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演出 音樂「台灣的聲音III」 紀念李登輝總統的深遠貢獻
將於9月中登場的「台灣的聲音III向李登輝總統致敬」音樂會，由許遠東先生暨夫人基金會、李登輝基金會和白鷺鷥基金會聯合主辦，旨在以音樂形式紀念李登輝總統對台灣的深遠貢獻。本次演出將由NSO音樂總監準．馬寇爾（Jun Mrkl）指揮國家交響樂團（NSO）和台北愛樂合唱團，並特邀小提琴家蘇顯達演奏貝多芬《D大調小提琴協奏曲》。 許遠東先生暨夫人紀念文教基金會執行長許治平表示，「台灣的聲音」計畫始於2009年，當時在基金會董事陳郁秀的建議下成立，旨在推動台灣優秀作曲家的新創作、首演與後續演出。該計畫已分別於2013年和2018年成功舉辦過兩屆，而本次則邀請到作曲家金希文，以交響曲形式向已故的李登輝總統致敬。許治平說：「李總統生前對藝文藝術對台灣有深遠的貢獻，因此以音樂的方式來紀念他。」突顯了李登輝總統對台灣文化藝術的熱忱與貢獻，並體現出音樂作為一種表達敬意的方式的重要性。 許治平表示，當年李登輝總統轉回台大唸書時，許遠東也正好考進台大，一個念農業，一個念政治。兩人畢業後雖然進入合作金庫從事不同的工作，但兩人之間卻有許多共同的興趣愛好，如音樂、閱讀、溫泉和高爾夫等，這些共同興趣讓兩人的友情更加深厚。音樂會的靈感源自李登輝總統贈送給許遠東總裁的結婚禮物一張1955年由小提琴家大衛．歐伊斯特拉赫（David Oistrakh）演奏的貝多芬《D大調小提琴協奏曲》黑膠唱片，記錄了兩人長達半個世紀的深厚情誼，也成為本次音樂會策劃的起點。 受邀創作本次交響曲的金希文分享，創作過程中他深入研究了李登輝的著作和演講，特別是李登輝強調的「對台灣人的關懷不是只有形式的改變。本質沒有改變就沒有意義」。這段話讓他深受啟發，成為創作的核心精神。他表示，前3個樂章的創作相對順利，但第4個樂章需要大合唱來表達李登輝總統的思想與信念，因此遲遲未能完成，幸虧其夫人盧佳芬以台語撰寫詩詞，成為合唱的基礎。盧佳芬提到，在陪伴丈夫創作時也跟著閱讀、思考，由於有寫筆記的習慣，所以就整理成為詩詞。這些詩詞不僅豐富了音樂的內涵，也透過大合唱形式，表達了李登輝對台灣和台灣人的深刻情感。
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人物 藝號人物 People 古樂大師皮耶・韓岱 向巴赫回望與致敬
皮耶・韓岱（Pierre Hanta），一位享譽國際的法國大鍵琴名家、指揮家，他用不同的身分，帶領觀眾聽見巴洛克音樂更立體、更精緻的樣貌，尤其對於巴赫 （Johann Sebastian Bach，1685-1750）、史卡拉帝（Giuseppe Domenico Scarlatti，1685-1757），以及其他巴洛克作曲家的精湛詮釋而遠近馳名。曾先後師事阿瑟哈斯（Arthur Haas）、萊昂哈特。1986年，在指揮家法蘭士．布魯根（Frans Brggen，1934-2014）的幫助下，創立了「法蘭西古樂團」（Le Concert Francais），專注於演奏18世紀的作品，尤以在「Opus 111」旗下灌錄的莫札特大鍵琴協奏曲和柯賴里 （Arcangelo Corelli，1653-1713）最為著名，韓岱更成為巴洛克作曲家的權威。 是重製還是重現？ 「古樂復興運動」（early music revival movement），一個在1960年代之後興起的「音樂本真行動」，大力推動用古樂器演奏當時的音樂。根據音樂學者謝爾曼 （Bernard D. Sherman）解釋：「我們可以給予古樂復興運動無數個起點，包括從18世紀末崇敬韓德爾，到20世紀初製作古鋼琴（clavichord）」。當時，古樂演奏在英國及荷蘭相當普及，韓岱在年幼時期即躬逢其盛。 對於「歷史風格演奏」（Historically Informed Performance），韓岱認為在音樂歷史的長河中，人們通常認為最新的音樂是最好的，對過去的音樂缺乏興趣，直到19世紀才有所改變。「這時，音樂家與觀眾們開始關注巴赫的音樂。這導致了對西方偉大音樂文化的複雜情感，現代聽眾往往認為古典音樂比現代音樂更容易理解。」 隨著時間的推移，音樂風格、演奏習慣和樂器的音色也都有所演變，韓岱認為演奏古樂，不只是懷古、重製與復刻，而是必須投入大量精力，讓巴洛克時期的音樂在21世紀重現，但這些作品終究是巴洛克時期的音樂，必須保有當時的情感美學。「因此為了更精確地演奏這些古樂作品，現代演奏家需要理解創作的背景，包括哲學、宗教、象徵意義、修辭學的重要性，以及這些作品所
劇場的延續性與可能性
電影改編劇場的3種案例
從設計主題出發 搭起流行與古典的橋梁
訪狂美交響管樂團團長謝韋民
這種「醜醜的樣子」，也是劇場最好的樣子
訪音樂劇《怪胎》導演洪千涵-
專欄 延長音寫於魏樂富老師70歲大壽前
「想要出人頭地嗎？練琴是唯一的法子阿！」（節錄自《小紅帽與大黑琴》中鋼琴老師與大黑琴肚子裡的媽媽的對話） 不論是30年前（1994），魏樂富自編自導的鋼琴劇場《小紅帽與大黑琴》，抑或是2020摘下金曲獎「最佳作曲獎」之《暗夜的螃蟹》，魏老師的思潮有如今年巴黎奧運開幕式，在諷刺、幽默與創新之間震撼、啟發世人，更不經意地將歷史、文化的深度、廣度融入其中。 一路走來，老師們好像開啟不同宇宙的領航者。對於每一位老師，我心中永懷無限感激，也是因為每一位老師，讓我能夠成為現在的我。魏樂富老師是我於師大附中國中部音樂班時期的恩師。猶記第一次踏入魏老師家，我的目光立刻停在餐廳牆邊的兩扇大紅門板，斑駁的紅色門板上彩繪著威武門神，歲月的印記彷彿承載著古老的故事與守護的力量，連同陽台小假山水旁成群的尿壺，使得這滿載異國風調的居所瞬間可愛了起來。 鋼琴家，醒醒來做夢！ 魏老師問我：「你覺得能夠做出與眾不同的效果比較重要，還是把音彈對比較重要？」對於當時國一，比賽考試都力求完美的我，因為魏老師的一席話，就這麼懵懵懂懂開始透過霍洛維茲（Vladimir Horowitz，1903-1989）、阿格麗希等名家的魔法「效果」探索技巧與音樂詮釋的可能性。魏老師總是要求我，嘗試以至少10種以上不同的方法詮釋同一樂段，當然很多詮釋不一定適合，但是卻開啟了我無限的想像空間與實驗精神，更探究出詩意與氛圍的概念。國一每週上課的功課便是背完貝多芬奏鳴曲的一個樂章。很快地，在國二前，貝多芬第一冊16首奏鳴曲就彈完了，這般訓練好比背了一首首唐詩般，使我對音樂語言的感受功力大增。 怎樣暗算鋼琴家 1998年3月，魏老師帶著國二的我登上台北國家音樂廳舞台，演奏柴科夫斯基與浦羅柯菲夫第1號鋼琴協奏曲。上半場則為孟德爾頌《莊嚴變奏》、李斯特《巴赫幻想與賦格》、柴科夫斯基《悲歌》及巴拉基雷夫的《伊斯拉美》。此場演出打破國家兩廳院當年最年輕演奏者紀錄，不僅是筆者甫於1997聖彼得堡青少年柴科夫斯基大賽獲獎銅牌的得獎音樂會，也是當時第一位由台灣本土音樂教育栽培出的國際得獎者亮相典禮。不過這一切最要感謝的還是魏樂富老師與葉綠娜老師。魏老師不僅擔當世界職業樂團與我協
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專欄 人間父子女力崛起，其實是世界回歸應有的樣子
謙：最近《人間條件一》重啟，發現有些觀眾的視角會著重在女性角色的討論上。但就我所知，你當初寫劇本的時候大概壓根就沒思考到什麼女性議題的狀況吧？ 真：我一直以來都蠻怕所謂「理論」的東西，什麼分析啦、潛文本啦這些都離我好遠。如果真要說起來的話，當時會這麼寫，應該是基於我本能對於女性的尊敬吧。 這部分可以從我童年經驗談起。因為我們小時候在礦區嘛，白天男生就採礦工作，那採黃金這件事情，也不是靠實力，是靠運氣的，收入很不恆定，所以家裡的媽媽需要撐起一切。因此那時候對爸爸的印象，永遠是白天去做工，晚上回來就跟朋友、鄰居聊天，可能還會跑到九份去喝酒或看電影，至於媽媽呢，不但得在家裡，白天也會去工作，在礦坑外挑廢石、洗金子什麼的，所以那時候對「媽媽」的記憶就是：永遠很忙，以及脾氣總是很不好。畢竟她們實在太累了，對小孩子也很嚴厲。印象中我們鄰居3、4戶人家的小孩子，會去做一件什麼頑皮的事，媽媽回來看到了就開打。 謙：打小孩戲劇節開始上演。（笑） 真：長大以後才懂得當時的媽媽有多「堅韌」。尤其是到城市來的時候，看到「城市媽媽」，發現原來媽媽們不總是「那個樣子」。該怎麼說呢？城市的媽媽就是比較優雅吧，穿戴整齊。不像我的媽媽，做什麼事情都很急啊，做工回來衣服還是濕的就要煮飯，晚餐時間發現沒有青菜，就隨便要一個人去摘蕃薯葉，摘完回來直接洗了下鍋，沒趕上她的時間就要捱罵。我當時真的不懂，進城市以後才明白，那樣身兼數職的媽媽有多不容易。 謙：我現在回想，其實媽媽就是等同於家。聽你們說，媽媽在我滿月之後就辭職了，原先是護理師嘛，後來就專心家務。 真：專心對付我們這兩個男人。（笑） 無所謂幻滅，那都只是真實的展現 謙：所以現在回想起來，媽媽都在家裡，當然不是說她足不出戶，而是知道她擔起多少家裡大小事雜事。只不過這會是你口中的「城市媽媽」嗎？好
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國際 北京鼓樓西劇場推出獨角戲劇節 堅守戲劇表演的樸實本質
今年最具話題性的連續劇之一《玫瑰的故事》，意外地讓很多人對「策展人」這個身分好奇，進而趨之若鶩。近幾年中國在博物館及美術館方面的策展水準確實讓人刮目相看，這是旅遊與文化聯動政策推行的成果，也因此藝術策展人的需求也大幅增加，隱然已形成一門行業。相對的，表演藝術的策展則弱了許多，究其原因，表演場館的營運思維普遍停留在場地使用，只關注引進節目、行銷票房，未曾想過從內容上樹立場館品牌形象（北京國家大劇院是唯一例外）；至於數量愈來愈多的音樂節和戲劇節，內容則大多拼拼湊湊，只要有幾個大咖或好的節目坐鎮，市場回饋不要太難看就好。表演場館與藝術節缺乏策展意識，只把表演藝術視為商品，忽略藝術價值與推廣的責仼，這種現象是中國表演藝術發展長久以來最大的隱憂。因此，9月即將亮相的「鼓樓西第2屆國際獨角戲劇節」讓人眼睛一亮。
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話題 話題追蹤 Follow-ups全球化時代下，藝術家們的合作與生存策略
側記「國際共製與委託創作：與藝術家及機構合作的策展實務」講座國際共製在當今全球化的文化背景下，已成為表演藝術領域中一種重要的合作形式，促進了全球文化的多樣性和藝術的繁榮發展。臺北藝術節策展人林人中應藝術組織「在地實驗」之邀，於7月下旬以「國際共製與委託創作：與藝術家及機構合作的策展實務」為題，深入探討了國際共製的定義、模式及其對藝術產業的影響。（註） 國際共製與台灣表演藝術產業的發展歷程密不可分，特別是自2010年代以來，隨著國家表演藝術中心三館的成立及2022年臺北表演藝術中心的開幕，台灣的文化基礎設施日益完善，這些改變對藝術生態產生了深遠影響。藝術家在進行獨立創作時，與機構合作的可能性愈來愈大，而這種合作形式正是國際共製的核心。 兩個以上的國際製作夥伴 參與作品生產過程 林人中進一步解釋國際共製的定義和模式。由於台灣也有許多國際合作，但這和國際共製不同。他引用了由歐洲當代表演藝術網絡組織（IETM）和韓國藝術管理服務（KAMS）共同研究的資料，指出國際共製涉及兩個或以上的製作夥伴，這些夥伴可能是藝術節、劇院或視覺藝術機構。他們通過合議的契約，共同投入資源支持一項製作或以發展過程為主的計畫。共製的核心在於過程，夥伴不僅僅是出資，更重要的是參與作品從無到有的整個生產過程。 共製的兩種主要模式為「共資創投」（The co-financing model）和「藝術或文化上的合作」（The artisitc or cultural collaboration） 。共資創投主要是指製作夥伴在資金上共同支持一個藝術作品的生產過程，例如支付人事費、購買研究資料、場地租賃等。普遍常見的共製是由劇院提供設備完整的劇院空間給藝術家去進行發展製作新作品及展演，這種共製方式的成果將是由主辦製作單位發表國內或世界首演。而一個共製計畫可包含兩個至十多個製作單位。 比如今年在台灣國際藝術節演出的《這不是個大使館》，就是由台灣的國家兩廳院和瑞士洛桑維蒂劇院聯合製作，作品通過探討國際政治和文化交流，呈現了一個獨特的視角。名單中還可以看到許多其他共製單位，像是柏林藝術節 （Berliner Festspiele）、維也納人民劇院 （Volkstheater Wien）等，這些單位就比較有可能是進
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人物 少年往事把時間封存，再解放（下）
藝術家吳天章的雨都時光與《尋找聖保羅炮艇》再回到《尋找聖保羅炮艇》，那個1965年在基隆港拍攝的好萊塢電影《聖保羅炮艇》，把基隆港拍成上海黃浦江口；鏡頭裡海港大樓、阿根納造船廠遺址都成為另一個時代故事的背景。10歲的吳天章放學時從學校走後山離開，急忙要去看在基隆港拍片的好萊塢明星史提夫．麥昆（Steve McQueen），他把孩提時的自己合成到圍觀的群眾裡，虛構了目擊歷史的一瞬。隨著影片進行，虛構中同時摻雜真實世界的父母離異、母親帶著他南逃等家族記憶與真實的歷史事件。 「我一直夢見船在走、郵輪在靠岸，夢裡的船經過一片火海，時間就從那裡倒轉。」吳天章的描述讓人分不清楚究竟是現實還是虛構。「倒轉以後，第二個28年，原來扮演我父母的人都成為我的助理，我又回到基隆。」在回返的旅程中，前半段經歷的東銀閣在後半段成為西銀閣，死去的人又活著回來，所有現實都成為似曾相似的虛構時光倒轉，既視感就是前一世的後半生。
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人物 少年往事把時間封存，再解放（上）
藝術家吳天章的雨都時光「我們覺得時光倒流很美，像是某種既視感。既視感讓你感覺錯亂，讓你感受好像前世去過那個地方，這種生命裡有的東西，是AI不會有的。」吳天章說。 「把時間封存」，幾乎是他發展創作美學核心的芽。從時間出發，他折返回自己的童年，抽取裡頭的基隆印象；進行中的新作《尋找聖保羅砲艇》就是一個以時間為軸、勾描鏡像平行世界的作品：從童年的自己走在山路上的影像為起點，原來是要到基隆港圍觀《聖保羅砲艇》拍攝現場，影像卻引導了時光倒流，讓倒流的敘事沖刷返回原點。 「你們知道，28年後日曆會重覆嗎？」吳天章眼睛發亮地問。「28年前哪一天是星期幾，會跟28年後一模一樣。」（註1）他細數這個重覆：1966年《聖保羅砲艇》上映的日子，他10歲；28年後，1994年，他創作了從油畫踏入複合多媒材與數位影像的標誌性作品《傷害告別式》系列作及《再會吧！春秋閣》。再過28年，2022年他開始了《尋找聖保羅砲艇》（編按）的創作旅程使用他熟悉的數位影像技術與一鏡到底的動態手法，把時間翻轉再翻轉，回到兩個28年前，他10歲的時候。 霧雨的基隆，真偽相伴的異國情調 不管是被歸類於「台灣當代藝術第一代」或被稱為「台灣藝壇解嚴第一人」，吳天章無疑地代表了那個眾聲喧嘩、百花齊放的時代開端。1970年代就讀文化大學時，正逢鄉土文學論戰高峰，他坦承自己深深受到那股批判寫實精神影響。「就像銘印效應，」（註2）他說：「如果當時沒有遇見那種人文批判精神，我可能不會做藝術到現在。創作是因為我對國家、對時代，有一種使命感。」 回看童年，吳天章說，1952年的《中日和約》決定了中華民國台灣的命運，「1956年我出生，所
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演出 音樂迎來大師梵志登 長榮交響樂團再創新局
台灣的古典樂迷即將迎來一場音樂盛事世界級指揮家梵志登（Jaap van Zweden）將於11月22日和25日分別在高雄衛武營音樂廳及台北國家音樂廳，為長榮交響樂團指揮2場世紀首演音樂會。這場名為「梵志登與長榮交響樂團世紀首演戴奧尼索斯的沉思」的音樂會，不僅標誌著梵志登大師首次與台灣樂團合作，也為長榮交響樂團在國際樂壇上帶來了新的突破。 梵志登的到來無疑是一個振奮人心的消息。生於荷蘭阿姆斯特丹的梵志登，擁有超過40年的指揮經歷，曾擔任維也納愛樂樂團、柏林愛樂樂團、巴黎管絃樂團、舊金山交響樂團、洛杉磯愛樂樂團及倫敦交響樂團等知名樂團的指揮，且以其精湛的指揮技藝和深厚的音樂造詣著稱。甫接任首爾愛樂（Seoul Philharmonic Orchestra）音樂總監，2026年起也將任職法國廣播愛樂（Orchestre philharmonique de Radio France）音樂總監。此次他將首次在台灣亮相，帶著其獨特的音樂視野和指揮風格，為樂迷帶來全新的音樂體驗。
因為信任，所以放手──專訪NSO音樂總監準．馬寇爾
NSO首席手把手，傳授畢生經驗
從青年軍到國家隊！ NSO以職業樂團規模，培養年輕音樂家
「夢響・巡禮」音樂會！聽見NSYO年輕熱血
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專欄 關於戲劇的五四三盡頭在哪裡
你想要幾歲退休？開證券戶很常被問的問題。 隨著父母年事漸高，家中有些經濟變動，兄姊也因育兒各自有些經濟難題，各自有不同被錢逼瘋的部分，這幾年開始認真研究理財，研究後開始對總體經濟產生興趣，有興趣到認識了基金經理人、全職投資者再甚至想開發金融劇我不是技術流看K線看籌碼上下廝殺，最有衝勁的還是創作，只是也認知到創作頂多溫飽，跟健身是為了創作一樣，適度地把現金做資產配置，也是一種讓創作生涯有後盾的方法，畢竟文藝復興時代都是富豪養藝術家，純藝術可以透過少數高端客層維生，但做戲劇工作，要面對重重市場（不管大眾市場還是影展市場都是市場）的考驗。跟著認識泰國、印尼、韓國、日本的影視公司，也打開了視野。 上半年殺青了自己編導的第一部輔導金短片，更加體認做創作，特別你是那個頭、那個發動者＋執行者，方方面面牽涉到時間、金錢、創意與人的管理，非常高壓也非常刺激，第一關是想出一個自己有衝勁、評審或平台買單的點子，第二關是把點子執行成工作藍圖（劇本）、企劃，得到資金後，第三關就來到各種管理，精力、金錢、人跟自我的管理，透過一次次開會排戲看影片畫分鏡自我質疑確認自己要什麼，激發並相信團隊讓他們的能力得以發揮，第四關就是現場保持情緒穩定跟有效解決問題，工時12小時（含交通妝髮現場），超時不能超太久，超時費不說，第二天得要凌晨5點開始上工，由於是自己的案子＝圓夢計畫＝自己不拿錢，所以籌備期間同時進行例行工作，評審、投資判斷、給意見，進行不同音樂舞台劇的劇本修整討論，再加上正在寫的影集，開會6、7個小時起跳，做大量田調以及工作分配，編劇統籌也需要人事與創意管理，考量劇情角色時，同時也得判斷跟把控之後的拍攝預算，比方說哪裡有大場面，那後續集數就集中在室內場景等等。要思考的事情非常多，愈困難的事情愈讓人腎上腺素噴發，當然同時也在澆灌發想新的idea，當覺得工作好難，看一下柯波拉拍《現代啟示錄》、荷索拍《陸上行舟》、皮克斯怎麼經營的苦難，團隊創意工作本身就是戰鬥啊，沒有熱愛到讓你痛苦的就不算工作吧。 所以繞回開頭，開證券戶的時候會被營業員推銷高額退休保單，固定起手式就是「你希望工作到幾歲退休？」「希望退休後月入多少？」如此這般開場，認真想想，我從來沒有想過退休的問題，即便往後覺得想說的都說完了，也希望可以
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專欄 挑戰邊界像水一樣
「像水一樣」的精神不僅體現在我們的排練裡，也貫穿了河床劇團過去26年的創作使命。我們從在40席的小劇場演出實驗作品，逐漸轉向策劃／設計美術館等級的展覽，在1500席大型劇院演出，拍攝電影短片，最後發現創作VR的可能性。在過程中，我們必須順應每個不同計畫的獨特可能，這種重新塑造自己並超越熟悉事物的能力，是我們能持續發展的關鍵。
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國際 香港舞台搭建擬推三級制 諮詢不足引發業界憂慮
兩年前，在香港體育館舉行的Mirror演唱會發生LED螢幕墜落事件，受傷的舞者至今仍然在漫長的康復路上慢慢前行。螢幕墜落事件當時引起業界很多討論，如製作成本如何影響工程質素、外判員工是否有足夠的專業知識、監管的程序如何在安全與創意之間平衡。政府在去年開始就場地和舞台搭建的安全擬定守則，近日就再提出方案，由原來去年建議的、根據舞台的懸掛系統設計、懸空高度和負載分成的四級（由簡單至複雜）規格，改為三級。然而兩次的建議內容，舞台製作業界包括香港戲劇協會和香港舞台技術及設計人員協會都分別提出疑問，並在社群媒體上發布，期望引起關注。
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專欄 抵達終點左轉肩胛骨有事
最近我在課堂上很喜歡用納博科夫的一句話來開場，探索「情緒」。 他說：「雖然我們用頭腦來閱讀，但藝術樂趣的根源在於肩胛骨之間。背後的那種小小的顫抖無疑是人類在發展純藝術和純科學時所獲得的最高情感形式。」我請同學找到自己的肩胛骨一帶，問當他們被感動時，小小電流的竄動與熱度是否源於此處？ 大部分的同學都會點頭，其中有同學說好像上面一點，在脖子一帶。有同學說應該是下面一點，靠近胸口。我說沒關係，大家構造相同功能多少有些異同，我只要確定沒人拍自己的腦袋就好。 接著我開始解釋，這肩胛骨從沒事到有事的變化過程，叫做「情動」（Affect），關鍵有三：身體性，聯結╱關係，強度╱變化。我把情動與情緒做釐清，以史賓諾莎的話總結：「能夠影響別人，與接受別人影響的能力。」 通常聽到這裡，台下學員的表情都很猙獰。我不是理論專家，已盡可能解釋地平易近人，我說總之記得情緒不是我們該苦苦追逐的目標，情動才是影響施與受的雙向道。 結論先下，好學生的問題就開始冒出來了。「為什麼表演不能追求情緒？」只要出現這個問題，我就會忍不住姨母笑，接下來我用一整堂課（4小時）的時間，玩一個遊戲來回答這個問題（這是在公視的《主題之夜》看到的，立即瘋狂愛上，然後稍作調整應用在課程）。 8個人為單位，圍成一個圓對坐，請他們寫下生命中一件真實發生對你意義重大的事件，但不能寫到任何情緒或暴露出情緒的線索。在大大小小的工作坊實驗後，我發現這個環節是最困難的，很多人不知道如何跳過情緒去描述記憶，有些人寫的事件時間軸拉得很長，有些人的敘述視角破碎。所以在遊戲開始之間，我必須一一檢視過這些事件，做適度的修改釐清才能開始。 我在白板上寫下7種情緒：喜悅、滿足、悲傷、恐懼、驚訝、羨慕、憤怒，請每個人選擇一個最接近當下自己事件的情緒。然後開始一一輪流，我讀出當事者的事件，計時5分鐘，其他人問當事者問題，去猜出他寫下的情緒是什麼。問題也要迴避到情緒相關的字眼與行為，最常出現的錯誤就是你有哭嗎？你什麼感覺？大家會立刻發現問問題需要技巧，每個人會陷入自己的評判邏輯。當事者要在不說謊不隱瞞的狀態下，盡量不被猜出答案。我稱這遊戲為「猜情緒」（想不到更帥氣的名字）。 遊戲玩了就知道，我直接分
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演出 音樂 歡慶20周年Taiwan Connection音樂節 廣邀各大樂團首席來台獻演
由小提琴家胡乃元所主導的Taiwan Connection（以下簡稱TC）音樂節，今年已屆20年，為歡慶這特別的一屆，音樂節以「再啟偉大」為題，規劃了數場經典的音樂會，包括兩場室內樂團巡迴、室內樂系列I與II各3場巡迴、一場輕鬆自在場演出，以及由胡乃元、知名莫札特詮釋權威鋼琴家羅伯特．列文（Robert Levin）主講的活動。讓樂迷在享受演奏家精湛演出之餘，更能貼近作曲家深層的構思與內涵。 細數過往，胡乃元表示在TC創立前一年，他在國家音樂廳演出舒伯特的作品，隔天跟嚴長壽總裁去東部，才開始討論TC的成立與否，因此舒伯特的作品對音樂節來說有著特別的意義。最初從室內樂二重奏到六重奏的規模，成長到2007年有絃樂團的組合，到2009、2010年合作沒有指揮的交響曲，「一路以來在台灣做音樂、並把音樂做到最好，是我認為最重要的事。」 雖然最初與嚴總裁的起心動念是「把好的音樂從音樂廳帶出去」，但漸漸地，胡乃元也希望「將好的音樂從外面帶進來。」因此他開始邀請外國音樂家來台灣，與本土音樂家一起交流至今。今年適逢20周年，音樂節不僅邀請音樂家，更大量邀請各大樂團首席一同來台演出。如紐約愛樂首席黃欣、 紐約愛樂低音提琴首席提莫西．柯布（Timothy Cobb）洛杉磯愛樂長笛首席丹尼斯．布列可夫（Denis Bouriakov）、柏林廣播交響樂團低音管首席柳成權、前美國大都會歌劇院樂團單簧管首席趙仁赫等超過10位重量級演奏家。 紐約愛樂大提琴前代理副首席派崔克．吉（Patrick Jee）分享：「去年第一次來TC就很驚訝沒有指揮，一般團員不會頻繁地在排練過程中發表意見，但在這裡不管是首席或最在最後一排成員，每個人都可以在排練時表達自己的想法。音樂家們非常投入在音樂中。」他在紐約愛樂已經工作多年，但從未有在TC這樣的感受，在心中留下非常溫暖的經驗。
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人物 紀念大師 In Memoriam相信您會繼續看著我們演戲
紀念「豫劇皇太后」張岫雲被譽為「豫劇皇太后」的張岫雲（1923-2024），於8月11日以百歲高齡仙逝。出生於河南的她，自幼學習豫劇，以「萬里雲」為藝名嶄露頭角。後因戰亂隨丈夫部隊撤到越南，最後輾轉遷移到台灣，並持續活躍於台灣舞台，同時培育後輩，傳承豫劇。為紀念張岫雲老師，本社特別邀請「豫劇皇后」王海玲，回憶與張岫雲老師的相處過程，將她的思念化為文字，在緬懷大師的身影之餘，也讓讀者一窺豫劇在台灣的點點滴滴。
小提琴家蘇顯達的新樂季必賞清單
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台大外文系專任副教授王寶祥的新樂季必賞清單
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專欄 書信體從港片盪開的家常小事
YC， 猶記得成長的80年代初，家裡有了一台電視機，一個四四方方厚實的大箱子，螢幕前有雙拉門簾，一拉開，彷彿昭告天下什麼的，坐在前頭，看著一片沙沙雪花也顯得慎重。當時節目從黑白轉入彩色，入眼什麼都是新鮮，幼年的自己囫圇吞棗，什麼都看，印度歌舞、馬來電影、華語短劇、新聞卡通，飢不擇食，彷彿看電視是天底下唯一要緊的事。模糊的印象，家裡開餐廳，播放港劇的那一個小時，幾乎沒什麼客人，哈，都幹嘛去了？追劇啊！儘管雙溪大年是小市鎮，那時候被視為吉打州重點發展的工業區，前途似乎光明美好。馬哈迪上任首相，開展了漫長的治理時期，有很多願景即將實現，經濟逐漸好轉，家家戶戶都擁有電視機這類奢侈品，沒有的就會喜歡往有的家裡串門子。 馬來西亞是多元族群國家，節目八成由馬來語和英語構成，剩下就是華語和淡米爾語。港劇風靡的年代，就是一星期有5天的播放，對華人而言，有什麼比在電視上看見聽見親切的膚色語言更扣人心絃？離散心靈的寄居處，香港電影和電視劇，隱隱成了中華情義結的牽絆想像之地。汪明荃、謝賢、鄭少秋、周潤發、鄭裕玲等成了熟悉的面孔，他們在螢幕上的生生死死愛恨情仇是茶餘飯後的話題，也是情感託付所在，在忠奸還有清晰界線劃分的年代，忠的得人憐、奸的討人嫌。且記一筆，角色塑造上，憨厚忠直正氣的形象特別受眷顧，如果再加上退無可退絕地一搏，白手興業起家的身世，就更為對味。或許，這跟20世紀初華人大量移民到此處的心境有關，在無可倚靠無所憑藉的地帶，日日苦幹實作期盼帶來的階級翻轉，安其身、立其命。 其後，就是錄影機錄影帶興起，除了苦守等待每天播映的那一個小時，我們可以更主動地去租片來看，餐廳也以此為賣點，哪有什麼比吃吃喝喝還有戲可看更賞心悅目的事呢？再來流行的就是卡拉OK，連續劇主題曲伴隨影劇全面進攻，「浪奔、浪流，萬里滔滔江水永不休」；「依稀往夢似曾見，心內波瀾現；拋開世事斷愁怨，相伴到天邊」；「莫說青山多障礙，風也急風也勁，白雲過山峰也可傳情」港片港劇和流行歌曲在街頭巷尾回響繚繞，許冠傑、譚詠麟、張國榮、梅艷芳、林子祥等成了我們隨口捻來的名字，比鄰人還親。 記得那時餐廳隔壁開了家錄影帶店，店裡高掛著一台電視機，每天輪流播放不同影片，以招攬客人
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國際 澳門澳門舉辦首屆兒童藝術節 擦亮城市的「金名片」？
澳門特首賀一誠去年在《澳門特區政府2024年財政年度施政報告》中，提出致力於建設「演藝之都」，果然今年從1月開始就演藝節慶不斷，單是官方主辦的就有1月份的「澳門城市藝穗節」、3月份的「2024澳門國際幻彩大巡游」、5月份的「澳門藝術節」和7月份的「學界青年慶回歸大匯演暨國際青年舞蹈節」。另外，就是從中國內地演藝機構來澳舉辦的「澳門國際喜劇節」、「第4屆粵港澳大灣區中國戲劇文化節」。 其中由澳門文化局主辦的「澳門國際兒童藝術節」屬首次舉辦，演藝節目集中在7月至9月份，展覽部分則至10月下旬才結束，可說是節期最長的官方演藝節慶。文化局長梁惠敏在兒藝節的新聞發布會中提及，首屆兒童藝術節設有45項活動及演出，總場次逾一千場，包括「國際級的表演藝術、百老匯音樂劇、藝術展覽、電影展、大型戶外裝置、藝術營、大師班、工作坊及藝術嘉年華」等項目，當中有百老匯國際音樂劇場《安妮》和北京故宮博物院首部兒童音樂劇《甪端》等大型演出。並表示初步估計國際藝術節的預算是3000萬澳門元。比起今年5月份、同樣由文化局舉辦，共42項活動及演出的「第34屆澳門藝術節」的總預高出近500萬。梁惠敏在致詞中指出，首屆澳門國際兒童藝術節是「全新的演藝節慶品牌」，希望擦亮澳門作為國際大都市的「金名片」。她表示文化局以往也有舉辦以兒童、青少年為對象的活動，「但內容不夠全面」（註1）。事實上，過去文化局轄下澳門文化中心每年暑假期間亦會舉辦一系列以兒童及少年為對象的演出和工作坊等，而澳門藝術節每年也都有一定數量的兒童劇演出。2015年台灣劇場工作者張吉米擔任澳門藝術節特約劇評人後寫道︰「說到單一化，澳門藝術節在類別上就顯得豐富許多，不但有新穎的年輕節目，也有戲曲節目以及兒童節目，這樣的節目組合對於觀眾在藝術上的教育是相當有幫助的。對比於台灣的『臺北藝術節』就不太可能看到兒童節目，因為那只會在『臺北兒童藝術節』出現，同樣的，兒藝節的觀眾也就很難接觸藝術節的節目。」（註2）其實看看香港藝術節，也少見兒童節目出現。不過，箇中緣由可能是因台北有「兒藝節」，而香港也有舉辦經年、以兒童及親子節目為主的「國
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國際 上海實體演出如火如荼，線上戲劇瀕臨死亡？
2024已過半載，伴隨著多年未遇的高溫，江浙滬的演出市場一片紅火，上海亞洲大廈和大世界等演藝新空間幾乎人滿為患，杭州和蘇州等地的小劇場+大商廈構建成的文旅融劇場模式也是夜夜笙歌。上海經典版的《劇院魅影》早已開啟數月巡演模式，浙江的沉浸式越劇《新龍門客棧》票已售到年後 整個實體演出市場可謂是亂花漸欲迷人眼，吊詭的是，近年來一直成為關注焦點的線上戲劇演出卻悄無聲息，甚至傳出了一種瀕臨死亡的氣息。 曾幾何時，網路戲劇、線上演出等等從歐美名劇到各地戲曲，都在嘗試戲劇和網路全新的融合發展，報紙電視媒體已在呼喚一場劇場革命的急速到來，線上戲劇業已成為不可避免的趨勢。 但是很多戲劇愛好者在不經意間卻發現，自己已好久沒看線上的演出了，即便今年還有一個這樣的演出在這炎夏的時節堅持著。然而正是這次演出，卻昭示了線上戲劇演出已經陷入了一條沒有生機的死胡同。上演這場演出的是一位在抖音擁有近60萬粉絲的音樂劇女演員，她在兩年前就進行了首次付費直播音樂劇《童話深處的秘密》的演出，票價為29.9元。儘管是網紅演員，但演出的效果卻乏善可陳，當晚直播流量最高時也僅八百餘人而已。 今年她捲土重來，帶來了一齣獨角直播音樂劇《陌生女子李易安》，門票19.9元人民幣。不過在整個演出過程中，即時線上人數從直播開場時的約四百多人，到最高峰值時充其量也只有七、八百人。即便這些都是付費的觀眾，本場的票房收入也僅5位數出頭。更悲催的是這部劇的直播卻遭遇了技術方面的問題，導致有無買票其實都能觀看。主創無奈選擇了退款並發布道歉影片：聲明今後這部劇在網路上的播出一律免票。 平心而論，這部劇孵化於音樂劇領域的頭部帳號，彙集了業界多位專業人士的心血，經過多年的打磨，品質並不俗。但即便沒有發生直播技術問題，和上次線上演出一樣，它依然沒有吸引到足夠多的粉絲和流量，沒有流量，就意味著沒有盈利，沒有盈利，則無以為生；單算經濟賬的話，這次線上演出已經生不如死了。 從另外一個層面也傳來了不祥的消息。作為中國最大的演出商，保利院線集團旗下的保利雲劇院曾擁有200多部正版免費表演藝術影片資源，如今也已經到期下線了，一度希望能透過線上表演藝術的直播和上映，帶來演藝市場平台紅利的願景
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話題 話題追蹤 Follow-ups昔熱今冷的抗議 烏俄戰爭漸被遺忘？
從歌劇女伶安娜．涅翠柯的爭議說起2024年5月4日，在俄國歌劇明星安娜．涅翠柯（Anna Netrebko）於德國威斯巴登黑森州立劇院（Hessisches Staatstheater Wiesbaden）登台演出《杜蘭朵》的幾小時前，劇院正門前聚集了30、40個抗議民眾，主要由支持烏克蘭的藝術家和民眾組成，喊著口號：「拒絕涅翠柯！」，令人想起前去年5月初更為激烈的示威抗議，當時，整個劇院正門迴廊被上百位激動抗議民眾團團包圍，使得要看歌劇的觀眾幾乎無法接近劇院入口，民眾們甚至帶著鍋碗瓢盆或簡易樂器來製造巨大噪音，試圖讓噪音干擾歌劇院裡的演出。今年和去年，抗議的焦點是同一位歌劇明星安娜．涅翠柯。 去年「五月藝術節」點燃抗議 2023年1月，德國黑森州和威士巴登市政府就聯合發表聲明，公開反對威斯巴登黑森州立劇院連兩年邀請涅翠柯在「五月藝術節」（Maifestspiele）演出，表示安娜．涅翠柯名列烏克蘭政府的制裁名單，請劇院總監勞芬貝格（Uwe Eric Laufenberg）慎重考慮取消與她的合約。並說明要是劇院總監一意孤行堅持邀請，黑森州和威士巴登市政府將拒絕出席所有藝術節相關活動。勞芬貝格對此感到憤怒和不能理解，他以藝術自由之名，堅持履行與涅翠柯的合約。 此舉引發了3個藝術團體的不滿，包括來自烏克蘭卡爾可夫（Charkiw）的Taras-Schewtschenko-Theater劇團、烏克蘭國家交響樂團（National Symphony Orchestra of Ukraine）和來自俄國的女權運動和行為藝術團體暴動小貓（Pussy Riot）。他們表示，因涅翠柯要在五月藝術節登台，決定取消與劇院的演出合約、退出同年藝術節。當時劇院總監勞芬貝格回應表示不能理解其他團體退出的理由，並認為這是「歇斯底里式的非理性反應」，此話一出立即引發大批媒體不滿，並在2月中的劇目說明記者會上多次打斷劇院總監簡報並大聲詢問：「你們說今年的五月藝術節是獻給世界各地的政治犯並和烏克蘭站在同一陣線，但安娜．涅翠柯卻同時在受邀名單上！」勞芬貝格則大聲駁斥：「你們要是不想聽我說話，請離開這裡！」這段爭執影片在當天在各大新聞台播出，一夕之間成為黑森州的熱搜話題。
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演出 戲曲 發想自《可可夜總會》 新創歌仔戲挑戰四面台《大夢初醒》 讓「靈公媽」來解決人生難題
陳麗香歌仔戲團為彰化員林在地歌仔戲團，成立30餘年，以外台戲為主力，但近年也陸續挑戰現代劇場，且嘗試演繹在地故事，像是2020年就曾改編彰化七壙古墓傳說成《七壙先人外傳》。團長施純權表示：「我們還是希望可以吸引年輕觀眾進劇場看演出，因此會持續找尋議題再往下走，能夠更創新，並更貼近青年觀眾。」於是，《大夢初醒》就在題材開發的思考中，花了約莫3年光景，終於迎來即將首演的時刻。
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演出 舞蹈《剩女經濟》 挑戰性別與經濟體制的藝術探索
以《少女須知》系列使用「裸／身」概念來探討女性主義的藝術家蘇品文，從2023年開始進入新階段的探索，而《剩女經濟》即是展現這段時間以來的累積。邁向40歲的蘇品文，透過自己的肉身以大眾定義的「剩女」的身體，透過市場產品和觀眾互動來建構場景空間，檢視社會如何看待有利或無用的事物。作品結合了食品市場的「最佳食用期限」概念和異性戀婚姻的主導邏輯，質疑厭女文化和社會普遍根深柢固的性別歧視思想。 「剩女」一詞在華語語境裡，如今廣泛被聯想為具有貶意的大齡未婚女性，《華爾街日報》也出現讀者投書探討「剩女」經濟學。（註）被歸屬於「剩女」的蘇品文，將自己的肉身作為題材，毫無保留地提問，「我在談的是40歲的我怎麼存活下去的策略。」不只是面對因大齡身分遭受的歧視，還有如何創新和擔負獨自演出完整作品的體力。 除此之外，蘇品文也希望這次作品可以探索超越二元性別觀的女性主義世界觀，突破傳統女性主義過於聚焦於生理女性的觀點。他積極地使用「they／them」（英文代名詞「他們」）來作為作品目標，不再只是依賴自己個人作為生理女性的身體形象，而是提議一種新的女性主義樣貌，打破性別的二元對立，倡導更具包容性的性別觀。 作為臺北藝術節國際共同製作的委託創作，蘇品文也提到創作的艱辛：「要在全球語境中談東亞的女性主義，又要考慮它的社會文化脈絡。」其實是相當困難的，「光是使用不同語言討論作品時就會產生落差和誤解。」蘇品文提到：「我自己也很小心的是面對所謂的異國情調。」他同時也希望作品在不同城市巡演時，觀眾接收到的不要落差太大，「尤其是裸體這件事」。