藝術家李安成辭世10年，高雄市立美術館策劃展覽「和光同塵：李安成」，50件展品涵蓋了少年時期到人生最後階段，回溯他自成一格的筆墨世界。 筆、水、墨、紙是李安成的創作工具，若以材料分類，他的作品常被歸於水墨藝術、當代水墨的範疇做討論與評析，然今日再觀其作，即使用的是傳統的東方筆墨，李安成的繪畫仍難以被劃分在哪種風格流派，他根植筆墨傳統，從中蛻變出自身的語法，「感知」在其創作過程中位居要角，也以此形塑出高辨識度的個人風格而走在時代的前沿，因此，若只以水墨看待，可能會造成觀看上的局限。
由茱麗葉．畢諾許（Juliette Binoch）擔任導演的《與畢諾許共舞》，拍攝的卻是18年前她和英國舞蹈金童阿喀朗．汗（Akram Khan）合作的舞台作品《IN-I》（2008），畢諾許要和阿喀朗一起跳舞，阿喀朗要和畢諾許同台飆戲，短短6個月的密集排練，到最終100多場的巡迴演出，這部影片讓我們穿越時空，回到當時畢諾許44歲，阿喀朗34歲，兩人都在職業生涯的顛峰時，走出舒適圈，挑戰自己的極限。 1993年畢諾許以奇士勞斯基（Krzysztof Kieślowski）「藍白紅三部曲」的《藍色情挑》拿下威尼斯影展最佳女主角，1996年以《英倫情人》贏得柏林影展影后與美國奧斯卡最佳女配角，2010年與阿巴斯合作的《愛情對白》拿下坎城影后，成為大滿貫影后。1998年在倫敦西區挑戰演出皮藍德婁（Luigi Pirandello）的舞台劇《裸體》，2000年在紐約百老匯演出哈洛．品特（Harold Pinter）的舞台劇《背叛》皆獲得高度肯定，從未接受過專業舞蹈訓練的她，非常欣賞編舞家阿喀郎．汗的作品，主動提出合作邀請。
「民間」是許多台灣創作者觀察的對象和靈感汲取的來源，文學、舞蹈、劇場、美術和攝影等領域，都可見到民間生活、神話傳說、宗教祭儀等元素糅合其中，如1978年雲門舞集的《薪傳》首將台灣先民奮鬥史搬上舞台；優人神鼓的「溯計畫」試圖從對民俗祭儀、太極拳等「稽古」方式找尋東方人的身體等等，而在攝影領域，「民間」與攝影之間的關係密不可分，張世倫於新北市美術館策展的「民間╱攝影：紀實影像的敘事生成」，以「╱」象徵兩者緊密的狀態：攝影塑造人們理解民間的方式，民間也不斷影響攝影家觀看的方法。
首先，這是一篇書評，或者，不敢說是書評，而是讀後有感而發是針對書中人物故事的，也是針對最近發生在作者身上的一件「烏龍事件」。兩件表面上看並不相關的事，細究起來，卻隱隱然有著發人深省的關連性。簡言之，就是我們可以如何透過一位私家偵探（private eyes）的眼睛，嘗試理解這個世界運作的邏輯，思考我們在這個世界上的位置。 知名劇作家紀蔚然以私家偵探吳誠為主人翁的小說系列，最新一部《人性遊戲》日前出版，經友人分享上市訊息之後，我立即購入，適逢颱風連假，欣然開讀。過程中，被吳誠在淡水街區的隨興遊走，和「終極關懷徵信社」的案件調查所吸引，一步步踏入那個文明表象下的黑暗境地，跟著Private Eyes窺探人性遊戲。 因為是推理小說，所以針對《人性遊戲》的內容，我不能透露太多，只能簡略介紹故事梗概。 主人翁吳誠原來的女友艾瑪（DV8酒店女主人），因為要返鄉照顧父母而將酒店關閉，吳誠原本往返淡水台中，維持兩人關係，但終究敵不過分隔兩地的痛苦而逐漸淡漠結束：「正如酒店收攤沒任何儀式，兩人之間沒正式的道別，於情緣沙漏悄悄流光之際結束了。」吳誠在兩人分手之後，因緣際會結識一對酷愛旅行的退休夫妻，甚且成為他們的租客，搬離了會讓人觸景生情的舊住處，繼續他在淡水街區的鄉居生活。 吳誠仍然在好友胡舍開設的「終極關懷徵信社」任顧問職，領基本月薪的責任，只有針對棘手案件提供策略建議，不負責實際調查，雖然過得閒適，但「總覺得對不起『私家偵探』這個在我心目中無比崇高的名號」。他與胡舍經常造訪一家茶室，某日，一位與他交好、甚至有些曖昧的小姐，對他提出了幫姊妹淘主持正義的請求。原本看似簡單明白的案件，在徵信社全員投入、啟動調查之後，卻召喚出隱身於「正常社會」之中的地下人際網絡，和權貴菁英主導的巨大陰謀一場挑戰人性的遊戲。 私家偵探吳誠從2011年首次現身於《私家偵探》裡的六張犁，解開台灣第一起連續殺人命案之後，2021年在《DV8》中定居淡水，但在三重、新莊、蘆洲各地奔走，追索陳年舊案，同時和酒店老闆艾瑪，談了一場最終沒有結果的戀愛。到了2026年的此時，再次孤家寡人的吳誠，在淡水找到理想的新居，也終於有機會破解規模更大，影響更深的重要案件。但破案的成就感，卻不
那麼，這部推理新作，又如何與作者個人近來遭遇的「烏龍事件」，有所關連？ 在紀蔚然過往的劇本、雜文與前兩部小說中，有我們所熟悉的嬉笑怒罵、辛辣嘲諷，在《人性遊戲》中，文字依然尖銳，但整體而論，字裡行間卻有更為深沉的憂傷對自己身處的這個世界，對活在這個世界裡的人們。就像吳誠從Neil Young的〈Heart of Gold〉曲中回望嬉皮年代時的感嘆：「那是個充滿信念和憧憬的年代，然而物換星移，革命的熱血早已冷卻，對於事物的發展我們只能逆來順受，眼睜正看著全球逐漸被私心與貪婪撕裂得分崩離析。」 對紀蔚然╱吳誠而言，這個世界變得愈來愈醜惡，極端、分裂、仇恨，成為社會關係常態，善良與左派的力量節節敗退，「在這聒噪的年代，沉默有時是最嚴重的抗議，但有誰聽聞？」而當沉默被理解為默許苟同時，「不平而鳴」似乎是唯一的選擇。 「臺北戲劇獎」第二屆頒獎典禮甫於7月6日，在臺北表演藝術中心球劇場圓滿完成，典禮本身熱鬧精采，得獎名單亮眼可觀，台北劇場界共同度過了一個星光閃耀的盛會。只是，這一切美好，卻因為隔天下午的一篇臉書發文，而莫名地沾惹了塵埃。 紀蔚然在透過友人轉發的聲明中，對自己原本受邀、並應允擔任戲劇獎「最佳戲劇獎」頒獎人，卻因為莫名原因（猜測是文化局高層介入），被逕自更換頒發獎項（「獨立精神獎」），表達不平之情，和未來「非誠勿擾」的請求。 這篇發文，迅即在向來平靜無波（特別是在「黑特劇場」退出臉書之後）的劇場界引發不少回應超過1000次個回應，超過200次的分享。多數留言者對紀蔚然遭受的對待，表達關切、遺憾、不平，少數留言對文化局╱高層有所批評，但幾乎沒有人對「戲劇獎」本身的重要性，有所質疑，更少有人對高層以下的承辦人員有所指摘，反而有為「相關者」抱屈者。 兩天之後，身為當事者的蔡詩萍局長，在個人臉書發表了回應。全文長達1300字，是紀蔚然原文的近3倍，顯見他對這場小小風波的重視。 蔡詩萍局長的回應，從標題〈不免落落長了，但臺北戲劇獎的努力應該被看到，小誤會應該被澄清。〉看，就是兩個重點：文化局辦理戲劇獎的用心與辛勞，對本地劇場界的支持，不容否定；紀蔚然宣稱受到的對待，純粹是因為承辦同仁與典禮執行單位的問題（
在第37屆傳藝金曲獎入圍名單公布的聚光燈下，一張由屏東縣政府出品、為紀念恆春建城150周年所推出的音樂專輯《春城小唱》，成為本屆頒獎典禮前備受矚目的焦點之一。這張作品橫跨傳統與當代界線，一舉囊括最佳跨界音樂專輯、最佳專輯製作人、最佳作詞、最佳編曲及最佳演唱等 7 項提名。當大眾對傳統民謠的印象仍停留在博物館式的採集標本或附庸配角時，《春城小唱》何以能以強大的聲響能量與藝術完成度征服當代評審與聽眾？其背後所展現的，正是一場關於傳統符號的重構與台灣音樂主體性的深刻實驗。
攝影向來是一種視覺優先的媒介，雖然有「盲拍」，也是明眼人經過一番練習或測試的拍攝行為，那麼，這是否意味著盲人或視障者僅能是被凝視的客體，無法成為具有主動性的操作者呢？國家攝影文化中心推出「黯像：看見不見凝視之界」展中，展示了國內外視覺障礙攝影師的創作，包括斯洛維尼亞、墨西哥、日本和台灣的創作者，以及韓國藝術家與日本視障藝術家合作的影像創作，從他們發展出有別於一般攝影型態的作品，讓我們重新省視「觀看」的方式。
18世紀，東亞政治版圖仍以朝貢體系為首，宗主國與藩屬國間保持著尊卑有別的秩序。1782年，乾隆70誕辰，藩屬國之一的朝鮮王朝派出使節團同祝，文學家與實學家朴趾源也隨團赴中。不料抵京後，乾隆已北上至熱河避暑，使節團也只得連夜趕路。旅程的急轉彎也成為朴趾源人生的轉捩點。朝鮮王朝還困在「華夷之辨」的天朝觀時，大清帝國在科學技術與民生經濟上早已高速發展，而蒙人、藏人與乾隆的互動，更破除朴趾源對族群的成見。回國後，他便將這段行旅寫成《熱河日記》。 兩百多年後，即使當年的朝鮮王朝已成今日的大韓民國，《熱河日記》中因信天朝觀所呈現出的封閉與陳舊，仍讓劇作家裴三植（배삼식，Pai Sam-Shik）產生跨時空的共鳴，其中世界觀的毀滅與建構更讓他找到一處寓言劇的破口。他將《熱河日記》改成舞台劇本，名為《熱河日記漫步》（열하일기만보，Inching Towards Yeolha）。 人類學出身的劇作家 裴三植與劇場的相遇是在大學。首爾大學人類系在學期間，他曾加入校內戲劇社，但這時劇場給他的感受不深刻，彷彿路過看戲的觀眾，隨時可以離去。一直到退伍後，在後輩的慫恿下進入韓國藝術綜合學校，他才正式踏上劇場編劇之路。即使在2011年的講座中，他把自己說成一個無目的、無意識的人，甚至常常說著「不幹了」，但轉眼間也快寫30年了。 興許是人類學讓他養成一種多方觀察的視野，裴三植的編劇風格展現出一種「不偏倚」的特質。他不僅在選材上兼顧改編作品與原創劇本，在內容上也抗拒戲劇傳統中非黑即白的二元衝突論。他認為，戲劇張力不會只來自刻意營造的兩極，因此他更習於以人類學式的同理平視著筆下的每個人。在他的劇本中，英雄與反派不再分明，取而代之的是小人物在大時代中的拉扯，人人都只是一個身影。在《熱河日記漫步》中，這種多焦點、多聲道的群像十分鮮明。 從人到獸的大幅度改編 雖然《熱河日記漫步》是部改編作品，但裴三植重新鑄造一個寓言的框架，並建構一座寸草不生的「熱河村」與一群孤陋寡聞的村民。他們的名字詭異豪彘、騶吾、蠻蠻、諸犍等全都取自《山海經》。經裴三植的改編，朴趾源飽覽大江、平原與都城所寫成的旅行
夢想，難道會因為歲月的流逝而超過保存期限嗎？曾橫掃影音平台排行榜、被觀眾封為「年度最催淚神作」的韓國知名IP《如蝶翩翩》（Navillera），將以音樂劇的嶄新面貌首度登台！這部改編自人氣網路漫畫的經典，講述70歲退休老者與23歲迷惘天才芭蕾少年的忘年之交，細膩描繪了現實與期盼的拉扯。在準備迎接這場夢幻且深刻的逐夢旅程前，「PAR你不知道」單元特別為你整理了結合社會現象與幕後秘辛的8個必看亮點，帶你搶先了解這部充滿魅力的動人佳作。 1. 《如蝶翩翩》到底有多紅？為何被譽為「人生必看」？ 這部作品的改編版影集曾連續3週擠進Netflix台灣排行榜前10名，被觀眾形容為「年度最催淚」、「人生必看」之作。此外，其原著是在韓國知名網漫平台Kakao Page累積觀看近90萬次、長期維持近10顆星滿分評價的超高人氣連載，更曾榮獲美國威爾．艾斯納漫畫產業獎（Will Eisner Comic Industry Awards）提名並入選「最佳網漫獎」，是具備全球認可的強大IP。
桃園市有一座土地公文化館，開館9年，第一次透過當代藝術與民俗文化進行對話，讓民俗信仰不只是傳統，而是能持續在當代生活發生的想像創造。在這場名為「仙人．跳土地公的藝術家朋友們」展覽當中，邀集25位台灣藝術家以版畫、繪畫、雕塑、行動藝術乃至提升運勢早安圖、AI生成的籤詩和互動遊戲等多樣形式，透過當代藝術再詮釋民俗文化，可發現它其實深刻在我們的生活，只是隨著時代變遷而以不同的形式面貌顯現。
陪伴全球無數人長大的經典作品《魔女宅急便》全球首演第一站就要飛向台灣了！ 今年（2026）夏季，由日本原裝70人團隊帶來的「2026交響樂全新製作版」音樂劇，將在國家戲劇院與臺中國家歌劇院展開全球首演。日前，曾榮獲「國際安徒生大獎」、高齡91歲的日本國寶級原著作家角野榮子，親自率領主創團隊與演員現身東京富士電視台的國際記者會，正式宣布這項重磅消息。但這齣經典改編的舞台作品背後，究竟藏著哪些你沒注意到的巧思與趣事？這次就讓「PAR你不知道」帶你一探究竟，揭開琪琪這趟飛行背後的8個幕後魔法！ 1. 這不是單純擴編，而是為台灣「量身重編」的聽覺魔法！ 你以為交響樂版只是多加幾把小提琴和銅管嗎？大錯特錯！音樂總監小島良太透露，這次絕對不只是增加樂器編制，而是特別針對國家戲劇院與臺中國家歌劇院的劇場空間，進行全劇管絃樂的重新編曲。更難得的是，這次的音樂是由東京與台北頂尖音樂家與錄音團隊「共同錄製」，就是為了讓台灣觀眾在劇院裡，能體驗到層次分明、震撼力十足，真正「聽得見的魔法」！ 2. 一句話等了15年！角野榮子與年輕創作者的浪漫約定 這齣音樂劇的誕生，其實源自於一個跨越10多年的承諾。大約15年前，當導演岸本功喜和音樂總監小島良太還是兩位不到30歲的熱血青年時，就大膽向角野榮子提出了改編音樂劇的構想。當時感受到他們熱情的角野答應了，但也告誡他們：「不能只是因為憧憬而創作，而是要真正認真地、持之以恆地完成作品。」 如今他們真的帶著升級版的作品走向世界舞台，讓角野在記者會
提到安德魯．洛伊．韋伯（Andrew Lloyd Webber）與提姆．萊斯（Tim Rice）的曠世鉅作《萬世巨星》（Jesus Christ Superstar），你腦海中浮現的或許是撕裂靈魂的高亢嗓音，或是顛覆傳統的強烈搖滾節奏。 但你不知道的是，這部發想之初被譏為「史上最荒唐點子」的作品，竟是靠著狂銷逾700萬張的概念專輯才成功「逆襲」舞台；你可能也不知道，它大膽從「叛徒」猶大視角將耶穌還原為血肉之軀，雖曾飽受宗教團體抨擊為「離經叛道的異端」，卻私下深獲教宗保祿六世的盛讚，認為它能帶領世人走向基督教。 這場打破高雅藝術與大眾流行樂藩籬、永久改寫百老匯規則的劇場革命，即將挾帶榮獲奧利維耶佛獎肯定的全新重製版之姿，於2026年夏天首度重磅登陸台北國家戲劇院。在走進劇院感受那穿透力極強的電吉他和弦之前，就讓我們翻開歷史的扉頁，為您解碼《萬世巨星》背後那些衝撞傳統、顛覆體制的精采秘辛！ 1. 音樂劇史上的奇策：從唱片逆襲回百老匯！ 在 1969 年，當時年僅21歲的安德魯．洛伊．韋伯和25歲的提姆．萊斯，兩人決定做一齣基督教搖滾歌劇，但沒有製作人願意投資，還稱這個想法是「史上最荒唐的點子」。好在還是有人認可兩人的創作理念，願意資助他們先錄歌曲，因此兩人先錄製了一張概念專輯，最終這張87分鐘長的專輯獲得了巨大的商業成功，這才迫使劇院老闆們隔年回過頭來爭取將它搬上舞台的權利。 而所謂的商業成功到底有多成功呢？根據統計，這張專輯發行不到3週，英國銷售便突破百萬張，並且，從1970年發行以來至1983年，全球總計銷售超過700萬張。 2. 1972年倫敦西區版本連演8年創紀錄，2026年首訪台灣 挾帶著音樂上的成功，這齣劇於1971年7月首度登上美國賓州匹茲堡的舞台，同年10月迎來紐約百老匯的正式製作，並於1972開啟了倫敦百老匯的製作。這個倫敦西區版本的《萬世巨星》自開演以來連續上演8年，總共演出3358場，創下當時英國史上最長壽的音樂劇紀錄（這個紀錄後來被韋伯的《貓》給打破）。 2020年迎來50周年紀念的《萬世巨星》，自初登舞台後，便不
台灣第一代西洋畫家當中，陳植棋（1906-1931）是令人印象深刻的一位，儘管在世只有短暫的26年、繪畫生涯不到7年，他的剛毅、熱情及富含理想的個性鮮明，也讓人對他的早逝感到惋惜。由於傳世作品數量不多，陳植棋的畫作大多零星見於聯展，上一回大規模展出是1995年臺北市立美術館舉辦「古雅的青春陳植棋作品展」，當時展出46幅；今年適逢陳植棋120歲誕辰，國立臺灣美術館策劃「植棋的歌短而亮的生命力」共展出48幅陳植棋畫作，重現這位藝術或生命皆璀璨的前輩藝術家一生。
藝術家邱承宏用兩年時間，反芻花蓮0403地震發生之後的影響。當人們幾乎快遺忘這次地震造成的衝擊，他在近期個展「柔韌之餘」中，以一座傾斜懸空的螺旋梯，重新喚起似曾相識的災難畫面，於是，這座在一般畫廊罕能展出的碩大雕塑《失衡的螺旋》，成了藝術家對地震災難及其餘後感受的銘刻記憶。
儘管在傳統上，視覺藝術家的「成就」常以個人為衡量單位，卻不因此成為「組團」、「成團」的阻礙，即使藝術團體運作的時間難長久，可對素來是以「個體戶」身分工作的視覺藝術家來說，「團體生活」仍標示著某些意義，特別是就學期間或在摸索未來的躊躇階段，團體帶來的影響，可能潛藏於內或形之於外，或多或少在個人創作中留下痕跡。 台北當代藝術館「凹陷：我們的團體生活」，透過個別藝術家的作品，指向過去或現在「隱而未現」的團體共創及生活經驗，回溯近25年來（曾）出現的視覺藝術團體，或以空間作為一種團體形式的創作實踐。
人一旦降生於世，便墜入「家庭」這種關係網絡中，而家作為緊箍咒的例子，往往比成為避風港的日子多。不過，正因原生家庭是世上所有人生旅程的起點，自文明以來，藝術家無一不以家門內的愛恨情仇作為創作主題，托爾斯泰一句「不幸的家庭各有各的不幸」就是最好的證明。 今（2026）年4月，法國當代劇場導演喬埃．波默拉（Jol Pommerat）將再度來台。回顧波默拉往年受邀的作品，家庭結構與親子關係構成命脈，《仙杜拉》、《小木偶》與《小紅帽》組成的「童話三部曲」尤然。波默拉同時期的另一部委託創作《孩子》（Cet enfant）便也可見他以相同的減法美學呈現屋簷下的付出與回報、期待與失落。 減法的美學 集編導於一身的波默拉，如今以簡潔的劇本語言、凝練的導演美學聞名，而其背後的哲學，與他所創立的「路易霧靄劇團」（Compagnie Louis Brouillard）密不可分。 最初，波默拉以演員的身分參與劇場，但他所接觸到的劇本，台詞每每溢出紙頁，華麗、誇張、虛假，與他對劇場的想像大相逕庭。對他而言，劇本應保有日常語言中的重複與破碎，即使略顯粗糙也沒關係。更重要的是，台上的語言只是表面，人生中那些如霧茫茫，無法名狀的晦暗與沉默，才是他想要書寫的對象。波默拉最終決定自己寫劇本、創立路易霧靄劇團，與一眾固定班底共同尋覓創作方法。 如今，波默拉的藝術哲學早已確立。他認為戲劇文本與場面調度須共同發展，無先後之分，因此他以編劇與導演的身分帶領排練，雙管齊下的創作方法之後也被學者稱為「排練場寫作」（criture au plateau）。編劇上，他將語言縮減到最低限度，大量活用斷句與留白，試著靠近人在極端情境下的樣貌。導演上，極簡主義為主，台上沒有景片與道具，只有精準切割的光區，以劃出明與晦的交界。 無名的角色 《孩子》開始前，劇本中是一張角色列表，上面沒有任何名字，只有「父親」、「母親」、「兒子」、「女兒」等家庭稱謂。這種去識別化的設定，不只替角色脫下傳統敘事中厚重的生命經驗與背景故事，更將視野從特定個體擴大至身分原型的層次。無名的
在繁華喧囂的台北大稻埕，沿著迪化街深處的歷史建築尋覓，推開一扇低調的門扉，迎接你的不是震耳欲聾的流行節拍，而是流淌於空氣中、優雅的絃樂與醇厚酒香。2025年11月底，全台第一家深度結合古典樂與威士忌的音樂酒吧「奏ZOU Listening Bar」在此開幕。店主周郁然，將珍愛的音樂與專業高階音響安排於店內。這裡不僅提供專業的聆聽環境與豐富的選酒，更著重不設限的自在氛圍，讓顧客能在樂曲中細品威士忌，接受音樂與品酒的薰陶，成為城市裡讓疲憊靈魂得以棲息的專屬庇護所。 感恩的晨間儀式，與數字「132」的宿命羈絆 這方微醺之所，每日皆上演著一場神聖而浪漫的「開店儀式」。源起於周郁然對貝多芬絃樂四重奏Op.132第3樂章的深深喜愛。這首樂曲是樂聖經歷大病後，為感謝上帝治癒其疾病，特意採用古老教會調式「利底亞」（Lydian mode）譜寫的感恩之歌。對店主而言，這首曲子曾在生命中諸多關鍵時刻給予陪伴，如今蛻變為每日帶著滿懷謝意啟動營業的專屬洗禮。 不可思議的是，「132」這組密碼與此地有著冥冥中的巧合。初次尋覓至迪化街時，他發現店址竟恰好座落於「一段322號」。周郁然笑言，當下也為這暗號般的巧合心震了一番；回首來時路，彷彿這家店註定要在此落地生根。於是，在迎來首位顧客前，他總會獨自播放這首樂曲，讓樂聲成為開門的儀式，也讓感恩與祝福在空間中緩緩展開。
劇院的燈光緩緩暗下，令人屏息的管風琴前奏如狂潮般襲來，在劇情發展緊張的時刻，懸掛在穹頂的華麗水晶吊燈在觀眾的驚呼聲中急遽墜落這是無數劇場迷心中無法抹滅的震撼印記。2023年4月，當紐約百老匯的《歌劇魅影》（The Phantom of the Opera）在經歷了35年、近14,000場的輝煌演出後，因疫情後的市場變化與營運成本壓力而黯然落幕時，全球劇迷無不為之惋惜。然而，正如知名製作人卡麥隆．麥金塔（Cameron Mackintosh）當時所許下的豪語：「它當然會回歸，所有偉大的音樂劇都會。」 果不其然，這句承諾在2026年化為璀璨的現實。由安德魯．洛伊．韋伯（Andrew Lloyd Webber）譜寫的曠世巨作，在問世40周年之際，不僅沒有走入歷史，更挾帶全面升級的聲光視覺與舞台科技，以「40周年紀念演出版」的磅礡之姿重返舞台。這部在全球47個國家、締造破1.6億觀賞人次與60億美元票房的不朽傳奇，究竟憑什麼能在歲月洗禮下持續閃耀？本文將帶您撥開迷霧，從劇場美學、音樂語彙及深層的心理神話原型，深度解碼這張半白面具背後，歷久彌新的藝術底蘊。 跨越雅俗的音樂語彙與視覺奇觀 《歌劇魅影》的誕生，始於韋伯1984年在紐約二手書攤偶然發現法國作家卡斯頓．勒胡（Gaston Leroux）於1910年出版的同名驚悚小說。韋伯在一個下午內讀完此書，並產生了強烈的改編「頓悟」。他在創作時，打破了傳統音樂劇的框架，將古典歌劇的磅礡華麗與1980年代的電子音效完美鎔鑄一爐。正如美國作曲家威廉．博爾科姆（William Bolcom）所評價：「這種劇場真正試圖拉近流行與歌劇世界的距離。」 除了極具感染力的旋律如〈The Music of the Night〉與〈All I Ask of You〉外，《歌劇魅影》在舞台設計上更是立下了難以超越的標竿。劇中最具標誌性的「墜落水晶吊燈」，不僅是舞台機關技術的重大突破，更成為全球戲劇文化中無法磨滅的符號；百老匯博物館（Museum of Broadway）（註1）中甚至珍藏了一盞綴有超過13,000顆水晶的魅影吊燈，每一顆水晶皆象徵著一場百老匯的演出。在40周年紀念版中，製作
在2026年到來的前夕，兩檔攝影展在北師美術館登場，分別是台灣「浮生《人間》中的報導攝影，1985-1989」，和日本「in Vitro？in Vivo! 在試管中？在活體內！攝影家立木義浩X東京大學」，兩者呈現攝影截然不同的表現取向，有意思的是，「人間」展場位於美術館的2、3樓，立木義浩展設於地下樓，這樣的空間安排適巧呼應了拍攝主題的差異：前者關注「地上人間」百態；後者聚焦採集、出土的文物與標本，因為攝影留駐的瞬時片刻，讓它們得以穿越時空，持續和當代社會進行對話。
人類崇尚「美」，同時也為「怪異」深刻吸引，達文西能畫出充滿謎意之美的《蒙娜麗莎的微笑》，也留下了《怪誕頭像》的素描，顯示對美和怪異同感興趣。又如16世紀尼德蘭畫家波希《人間樂園》三聯畫充斥半人半獸、突變異類、放大的器官等高度原創性的圖像與符號，其意涵至今難解卻依然引人入勝，如此種種皆顯示「怪異」與「美」同存於世，藝術家也藉以表達世界的荒謬抑或批判。 2026年初始，双方藝廊策畫「怪異考：怪物世眾生相」，引用唐娜．哈洛威（Donna Haraway）提出的「怪物世」（Chthulucene）概念，從9位台灣藝術家的繪畫、雕塑與裝置藝術呈現世界混生的樣態。
史特林堡（August Strindberg）於晚年所寫的《夢幻劇》（A Dream Play），以印度神祇因陀羅（Indra）之女阿格尼斯（Agnes）下凡一遭的遊歷，探討苦難的本質與生命的意義。其中奇幻的角色、破碎的場景雖打破了20世紀初工整嚴謹的劇場慣例，卻也創造純粹如詩、流動如夢的質地，在劇作上另闢一條更奔放無拘的道路。新加坡劇作家亞非言（Alfian Saat）看見抵抗建制的潛能，便以史特林堡的結構概念為基礎，寫出《夢幻劇：亞洲男孩三部曲之一》（Dreamplay: Asian Boys Vol. 1），照見新加坡不可言說的男同志歷史。 審查制度的眼中釘 最早，亞非言其實是位詩人。1998年，他出版詩集《激烈時刻》（One Fierce Hour），其中一首〈新加坡你不是我的國家〉（Singapore You Are Not My Country）表達了一位青年對國家愛深責切的情感。這首詩宛如平地一聲雷，宣告著一位文壇新星的誕生，卻也因其強烈的措辭讓亞非言從此陷入愛國與否的爭議。 之後，亞非言的身分漸漸過渡成編劇，社會關懷不減反增。他熟稔地操持英文與馬文，瞄準多族裔的劇場觀眾，更藉著雙語乘載的不同觀點增添劇作的辯證層次。但，正是劇場這種公共性與政治性，讓新加坡政府找到向他設限的藉口。在《夢幻劇》送審時，政府便以劇中探討同性戀主題為由，祭出R18級的限制，以此箝制曝光與收益。2024年，亞非言更將與審查制度的長期恩怨寫成《新加坡劇場之死》（The Death of Singapore Theatre）。 老派女神下凡亂救人 如同史特林堡的原著，亞非言的《夢幻劇》以女神阿格尼斯下凡開篇，不過這次她以分不清是選美佳麗或變裝皇后的姿態降生人間。一登台，女神發覺比賽已來到問答環節，便頂著浮誇假髮義正詞嚴地說，奪冠之後，她計劃把男同志從以芭芭拉．史翠珊（Barbara Streisand）為首的偽女神崇拜中拉出來，變回陽剛的異男，導回快樂的道路。語畢，掌聲如雷。女神下凡一席話，竟變成帶著保守任務的環球小姐。 一個轉身，女神發現身邊是4位年齡、族裔各異的跨性別變裝皇后。皇后們聽聞女神的來歷
在「黑水2025台灣美術雙年展」開幕典禮上，阿美族藝術家馬躍．比吼邀請現場來賓進行一場「承認練習」：承認這場活動的所在地、即國立臺灣美術館周遭曾是原住民守護的土地。這樣的即席「練習」看似只是一個活動的過場，仍可望在人們心裡投下一顆小石子，省視部落消失的源由，而如這般直視歷史「晦暗面」的過程，正是「黑水」的策展企圖。
由本刊所出版的《表演藝術年鑑》系列專書，長期以來透過每一年度資料的積累整理，呈現該年度的表演藝術生態樣貌，同時，也期望透過年鑑所彙集的資料與數據，作為現況分析的基礎，並邀請專人透過資料與事件的爬梳撰寫專文，提出對當年度的整體觀察與思考。 在今年本刊更是將已出版的歷年《表演藝術年鑑》共31本，進行數位轉型，以版面資料庫的形式供讀者閱讀。而最新的《2024年表演藝術年鑑》已於近期完成製作並上架，本站特地轉載書中年度觀察專文，以饗讀者。
資本化觀察（1）：創業語境下的台灣劇場生態 當文化政策以「創業者精神」或「文化內容產業」作為推動劇場生存的口號時，實際構成的是一種「無資本的資本化想像」：表團被鼓勵登記立案、建立品牌、提出營運計畫、發展收入來源，彷彿只要具備創業語言就能進入文化市場。但台灣劇場的現實是：缺乏風險資本、觀眾市場小、製作成本高，幾乎所有創業想像都僅存在於補助表格裡的模擬現實中。 如哈拉瑞在《人類大命運》中所言，現代社會的主導邏輯早已從政治轉向資料與資本。創作者若無法產生可轉換的資產（如平台流量、投資回報），就無法在經濟秩序中擁有位置。劇場團隊被當成創業者，卻從未獲得創業該有的「風險共擔機制」與「中介投資結構」，只能年年提案、補助、結案、歸零。 從傅柯的角度來看，這樣的「資本化治理」實則是一種規訓：劇場團體被制度要求逐漸內化特定的行政語言與產業符號，進而生產出制度預期的文化表現樣貌。 換句話說，劇場團隊變成了制度內部的文化生物：不是真正的產業主體，也無法成為純公共性實踐者。他們以產業語言包裝補助行為，以品牌外型取代文化意圖，以營運策略裝載創作焦慮。這樣的資本化是幻象，但這幻象卻逐步塑造了劇場的制度現實。 資本化觀察（2）：補助與自籌下的治理日常演變 公共場館與劇場團體，在今日的文化治理邏輯中，被要求同時扮演補助接受者與自籌責任人的雙重角色。一方面依賴補助完成製作、支持營運、支付人事與場地，另一方面又被要求提高自籌比例、發展收入策略、證明非依賴性與市場整合能力。表面上，這似乎是一種漸進式的財務責任轉移；但實際上，它構成了文化場域中資源合法性與治理主體模糊的關鍵矛盾。 補助款究竟是什麼？是政府的資產？是人民的稅收？是公共預算？還是社會投資？這個問題看似會計性質，實則是國家與人民之間使用權與分配權關係的核心問題。當文化單位接受補助時，往往被告知必須負起更多營運自主責任。但若補助是來自納稅者、來自全民的公共預算，那它便不是國家的私產，而應是一種代行信託的使用權責。這也突顯一個制度深層的治理問題：誰擁有文化資源的分配權？又是誰定義「合理使用」的標準？
成軍15年的「豪華朗機工」是台灣視覺藝術界的異數，4位成員：張耿豪、張耿華、陳乂和林昆穎都是藝術家，各自創作風格鮮明，當「合體」為團隊時，作品既呈現多樣面貌，同時又具有「豪華朗機工」的辨識度。這次以團隊「個展」為名舉辦展覽「宇宙寫生」，透過14+1件作品梳理創團15年的軌跡之外，也清晰勾勒出他們的創作關懷，這些融合音樂、科技、文本、影像、裝置等元素的作品或流露日常抒情，或回應公共議題。 「宇宙寫生」開展以來吸引觀展人潮絡繹不絕，特別是年輕族群。而究竟，主觀意識強的藝術家如何達成「4 in 1」的多功與分工？想必是不少觀眾內心的疑惑。
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