薩克斯風演奏家之一。 如果說雷琪夏代表的是當代爵士持續向外開展的創作活力，那麼彼得．厄斯金（Peter Erskine）則見證了融合爵士半個世紀以來的重要歷程。從「 天氣預報樂團」（Weather Report）、Steps Ahead樂團，到今日以《Dr. Um》計畫持續創作，他始終站在爵士演變的重要位置，演奏、教學與創作並行，深刻影響數個世代的鼓手與音樂家。 一位持續開創新的聲音，一位累積悠長而深遠的藝術生命；兩條不同的音樂軌跡，也共同勾勒出今年夏日爵士的風景。
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焦點專題 Focus匯聚島嶼爵士群英，從廳堂到廣場的頂尖交鋒
爵士樂，如同一座城市的隱形脈動，在呼吸之間連結著無數渴望自由的靈魂。2026年的仲夏，國家兩廳院的「夏日爵士派對」再度讓節奏流淌於樂迷之間，場域橫跨了國家音樂廳、國家演奏廳及兩廳院藝文廣場，不僅展現爵士樂的多元面貌，更試圖打破年齡與空間的界線。策劃的演出一次排開，能看見客語、台語及台灣原創的爵士音樂百花齊放。今年3場核心演出，更是國內頂尖爵士好手匯聚交鋒的重要舞台，並邀請了國際大師共襄盛舉，為不同世代的聽眾帶來跨越聽覺藩籬的深刻共鳴。
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兩廳院櫥窗 Hot at NTCH從場館到作品，打造向世界發聲的文化品牌
2026年春，台灣表演藝術重要推手的國家表演藝術中心（下簡稱國表藝）迎來了第4屆董事會，曾任國家兩廳院藝術總監、臺北藝術大學校長的楊其文作為新任董事長，其所提聘的三館藝術總監也是劇場圈並不陌生的資深老將。這項決策背後的思考是什麼？三館一團（國家兩廳院、臺中國家歌劇院、衛武營國家藝術文化中心、國家交響樂團）在未來幾年，又將帶領台灣表演藝術圈走向什麼方向？ 楊其文說自己不愛談虛妄的「改革」，在他的思維裡，與其堆砌花拳繡腿的政治口號，不如務實地徹底鎖緊劇場體制內的每一顆螺絲。有意思的是，從目前兩廳院正如火如荼興建中的捷運連通工程與藝文廊道，即可窺見他多年前延續至今對台灣表演藝術生態建置的野望與藍圖。 該計畫最初的雛形，正是楊其文在2008年擔任藝術總監時所擘劃、卻一度被塵封的「園區開發計畫」。相隔18年，他從單一場館總監，轉為國表藝董事長，重審這枚當年埋下的種子，視野已然從兩廳院的硬體增建，拉高為空間治理、三館共榮、國際共製、人才孵育等面向，鋪排出打造國家文化品牌的長期思考與戰略。 18年後的重審，建造幫助劇場熟成、面向全民的廊道 Q：兩廳院目前正在興建中的藝文廊道暨地面景觀設施的開發與優化，其雛形正是您在2008年擔任藝術總監時提出的「園區開發計畫」。相隔18年後以董事長身分檢視此計畫，請談談您心中最理想的「國家級藝文廊道」與市民、藝術家、城市的關係？ A：2008年我提出「園區開發計畫」的時候，核心想解決的是台灣劇場界長期的空間匱乏困境。戲劇院一年的檔次非常有限，頂多40檔。檔期分國內、國外，再細分自製、合辦、出租，裡面還要瓜分給歌仔戲、京劇、兒童劇、現代戲劇、舞蹈、音樂劇等至少7、8類劇種。這樣分下去，新興團體根本沒有機會進到這座殿堂，因為可用的檔次就只有這樣。 兩廳院20周年時剛好戲劇院舞台要整修一年，我原本計畫趁機在音樂廳後面的大森林蓋一個「臨時劇場」，高度不超過戲劇院，被大自然包圍。我想用它來做什麼？養台灣的「定目劇」。20年前我們引進《歌劇魅影》，演出期間2個月，那是朱宗慶老師的構想、平珩總監執行。那檔節目賺了將近兩億，場場爆滿。這個「臨時劇場」概念是一年引
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兩廳院櫥窗 Hot at NTCH理工腦加上文化心 期許讓老店走在時代前端
甫接任國家兩廳院藝術總監，邱瑗第一件做的事，便是走出辦公室，走訪各個組室。她熱情地與新人寒暄，好奇探看同仁布置的工作空間，遠遠看見資深員工，便能立刻認出老面孔這份對人的關懷與熱情，是她多年來在表演藝術界無可取代的溫暖標記，她的親切，也讓總監室的空間也隨之改變。習慣了陽光的邱瑗，主動地拉開了總監室與秘書之間的窗簾，才讓同仁們驚呼「原來這裡有一扇窗」，秘書自此可以直接透過玻璃看見總監，空間的隔閡頓時消散。這一拉，不僅拉進了光線，更拉近了人心的距離，也因此對許多同仁而言，她的現身並非客套的「就任」，而是令人欣喜的「回來」。 從年輕時就與兩廳院結下不解之緣，再回到這個地方，邱瑗發現，這座具歷史的場館制度完善、運作順暢，就像一輛能「自動駕駛」的豪華勞斯萊斯。然而，進入這台豪車，她卻拒絕在後座安逸度日。邱瑗常比喻，衛武營是一輛 8 缸的大房車；臺中國家歌劇院是扭力大、很好掌控的超跑；而兩廳院，則是一輛豪華的勞斯萊斯。但喜歡開車的人，絕對不喜歡自動駕駛，當親自開車時候，「手感」就是關鍵。因此不甘於自動駕駛的執念，也成為她重掌舵盤、重塑兩廳院未來營運的核心。 跨界雙棲的藝術養成：從台北市音樂季的歌劇助理到芝加哥的無課本修練 在表演藝術界，邱瑗獨特的音樂與戲劇「雙棲」特質備受推崇，她曾以編劇身分催生兩廳院旗艦歌劇《福爾摩沙信簡黑鬚馬偕》。這份熱情源於她大學畢業時參與「台北市音樂季」的契機。當時臺北市立交響樂團剛開始製作歌劇，她在恩師徐頌仁的引薦下擔任場記與導演助理。雖然起初對劇場陌生，但在年年參與的磨練中逐漸做出興趣；眼見台灣當時極度缺乏歌劇導演，她便萌生深造想法，赴美時除音樂行政外，也以戲劇攻讀第2個碩士。 留美期間，邱瑗接受了極具跨界視野的專業訓練。她的課程分配相當獨特，商學院、音樂系與戲劇系各占三分之一。為了培養多面向的感受力，她修習了非歐美劇種、亞洲戲劇與世界音樂。這種跨領域的養成，讓她看待大型節目製作時能跳脫單一領域的局限，對劇場空間與視覺尤為敏銳，無形中建立起強大的審美眼光。 在這段實務與學術並進的歲月裡，經驗尤為關鍵。她的指導教授上課從不用教科書，而是由學生自行研讀、主動提問再由其解答，教授甚
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倫敦為兒童而作的《仲夏夜之夢》 名團製作魔幻又不失莎劇精采
「這裡有魔法。」貝爾菲爾德（Robin Belfield）精心改編的莎士比亞經典喜劇《仲夏夜之夢》（A Midsummer Nights Dream），在一開場便在牆上投以這樣的字幕，宣告進入這個劇場就等於進入魔法世界。 獨角獸劇院（Unicorn Theatre）位於倫敦橋（London Bridge）附近，是一間專門製作演出給兒童觀看的劇院。劇院藝術總監巴格蕭（Rachel Bagshaw）和聯合導演貝爾菲爾德共同製作導演這個新版本的《仲夏夜之夢》，適合7歲以上的孩童觀賞。這個製作是獨角獸劇院首次與位於莎翁故居史特拉福（Stratford upon Avon）的皇家莎士比亞劇團（Royal Shakespeare Company）共製的大型製作，4、5月已在倫敦完成演出，上月中劇組搬到史特拉福，在皇家莎士比亞劇團的劇院之一「另一個地方」（The Other Place）開演。
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焦點專題 Focus三大殿堂中的寶島拼圖：臺北市立國樂團2026年歐洲巡演
2026年6月，臺北市立國樂團（TCO，亦稱北市國）在團長鄭立彬的領軍下跨越重洋，歷史性地同時登上了德國柏林愛樂廳、萊比錫布商大廈音樂廳與奧地利維也納金色大廳。這不只象徵著台灣第一個同時征服歐洲三大頂級音樂殿堂的職業國樂團誕生，更是向世界傳達出屬於台灣獨特的聲音。面對西方古典音樂發展的最高殿堂，北市國深知唯有展現自身無可取代的文化主體性，才能讓世界留下深刻印象。因此，這趟巡演以全場台灣作曲家作品為核心，由台灣音樂家演繹台灣作品，用最自豪的「台北之聲」挑戰歐洲最挑剔的耳朵。 然而，每一趟盛大的巡演，對樂團而言，都是一場與時間與體力的極致競賽。從緊湊的移動、高壓的排練、與陌生的空間聲學進行音響試煉，到正式登台，每一個環節都不得怠慢。一場史詩級演出的成功，從來不只是指揮與獨奏家的個人光芒，更仰賴著每一位聲部團員默默累積的專業、默契與其不可或缺的核心力量。 值得珍惜的是，北市國團員之間不但擁有堅實的情感，在絢爛的燈光與掌聲之外，這群頂尖的演奏家，擁有著屬於自己的巡演節奏與生活儀式。有人在背包裝入絨毛娃娃陪伴，在孤獨與高壓的舞台角落尋找溫柔的寄託；有人將跑鞋放進行李箱，再用雙腳跑過的足跡，在世界地圖上蓋下專屬的印章；更有人將胡琴的「口傳心授」與數位短影音演算法相遇，開啟一場場跨越時空與粉絲的對話。 這不僅是一次歷史性的海外展演，更是一場關於東方絲竹樂器在西方聲響語彙的最高標準中，自我定位、尋找主體性的深沉思辨。當音樂響起，舞台前後的生命溫度、自律與熱情完美地交織。來自福爾摩沙的樂音，已在歐洲古典音樂的中心，拼貼出一幅璀璨的寶島文化地圖。
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焦點專題 Focus 以「台北之聲」繪成台灣風情畫鄭立彬領軍北市國，讓歐洲三大殿堂聽見海島脈動
臺北市立國樂團（TCO）的國際巡演版圖，始終是展現台灣文化實力的重要指標。回顧樂團歷史，不僅多次出訪歐、美、亞超過20多個國家，近年來最具歷史意義的一役，莫過於2018年11月，團長鄭立彬於上屆任期內帶領樂團征服美國紐約，成為台灣首個登上卡內基音樂廳演出的樂團。時隔多年，這股來自文化島嶼的悠揚樂音再次跨越重洋，於2026年6月踏上歐洲大陸。當北市國的絲竹之聲在德國柏林愛樂廳、萊比錫布商大廈音樂廳與奧地利維也納金色大廳接連響起，不僅象徵著台灣第一個同時登上歐洲三大頂級音樂殿堂的職業樂團誕生，更是鄭立彬向世界遞出的一張精緻文化名片。 站在西方古典音樂發展的最高殿堂，鄭立彬的節目規劃具有細膩的思維與編排 。許多亞洲樂團在海外巡演時，往往選擇以西方經典曲目來證明自身的演奏實力，但他深知，要讓西方觀眾留下深刻印象，唯有展現自身無可取代的文化主體性。「我一直覺得國樂團在國際上的可能性是非常大的，因為我們帶出去的全是台灣的元素。」這樣的信念鏗鏘有力，道盡了他長年深耕本土原創作品的自信。為此，今年歐洲巡演的曲目規劃，從柏林場到維也納場，貫徹了極具一致性的在地特色，以全場台灣作曲家作品為核心，由台灣的音樂家來演繹台灣的作品，用樂團一直以來所自豪的「台北之聲」，挑戰歐洲最挑剔的耳朵。
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焦點專題 Focus 琴弦上的原鄉呼喚大提琴家楊文信攜手北市國，以完美共鳴向歐洲訴說台灣
當臺北市立國樂團規劃將台灣的專屬樂音帶向歐洲三大藝術殿堂，挑選一位能深刻演繹東西文化交融的獨奏家，便成為這趟巡演的靈魂所在。放眼國際樂壇，出生於瑞士伯恩、雙親來自台南的大提琴泰斗楊文信，無疑是呈現台灣意象的最佳選擇。他不僅在24歲時即考取巴伐利亞廣播交響樂團大提琴首席，1991年更奪得日內瓦國際音樂大賽首獎，如今則身居慕尼黑音樂與戲劇學院副院長要職。這位曾被歐洲樂評譽為羅斯托波維奇接班人的獨奏家，技巧細密精確、風格沉穩風格，以及台灣人特有的熱情浪漫。由他領銜詮釋已故作曲家蕭泰然揉合西方交響語言與東方五聲音階的大提琴協奏曲（作品52），不僅能精準掌握樂曲脈絡，更能以文化橋梁的姿態，引領歐洲聽眾跨越國界的藩籬，感受來自遙遠島嶼的真摯呼喚。 求學歲月，樂音中的深刻牽絆 對於踏上柏林愛樂廳、萊比錫布商大廈音樂廳及維也納金色大廳這趟非凡的歐洲巡演，楊文信的言語中滿溢著光彩與期待。回憶當樂團邀請他參與這趟偉大的旅程時，他雀躍地說：「這3座場館無疑是歷史上最卓越的音樂殿堂，它們在古典樂界擁有極為深厚的傳統。」他略將身體向前傾，笑著：「我怎麼可能拒絕呢？！」。 其中，柏林愛樂廳對他而言更是盈滿著難以忘懷的青春記憶。想起那段歲月，楊文信眼中閃爍著光芒：「1986至89年在柏林求學時，我總是頻繁地去聽音樂會，而且『從沒買過票』！因為卡拉揚學院的學生可以帶朋友進場，我就靠著這張站票，總是站在音樂廳的最末端，聆聽一場又一場令人難以置信的絕妙演出。」這份深刻的連結，讓他對環境之於演出的重要性有著透徹的體悟。他深知要成就一場極致的展演，除了頂尖的音樂家與樂器，更需要契合樂曲氛圍的優質聲學空間與聽眾。這3座聲效極佳的場館，絕對能讓大提琴與絲竹樂團的共鳴發展至最完美的境界。
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焦點專題 Focus 從柏林、萊比錫到維也納現場傾聽台北之聲，三大殿堂中的寶島拼圖
在當代古典音樂的主流版圖中，國樂團的推廣一直是一場持續進行、既具開創性又充滿美學爭議的實踐。帶著凝聚兩年縝密籌備的精銳編制與浩大聲勢，橫跨德奧兩國，在短短時間之內，連續挑戰了世界音樂界的三大指標性聖殿。這不僅創下了台灣首個在單一趟巡演中同時登上這三大頂級殿堂的職業國樂團歷史紀錄，更是一場關於東方絲竹樂器如何在西方聲響語彙的最高標準中自我定位、尋找主體性的深沉思辨。
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焦點專題 Focus 為3座城市量身打造限定安可曲考驗空間的聲學辯證，展現文化的跨域回響
橫跨德奧3大頂尖音樂廳的歷史性巡演，絕非單純的禮儀性出訪，而是一場對聲響適應力極度嚴苛的考驗。帶領一個樂手加上行政與工作團隊達90多人的龐大樂團前進歐洲，不僅是藝術上的頂尖挑戰，更是後勤調度與預算管理的極限考驗。要在有限的預算、資源與時程內，在歐洲不同城市與頂尖音樂廳之間穿梭，每一個細節的背後都必須經歷精密計算。即使過程艱辛，面對緊湊的彩排、高壓的正式演出及接連不斷的外交文化交流行程，團長與團隊依然將資源發揮到極致。「是開心啦，但是好累啊！」鄭立彬在巡演途中由衷的感嘆，道盡了這趟越洋征途的無數辛勞。 西方音樂殿堂的音響試煉 此趟值得思考的是，在西方最知名的經典音樂殿堂中，其空間設計理所當然以最適合西方樂器演出的聲響為評斷標準，在這樣的地方演奏國樂，音響本身就是一個極大的衝擊。這3大音樂廳的聲學物理結構大相徑庭：柏林愛樂廳採用葡萄園式的環抱空間設計，聲音呈多向散射，極度考驗聲部的均勻度與穿透力；萊比錫布商大廈音樂廳的設計同為葡萄園式，具備精確的現代音學殘響，音色偏向清晰與明亮，其殘響時間稍長；而維也納金色大廳則是傳統的「鞋盒式」結構，悠長飽滿的殘響雖然能賦予絃樂溫潤的包覆感，卻極易使顆粒感強、高音尖銳的國樂器產生聲部失衡。 面對高度陌生的空間聲學，團員們幾乎沒有餘裕「慢慢適應」。例如在首站柏林愛樂廳，樂團面臨準備與排練時間極其短少的嚴苛考驗。最終站維也納金色大廳亦同，由於前晚仍有其他演出，樂團工作團隊被迫在極短的時間進場裝台，且在後勤上更面臨必須將樂器從地下室以人工接力方式搬運至2樓舞台的體力考驗。接著極其緊湊的試音與排練，才得以在早上11點準時開演。在排練時間緊迫的情況下，全賴樂團、指揮與行政團隊高度的專業精神與心理素質，團員發揮高度專業素養與效率，方能精準地「集中火力」完成每一次的完美呈現。
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四界看表演 Stage Viewer以身體作為活檔案庫 自己的故事自己說
趕在歐洲熱浪來襲前，源自過往德國舞蹈年會（Tanzkongress）的「德國舞蹈三年展」（Tanztriennale）以盛大的舞蹈遊行於6月中的漢堡街頭熱鬧展開。為期8天的藝術節囊括超過20支舞作展演、4天的論壇與身體工作坊、為期3個月的跨舞風駐村合作短篇呈現。以及為了讓三年展深入地方，早在去年6月就在漢堡啟動一系列舞蹈活動，包括提供舞蹈從業人員參與的「Moving Meetings」；以及引領當地的民眾與舞蹈愛好者認識不同舞蹈類型、體驗跳舞樂趣的「All Moves」，以每月一場不同舞風的工作坊，引領當地的民眾與愛好者認識不同舞蹈類型、體驗跳舞的樂趣，最終一步步在漢堡建立舞蹈社群。而這一切，就在6月14日開幕當天的封街大遊行「City Parade」 開花結果。 從漢堡勞動博物館（Museum der Arbeit）一路遊行至漢堡市立公園（Hamburg Stadtpark），多元舞風團體接力演出、邊走邊跳，沿途引來大量市民停留與圍觀，最終更在地方舞團「MAI:COMPANY」的引領下，集體在公園內共舞，正式揭開第一屆舞蹈三年展的序幕。
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路邊的日本人在追求高效率的時代中，我們更應珍視「看似無用的過程」的價值
現今是一個只需按下一個鍵，就能瞬間得到「美麗完成品」的高效率時代，所以我反而更想刻意繞遠路，透過那些乍看之下毫無效率、甚至有些浪費的過程，把記憶深深刻進自己的五感之中。因為我相信唯有這樣緩慢累積的經驗，才能孕育出只有我才能創造的音樂，以及屬於我的「美感」。
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東京攜手Sónar科技藝術節 JR東日本推出「NU Festival」
作為山手線最新車站周邊的大型都市更新計畫，高輪Gateway City不只是商業開發案，也試圖將文化納入未來城市的想像之中。由NU Festival實行委員會主辦、JR東日本共同主辦的「NU Festival 2026」，於6月26日至28日首次舉行。以「Next New Unity」為核心概念，藝術節結合電子音樂、科技藝術與公共空間，將演出與展覽帶進車站、廣場、美術館、空中花園，甚至桑拿設施之中，讓整個街區成為一座開放式的文化場域。 本屆藝術節最受關注的焦點之一，是與西班牙巴塞隆納科技藝術節Snar的合作。主辦單位表示，Snar並非單純提供品牌授權，而是以合作夥伴身分參與策劃，包含音樂演出「NU Live」到藝術科技的「NU Art」單元。對於長期關注電子音樂與科技藝術發展的觀眾而言，這也是這個全新藝術節的最大特點之一。
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香港戲劇大師鍾景輝6月初辭世 一生為香港打造耀眼戲劇風光
為香港戲劇和影視貢獻一生的戲劇大師鍾景輝在今（2026）年6月初安詳辭世，享壽89歲（1937-2026）。消息傳來，除了本地傳媒廣泛報導，電視、電影、劇場、教育各領域的很多他的朋友和學生──現在都是著名的影視和劇場人，包括周潤發、杜琪峯、謝君豪等──都紛紛發布紀念文字。 鍾景輝由中學開始接觸戲劇，參與校際戲劇比賽多次獲獎，成就其一生為香港表演藝術的盡心盡情。他在1950年代末赴美進修戲劇，在耶魯大學修讀藝術碩士課程，鍾景輝曾在訪問中提及，去到美國就投入吸收戲劇的養分，卻是以倒數心態留在異地，期望學成後貢獻香港。在那個演藝文化有待開拓的年代，人稱「King Sir」的鍾景輝，如此委身藝術文化並成就跨領域發展，一方面是他在這方面有亮眼的才華和廣寬的視野，另一方面，當時的香港亦渴求著有這樣的藝術家，去為這個小城的文化去開墾，帶來一片令往後演藝人可以承傳志業，觀眾認識和欣賞劇場的美麗風光。
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焦點專題 Focus從劇場到平面設計 他負責築夢，她負責踏實
他們大概是最沒有默契的合作夥伴我說的是LUNBOCHILLA貳步柒仔視覺設計團隊Dean（曾士益）及Jaivi（陳嘉微）。前主外，後主內，Dean負責對外的溝通、協商，取得合作意向以後再轉頭向Jaivi說明本次概念方向；Jaivi負責向內的產出，創作範疇囊括手繪及複合式媒材的創作。哇，這任誰看起來都是很棒的組合吧？採訪現場也向Jaivi再次確認：「就是Dean會負責一切對外的交流，讓你安心創作，這樣對藝術家來說，應該算是很幸福的事情吧？」 「很幸福啊。」Jaivi同意。 喔，這樣你們一定很有默契吧！ 「我們真心沒有默契。」 「我們超級沒有默契。」 嗯，連這句話都是異口同聲。語畢，兩人搖搖頭，大力撇清，自己真的沒開玩笑喔。甚至端出彼此的MBTI，Jaivi是INFJ，而Dean則是ENTJ，像是傾倒在世界的兩端。在整場訪談中細數彼此有多南轅北轍。
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焦點專題 Focus就是要「吸睛」！ 挑戰觀看當下的那個瞬間
林羅伯的設計風格，多是以「拼貼」為主要手法，可能在選取與組合之間，創造強烈的視覺，也可能從個別的元素裡，尋找演出作品於其間的蛛絲馬跡。 以他近期替國家兩廳院「新點子實驗場」設計的主視覺來說，收納的不只有一部創作，更傾向於「概念」的表現與整合。「新點子實驗場的命題，對我來說是非常強烈的，無論是『新點子』還是『實驗』，都告訴我要準備處理的東西不是工整的，也可能帶點混亂，或是具有實驗性的符號在裡面。」林羅伯認為，這反而是個很好、且有趣的狀態，因此他以新點子實驗場提供的「邁」這個概念為核心，將舞台、路標、甚至夢境裡的元素都縫補起來。 「今年的視覺，從大方向來看，是很鮮豔、繽紛的，在畫面裡可以看到不同元素，表現出它的概念。同時，我也在裡面放了很多跟道路有關的物件，像是路標、或是指涉性的符號，還有每個演出也會有概念性的符號出現，建築出新點子實驗場的世界觀。」 非科班出身的林羅伯，似乎用他與表演藝術、平面設計的參與位置，反覆拿捏自身與作品間的拼貼狀態，組合出希望傳達的那個瞬間。
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焦點專題 Focus做出看起來以上皆是，卻又以上皆非的趣味
在猩紅色主視覺底圖上，以代表「神經元」和「生理傳導」的線條構逐出海報上的標準字「皮膚と內臟：自己、世界、時間 Skin and Viscera: Self, World, and Time」，這是創辦「理式意象設計」的設計師李孟杰替臺南市美術館所統籌的展覽視覺。 過去在臺北藝術大學攻讀藝術創作研究所，後來開始接設計案的李孟杰，舉凡臺北市立美術館、國立臺灣美術館、高雄市立美術館、桃園市立美術館、忠泰美術館、富邦美術館等公、私立的美術館或博物館，都是他的合作對象。「設計師多半是在一次次的工作裡，跟客戶建立互信，再演變成較為持續性的合作互動。」李孟杰說，無論是單兵作戰的自由接案，或是像他這樣成立工作室型態公司的設計師，從每個專案裡累積相關專業人際是自然的常態，這是他多年來，統籌許多藝術相關視覺設計案的原因。 但在這一年，理式意象設計有了新的合作對象，是隸屬於國立傳藝中心底下的臺灣戲曲中心。這也是透過過去的合作夥伴介紹，李孟杰得知戲曲中心在尋覓設計團隊，才促成彼此的合作。只是傳統戲曲並非先前曾接觸過的領域，決定接下戲曲中心的案子，想必是有什麼誘因的吧？ 「雖然戲曲中心被歸類在傳統表演藝術的範疇，但我覺得他們很有企圖心，每次推出的活動，都會邀請策展人；這幾年工作下來，我很喜歡這種跟人討論概念的工作方式，而策展人的存在，剛好讓我有了可以交換想法的對象。」早些年李孟杰還是帶著提案跟客戶討論，選定方向後再做修正與執行，近3年開始，他更享受以統籌身分來定義視覺調性；因此即使傳統戲曲不是熟悉的領域，李孟杰也樂意與之互動，一起腦力激盪出傳統表演的設計語彙。