用管絃樂，說客家情
訪作曲家李元貞談《美濃之道》
以土地的味道，打造品牌的辨識度
專訪NSO執行長郭玟岑
3國巡演7場音樂會 傳遞福爾摩沙之聲
帶著台灣的音樂啟航，邁向亞洲頂尖樂團
專訪NSO音樂總監準・馬寇爾
Sonia Calico 跟自己「玩」，打造那些魔幻時刻
Andy Chiu 讓電音回歸聲音，更單純地感受它的存在
Gemnital 只要愛得夠深，你的音樂通常不會出錯
-
專欄 寫在沒有主義的年代懸置的概念
藝術的倫理和典範體制同時宰制西方藝文創作與評論長達兩千多年之久，一直得等到18世紀末起，於各個領域（人文、美術、社會、心理）突破與新思潮的匯集之下，才出現了藝術的美學體制（aesthetic regime of art，或可譯為「美感體制」）。 也就是在這時，藝術終於取得了自主地位，不用再為倫理服務，也不用負起教化大眾（即維持現有秩序）的重任。藝術自給自足，主要的功能就是提供美感經驗，至於這種經驗能否改變人心或引發社會運動，不在藝術家的創作思維之內。因為它不具任何實用功能，藝術與其他人造物比起來屬異質存在，因此擁有超凡的地位。 從康德到席勒 美學體制的源頭極為多元，為了簡單說明，我們可以從康德談起。康德首先提出藝術的「無用之用」、「無目的之目的」，之後晚輩席勒（Friedrich von Schiller）將他的理念發揚光大，於其經典著作《論人類的審美教育書簡》（1795年），論及美感教育與人格教育之間的緊密關係。 藝術能帶給人們什麼樣的美感經驗？人們面對藝術品時進入了什麼樣的心理狀態？洪席耶特別強調「懸置」（suspension，也意指「暫止」）。 多次上課或演講裡，聽眾大多無法充分理解懸置的概念，不妨藉此機會進一步說明。簡單地說，藝文作品引發的美感經驗讓我們暫時擱置世俗與功能性考量，也同時擱置了「不信」：例如我個人對於時空旅行的想法絕不買單，但這並不妨礙我觀賞和它有關的科幻片。然而，懸置的意義不只如此。 設想我們來一下高空彈跳：直體墜落令人悚懼，到底後反彈上來令人心安，之後時上時下，但上下輪替的剎那間感受的失重錯覺最為奇妙，彷彿打敗了地心引力，懸宕於半空中。或如雲霄飛車，飛車上升是為了向下俯衝，向下俯衝之後是為了往上爬升，此為刺激之所在，皆於預期之內，但是每當飛車倒懸繞圈時，我們正好處在地心引力與衝力相互抵銷的失重狀態，一時以為懸浮於半空中。 另一個例子是鐘擺，只要不故障，鐘擺會不停地左右來回搖晃。假設某天，擺錘懸空地靜止於某處時，我們一定會感到錯愕而不得其解：莫非時間暫止了？抑或是，脫離了現實而進入無時間感的狀態？ 藝術帶來的懸置感即與「失重」與「暫止」類似，彷彿從現實脫離出來，進入另一個境界。
-
國際 曼谷搬演「失而復得」主題3作品 河城藝術中心疫後重振藝術活力
曼谷河城藝術中心（River City Bangkok）位於曼谷老城區昭披耶河畔，以藝術展覽和藝術品拍賣在泰國藝術圈打出名號，「藝術實驗室」（Experimental Art Lab）則是 COVID-19疫情後，河城藝術中心支持泰國藝術發展的一項新計畫。 在COVID-19疫情期間，由於泰國政府祭出防疫規定，許多表演場所因此被迫關閉或暫停營業，藝術家也因此無法進入表演的地方練習演出，或是無法獲得藝術製作所需的設備和資源，所以在疫情逐漸趨緩後，河城藝術中心希望補足疫情前和疫情後藝術發展上的落差，因此在2023年中發起藝術實驗室計畫，支持各種形式的藝術展演。 河城藝術中心的藝術實驗室是一個只能容納100人的小劇場，可以用來舉辦劇場或舞蹈演出、放映電影、舉行座談會或工作坊等，由於空間不大，觀眾可以和台上的表演者近距離接觸，感受現場表演的魅力。 藝術實驗室和泰國多個知名的製作或表演團體合作，例如今年2月和3月以「失而復得」（Lost and Found）為主題推出3齣劇場作品，主題圍繞著現代人的都市生活，呈現現代人的焦慮、困惑、寂寞和遊蕩等不同的心境，進而描繪出現代人在這些心境下各自不同且獨特的成長過程。
-
國際 北京政策推波助瀾 非傳統「演藝新空間」處處迸發
「演藝新空間」是目前中國表演藝術圈最熱門的話題與名詞。2018年3月21日，中國文化部合併了國家旅遊局，正式更名為文化和旅遊部，把文化融入觀光資源成為推展文化政策的利器。在此之前，就表演藝術的層面而言，至少已有40多個景點推出了實景「旅遊演出」項目。2023年的統計，「旅遊演出」在全國超過500億元人民幣的演藝票房中貢獻了37.92%。「演藝新空間」則成了文化政策下、城市中的「旅遊演出」。 2016年，上海引進美國紐約版《不眠之夜》（Sleep No More），沉浸式的觀演體驗讓觀眾趨之若騖，票房至今驚人；同樣是2016年，上海表演藝術新天地藝術節也首次以非劇場空間的演出形式吸引了眾多觀眾。直到疫情前的2019年，中國各地無不磨刀霍霍，推出各種非傳統劇場空間的沉浸式表演，不但觀眾買單，更符合國家開發城市文化旅遊的政策，可謂三贏，眼見形勢即將一發不可收拾；但疫情突來，表演藝術自天堂掉入地獄，不得不讓人懷疑人生。
-
演出 舞蹈雲門「春鬥」重啟 蘇文琪、王宇光以身體再次聚焦
2024年的雲門舞集邁入第51年，同時也是雲門劇場開幕第10年，藝術總監鄭宗龍再次啟動「春鬥」，這個曾讓許多當代舞蹈觀眾每年引頸期盼的編創展演平台，希望延續「當年的清澈跟勇敢」，除了鄭宗龍以首支影像作品《身土》加入「春鬥2024」，今年邀請合作的編舞家為擅長結合新媒體創作的蘇文琪與不斷探索身體與空間的王宇光，將分別與5位雲門舞者碰撞出新作《可以是無題》與《BE THERE》。
-
演出 戲劇 洪唯堯全新沉浸式作品《Sucks in the Middle》 在黑暗中梳理集體焦慮
以《神不在的小鎮》和《微醺大飯店》等沉浸式作品打響名號的編導洪唯堯，這次從「台中」和地方田調與自身身分認同獲得靈感，帶來全新沉浸式創作《Sucks in the Middle》。觀眾可以走進劇場舞台上，在各種舞台機關之間穿梭，近距離觀看表演者以非語言的表演，拼貼出非線性的敘事，體驗洪唯堯所感受的「中度憂鬱」。
-
評論 新銳藝評 Review釐清此時此刻的困境
評里米尼紀錄劇團《這不是個大使館》里米尼紀錄劇團《這不是個大使館》的核心是一個虛構情境：「如何在瑞士洛桑建立一座台灣大使館？」而接踵而來的各種問題，促使對話發生。與虛構情境相反，每個表演者的發言，小至自我介紹，大到國族歷史，每段經歷都是真實的。演出中，有3位主要表演者，立場各異，時而合作、妥協、時而引發衝突。表演者的論述頗具代表性，是在提起政治時，聲音最大的3個族群：吳建國並沒有否定台灣主體性，但想法、作法保守，對中國文化抱有憧憬。郭家佑是中生代代表，積極爭取台灣的主權和獨立性。王思雅因家中從商，對政治議題不願直接表態。吳建國和郭家佑積極表態，拿出「我不同意」板子，反對對方，王思雅也會舉出「不予置評」板子；各方在舞台上精采辯論，展現在台灣社會，人民對言論自由高度容忍。 各個立場的論述也運用豐富的劇場語彙表達。整場演出都使用即時投影，將介紹台灣時擺放的微型布置投射到舞台後方的布幕上，展現台灣日常，讓舞台調度更具動能、增加趣味性，彌補非專業表演者肢體表現的不足。音樂讓表演更具吸引力，吳建國演唱了《國歌》（可能被認為是極端愛國主義者）、《中華民國頌》（畫面配上慈湖公園的蔣中正銅像，像是在看過去的一場幻夢）。現場演奏的台語歌曲《雨夜花》則代表台灣人民的弱勢處境。最有趣的場景，當屬利用打太極的動作以及影像，點明保守派與積極派的你來我往。台灣主體性和獨立性無法公開表明的困境，被化為劇場語言：演出最後，舞台上有3個大燈，分別是「寶」、「島」、「國」，3個字始終無法同時亮燈，便是目前現狀。
-
演出 戲曲 布袋戲師楊輝與長義閣掌中劇團聯手透過悲傷歷史 《鄒之春神》看見狹縫中的愛與希望
其實，鄒族音樂家高一生在入獄時，從沒想過自己的生命會結束在1954年4月17日。 如今他最為人熟知的「著作」，寫給妻子春芳（矢多春子）的《獄中家書》，從秋天寫到冬天再到春天，從詳盡的日文長信到短信再到破碎的生硬中文，殷殷切切惦記著「我們現在分離的痛苦，會讓相聚的日子更甜美吧」，細細交代山田間裡的杉樹水稻甘藷直到最後一封書信「在田間、在山中，我的魂魄時時刻刻陪伴著。水田不要賣」，讓一切盼望都成了徒勞。 看著高一生投注短短一生的知識、教養與信念，最終絕筆卻依然跟隨靈魂回歸山田事隔70年讀起這段文字的我們，很少不被「水田不要賣」5個字重擊。 出生中國、旅居法國的布袋戲師楊輝也是如此。「從小父親遭受文革迫害的經歷，讓我對這類故事特別有共鳴，隨著政權不斷轉換，縱然再有才情，也有承受不完的委屈。」楊輝說：「但高一生家書更打動我的，是他在苦難中依然充滿對土地的愛，讓我們在最黑暗的時刻，仍舊能看見縫隙進來。」也因此，當長義閣掌中劇團邀請楊輝參與啟動4年的計畫《鄒之春神》（本劇名引用「野火樂集」出版《鄒之春神》專輯名稱）時，楊輝並不特別著墨台灣戰後的政治、經濟與社會動盪，而以他身為非台灣人的角度，尋找高一生家族故事的普世性。自家書喚起的深切情感，「通過一段悲傷歷史，看見狹縫中的愛與希望。」楊輝相信，這才是真正觸碰人性的力量。
-
專欄 人間父子平安健康很難，善惡的分野卻又更難
真：我最近有個感覺，有時候，光是日子要過得健康平安就很難了。 我常覺得，只要有事馬上跑去看病，會麻煩到很多人。前陣子比較嚴重一點，到南部拍廣告，拍到一半實在很不舒服，結束以後，在床上躺了一陣子，還是沒有覺得比較好。我太太很機警，拿血氧機給我量，一般正常濃度是95%到100%之間嘛，結果我掉到80幾，發現以後第一時間就是送急診，接著就連住了9天，因為白血球降不下來，想下床走路，還會被護理師勸退，說：「你走路歪歪的，沒有發現嗎？」 謙：對嘛，所以很多時候不想麻煩人的結果，好像都會麻煩到更多人（笑）。 不過我前陣子也是，去日本滑雪，結果摔一個手臂骨頭移位可是，話說回來，每次遇到這種意外狀況特別是旅行當下發生的那刻，我都覺得這是一個將所有事情歸零、重新思考的一個契機。因為生活中本來就會有很多雜念，但在事件發生、痛苦降臨的那一刻，就只剩下一個目標：「想辦法好起來。」 真：我住院第一天也是，打電話給劇團總經理，跟他說這幾天的活動全部都要取消。沒辦法做其他決定了，交代完以後只能相信身邊的人，自己安心休息。 謙：在意外發生的瞬間，我個人也會傾向全然相信周邊的一切。一來，你的身體不容許有其他的選擇，二來，可能也是一種反射動作吧。如果世間上真的有所謂善惡之分，在那一刻我好像也無法分辨，只能讓一切自然地發生。 真：這樣講起來，我覺得生活中多數時候好像都是如此。生存本來就最重要的，善惡都是後話。成長過程中，我們也看過太多經驗，或是作品裡也都談過溺水的時候，不管旁邊是誰，就算是按著別人的頭或肩膀，也想趕快爬起來吸一口氣。 你說的善惡，大概更像是一種事後諸葛吧？人要平平安安以後，才能夠反省我們做過的事情是否正確。但善惡這種東西，真的能具體去定義嗎？比方說，我自己有個壞習慣，很多人都跟我說過：「你不要什麼事情都答應。」但我這人就是這樣，雖然答應一個邀約，我會覺得很麻煩，但若拒絕了，其後引發的罪惡感會讓我覺得更有負擔。這樣的性格
-
演出 戲劇 複象公場《打人的狗》從唬爛的常民記憶中，尋找台灣的身體認同
《打人的狗》看似與高雄地名「打狗」有關，然而狗要怎麼打人呢？這是真的嗎？作品由舞蹈創作者王珩單人演出，卻是在講述角色王衍的故事。如此層層翻轉命題，如幻似真地模糊現實和虛構的邊界，使作品成為一面鏡子，映照出台灣1990年代至2010年代的社會轉變。透過乘載時代記憶的身體，來爬梳青年世代看世界的方式如何受後殖民與全球化的影響。藉由「唬爛」的劇情，映照真實人生的荒謬。 導演李承叡說：「這個作品主要是講述我們怎麼長大的故事。」這群如今30歲左右的創作團隊包含王珩、李承叡還有編劇李承寯。創作過程先從王珩生命歷程開始挖掘，逐漸擴大到他人的故事，於是一個虛構的角色王衍由此誕生。文本又再次翻轉，整場由王衍的朋友來演出獨角戲，講述他記憶中王衍的故事。觀眾像是一直處於「聽故事」的體感，荒謬的劇情，使人不斷冒出「這是真的還是假的」的念頭，戲劇化真實故事後的虛構文本，看到最後，李承叡說：「會不會這些故事也在某些人的人生中是真的，是很值得玩味的事情。」 作品也反思集體意識如何沿襲到下一代，影響觀點的塑造。以「打狗」地名舉例，李承叡分享創作過程中與王珩討論到，「小時候很常聽到大人說高雄有很多狗，日本人來的時候很壞，就是要去把狗打爆。這個故事是顯然是唬爛的，其實背後有很深刻的意識形態，是日本人很壞這件事。當回顧這些歷史的時候會發現很多都是唬爛的。」又例如他們從小到大都被灌輸美國夢，「回去梳理的時候會發現，這個東西並不是我們這一代開始，而是早就已經被刻在我們父母輩心中的經驗。」這些集體意識創造出來的神話成為眾人追逐的目標，但「跳脫神話的時候我是誰」，成為這個作品不斷辯證的命題。
-
國際 倫敦皇家莎士比亞劇團《愛的徒勞》 海島情境下探索莎劇當代意義
上個月是莎翁生日，其出生地史特拉福於4月20日那個週末舉行許多慶祝活動，而皇家莎士比亞劇團（Royal Shakespeare Company）的莎劇《愛的徒勞》（Loves Labours Lost）也同時於該週開演。劇團的新任聯合藝術總監哈薇（ Tamara Harvey） 和艾文斯 （Daniel Evens）在 2023年 6月上任，年初宣布了今年一整年的劇碼，《愛的徒勞》作為新劇季的首檔節目，大家都拭目以待。 《愛的徒勞》是莎士比亞早期的喜劇，也是其數一數二棘手的作品，因為通篇劇作都在玩弄語言，大部分喜劇元素都來自字彙的多重意義，有點類似台灣人喜愛的諧音哏，令人覺得慧黠而會心一笑。但這是四百多年前的作品，許多文字現代人已不再使用，或現代人對這些文字的理解不同於伊莉莎白一世那個世代的民眾，因此要能讓現代觀眾理解這齣戲已不容易，要讓人「會心一笑」更是挑戰。
-
國際 紐約芬蘭指揮家在美出風頭 沙隆年、麥凱萊近期備受矚目
芬蘭指揮家最近在美國樂壇相當出風頭，先是舊金山交響樂團音樂總監沙隆年（Esa-Pekka Salonen）突然宣布他在明年樂季結束合約期滿後離職，接下來芝加哥交響樂團宣布下一任音樂總監由麥凱萊（Klaus Mkel）擔任。 沙隆年是具國際聲望的指揮家和作曲家，他與洛杉磯愛樂在1992到2009季度間的合作，堪稱魚水相幫的最佳典範，但他之後就以要專心作曲為由拒絕再接固定職，所以當舊金山交響在2020季度網羅到他擔任音樂總監時，樂壇都很期待會擦出什麼火花。但他的任期才開始就碰到COVID-19，如今又走人，他的舊金山交響時代可以說還沒開始就已經結束了。 沙隆年很明顯想讓離職一事創造最大聲量，所以把時間選在樂團宣布新樂季的同一天，聲明也完全不留情面，說離職的原因是「和樂團董事會對樂團的未來有不同的目標」，但會繼續與樂團的「世界一流的音樂家」合作，把錯全加諸董事會：包括減少演出場次、新曲委約，以及取消巡演。 沙隆年要的效果確實達到了，之後的批評幾乎都是說董事會背棄禮聘他時的承諾，並質疑為何有3億多元儲備金的樂團花不起這個錢。為扭轉輿論，董事會也發表聲明指出樂團在過去10年共累積1億1,600萬的赤字，不可久為繼。又說疫後的票房收益和科技新貴的募款都不如預期，很明顯是指沙隆年的明星號召力不如外界想像。 美國樂團的音樂總監除了指揮外，還要支持募款的行動，因此在音樂專業外，個人魅力也很重要，這是為什麼舊金山交響對沙隆年寄以重望，而僅管成果不如預期，並沒有改變其他樂團的選擇條件，芝加哥交響選上麥凱萊也是基於此。
-
國際 四界看表演 Stage Viewer溢於言外的悲劇深淵
卡士鐵路奇與伊莎貝．雨蓓首次挑戰哈辛經典《貝芮妮絲》歐洲劇壇2024年開春最令人期待的演出，莫過於《貝芮妮絲》(Brnice)，這是義大利導演卡士鐵路奇(Romeo Castellucci)與法國影后伊莎貝．雨蓓(Isabelle Huppert)的首度合作，也是兩人初次挑戰17世紀古典悲劇。然而在巴黎連演3週的《貝芮妮絲》卻讓觀眾大失所望，甚至引爆喝倒采的現場衝突。為何這部耗費千萬、眾所矚目的「旗艦製作」最後卻落得毀譽參半的評價？
-
演出 戲劇 讓青少年肯定自身的價值《以為是BL結果是BFF》 以音樂劇陪你成長
唱歌集音樂劇場（以下簡稱唱歌集）將推出的青春校園音樂劇《以為是BL結果是BFF》（以下簡稱《BL》）以「BL」為劇名，但也得強調後頭的「結果是」，所以重點不完全在「BL」，而更著重於青少年在成長過程中的迷惘，包含升學壓力以外的性別與自我的認同等。 仍於臺北藝術大學就讀研究所的編劇陳志楷，在確定以青春校園為主題後，與製作團隊聊到自己看過的Netflix校園喜劇《好想做一次》，意識到不同年齡層的觀眾對這個作品喜愛的面向截然不同，自己在意的是與主角類似的經歷，而年紀較長的製作人詹喆雅、演員詹喆君則看到成人在這個故事裡扮演的角色；不過，陳志楷對於這種青少年「被關心」的意念，慢慢成為《BL》的出發點，「我在看《好想做一次》時產生的那個無可取代的力量，讓我也希望《BL》可以有這樣的價值跟能力，去關心一群『可能覺得沒有人在乎他們問題』的一群人青少年。」於是，《BL》就這樣開始發展。
-
話題 話題追蹤 Follow-ups不在場的在場（上）
記擴增實境展演《黑》創作者講座與幕後技術探秘2024 TIFA的台法共製擴增實境節目《黑》在兩廳院實驗劇場連演半個月，挾著2023年於高雄影展映後的感動好評，與中文版敘述者桂綸鎂的加持，共計演出90場，900張票券迅速完售。主創團隊的兩位導演史蒂芬．佛恩奇諾（Stephane Foenkinos）、皮耶-阿蘭．傑羅（Pierre-Alain Giraud）與原著書籍暨原版敘事者塔妮亞．德．蒙泰涅（Tania de Montaigne）也來台分享創作經驗，並邀請台灣深耕數位媒材的狠劇場導演周東彥主持與對談。本文在節錄講座精華之餘，也特別訪問兩廳院技術團隊，補足多元視角，一窺正在發酵的跨域展演新浪潮。
-
話題 話題追蹤 Follow-ups不在場的在場（下）
記擴增實境展演《黑》創作者講座與幕後技術探秘2024 TIFA的台法共製擴增實境節目《黑》在兩廳院實驗劇場連演半個月，挾著2023年於高雄影展映後的感動好評，與中文版敘述者桂綸鎂的加持，共計演出90場，900張票券迅速完售。主創團隊的兩位導演史蒂芬．佛恩奇諾（Stephane Foenkinos）、皮耶-阿蘭．傑羅（Pierre-Alain Giraud）與原著書籍暨原版敘事者塔妮亞．德．蒙泰涅（Tania de Montaigne）也來台分享創作經驗，並邀請台灣深耕數位媒材的狠劇場導演周東彥主持與對談。本文在節錄講座精華之餘，也特別訪問兩廳院技術團隊，補足多元視角，一窺正在發酵的跨域展演新浪潮。
-
人物 聚光燈下 In the Spotlight 歌仔戲演員李佩穎 在妝容裡的小世界 平衡著戲夢人生
身為歌仔戲小生的李佩穎，似乎很謹慎拿捏自己與「演員」的距離。 每每問起她如何接到某齣戲、有沒有其他演出規劃，李佩穎最常出現的答案是「順其自然。」或者沒太多猶疑地搖頭說：「沒有，沒有。」所謂的「沒有」，是自己並未存在爭取角色、或是接觸劇團的強烈企圖。她露出尷尬的笑容說：「這樣會不會讓人覺得我有點隨波逐流？」不過也因此始終沒離開過「歌仔戲」。 她與「歌仔戲演員」的距離，與其說是刻意掌握，更多的是順應天命但是，歌仔戲卻也在冥冥之中牽引著李佩穎的人生。 平衡：不做專職演員，隨時切換生活狀態 可以確定的是，李佩穎是名歌仔戲演員，但不是專職演員而這可能是她有意為之。 除演戲外，她曾經是學生、上班族，然後現在是教師。演員，是她的第二身分。就如她總說地雲淡風輕、自然而然。 其實這與她再度合作的二分之一Q劇場神似。二分之一Q劇場上一次發表新作品已是將近7年前的《流光似夢》（9號作品，2017），而李佩穎第一次與二分之一Q劇場合作，則是更早一點的《亂紅》（7號作品，2012），也首度開啟崑劇與歌仔戲的小劇場對話。她說，當時是因為傅裕惠導演的推薦，再加上主演楊汗如曾是自己的社團學姊，就順理成章地加入。這次飾演《青姬》裡的日本遊俠「吉光」，也是劇團在確定該人物後，立刻鎖定李佩穎多少與李佩穎過往在奇巧劇團飾演的類似人物有關，我想就是《鞍馬天狗》（2016）裡帥氣的宗房。 不過，她只是未專職於演員這個身分，並不代表不夠專業，甚至要說她接戲「有一搭沒一搭」，也是我們對「非專職演員」的錯解。從臺灣春風歌劇團、奇巧劇團到二分之一Q劇場，都有她的演出身影，也維持穩定的演出量，包含2022年臺灣戲曲藝術節旗艦製作《無題島：孽種與魔法師》中的「媽寶王子」賀連淮、奇巧劇團《劍俠秦少游》（2021）的秦少游、《鞍馬天狗》的宗房等。 或許這正是李佩穎在尋找的一種「平衡」。 她說：「我沒辦法所有時間都做同一件事情，可能會很崩潰。所以我一直到現在都是在維持一種狀態做這件事的同時，也做另件事，好像可
顏良夙 對抗是無用的，你得順著布的個性走
邱繼諺、趙百祥 修復，是把老舊的時光放在自己的前方
-
評論 戲曲在「流派」與「非流派」之間
評國光劇團《二進宮》、《貴妃醉酒》台灣京劇舞台隨名師離世、演員淡出舞台，漸漸不再以傳承流派藝術為中心，而是以發展演員個人特色，並詮釋人物情感為要務。至於流派藝術，則成為演員在形成個人特色的修養途徑，不僅拓寬戲路，詮釋人物時也有更多發揮空間。這種不拘於單一流派的演出方式，是回到戲劇本質，同時也是當代台灣京劇的發展取向，藉以標誌台灣與中國傳承京劇的不同之處。 但流派藝術對演員而言，本非拘束，而是在流派宗師的演出特色經過程式化後，後世學習者學其方法，再按照個人條件進行發揮的演出，並非外在模擬。流派藝術的專門特色，實則也是區分出演員與演員之間的不同，突現演員個人特色。 在「流派」與「非流派」間的詮釋方式，國光劇團向來在劇目安排上極費心思，在本次「永恆時尚．春分」演出的兩週六場的演出中，第一週第三天的《二進宮》與《貴妃醉酒》都是骨子老戲，不同流派都有各自的詮釋，而國光劇團的演出安排，就是透過兩齣劇目，分別由程（硯秋）派藝術與演員個人特色的兩種不同詮釋方式進行呈現。
-
專欄 腦海裡的旋律打鼓吧，男孩！
我認真地想過，為什麼打鼓的人特別帥氣。 少女時期，我迷戀披頭四的鼓手林哥．史達（Ringo Starr），也好愛伍佰和他的樂團鼓手Dino Zavolta。舞台上，鼓手面前有數個圓形的鼓和鈸，散發冷冽的金屬光澤，宛如星際駕駛艙裡的精密儀表板；演奏者全心投入，氣勢非凡，那意氣風發的樣子，實在太帥氣。 外甥6歲時開始學打鼓。有時，我會陪他去上課，有時，我會陪他在家練習。必須承認，這不是太愉快的差事：練習過程中，聲響極大，當外甥進入對的手眼協調時，有節奏可言，就勉強可聽；不過，當他敲擊到鬼打牆，我的靈魂幾乎出竅，耳邊聲響隆隆。看著外甥像八爪章魚，手腳往四面八方交織穿梭，我常分不清楚他在打鼓還是在跳舞。 現代父母經常鼓勵孩子學習樂器，鋼琴、提琴家族、木管或銅管樂器是較熱門的選擇。大腦科學研究團隊發現，學習樂器的過程中，因為雙手必須進行複雜而精細運動，外加讀譜練習和手眼協調訓練，長久下來，大腦會產生重組現象，這是人類有效因應環境變化，以成功解決困難任務的最佳展現：我們的大腦有極高的可塑性：以絃樂器（如小提琴、大提琴或吉他）演奏者為例，他們高度使用左手手指按壓琴弦，大腦皮質與手指對應的區域明顯大過沒有彈奏樂器的人。彈鋼琴也會影響大腦結構：鋼琴演奏者平均使用雙手，不若一般人有慣用手；即便鋼琴家發展出慣用手，當研究人員掃描他們的大腦時，卻發現大腦幾乎沒有登錄慣用的是哪一隻手，鋼琴演奏者大腦運動區域的成像也相當對稱。 比起鋼琴或絃樂器，打鼓似乎不是父母心目中的樂器學習首選，也許是練習時可能產生的噪音，也可能是一套鼓的體積太大，而現代家庭空間有限。但打鼓對大腦的影響力是十分驚人的。每次我觀察外甥打鼓，他總是展現驚人的手眼協調能力，我常想像打鼓過程中人腦裡的火石電光。打鼓是充滿律動和活力的藝術形式，對大腦也有關鍵性影響：鼓手擁有的節奏感，不管是內建還是後天訓練而成，都被科學家證實能調節大腦的各個區域，對生理和心理也能產生益處，在認知和情緒面也有深遠的影響。 英國研究團隊發現，打鼓可以幫助改善學齡兒童和青少年的運動技能和社交能力，對那些情緒不穩定或有過動行為的孩子特別有幫助。科學家將36名患有自閉症的青少年分成兩組，一組參加為期兩個月的打鼓課程，另一組則是對照組，完全沒有接受訓練。結果顯示，參加打鼓課程的
-
話題 話題追蹤 Follow-ups改變表演藝術體質 推動產業的建立
2024「表演藝術金創獎」初審結果揭曉表演藝術金創獎（後簡稱「金創獎」）是廣藝基金會在2019年推出的獎項，但與其說是獎項，金創獎在整體設計上更強調結合「獎勵創作」、「藝企創投」與「表演通路」的創投模式，分成計畫書與簡報評選、試演決選、創投推廣3個階段，嘗試在廣藝基金會執行約莫8年的「委託創作」計畫（2011-2018）基礎上，讓表演藝術作品可以更面向市場機制。 不過，金創獎在設立後，旋即面對COVID-19疫情的影響，走得跌跌撞撞，但還是陸續推出盜火劇團《幽靈晚餐》、台南人劇團《Reality No-Show》等作。同時，也在今（2024）年加入了文化內容策進院（後簡稱文策院）攜手合作，除加碼整體獎金，金獎獎金加倍為20萬元，並提供得獎作品有機會獲得最高600萬元的試演、首演兩階段創投資金，更重要的是規章所蘊含的思維轉變，包含要求入圍團隊進行商業登記等（註），都更往金創獎創立時主打的「創投」概念邁進。 本屆金創獎於4月25日正式公告初審結果，共有63組申請者投件報名，評選15組進入複審面談，分別是《日晷》音樂劇演出計畫、MANAGONA 草本藥師樂團《起源 IN C - 解構經典，重塑未來》、台南人劇團《媽的地獄之旅》、台灣揚琴樂團《尋》、石宸亦《家家酒 Make-Believe》、同黨劇團《國語課》、身體處方《島》、阮劇團台港共製《Beyond-這裡那裡》～哪會怕有一天只你共我、明日和合製作所《鹽三把,靜置數日》、盜火劇團「瘋狂首部曲」《熊出沒的森林》、僻室HousePeace音樂劇《不完全變態》演出計畫、樂劇創製股份有限公司《奶奶們的比基尼》孵育製作計畫、賦格兒童音樂文化事業股份有限公司《森林嬉遊曲》、嚎哮排演《別叫我大師》、耀玥數位股份有限公司《無序樂章x比鄰星域線下音樂劇二維夢境共演》等，並有兩名備取。 於是，金創獎有怎樣的過去積累，並呼應怎樣的時代氛圍？此時的轉變，又代表了怎樣的趨勢？
-
演出 舞蹈有沒有一個聲音，能讓我們認出彼此？
周書毅《我所起舞的地方》「唱一首小時候聽過的兒歌，用你習慣的語言。」這是編舞家周書毅在新作《我所起舞的地方》給9位表演者的第一個練習。 表演者們分別來自新加坡與台灣，國籍明確，Asian Chinese（亞洲華人）。但要是將他們的血液交付基因測試，結果又好比八國聯軍；即便是唱一首〈小星星〉，彼此的慣用語版本也是大相徑庭；更不用提多元混融的成長背景，以及文化身體。他們不是精挑細選的標準舞者，卻是不厭其煩挖掘自身起源的創作表演者。