時至今日，我們對京劇仍有「一桌二椅」、「演員劇場」、「抒情」、「寫意」等理解，但在當代創作裡確實已不是不可推翻的定律，於導演、舞台美術、燈光等現代劇場編制介入後，多數劇團都重新詮釋、或回應京劇的美學，在劇本、表演等方面產生質變。去年年末，「科技京劇」成為另一個話題。（註1）事件本身已暫時落幕，此議題的發酵或偏離主軸、或正中核心，都有待時間檢驗。但記者陳宛茜當時的報導文章〈傳統戲曲擁抱高科技 失原味恐四不像〉（註2），將當代傳奇劇場《蕩寇誌之終極英雄》全沉浸體驗展（後簡稱《終極英雄》）拉入批評行列，倒出現根本性的謬誤：國家劇團與私人劇團對「傳統藝術」的態度，是否有本質的不同？在此「不同」下，兩者就算都以科技為創作走向，背景與目的能否歸於同樣探討主題？
繼去年演出令人耳目一新的新編京劇《魔笛》，台北新劇團開春將重現「新老戲」品牌的經典傳統戲碼，5齣充分展現各行當壓箱絕活的精采好戲薈萃於一台。同時，宣告2022年最新一季戲曲線上頻道「酷雲劇場」隆重開播。
身體氣象館自2005年承接牯嶺街小劇場之營運後，針對小劇場在整體文化脈絡上的影響與軌跡審慎思索，致力推廣前衛的表演藝術、實驗的跨界藝術及創意的形式藝術，並促進時代精神的匯聚、互動、發聲，以期展現真正的文化公共性，具體深化的文化教育。
身處在劇場中，有時意識會飄移、連結到某個日常時刻，生活裡的切片也常經提煉，被納入為黑盒子裡的元素。 看似不同的空間切換，但思緒與創造是既連動也流動的。此以紙作為第三種形式，試圖將影像們匯作另一個小劇場。
翃舞製作2022年開春第一個作品《嶙峋》，由DI YANG操刀擔任視覺總監，出身時尚雜誌圈的他，將時尚雜誌的概念放入舞蹈演出視覺裡，找出本次演出的代表色及在他眼中舞者身體不同面向的美，揉入視覺呈現中。從強烈且貼切演出主軸的視覺切入，賦予「嶙峋」更深刻的意義，並試圖重新定位舞團的品牌形象。
繼去年出版《藝想天開平珩的創意工作學》，與讀者分享多年藝術工作行政經驗後，資深表演藝術工作者、舞蹈空間舞團創辦人平珩，更在今年3月推出《一堂永遠不會結束的課》，透過多個親身參與的國際交流與共製合作案例，分享其中的酸甜苦辣與眉眉角角，展露精采演出背後的不為人知的內幕與歷程。近期舞蹈空間舞團與日本東京 鷹舞團二度合作的《月球水2.0》將以線上映演方式呈現，本刊也特地選摘本書中相關章節，讓讀者一探此製作背後的點點滴滴
去年秋天百老匯重開時，除了疫情外，業界討論最熱烈的就是新製舞台劇，尤其是非裔劇作家作品數量之多，多年未見。百老匯41間劇院中有9間是演新製舞台劇，其中有7部是非裔作家所寫、主要演員多是非裔、描述非裔生活。
舞蹈的核心精神，是以身體作為語言，表達人類內心最真實的感受。因此，舞蹈從來就不單純只是舞蹈，它必定和創造者（編舞家）、演出者（舞者）和觀看者（觀眾、評論者）的內心世界息息相關。而作為一個人，我們並非單獨活在這個世界上，實際上，個人的內心世界來自他所生活的環境，個人的生活、想法、思考方式，都與社會環境，經濟發展，政治情勢等大環境的動態，有著千絲萬縷的關聯。 因此，舞蹈看似是種讓身體自由發展、自由表達的藝術，其實早已受到許多規範的限制。其中，現代舞蹈的發展就是20世紀的人類（尤其是女性）追求自由與解放，最具代表性的象徵。現代舞蹈從歐美傳入亞洲，再從日本傳入台灣，它反叛的不只是古典芭蕾，也不僅僅是單一帝國主義的殖民體制，更是禁錮人的身體和心靈的傳統價值。
回推至關鍵的1991年，台灣社會在此前後的10年間，不僅走過股市萬點崩盤的谷底，歷經民間抗議房價飆漲自主發起的無殼蝸牛運動；以及隨之而來的野百合學運，促動國會改選、憲政改革，奠定了台灣今日自由、民主、開放的基礎。
史蒂芬・金寫過一個短篇小說〈眾神的電腦〉，主角拿到一台電腦，他發現，只消在螢幕上鍵入句子，所提到的東西就會出現，而他自螢幕上刪去的東西，就會從生活中憑空消失。這個寫作靈感來自於史蒂芬・金拿到他的第一台電腦（王安電腦），原先使用打字機寫作的史蒂芬・金，第一次感受到「能刪掉句子」的神奇感受，他想「如果我刪掉的東西會消失，那會如何？」，於是誕生了這篇小說。
身體的社會性一向是當代舞蹈裡的重要面向，也是許多當代編舞家的創作關懷，而當我們縱覽至今曾出現在台灣舞壇的諸多作品，大致可看出兩種截然不同的創作取徑：從早期的舞蹈前輩蔡瑞月、蕭渥廷、陶馥蘭，一直到近年的賴翠霜、王世偉，此類編舞家擅長以舞蹈劇場式的敘事手法，與強烈多變的視覺符號意象，在舞作中建構鮮明的批判文本與角色關係，以此針對特定的政治與社會性議題，呈現編舞家獨特的視角與觀點。
經典重現，返本開新！改編自歌仔戲內台經典劇目《昭君．丹青怨》，由薪傳歌仔戲劇團藝術總監廖瓊枝口述、戲曲教授蔡欣欣執筆，聚焦於王昭君自繪的三幅丹青畫像，如何左右她一生命運。本戲如同王昭君多舛的命運，曾因疫情二度停演，本次將是第三度「昭君進宮」，本週末在國家戲劇院隆重登場。
完全是莎士比亞的劇情，卻轉化成現代的社會事件，米其林三星謀殺案，完美無縫接軌，亙古不變的人性，趁著足球迷在街上喧嘩之際完美地殺人並嫁禍他人後，內在的不安、以及接下來的預言，都牽動著觀眾的好奇心，「森林會移動」看你怎麼改啊？
舞蹈空間舞團和日本全男舞蹈團體「東京 鷹」暌違12年再度攜手合作，推出影像版《月球水2.0》，將於3月25日至27日於OPENTIX Live線上特映。延續《月球水》概念，影像版以「月」、「球」及「水」的主題創作，突破慣有藝術層面的跨界之作，結合搞笑戲劇的漫畫式演出，運用舞蹈、戲劇、音樂、影像與燈光，創造出一檔台日混血娛樂韻味作
英格蘭西南部城市布里斯托（Bristol）的老維克（Bristoal Old Vic）劇院，將在秋天與其藝術總監說再見。2009年，原於英國國家劇院（National Theatre）擔任聯合導演的湯姆．莫里斯 （Tom Morris ）搬到布里斯托，接下老維克劇院藝術總監一職，一待就是12年。
從1月中起，法國以不同形式慶祝莫里哀誕辰400周年。無論演出、展覽、座談或出版，一系列藝文活動嘗試揭開法國戲劇文豪的神秘面紗。
1998年的台灣原創動畫《魔法阿媽》，以真人演繹配音，繪製動畫畫面，並以民間信仰與祖孫親情為主題，引發轟動；而劇中角色「酷羅」的台詞「我要把你阿媽賣掉！」更成為7、8年級生的共同記憶。20餘年後，《魔法阿媽》在募資下進行4K高畫質修復，於2021年再次上映，且預告《魔法阿媽2》的推出；無獨有偶地，春河劇團也於同年打造劇場版，因COVID-19疫情延宕，終於要在2022年首演。
柏林戲劇盛會（Berliner Theatertreffen，以下簡稱TT）將於5月舉行，過去兩屆因疫情轉線上舉辦，今年若能順應防疫政策，有望實體演出。從全德語區劇場540件作品中選出的10齣邀演名單，掀起不同視角的討論：女性創作者占半數以上，各類跨界非典型的、複合式的、紀錄式的、肢體舞蹈的、音樂視覺的元素輪流成為主角，分工精準、體系嚴謹的「劇院製造」也不再是唯一，獨立藝術家團體與共製模式各起山頭，是這幾年的趨勢。
《十日談》（Decameron）是義大利文藝復興時期作家喬萬尼．薄伽丘（Giovanni Boccaccio）的寫實主義短篇小說集。說的是，1348年的一場瘟疫讓一群年輕男女躲避到佛羅倫斯郊外山上的園林別墅，每人每天講一個冒險故事、或是色情笑話等來放鬆心情，而這10天裡100則葷素不忌的故事，就是《十日談》的內容。 數百年後的今天，有群人躲進台灣南部的「釣蝦場」，於是《釣蝦場的十日談》就在這個新的（後）疫情時代裡誕生了！ COVID-19與黑死病，義大利佛羅倫斯與台灣嘉義，薄伽丘與阮劇團，是跨時空與跨文化的對照；人戲與偶戲╱布袋戲，傳統戲曲與現代劇場，則在不同領域、世代的創作者手中，找尋著交會的位置。傳統布袋戲出身、卻在歐陸與當代劇場合作的國際偶戲大師楊輝，以及回到嘉義創團、決定用「鄉村包圍城市」的阮劇團創辦人汪兆謙，要用不登大雅之堂的故事、接地氣的通俗語言，闖進戲劇的殿堂這是他們即將行動的預告宣言！
身體是自然嗎？身體發出的言語，召喚出什麼樣的存在呢？在我們所生活世界中，每一種語言，都如咒語，能召喚出特定的思想與行動。像本期受訪者蘇品文在創作中所暗示的：你的身體，不只是你的身體。身體雖不言語，卻隱藏特定的存在經驗，無時無刻彰顯著個人所處的社會位置與氣質，因身體關乎族群、文化、時代，有其社會性與象徵意涵。 在本期封面故事中，我們將以雕刻家黃土水在1921年發表的《甘露水》在2021年重新面世為引，追溯台灣舞蹈家們百年來的身體語言演變。在「摩登女身」中，我們探究了現代舞蹈家們的身體如何在日殖時代成形；並以「因為我們的語言是身體」梳理現代舞蹈在台灣的百年發展。從大舞團時代，到中小型團體百花齊放的當代，這群舞蹈工作者們或許性別、背景、族群各不相同，卻同樣有將某些僵固的限制，轉為自由、寬廣表達的能力。因為他╱她們的語言是身體。 編輯協力 Stella Tsai企劃協力 張欣怡
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