導演希望基本上按照德法版的舞台燈光設計，因此劇本結構先被框住了，甚至某些段落的演出時間也必須以德法版燈光為參考。我經常在夾縫裡反覆掙扎，只為想在框架裡把我讀小說的體會以戲曲文字表達出來。不過，面對「跨文化」這麼嚴肅的命題，當然也不能對文字錙銖計較，我抱著興奮心情敞開胸懷。最期待的是，魏海敏的「京劇身體」能被多多運用——
維吉尼亞．吳爾芙（1882-1941）的著名小說《歐蘭朵》，一般認為是以傳記形式對同時代女作家薇塔示愛的長篇情書，但這本小說內涵層面豐厚，在同志情感之外，更觸及到許多文學甚至深層的人生意涵。研究論著甚多，詮釋不一。我對小說的解讀可能非常粗淺，但我在讀小說時感受到的趣味及感動，是能完成這本戲曲版劇本的最大動力。
貫穿小說與劇場的「孤獨」
我從小說裡拈出的劇本創作主旨是這樣的：女王賜歐蘭朵青春長駐、永不衰老，而歐蘭朵仍須以生命實踐才能獲得永恆。四百年來，歐蘭朵在不同的時空裡，歷經了功業、政治、財富、愛情的追求與失落，以及文化觀念的撞擊，各階段體會各有不同，唯有創作始終不懈。歐蘭朵也曾歷經創作的挫敗，而在昏睡七日、由男變女之後，逐漸理解性別是被社會文化「建構」的，他／她從此逐漸能分別從另一方的立場瞭解兩性，從而對「人」有了更深入的認識。深入體察人性，才是真正創作的開始。在經歷陰陽兩性完美的結合之後，他／她的創作終臻於成熟。歐蘭朵在文學創作的追尋與體驗裡，實踐了青春不死。
小說裡貫穿著「青春、永恆、兩性、文學」的，是孤獨。孤獨是創作的狀態，也是文學的心靈。孤獨才能無窮無盡，才能獲得自由。歐蘭朵得到了婚姻，也生了孩子，但自己不放棄孤獨，也容許丈夫的孤獨追尋。
整部小說在時空跨越、性別變換的過程中，對於「性別、孤獨／自由、生命／死亡、青春與永恆」進行幽默又溫厚的辯證，其間隱隱觸及對十九世紀歐洲寫實主義文學的嘲弄，整部小說可視為英國文學史的仿作，更是詩人精神心靈成長的歷程。
導演羅伯．威爾森在二十世紀末創作的德法兩版《歐蘭朵》，特別加重對「孤獨」 的呈現，甚至放棄了歐蘭朵生孩子的情節，最後收束在孤獨。我想，一位以劇場創作實踐自我生命的藝術家，對孤獨的體認一定較常人強烈；而二十世紀前期的吳爾芙，以「意識流」宣告對十九世紀寫實文學的超越；羅伯．威爾森選擇這部小說，和他以「光影意象」取代劇本語言情節成為劇場中心的藝術主張，應該也相互呼應。他們同樣以獨特的作風進行創作，而分別於不同時代在小說、戲劇不同領域內掀起一場革命也引領一股風潮。如今他們再分別與京劇交會，這樣的「跨文化」將呈現什麼意義？
超乎「戲曲現代化」的奇特編劇經驗
羅伯．威爾森不僅以「意象」取代劇本文字，他的「敘事線」也不只一條（其實不該叫敘事線，他是反敘事的。但斷裂的語言也綴起了一絲脈絡，姑且仍以敘事線名之吧），演員的肢體動作和劇本的語言沒有關係。演員嘴裡說的是一回事，身體卻是另一套，二者各自和舞台燈光構成總體劇場意象。這樣的設計非常有趣，例如「創作寫詩」這件事，在劇本裡並沒有大做文章，舞台上卻以「一棵大樹的成長茁壯」作為形象，敘事線在此是互補的。而這和京劇的表演及編劇完全不同，京劇演員嚴格的「手眼身法步」身段訓練，為的是作為「情動於中，形於外」的抒情手段；京劇編劇的古典文學訓練，字斟句酌為的是「心情、聲情、詞情」相互融合。整套素養在此全無用武之地，這次編劇經驗實在太奇特了，全然不在我的「戲曲現代化」規劃之內！再加上導演希望基本上按照德法版的舞台燈光設計，因此劇本結構先被框住了，甚至某些段落的演出時間也必須以德法版燈光為參考。我經常在夾縫裡反覆掙扎，只為想在框架裡把我讀小說的體會以戲曲文字表達出來。不過，面對「跨文化」這麼嚴肅的命題，當然也不能對文字錙銖計較，我抱著興奮心情敞開胸懷。最期待的是，魏海敏的「京劇身體」能被多多運用——應該說「化用」，因為一定會被拆解，而這也是我們期待的，很想看看京劇嚴謹的程式身段在導演手中被打散、拆解、重構、新造出怎樣的意境，一種新戲劇型態說不定即將由此萌芽誕生呢。如果硬要讓京劇天后按照德國法國版演員的肢體動作、裝進已經確定的舞台燈光框架之中，那「跨」的是什麼文化？
（戲曲版劇本由本人與台灣大學戲劇研究所學生謝百騏、吳明倫共同完成）
