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藝訊
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Columns 專欄硬凹
寫在2026年美國舞蹈節巡演後三天飛機落地的那天，比爾．提．瓊斯舞團當晚演出兩支舞碼，《Continuous Replay》以及《Story/》，都是我過去在前公司中演出多年、到現在依舊記得體感心跳的作品。過去一年，前公司經歷了些變動，與我同期的好同事 V 成了現任的排練指導，演出後我們從餐廳聊回飯店酒吧再坐去深夜游泳池邊，分享彼此的生活近況與工作甘苦。 《Story/》 的原創就是在我們這批舞者身上做出來的，V 提到現任舞者在排練期間，其中一個我跳的段落中，他們怎麼跳都不對味，當時我與舞伴跳著同樣的舞步，我啟動、舞伴追趕在後與我有著快慢不一的時間差（在台灣的舞蹈圈可能會用「卡農」來大致形容，取自那高級西餐廳必奏巴洛克名曲「卡農」的曲式，但我們沒有固定規律的相間節拍），印象中不過是一分鐘左右的舞句，怎麼可能會困難？我聽到時也疑惑著 「我後來反覆看著紀錄影片，突然回憶起，你跟 Bella 根本就是把你們平常私底下的競爭狀態放在這段舞蹈中，我發誓這段會產生的原因一定是本來安排你跳，但她不離場而在旁邊突然跳起來，最後就這麼變成了雙人舞，於是我與這些年輕舞者們敘述起當年你們倆人之間當年台上台下是多麼咬著彼此不放，結果老闆比爾在旁邊偷聽到時驚訝不已，他毫不知情。」V 順便陪我翻了個白眼。 其實我對那個段落的記憶只剩下自己享受於每次可以任意掌握跳舞節奏、與 Bella 相視對笑以及結尾動作精準壓到音樂重拍的爽感。 《Continuous Replay》是一支舞者們從全裸到穿上黑色服裝，再逐漸轉為全白的作品，有一位名為「時鐘」（clock）的角色則是從頭至尾不下台地全裸到最後，負責掌控所有動作的節奏，提供其他舞者作為即興發揮的時間依據，老闆首先選定一位男同事之後幾天，Bella 成為舞團史上第一位由生理女性扮演的 clock。在頻繁四處巡演的行程中我們難得地接到商業表演，要在某位知名時尚設計師的募款餐會中演出這個作品，這次沒有全裸，演出前某天我們花了一整個下午的時間，在一大片衣海中一件件搭配出整場演出內每個人該更換的3、4套服裝，除了Bella 之外。 正式演出總是會出現平常排練時意想不到的狀況，有些衣服太時尚太不如平時穿衣邏輯，
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World 國際四界看表演 Stage Viewer
一座城市的馬戲實驗——不再只打造童年的回憶接任藝術總監之前，范戴克本身就是一位擁有25年表演與創作經歷的雜耍藝術家，長期觀察整個馬戲產業的變化。「我從有記憶以來就熱愛馬戲的一切面向。」他說，或許正因如此，他的策展思考並不像許多劇場策展人那樣強調形式分類。「我了解當代馬戲，也了解較傳統的形式。我認為自己可以成為兩者之間的橋梁，它們不應被過度區分。」
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World 國際四界看表演 Stage Viewer
一座城市的馬戲實驗——不甘於熱鬧的嘉年華5月的鹿特丹（Rotterdam），距離中央車站步行不到5分鐘的劇院廣場（Schouwburgplein），被帳篷、舞台與人潮占據。白天，孩子們在馬戲遊樂場裡學習拋接球與平衡技巧，年輕人坐在露天酒吧享受節慶的氛圍，來自世界各地的策展人與馬戲愛好者則穿梭於各個表演空間之間。廣場上的免費演出、劇院裡的售票節目、孩子的工作坊與成人限定的深夜場，兼具深度與廣度，幾乎涵蓋了所有年齡層的觀眾。 相較於歐陸其他馬戲藝術節，為期5天的荷蘭「馬戲之城藝術節」（Circusstad Festival）規模並不算大，然而，在小而美的藝術節背後，其所肩負的任務，遠不只是辦一場熱鬧的嘉年華。藝術總監門諾．范戴克（Menno van Dyke）說：「15年前創立之初，它真正面對的，是荷蘭當代馬戲產業幾乎不存在的現實。」 因完備產業生態而誕生 馬戲之城藝術節於 2010 年成立，由鹿特丹的盧克索劇院（Luxor Theater）及鹿特丹劇院（Theater Rotterdam）、Codarts馬戲學院（Codarts Circus Art），與本地的Rotjeknor青少年馬戲團共同發起。當時荷蘭雖然已有馬戲高等教育體系，卻缺乏創作與演出市場，國內沒有成熟的當代馬戲團隊，觀眾對這項藝術形式也十分陌生。除了偶爾來訪的國際團隊，當代馬戲幾乎不存在於荷蘭文化版圖之中。 范戴克說：「當時荷蘭已經有馬戲學院即將送出第一批畢業生，但國內幾乎沒有真正的產業環境。如果整個產業無法發展，這些剛畢業的學生將沒有工作機會，只能離開荷蘭到其他國家尋找出路。」 因此，馬戲之城的誕生從一開始就不只是節目平台，而是一項完善產業生態的計畫，希望完成3個任務：讓荷蘭觀眾認識當代馬戲、為學生與新銳創作者提供演出機會，以及讓孩子透過工作坊與青少年馬戲團演出親身參與馬戲。 如今回頭再看，荷蘭已擁有成熟且活躍的當代馬戲生態：團隊數量持續增加，作品品質穩定提升，許多創作者開始活躍於歐洲巡演網絡之中。每年舉辦的「荷蘭馬戲推介平台」（Dutch Circus Showc
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Choice 當代劇作巡禮生活藝@書
村裡來個四足獸裴三植《熱河日記漫步》18世紀，東亞政治版圖仍以朝貢體系為首，宗主國與藩屬國間保持著尊卑有別的秩序。1782年，乾隆70誕辰，藩屬國之一的朝鮮王朝派出使節團同祝，文學家與實學家朴趾源也隨團赴中。不料抵京後，乾隆已北上至熱河避暑，使節團也只得連夜趕路。旅程的急轉彎也成為朴趾源人生的轉捩點。朝鮮王朝還困在「華夷之辨」的天朝觀時，大清帝國在科學技術與民生經濟上早已高速發展，而蒙人、藏人與乾隆的互動，更破除朴趾源對族群的成見。回國後，他便將這段行旅寫成《熱河日記》。 兩百多年後，即使當年的朝鮮王朝已成今日的大韓民國，《熱河日記》中因信天朝觀所呈現出的封閉與陳舊，仍讓劇作家裴三植（배삼식，Pai Sam-Shik）產生跨時空的共鳴，其中世界觀的毀滅與建構更讓他找到一處寓言劇的破口。他將《熱河日記》改成舞台劇本，名為《熱河日記漫步》（열하일기만보，Inching Towards Yeolha）。 人類學出身的劇作家 裴三植與劇場的相遇是在大學。首爾大學人類系在學期間，他曾加入校內戲劇社，但這時劇場給他的感受不深刻，彷彿路過看戲的觀眾，隨時可以離去。一直到退伍後，在後輩的慫恿下進入韓國藝術綜合學校，他才正式踏上劇場編劇之路。即使在2011年的講座中，他把自己說成一個無目的、無意識的人，甚至常常說著「不幹了」，但轉眼間也快寫30年了。 興許是人類學讓他養成一種多方觀察的視野，裴三植的編劇風格展現出一種「不偏倚」的特質。他不僅在選材上兼顧改編作品與原創劇本，在內容上也抗拒戲劇傳統中非黑即白的二元衝突論。他認為，戲劇張力不會只來自刻意營造的兩極，因此他更習於以人類學式的同理平視著筆下的每個人。在他的劇本中，英雄與反派不再分明，取而代之的是小人物在大時代中的拉扯，人人都只是一個身影。在《熱河日記漫步》中，這種多焦點、多聲道的群像十分鮮明。 從人到獸的大幅度改編 雖然《熱河日記漫步》是部改編作品，但裴三植重新鑄造一個寓言的框架，並建構一座寸草不生的「熱河村」與一群孤陋寡聞的村民。他們的名字詭異豪彘、騶吾、蠻蠻、諸犍等全都取自《山海經》。經裴三植的改編，朴趾源飽覽大江、平原與都城所寫成的旅行
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Review 評論新銳藝評 Review
沉浸體驗與身體關聯的再思辨評《憤怒旅行卡啦帶》《憤怒旅行卡啦帶》自我定義為移動式沉浸體驗，利用巴士作為表演場域，引領觀眾踏上一段神秘未知的抗爭旅程。實際故事設定環繞著福澤寓吉大樓倒塌的悲劇，觀眾╱參與者被分配成為大樓自救會成員，在這段行駛的路途中，一起前往住商新建案的記者會抗議。參與者藉由分配的手機傳達意見，民主的投票，決定這場旅途的目的地與結果。然而，作為實際參與者，體驗到的卻是觀眾的身體感受與沉浸式體驗之間明顯的斷裂疏離。
專題
焦點專題 Focus TCO 2026年歐巡全記錄（二）PLUS番外篇
專題
焦點專題 Focus Play It Solid！無界爵士狂歡
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Focus 話題兩廳院櫥窗 Hot at NTCH
從場館到作品，打造向世界發聲的文化品牌專訪國家表演藝術中心董事長楊其文2026年春，台灣表演藝術重要推手的國家表演藝術中心（下簡稱國表藝）迎來了第4屆董事會，曾任國家兩廳院藝術總監、臺北藝術大學校長的楊其文作為新任董事長，其所提聘的三館藝術總監也是劇場圈並不陌生的資深老將。這項決策背後的思考是什麼？三館一團（國家兩廳院、臺中國家歌劇院、衛武營國家藝術文化中心、國家交響樂團）在未來幾年，又將帶領台灣表演藝術圈走向什麼方向？ 楊其文說自己不愛談虛妄的「改革」，在他的思維裡，與其堆砌花拳繡腿的政治口號，不如務實地徹底鎖緊劇場體制內的每一顆螺絲。有意思的是，從目前兩廳院正如火如荼興建中的捷運連通工程與藝文廊道，即可窺見他多年前延續至今對台灣表演藝術生態建置的野望與藍圖。 該計畫最初的雛形，正是楊其文在2008年擔任藝術總監時所擘劃、卻一度被塵封的「園區開發計畫」。相隔18年，他從單一場館總監，轉為國表藝董事長，重審這枚當年埋下的種子，視野已然從兩廳院的硬體增建，拉高為空間治理、三館共榮、國際共製、人才孵育等面向，鋪排出打造國家文化品牌的長期思考與戰略。 18年後的重審，建造幫助劇場熟成、面向全民的廊道 Q：兩廳院目前正在興建中的藝文廊道暨地面景觀設施的開發與優化，其雛形正是您在2008年擔任藝術總監時提出的「園區開發計畫」。相隔18年後以董事長身分檢視此計畫，請談談您心中最理想的「國家級藝文廊道」與市民、藝術家、城市的關係？ A：2008年我提出「園區開發計畫」的時候，核心想解決的是台灣劇場界長期的空間匱乏困境。戲劇院一年的檔次非常有限，頂多40檔。檔期分國內、國外，再細分自製、合辦、出租，裡面還要瓜分給歌仔戲、京劇、兒童劇、現代戲劇、舞蹈、音樂劇等至少7、8類劇種。這樣分下去，新興團體根本沒有機會進到這座殿堂，因為可用的檔次就只有這樣。 兩廳院20周年時剛好戲劇院舞台要整修一年，我原本計畫趁機在音樂廳後面的大森林蓋一個「臨時劇場」，高度不超過戲劇院，被大自然包圍。我想用它來做什麼？養台灣的「定目劇」。20年前我們引進《歌劇魅影》，演出期間2個月，那是朱宗慶老師的構想、平珩總監執行。那檔節目賺了將近兩億，場場爆滿。這個「臨時劇場」概念是一年引
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Focus 話題兩廳院櫥窗 Hot at NTCH
理工腦加上文化心 期許讓老店走在時代前端專訪國家兩廳院藝術總監邱瑗甫接任國家兩廳院藝術總監，邱瑗第一件做的事，便是走出辦公室，走訪各個組室。她熱情地與新人寒暄，好奇探看同仁布置的工作空間，遠遠看見資深員工，便能立刻認出老面孔這份對人的關懷與熱情，是她多年來在表演藝術界無可取代的溫暖標記，她的親切，也讓總監室的空間也隨之改變。習慣了陽光的邱瑗，主動地拉開了總監室與秘書之間的窗簾，才讓同仁們驚呼「原來這裡有一扇窗」，秘書自此可以直接透過玻璃看見總監，空間的隔閡頓時消散。這一拉，不僅拉進了光線，更拉近了人心的距離，也因此對許多同仁而言，她的現身並非客套的「就任」，而是令人欣喜的「回來」。 從年輕時就與兩廳院結下不解之緣，再回到這個地方，邱瑗發現，這座具歷史的場館制度完善、運作順暢，就像一輛能「自動駕駛」的豪華勞斯萊斯。然而，進入這台豪車，她卻拒絕在後座安逸度日。邱瑗常比喻，衛武營是一輛 8 缸的大房車；臺中國家歌劇院是扭力大、很好掌控的超跑；而兩廳院，則是一輛豪華的勞斯萊斯。但喜歡開車的人，絕對不喜歡自動駕駛，當親自開車時候，「手感」就是關鍵。因此不甘於自動駕駛的執念，也成為她重掌舵盤、重塑兩廳院未來營運的核心。 跨界雙棲的藝術養成：從台北市音樂季的歌劇助理到芝加哥的無課本修練 在表演藝術界，邱瑗獨特的音樂與戲劇「雙棲」特質備受推崇，她曾以編劇身分催生兩廳院旗艦歌劇《福爾摩沙信簡黑鬚馬偕》。這份熱情源於她大學畢業時參與「台北市音樂季」的契機。當時臺北市立交響樂團剛開始製作歌劇，她在恩師徐頌仁的引薦下擔任場記與導演助理。雖然起初對劇場陌生，但在年年參與的磨練中逐漸做出興趣；眼見台灣當時極度缺乏歌劇導演，她便萌生深造想法，赴美時除音樂行政外，也以戲劇攻讀第2個碩士。 留美期間，邱瑗接受了極具跨界視野的專業訓練。她的課程分配相當獨特，商學院、音樂系與戲劇系各占三分之一。為了培養多面向的感受力，她修習了非歐美劇種、亞洲戲劇與世界音樂。這種跨領域的養成，讓她看待大型節目製作時能跳脫單一領域的局限，對劇場空間與視覺尤為敏銳，無形中建立起強大的審美眼光。 在這段實務與學術並進的歲月裡，經驗尤為關鍵。她的指導教授上課從不用教科書，而是由學生自行研讀、主動提問再由其解答，教授甚
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World 國際倫敦
為兒童而作的《仲夏夜之夢》 名團製作魔幻又不失莎劇精采「這裡有魔法。」貝爾菲爾德（Robin Belfield）精心改編的莎士比亞經典喜劇《仲夏夜之夢》（A Midsummer Nights Dream），在一開場便在牆上投以這樣的字幕，宣告進入這個劇場就等於進入魔法世界。 獨角獸劇院（Unicorn Theatre）位於倫敦橋（London Bridge）附近，是一間專門製作演出給兒童觀看的劇院。劇院藝術總監巴格蕭（Rachel Bagshaw）和聯合導演貝爾菲爾德共同製作導演這個新版本的《仲夏夜之夢》，適合7歲以上的孩童觀賞。這個製作是獨角獸劇院首次與位於莎翁故居史特拉福（Stratford upon Avon）的皇家莎士比亞劇團（Royal Shakespeare Company）共製的大型製作，4、5月已在倫敦完成演出，上月中劇組搬到史特拉福，在皇家莎士比亞劇團的劇院之一「另一個地方」（The Other Place）開演。
專題
焦點專題 Focus TCO 2026年歐巡全記錄！（一）
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World 國際四界看表演 Stage Viewer
以身體作為活檔案庫 自己的故事自己說記2026德國舞蹈三年展趕在歐洲熱浪來襲前，源自過往德國舞蹈年會（Tanzkongress）的「德國舞蹈三年展」（Tanztriennale）以盛大的舞蹈遊行於6月中的漢堡街頭熱鬧展開。為期8天的藝術節囊括超過20支舞作展演、4天的論壇與身體工作坊、為期3個月的跨舞風駐村合作短篇呈現。以及為了讓三年展深入地方，早在去年6月就在漢堡啟動一系列舞蹈活動，包括提供舞蹈從業人員參與的「Moving Meetings」；以及引領當地的民眾與舞蹈愛好者認識不同舞蹈類型、體驗跳舞樂趣的「All Moves」，以每月一場不同舞風的工作坊，引領當地的民眾與愛好者認識不同舞蹈類型、體驗跳舞的樂趣，最終一步步在漢堡建立舞蹈社群。而這一切，就在6月14日開幕當天的封街大遊行「City Parade」 開花結果。 從漢堡勞動博物館（Museum der Arbeit）一路遊行至漢堡市立公園（Hamburg Stadtpark），多元舞風團體接力演出、邊走邊跳，沿途引來大量市民停留與圍觀，最終更在地方舞團「MAI:COMPANY」的引領下，集體在公園內共舞，正式揭開第一屆舞蹈三年展的序幕。
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Columns 專欄路邊的日本人
在追求高效率的時代中，我們更應珍視「看似無用的過程」的價值現今是一個只需按下一個鍵，就能瞬間得到「美麗完成品」的高效率時代，所以我反而更想刻意繞遠路，透過那些乍看之下毫無效率、甚至有些浪費的過程，把記憶深深刻進自己的五感之中。因為我相信唯有這樣緩慢累積的經驗，才能孕育出只有我才能創造的音樂，以及屬於我的「美感」。
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World 國際東京
攜手Sónar科技藝術節 JR東日本推出「NU Festival」作為山手線最新車站周邊的大型都市更新計畫，高輪Gateway City不只是商業開發案，也試圖將文化納入未來城市的想像之中。由NU Festival實行委員會主辦、JR東日本共同主辦的「NU Festival 2026」，於6月26日至28日首次舉行。以「Next New Unity」為核心概念，藝術節結合電子音樂、科技藝術與公共空間，將演出與展覽帶進車站、廣場、美術館、空中花園，甚至桑拿設施之中，讓整個街區成為一座開放式的文化場域。 本屆藝術節最受關注的焦點之一，是與西班牙巴塞隆納科技藝術節Snar的合作。主辦單位表示，Snar並非單純提供品牌授權，而是以合作夥伴身分參與策劃，包含音樂演出「NU Live」到藝術科技的「NU Art」單元。對於長期關注電子音樂與科技藝術發展的觀眾而言，這也是這個全新藝術節的最大特點之一。
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World 國際香港
戲劇大師鍾景輝6月初辭世 一生為香港打造耀眼戲劇風光為香港戲劇和影視貢獻一生的戲劇大師鍾景輝在今（2026）年6月初安詳辭世，享壽89歲（1937-2026）。消息傳來，除了本地傳媒廣泛報導，電視、電影、劇場、教育各領域的很多他的朋友和學生──現在都是著名的影視和劇場人，包括周潤發、杜琪峯、謝君豪等──都紛紛發布紀念文字。 鍾景輝由中學開始接觸戲劇，參與校際戲劇比賽多次獲獎，成就其一生為香港表演藝術的盡心盡情。他在1950年代末赴美進修戲劇，在耶魯大學修讀藝術碩士課程，鍾景輝曾在訪問中提及，去到美國就投入吸收戲劇的養分，卻是以倒數心態留在異地，期望學成後貢獻香港。在那個演藝文化有待開拓的年代，人稱「King Sir」的鍾景輝，如此委身藝術文化並成就跨領域發展，一方面是他在這方面有亮眼的才華和廣寬的視野，另一方面，當時的香港亦渴求著有這樣的藝術家，去為這個小城的文化去開墾，帶來一片令往後演藝人可以承傳志業，觀眾認識和欣賞劇場的美麗風光。
專題
焦點專題 Focus 通靈？轉譯？ 當平面設計遇上表演藝術（二）
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World 國際四界看表演 Stage Viewer
相識20年的情誼 月亮與太陽的對話萊茵國家歌劇院芭蕾舞團雙舞作：利奧．勒魯斯《這裡》與莎倫．伊爾《外觀》在同一個夜晚，萊茵國家歌劇院芭蕾舞團（Ballet de l'Opra national du Rhin）攜手利奧．勒魯斯（Lo Lrus）與莎倫．伊爾（Sharon Eyal）兩位熟識20年的編舞家打造兩個宇宙，以截然不同的語言訴說著同一個關於韌性與歸屬的故事。 2005 年，來自法屬瓜德羅普島（Guadeloupe）（編按1）的勒魯斯與出生於耶路撒冷的伊爾在以色列特拉維夫的巴希瓦舞團（Batsheva Dance Company）相遇。此後伊爾創立自己的舞團L-E-V，勒魯斯也加入擔任舞者兼助理，同時持續發展自身的編舞創作，兩人的藝術對話極為深厚。當萊茵芭蕾舞團藝術總監布魯諾．布歇（Bruno Bouch） 將伊爾 2019 年的作品《外觀》（The Look）納入劇團曲目，並同時委託勒魯斯創作新作品《這裡》（Ici）作為對位，這場積累20年的相知便凝結成一幅極具張力的鏡像。兩部作品一明一暗，非但沒有相互稀釋，反而在對比中相互強化，探索集體的壓縮與控制，頌揚個體在集體中的綻放。
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Review 評論新銳藝評 Review
時差的抵抗：論姜聲國的極致「緩慢」與失衡美學評《緩慢美學：2026姜聲國台北行旅》在當代高度加速、感知日益碎片化的社會情境中，韓國藝術家姜聲國（Kang Sung-kuk）所實踐的「緩慢」（Slowness），已然超越單純的速度概念，轉化為一種對主流時間秩序與身體規訓的美學介入。在近距離的黑盒子劇場裡，觀眾進入了有別於日常節奏的異質感知場域。姜聲國以腦性麻痺所形塑的獨特身體經驗為基底，將生理限制轉化為藝術語彙；他的動作不再服膺於效率、精準或技巧性的展演，而是在持續延展的時間流中，揭示身體內部細微且複雜的張力。其創作不僅重構了舞蹈中「美」的既定範式，更透過緩慢的運動質地，引導觀者抽離慣性，逼視身體與時間交織而成的細膩知覺。 演出伊始，姜聲國佇立於鮮紅色的光場之中。那份濃烈而壓抑的色調迅速瀰漫，營造出緊繃的不安感，同時將肉身推向視覺焦點。在時間近乎靜止般的延展中，觀眾被迫放棄日常「快速辨識」與「即時理解」的觀看模式，轉而凝視肉身每一吋微小的顫動。紅光構築出一處介於現實與內在意識之間的閾限空間，邀請觀者脫離日常經驗，進入藝術家由創傷與知覺編織而成的身體世界。
專題
焦點專題 Focus 通靈？轉譯？ 當平面設計遇上表演藝術（一）
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World 國際四界看表演 Stage Viewer
污水循環處理的廢墟樂園威尼斯雙年展奧地利館：編舞家弗倫亭娜．霍金格《威尼斯海洋世界》今年第61屆威尼斯雙年展在評審團全體總辭、以色列與俄羅斯館爭議等政治漩渦之際，最大排長龍、媒體瘋傳的，無疑是從表演藝術跨領域竄紅的藝術家弗倫亭娜．霍金格（Florentina Holzinger，1986年生於維也納）將奧地利國家館改建為《威尼斯海洋世界》（SEAWORLD VENICE），徹底顛覆感官與道德邊界的沉浸式體驗，或者說，一次烏托邦已死之後的殘酷祭儀，一則關於生態末日與階級剝削的警世寓言。 她將奧地利館這座於1934年設計的理性主義建築，徹底改造成一座游樂園、污水處理廠與神聖建築三位一體的機器有機體。刻意攪亂純粹與污染、罪孽與贖罪之間的二元對立，令那些被隱藏在視線之外、卻始終如影隨形的廢棄物，赤裸裸地暴露在眾人面前。
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Preview 演出戲劇
《死人大哥大》 跨越世代探討「交流的焦慮」《死人大哥大》（Dead Mans Cell Phone）是美國劇作家莎拉．茹兒（Sarah Ruhl）於2008年獲得海倫海斯奬（Helen Hayes Award）「優秀新劇本」獎 （Outstanding New Play）的作品，過去雖有在台灣的演出記錄，但多是在學院製作中呈現（且採用不同翻譯劇名）。而莎拉．茹兒在台灣更為人知曉的劇本，是2004年發表的《窗明几淨》（The Clean House），另一改編自希臘經典神話《奧菲斯與尤麗狄絲》的《遺忘的旋律》（Eurydice）也曾在2010年時由台灣的劇團製作演出。 本次由界址創作演出的《死人大哥大》版本，是由劉崴瑒翻譯、重田誠治導演。劉崴瑒表示，《死人大哥大》是他開始翻譯劇本後的第一部作品，約在2021年左右完成，直到今（2026）年才有機會正式演出。他也提到，自己在選擇劇本翻譯時，「會在乎這個劇本有沒有可能在台灣演出，所以很多議題性太強的劇本會先被挑掉，因為較難被台灣觀眾理解其語境與背景。」他特別在意劇本的劇場轉譯，希望能找到相對應的連結，因此《死人大哥大》的故事場景雖發生於20多年前，但仍可透過「手機」這件事情嘗試跨越世代與文化間的移植。
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Columns 專欄那些女子那些戲
那位讓我嚐到相信滋味的第10號女子我後來好幾次在排戲的時候，雖然麻布袋是在還沒上場前我自己套上的，是其他演員幫我把手上的繩子輕輕地繞在我的手腕上，讓我自己抓住的，雖然這些與劇中「被兇惡的匪徒捆綁」的狀況相差甚遠，但我在袋子裡常常是嚇到哭出來的程度。 你會活出你相信的。
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Preview 演出音樂
2026台北國際合唱音樂節 跨越疆界的聲響對話當多聲部旋律交疊，異域藝文便在無形中相遇。將於7月下旬登場的「2026年臺北國際合唱音樂節」，匯聚多國卓越隊伍與演出篇章，不僅是一場聽覺饗宴，更是靈魂碰撞的實踐。正如台北愛樂藝術總監杜黑的創立初衷所述：「希望台灣觀眾不用出國，也能欣賞到全世界最優秀合唱團。」
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Columns 專欄關於戲劇的五四三
一個字都不能改嗎？一日跟友人相聚吃吃喝喝，友人問我，劇本是否一個字都不能改。 這個問題頗讓人疑惑，一個字都不能改這種想法，從未出現在我任何一次工作中，相反的排練中我很常改劇本，以戲好看為主，而且每個導演、演員有他對角色的想像跟理解，這個想像跟理解來自於創作過程中，編導演激盪出對於角色的理解，演出可說是一段編導與劇本共舞的過程，最好的編劇視角是在排練時站在觀眾的角度看這段演出，而不是拿著舞譜要演員每一個動作都完全複製。 但哪邊是可以改，哪邊改了會傷筋動骨？ 「你就是會知道。」 一個字都不能改的想法，或許來自於把劇本當成文學作品，但比起字斟句酌的用字，劇本更像是｢在特定的時間跟空間中一連串付出代價的因果律」，有一個或數個所有人都必定在此處交織的空間，角色有一個外在目標，因為這個目標產生種種阻礙，最後克服阻礙、付出代價實現外在目標時才發現自己的內在目標，以棒球比賽打比方，劇本等於是棒球規則，3好球出局、4壞保送、3人出局攻守交換，打滿9局，投球出去之前要捕手跟投手之間打暗號取得共識，這個時間邏輯跟因果關係的組成讓棒球賽成為獨特且需要團隊合作、以3這個數字為核心構成扣人心弦的時刻（3好球、3人滿壘、3人出局攻守交換、先發9人打滿9局等等）但不一定每一場球賽都精采，要看個別的球員（演員）、總教練（導演），是以在劇本創作過程中，最重要的是建立起如同比賽規則的因果律，至於一個改一個字兩個字，這就好比爭執球員的頭髮，或衣服上贊助廠商要繡英文還中文，枝微末節，除非這個改動改變了任何比賽的規則，比方說傳球時壘上跑者「身體的一部分接觸壘包即安全上壘」，變成「兩隻腳站在壘包才算上壘」，這種嚴重改變比賽方式的改動，才是真正編劇要謹慎思考、影響骨架的改動，若否，應該讓球員跟教練在最能極大化發揮戰力的狀況下比賽，才是一場好球賽。 至於演出長度限制而做的修改，就像是成棒變成少棒，9局變7局，本質不變下即可。 角色成為傳達特定立場的工具 米蘭．昆德拉在他的經典隨筆《被背叛的遺囑》中提到「懸置道德審判並非小說的不道德，而是它的道德」。 為什麼要花一段時間看完一個作品，得到跟看一篇社群文一樣的觀點？ 脆（threads）化的戲讓作品也跟著脆
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Review 評論戲劇
掀開華麗奇觀的帷幕，是……評柏林劇團《三便士歌劇》布萊希特《三便士歌劇》的創作歷程、首演災難，與〈大刀麥基Mack the Knife〉所引發的流行音樂風潮，已經成為現代戲劇╱音樂史上的一則傳奇，即使他的其他作品，或許更廣為人知，如《勇氣母親和她的孩子們》（Mutter Courage und ihre Kinder）和《高加索白堊圈》（Der kaukasische Kreidekreis）（編按），但《三便士歌劇》似乎總能帶給劇場觀眾更豐富的觀賞經驗，體現布萊希特想同時娛樂且教育他們的意圖。 1928年於柏林造船人河堤劇場首演的《三便士歌劇》，以馬克思主義對資本主義的批判為基礎，透過舞台機制的暴露，剝除社會關係的自然化外衣，突顯決定社會運作的體制結構，裂解觀眾在情感上和道德上的固著。近百年之後，在知名歌劇導演巴里柯斯基的生花妙手處理下，《三便士歌劇》以盛裝華麗的姿態再返舞台，巧妙呼應當代「奇觀╱景觀化」的時代精神，原作蘊含的批判性，則深藏在炫目的表象之下。 首先，是馬克思主義對資本主義體制的批判，是否仍然有效。 從《三便士歌劇》首演的1928年，到2026年的此時，資本主義體制在這100年裡，因應時空條件的演變，經歷了各種修正調整，雖然面貌與原初模樣已然不同，但仍有決定人類日常生活與生命情境的巨大影響力量。對擁護者來說，印證了資本主義的歷史必然性，對批判者而言，這卻說明了資本主義無法為人類創造真正平等、多元、自由的未來，而只能在不斷生產的「當下」中苟延殘喘。時至今日， AI科技的演進，讓「當下」的生成更新愈加快速，其繽紛多彩也更讓人難以抗拒，慾望即時滿足，何需似乎遙不可及的未來？
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Columns 專欄腦海裡的旋律
大腦、徒步旅行與海鞘刺身不久前才從日本回到台灣，我用53天的時間，全程儘量徒步，完滿了一趟總距離超過1,000公里、有1,000多年歷史的四國遍路之旅。途中，我每天詳實紀錄所見所聞和步行公里數，跟著我一起在雲端走「線上版」遍路的讀者有好多呢！ 「我們體力沒那麼好，腳力更不行，但每天讀妳的日記，好像真的走了一趟遍路」，「看著妳出發，大家一路跟著，最後妳抵達終點、完滿心願時，我們都哭了」許多人在我回台公眾活動會後與我交流時，非常興奮地告訴我心裡的感覺。當然，透過文字記載讓讀者感到親臨現場，對我來說是很大的稱讚，但，集體共感共振這回事，是可以用大腦神經科學研究來解釋的。 英國倫敦大學認知神經科學研究團隊與編舞家、美學專家聯手，科學家跨出實驗室、走進劇場、親臨舞台，透過跨界合作並且利用大規模掃描，探討舞者和觀眾之間腦電波頻率同步狀態。結果發現，雖然舞是台上的藝術家在跳（舞者們佩戴著腦波感測器），但觀眾（同樣配戴感測器）坐在台下欣賞時，大腦出現了特定波段，這種波段出現在人的心智開始神遊，進入內在深度專注狀態，並產生情感產生連結的時候，科學家將這個現象形容為「集體白日夢」。 觀看的人和實際行動的，一起做了場夢呢！想到自己的千里徒步之旅也帶上大家共感共振，好開心。不過也有人跟我說，看著我每天走20、30公里，實在嚇人，還是在家吹冷氣看電視比較不會那麼累。給大家猜猜，一路上最常在我腦海盤旋的是哪樣食物？讀者們可能會猜滷肉飯、鹹酥雞、蚵仔麵線之類的台灣小吃，或是義大利麵和披薩等靴子國料理，畢竟每天長距離步行體力消耗大，日本食物份量偏小，常想到的應該是家鄉味吧？答案可能會讓各位大吃一驚，「海鞘刺身」是走在四國遍路上最常浮現在我腦海的料理；我特別強調「走在路上」和「腦海」是有原因的。 要解釋這層關聯，且讓我用近年來大腦神經科學界關於步行能促進身心靈健康的研究說起。早期，大腦常被比喻為機器，普遍認為大腦的「零件」會隨著年齡逐漸耗損，就像洗衣機用久馬達會壞掉一樣，大腦的容量有限，它的使用期也有一定年限。不過，近年來大腦神經科學界已經推翻這樣的想法，證實人的大腦是有可塑性的：回溯到1970年代，科學家發現我們的大腦迴路會隨著經驗和活動產生細微的改變，日積月累，在特定的環境或行為刺激下，人類大腦神經元之間連結的複雜度和皮質結構會產生變化，某些大腦關鍵
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韓國催淚神作變身音樂劇 《如蝶翩翩》首度訪台的必看亮點！夢想，難道會因為歲月的流逝而超過保存期限嗎？曾橫掃影音平台排行榜、被觀眾封為「年度最催淚神作」的韓國知名IP《如蝶翩翩》（Navillera），將以音樂劇的嶄新面貌首度登台！這部改編自人氣網路漫畫的經典，講述70歲退休老者與23歲迷惘天才芭蕾少年的忘年之交，細膩描繪了現實與期盼的拉扯。在準備迎接這場夢幻且深刻的逐夢旅程前，「PAR你不知道」單元特別為你整理了結合社會現象與幕後秘辛的8個必看亮點，帶你搶先了解這部充滿魅力的動人佳作。 1. 《如蝶翩翩》到底有多紅？為何被譽為「人生必看」？ 這部作品的改編版影集曾連續3週擠進Netflix台灣排行榜前10名，被觀眾形容為「年度最催淚」、「人生必看」之作。此外，其原著是在韓國知名網漫平台Kakao Page累積觀看近90萬次、長期維持近10顆星滿分評價的超高人氣連載，更曾榮獲美國威爾．艾斯納漫畫產業獎（Will Eisner Comic Industry Awards）提名並入選「最佳網漫獎」，是具備全球認可的強大IP。
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