「懷舊」在劇中代表了一種企圖回歸到回憶中去尋求寬慰的願望，我們卻無法從演出中看出對於改動劇作時空的、屬於詮釋或創意上的理由；而在追憶和感傷以外，編導也並未呈現其他更爲深刻的、看待這些老東西與舊價値的觀點，使得演出的整體形貌略顯模糊。觀衆面臨的，毋寧是一種更大的失落：像是恰才實現了一場一直夢寐以求的跨時空之旅，卻悲傷地發現自己無法完整地認出（甚至比旅行前更陌生）那個曾經一再夢想的目的地。
集中國古典主義之大成的戲曲藝術，何堪演繹西方古典主義裡的聖經故事！？這是個十足僞古典主義下的產物。
新編京劇《出埃及》不談瑣碎的典章誡命，而讓觀衆見識到了一個景觀萬千、氣度恢弘的異域想像；摩西不見史籍的大逃亡前私生活歷歷在目，周旋在多個女人與權力的運作之間，「前傳」意味顯而易見。
戲班子劇團的「沙沙發發站起來」藝術節，或許並沒有引起太多的注意，或許劇場發酵的渲染力範圍也較小，但是我們看到了小劇場工作者的熱情與毅力。
生於「鐘錶之國」瑞士的杜特華，長年吐納著法國文化迷人的芬芳和精華，繼他的老師孟許之後，成爲本世紀又一位法國音樂的代言人。去年十一月十六、十七日他率領法國國家交響樂團來到上海大劇院，爲上海樂迷獻上兩場他最拿手的作品。
在協奏曲中樂團雖處於伴奏的地位，但主奏者腦海中必須共存著管弦樂的部分，兩者相輔相成，否則就很容易迷失自己。
如此充滿內在、親密感受的樂曲一到了龐大音樂廳中，自然就無法保有原來的氣氛與特質了！然而，殷承宗手下的〈雪泥蹤跡〉仍然成功的顯現了雪地裡孤寂蒼白的特色。
秉承了俄系音樂演奏的傳統，Boyan的音響非常地炫麗；儘管全團的編制只有四十餘人，他們所演奏出來的強音與低音，都相當地豐盈，絲毫不輸給正式編制的樂團。
令人印象深刻的是舞者們在情感的表達、技巧和體力，都有明顯的進步，表現可圈可點，令人可喜。台北芭蕾舞團目前雖爲半職業芭蕾舞團，要成長爲職業舞團指日可待。
嬰兒油舞蹈中特有的身體運動方式以及無阻力的流動感，恰與「黑潮」海洋的意象作了形式與主題間最貼切的結合。縱然《黑潮》的少數段落仍如樸玉，尙待琢磨，但〈春生〉、〈夏潮〉等景已如璀璨的鑽石，敎人驚豔。
這群受過學院派肢體訓練的編舞者們，在《收集眼淚》裡試圖將老方法和自身體會出的新意融合，雖然對議題的探討不夠深刻，卻能夠迎合新世代觀衆的口味，整場表演多元而好看。
毎一次由緩而快、由弱漸強的焦躁與狂亂；每一次肢體的力的賁張與跌宕；毎一次橫越全區的交叉與擺蕩；這些藉由情緒、肢體、與音樂產生的敍述表現，對熟悉劇場在吿別現代主義之後實驗發展的觀衆來說，其實並不陌生。佐藤的確是掌握了新語言的「技術」。然而，由此技術而來，最後展現到觀衆面前的，才是創作的最終目的與評價所在吧？於是，《鬱》劇中大量「線」的意象呈現就必須被重新審視。
多處場景轉換時失焦的情境切換，顯得演員舞台專注力與訓練的不足；部分充滿娛樂氛圍、但形式與內容兩相歧異的夜市歌舞秀口味，非但無法令人認同此爲「正宗南台灣」作風，反將通俗化的生活場景一路推向庸俗化的高峰。
《魚水之間》的主旨旣深情又浪漫，而在呈現的手法上，卻又能處理得戲而不謔，是這齣戲好看且成功的地方。但是在演員情緒表現的拿捏與角色的詮釋上，似乎該有更爲細膩的要求與掌握，而非全憑演員以個人的魅力與喜感來飆戲搶戲。
細瑣的生命經驗、大敍述的瓦解、設法逭逃於結構之外，固然是這個時代的特色，可是劇場若只是充斥著這些特質，人物與演員都掌握不住方向、也沒有標示出目的，到底「寶蓮精神」要如何達成？其中「不扮演」的奧妙境界，恐怕也不等同於耽溺地「演自己」吧？
前後持續整整兩個月的第三屆耕莘藝術季，就在沒有太多媒體關照，亦沒有太多藝術展現與成就中落幕了。也許「九二一集集大地震」在某些程度上影響到觀衆票房，但不可否認的，展期過長，宣傳失焦無力，作品品質良莠參差不齊，都是本届耕莘藝術季反應冷淸的主因。
在鍾明德撰述的《舞道》，這本闡述所謂「劉氏舞道」的書裡，將「氣身心三合一」此一文學書寫的修辭學語詞，移植到對舞蹈技法的敍述中。然而即使在《黑潮》，劉紹爐仍然沒有解決如何將「氣」轉化爲一種表演？如何從形而上的認識論轉化爲形而下的實踐論？
近兩年來，大陸的評彈團體先後多次訪台演出，除了獲得本地觀衆的熱情捧場之外，評彈這門原本陌生的江南說唱藝術，也引起不少人的重視與好奇。作者在此細數評彈藝術的源起與說唱話本的發展歷史，並進而評析此次由雅韵藝術傳播公司邀請來台的蘇州評彈演出。
在整場演出中，樂團各個聲部的銜接、搭配，堪稱在我們國內演出過的現場歌劇中，最完美精緻的一次，値得國內歌劇製作及演出單位參考效法。
《跳房子》作品之中舞蹈與戲劇的編排雖然仍不夠融洽，但在此次的公演節目，已不同於過去多年來搞怪而令多數觀衆怯步的演出型態。
四位亞洲獨舞者同台除了呈現出不同世代編舞者的思想和觀念差異之外，也傳達了各個城市的文化內涵。不過，舞蹈畢竟肢體藝術，是舞台表現不能忽略的要素。
莎士比亞大多數的劇本，敍事之複雜不在《我妹妹》之下，傳統戲曲也多是場景自由跳接的情形，台詞或唱詞不難淸楚交代時空背景。編劇在這方面疏於經營，偏又出現複雜的寫實佈景，實在怪不得導演力不從心。如果把大頭春的回憶比作樹林，樹林的局部放大就是見樹不見林。雖然樹有樹姿，林有林相，可是樹林如果讓人迷路，恐怕難有美感可言。
與上一版本明顯不同的是，舞台從鏡框式的單面觀衆安排，改變成四面觀衆的開放性環形舞台設計，似乎是導演想要強調觀衆應更爲知覺自己是觀衆的立場；或是導演期望觀衆以審視的角度，而非以第四面牆的角度來簡單面對這齣戲所提出的嚴肅而荒謬的問題。
《七品芝麻官》之所以成爲一齣豫劇經典，就在於豫劇名丑牛得草的改編手法，已不僅限於「修剪」，還有其他精神意涵的挹注、多場演出經驗累積的反芻等等。拼貼式的敍事結構對於年輕一代的觀衆而言，恐怕不會被視爲傳統劇場中前衛的親和力展現，反而會是彼此之間難以產生共鳴的巨大鴻溝。
「本土化」並非台灣京劇唯一生路，「本土化」更是個弔詭的名詞，它的內涵實則包括了定義的界定、歷史的想像、意識的區隔，把京劇完全自外於台灣「本土」，也是歷史的誤謬理解。不如把「本土化」心胸放大爲「當代化」，讓本土涵納更多的可能。
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