PAR 表演艺术杂志

今年香港「新视野艺术节」的主视觉，看起来像是由多颗粒子一个立体球体，绿色的主调看似呼应著世界环保的大潮，而这抽象的、没有特定想像目标的「地球」，与上一届艺术节主视觉甚具「数码感」的「戏曲花旦」，看起来倒是有点相似，但这又可能比再上一届，或更上一届的发亮眼睛和孔雀设计，更有「主题」的感觉。

找不著「方向」、「主题」的所以然，使人常问：到底「新视野」的「新」是什么？而它为何、如何、为谁展示？是让这主视觉及其品味能够植入观众心中前必须要回答的问题。这个每年秋季举办的艺术节，与「世界文化艺术节」交替出现，是香港康乐及文化事务署艺术节办事处在每年暑假举行的「国际综艺合家欢」外，另一个大型的综合性艺术节。

亲子形象深入民心的「合家欢」，针对的观众是儿童和家长，近年则加强了青少年的节目；同时，不少节目也安排在位于不同社区的文娱中心内上演，方便家长安排子女观赏。在时间和空间策略上，「合家欢」的定位鲜明，加上锁定的观众群有一定稳定性，即使是流动的但其速度有限，让「合家欢」的认同性多少透过每年「抢票」的情况得以反映。

「亚洲」和「跨文化」是关键字

但要为秋季艺术节定位，相对于「合家欢」来说挑战更大。首办于二○○二年的「新视野艺术节」，当年的主题「锁定在东西文化的融汇和以现代风格表现的亚洲艺术」；在艺术节办事处的官方网页内，则定义这艺术节「以亚洲为焦点，安排具创意且优秀的跨文化演艺节目在艺术节中演出」。

于是我们发现，「亚洲」和「跨文化」是这个艺术节的关键字，而过去多届的主视觉所强调的「数码感」，多少让人觉得节目会朝这方面探索。这三点无疑也是很多当代演艺工作者的创作所关心的议题，而近年多个欧美重要艺术节重点引介亚洲艺术家和作品，也让这些概念的搬演更见魅力。

然而，地缘政治的影响令「亚洲」这概念的诠释，很难单从亚洲出发，以当中必然涉及很多来自西方的想像和误读，加上不能跳过的殖民历史和全球化的动能，让「亚洲」的复杂性和多样性往往被消弭，而在「跨文化」的大潮和多媒体的广泛运用甚至是泛滥之下，一个立足亚洲，在号称国际都市的城市中举办的艺术节，如何越过这些迷思，找回自己在亚洲以至在世界的定位，以能提升竞争力去面对其他邻近城市的演艺市场，成为「新视野艺术节」保有创意和持续发展所要思考的问题。

的确，十年前这三个概念尚有很多发挥和讨论的空间，而相对于当时已有卅年历史的「香港艺术节」以传统西方演艺口味为核心的策划方针，「新视野」的出现一方面点击中其可能难以兼顾发展的空间，同时亦拓阔了在一九九○年代中停办的「亚洲艺术节」（由康文署前身市政局主办）的关注，让回归后的香港重新透过反思身分和位置，找到视野的创新所在。

让「香港制造」被看见

首届艺术节以「香港话剧团」的《新倾城之恋》揭幕，毛俊辉加上林奕华的创作组合可一难再，张爱玲笔下的香港有血有肉，流徙、寄篱的流苏是永远的香港心事，音乐元素在对白外呈现其内心的复杂性，倾城再现令这演出成了当年的话题之作。同年入节的另一大团「中英剧团」的《咖哩盆菜酿薯条》，听起来已很有港式「跨文化」风味，加上旗舰团队「进念．二十面体」、「香港管弦乐团」及「香港舞蹈团」一起亮相，还有邓树荣的「无人地带」与美国和日本音乐人合作，让本地艺术家与其新作在首届的阵势上甚有看头。

然而往后四届的开幕节目（www.lcsd.gov.hk/b5/cs_pa_festival.php），却都不是由本地艺团担纲，丁菲飞、丁薇、沈伟、荷兰舞蹈剧场与朱哲琴当然各有视野，而今年「优人神鼓」的《时间之外》则把首次海外演出献予香港。固然不一定要让本地团队揭幕艺术节才见香港之所在，但的确有其象征意味，而这焦点失诸香港的确可惜。参考如今年「台北艺术节」《金龙》的做法，是委约本地和海外艺术家合作，目的在于让两地文化透过交流促进创作上的剌激与协同力量：观众可以亲尝剧场最前线的活力，而本地艺术家除了有机会在世界舞台亮相外，亦在艺术节中有所聚焦。

不过要策动这些交流创作要有很强的冒险精神，作品不容易获得美满的成果，台湾的经验仍然是看一步走一步的一路实验。审慎如「香港艺术节」近年委约和主办自家节目，策略是针对性地连系本地个别艺术家制作具质素、叫座力和规模的作品，《圣荷西谋杀案》和《香港式离婚》的重演引起香港剧场观众的关注，亦标示著艺术节的主导性形像。《圣》剧去年亦已受邀到新加坡演出，预见这策略会慢慢发挥其作用，亦见香港作品的生命力。

有历史包袱的「香港艺术节」未必会让本地制作「扯头缆」（编按：打头阵），但「新视野」有这样的空间让本地制作——其艺术性、观点与创意——被进一步看见与认同，就看主办者的主动性有多强，视野有多远，和多有意识地使之发展为一个对这城市有代表意义的艺术节。过去的「新视野」每年平均节目约十四个，其中约有三成为有本地艺术家参与的原创作品，而这比例除了在首届稍见突破外，暂时未见到其他的发展空间。

参演在地制作都见鲜明香港特色

不过综观过去参演的香港作品，都见鲜明的在地特色：「非常林奕华」透过梁咏琪、詹瑞文、陈立华的表演，讨论香港娱乐文化的《大娱乐家》（2004）；《命运建筑师之远大前程》（2010）则揭示都市人对房子和爱情的欲望；梅卓燕和梁小卫合作《流莲欢》（2004）则从香港著名诗人也斯的作品出发；「疯祭舞台」的《曝光》（2006）探讨香港教育的问题；「进剧场」的《象从不遗忘》（2004）和《楼城》（2008）思考城市空间与发展背后的现象；「一舖清唱」从团队名称已见香港特色，寓言式合唱剧场《石坚》唱的更是香港旧故事（2008）。

今年「新视野」则有「邓树荣戏剧工作室」与邢亮合作重新演绎曹禺经典，《舞．雷雨》从身体发掘文本的可能性，邓和邢两人上次于「香港舞蹈团」合作的舞剧《帝女花》突破观众对这粤剧文本的想像，新作则会抽炼这个连周星驰都嘲弄借用的经典中的多个情节，以肢体节奏、呼吸、声音去探索和潜挖角色在权力系统下的压抑与扭曲。而对这种心态持续关注的何应丰，今年则与出生和成长在黑龙江、现居香港创作的新一代编剧意珩合作《大闹天宫》，藉七个没有名字的工厂女工的灵魂，借尸李慧娘去上访「天宫」的遭遇，去探讨当代中国的问题与现象。在何应丰身上，香港视点是必然存在而且是重要的批判对照，而意珩的「在地」则会是更为复杂的文化碰撞和刺激。

至于以融合剧场和舞蹈元素为创作核心的香港舞团「动艺」，也选择再新经典文本。今年初次入节以《离骚》作为创作起点，联同著名华人编舞家张晓雄、蒙古吟唱歌手娜仁其木格及跨界音乐人陈国平，以追求美学实验的精神与当代观点，去重新阅读和诠释文本中被放逐、流徙的身分状态。以上这些作品的独特性和对本土意识的自觉，让香港的文化视野保持常新状态，突显著这个艺术节的香港品位、特色与视点，作品的持续出现和对扶植本地艺术家的重视，会对艺术节定位的建立产生著一定的发展作用。这发展强化本地观众与之的关系，而认同感是观众拓展的重要元素，这将带动艺术节走向更阔、更具视野的观众群。

如何与艺术家携手开拓「新」的活力

然而近年入节的多属个别创作人或小型专业团队，他们的节目未必具备资源能承担如开幕节目般的规模和格局；而站在主办者的角度来说，也会考虑票房压力的影响，致使本地节目在焦点位置上逐步隐身。另一方面，大部分本地团队经年奔命于量化的成果评核制度以争取更多的资源，但时间与空间的制约往往是消弭创意的核心问题。主办者如何成功地突破这些制约，而能与艺术家协同共作、催化创意是艺术节的关键；艺术家对艺术节定位和目的的认同与支持，影响著他们用什么心态和方式去参与，而这动能有助把艺术节推向一个有机、有独特性而可持续发展的状态，这无疑提高其竞争力，能在其他城市举办的同类型艺术节外生姿。愈来愈多海外节目，为分担成本会在地域上邻近的多个城市巡演，更令各个艺术节的内容和形象容易变得一致化，原本要创新和开阔视野，反而逐渐变得狭隘。当观众的视野被拓宽而疑惑其「新」之所在，艺术节本身更要与艺术家走在前面，不断开掘所谓之「新」的意义、流动力与可能性，保持「新视野」之活力，让城市的文化与创意动能亦随而牵引。