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國際 首爾與民歡慶「國樂日」撞上紀念先烈「顯忠日」 國樂界籲重訂日期
韓國文化體育觀光部（後簡稱文體部）於 6 月 5 日在國立國樂院藝樂堂舉行第2屆「國樂日」紀念儀式，當天也同步啟動為期10天的「國樂週」，全國各地推出逾50場演出、教育與體驗活動。 「國樂日」是依據 2024 年 7 月施行的《國樂振興法》內容而制定的法定紀念日，今年是第2次舉辦紀念儀式。日期選在 6 月 5 日，是因為「與民樂」一詞最早記載於《世宗實錄》的世宗29年6月5日，取其「與百姓共享音樂」之意。文體部長官崔輝永在紀念儀式致詞時表示，國樂如今已成為韓國音樂與文化的根基，並持續與世界各地觀眾產生共鳴，成為新創作的源泉，承諾未來將持續支援，讓國樂更貼近國民日常生活。 國樂週期間，光化門廣場上演約800人參與的大規模街頭遊行與拔河表演；首爾敦化門國樂堂舉辦「敦化門國樂週」，探討聲音的起源與美學；南山八角亭則安排歡迎外國遊客共襄盛舉的傳統演戲與舞蹈表演。民俗戲劇和音樂表演連同街頭遊行於 5 日中午，從德壽宮大漢門出發，一路前進至光化門廣場，由國防部軍樂隊傳統樂隊領頭，協同江陵、晉州三千浦、平澤等地代表農樂與假面舞保存會，以及20餘所大學與初高中風物農樂隊參與。此外，「大韓民國傳統演戲節」在首爾林戶外舞台開幕，國樂院禮樂堂上演結合宗廟祭禮樂與社稷祭禮樂的代表節目《王的祭壇，百姓的土地》。首都圈以外，包含仁川、世宗、光州、釜山等地也同步舉辦約50場相關活動。
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國際 舊金山、洛杉磯美西兩大樂團宣布新人事 陳以琳與哈丁接掌音樂總監
美西兩大交響樂團舊金山交響樂團（San Francisco Symphony）和洛杉磯愛樂樂團（Los Angeles Philharmonic）不約而同在5月下旬公布新的音樂總監，兩個名字都出人意表，雖然原因不盡相同。 舊金山交響樂團選中的是陳以琳（Elim Chan），她在香港出生長大，之後留學美國，開始正式學習指揮，曾經擔任母校密西根大學的樂團音樂總監。她是第一位獲得Donatella Flick指揮獎的女指揮，曾在倫敦交響樂團擔任葛吉夫的助理指揮，參加過洛杉磯愛樂的杜達美指揮課程、及海汀克的大師班，學歷很是亮眼。她是近年受矚目的指揮之一，已經登台波士頓、紐約、費城、洛杉磯、多倫多、荷蘭大會堂、巴黎，接下來還會指揮柏林愛樂、萊比錫布商大廈、NHK、維也納愛樂等。至於舊金山樂團，她在2023年1月、10月、2025年3月以客席身分亮相，今年6月則是以待任總監身分出場。 但做客是一回事，當大家長又是一回事，就長期全面執掌一個樂團發展的音樂總監來說，她的經歷就比較缺乏，只有瑞典NorrlandsOperan一季和安特衛普樂團五季的主指揮。但舊金山是完全不同的規模，她明年接任時剛好40歲，相比杜達美28歲接洛杉磯愛樂、麥凱萊31歲接芝加哥交響樂團，嚴格說來，陳以琳不算年輕新秀；只是她是東方女性，在樂壇極為罕見，看起來比她實際年齡小得多。舊金山人口有五分之一是華人，其中更有不少講廣東話的老僑，陳以琳想來會廣泛出現在華人社區的活動中。
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專欄 關於編劇的二三事最後的江湖說書人
號稱「南部人的劉德華」，吳樂天在地下電台當主持人，一邊賣肝藥和壯陽藥，一邊講古，鼎盛時期身家高達五億元，全台聽眾更高達上百萬人。他可以翻轉我們熟知的「武松打虎」典故，張口胡謅武松酒醉，伸手打蚊子，剛好一掌打得想偷襲的老虎爆血管中風，最後被新聞局發公文勒令節目停播
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演出 戲劇 台灣本地製作 首度完整授權演出概念音樂劇《Company》 寫給孤獨靈魂的最暖情書
在無拘無束的單身生活與相知相守的伴侶關係之間，你會如何抉擇？2026年盛夏，臺中國家歌劇院與活性界面製作將攜手帶來美國音樂劇泰斗史蒂芬．桑坦（Stephen Sondheim）與知名編劇喬治．弗斯（George Furth）共同創作的經典名作《Company》。這部誕生於1970年代的巨作，在百老匯首演後便一舉奪得東尼獎最佳音樂劇與最佳詞曲等6項大獎，更被後世譽為「現代音樂劇」的分水嶺。 破除傳統敘事，開創概念音樂劇的先河 這部作品之所以被視為音樂劇史上的劃時代之作，原因在於它成功創造出所謂的「概念音樂劇」（Concept Musical），徹底改變了百老匯的說故事方式。這種嶄新的演出類型具備了幾個核心特色：首先是打破傳統線性敘事，大膽捨棄了過往音樂劇必須依賴線性、完整故事情節發展的傳統框架，觀眾看到的不再是男女主角從相識到結婚的標準套路；其次是採用碎片化的情境結構，不依照單一的時間軸，而是以刻意的片段式或非線性敘事的場景來串接全劇；最後則是聚焦特定的核心命題，相較於講述具體的劇情，它更著重於多面向地深入探討某個特定主題。 在《Company》中，史蒂芬．桑坦與喬治．弗斯正是以現代社會的婚姻與感情作為核心命題。全劇圍繞著即將度過35歲生日的黃金單身漢勞勃展開，在看似歡樂的慶生派對背後，他內心卻藏著揮之不去的空寂。跟隨著勞勃的腳步，我們看見他身邊5對已婚摯友以及3位約會對象的生活百態。有的人在婚姻中緊密相依，有的人卻因日常摩擦而心力交瘁，有人害怕寂寞而選擇步入禮堂，也有人畏懼承諾而遲遲不敢給出真心。劇中精準捕捉了現代人渴望建立連結卻又懼怕失去自我的矛盾心理。《每日新聞》曾給予極高評價，認為它如同曼哈頓中城的鋼筋玻璃大廈般平滑流暢，又像巷弄裡的流浪貓一樣焦躁不安，這是百老匯第一部直指敏感神經的音樂劇作品。 直擊靈魂的叩問，在婚姻與單身間的抉擇 桑坦以其標誌性的洗鍊文字與多變和聲，將現代人的情感拉扯描寫得淋漓盡致。劇中充滿了讓人發笑卻又無比真實的對白，完美點出了單身旁觀者與婚姻局內人的價值觀碰撞。例如勞勃曾引述名言「未經審視的人生不值得活」，而他的已婚好友彼得則妙語反擊：「未曾活過的人生不值得審視」。 面
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話題 話題追蹤 Follow-ups 第24屆台新藝術獎系列報導2評審眼中的台灣藝術基因 以身體實踐建構未來視域
國際決選評審講座「從哪裡來？往哪裡去？——藝術機構的文化座標與發展想像」側記在第24屆台新藝術獎頒獎典禮圓滿落幕、年度得主揭曉後的激動時刻，台新銀行文化藝術基金會特別舉辦了國際決審講座「從哪裡來？往哪裡去？藝術機構的文化座標與發展想像」。3位來自不同文化背景的國際評審瑞典馬默爾現代美術館館長伊莉莎白．米爾奎斯特（Elisabeth Millqvist）、日本靜岡縣立舞台藝術中心（SPAC）戲劇顧問橫山義志（Yoshiji Yokoyama），以及中國深圳京東美術館執行館長岳鴻飛（Robin Peckham），齊聚一堂分享他們對台灣表演藝術的深刻觀察。這場講座不只是對得獎作品的點評，更是一次關於表演藝術如何跨越邊界、重塑身體論述與社會連結的深度對話。
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話題 話題追蹤 Follow-ups 第24屆台新藝術獎系列報導1從個人延展的脈絡化 反映當下時代的創作思維
訪決選評審團主席陳正熙談評審過程第24屆台新藝術獎歷經3天的密集討論，從16組入圍作品中選出三大獎項得主，分別是視覺藝術獎得主豪華朗機工《宇宙寫生豪華朗機工個展》、表演藝術獎得主身體氣象館《Oh! Baby 2025》與年度大獎得主TAI身體劇場《qaqay踩踏在水面上的聲音》。 今（2026）年台新藝術獎決選評審團由資深劇評人陳正熙擔任主席，決選評審包括藝評人陳泰松、策展人及劇場構作周伶芝、台南應用科技大學美術系副教授鄭勝華，以及來自瑞典的馬默爾現代美術館館長伊莉莎白．米爾奎斯特（Elisabeth Millqvist）、日本SPAC靜岡舞台藝術中心戲劇顧問橫山義志（Yoshiji Yokoyama）與即將上任中國深圳京東美術館執行館長的美籍策展人岳鴻飛（Robin Peckham）。主席陳正熙提到國際評審的加入帶來的影響與思考，更重要的應該是這些評審如何去理解每個作品的文化脈絡，「就像我們在討論國外作品時，絕對也會去嘗試掌握他們的脈絡；同樣道理，我們在評審會議過程中，也會在討論中『脈絡化』每個創作的肌理。」
洪信惠：在孤獨的慢性末日裡，走向純律的共鳴
林桂如：從乍看的失控，聽見物件的靈魂
陳悅宜：開發兒童戲曲DNA，打造永續循環的產業生態系
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演出 戲劇 在10個時區與3段歷史之間《亞洲重新測量計畫》 重新丈量「亞洲」
「當亞洲從東至西橫跨10個時區，我們是否有可能找到一個既全面又具有彈性的『亞洲性』？」這是韓國國立亞洲文化殿堂（Asia Culture Center，下簡稱 ACC）發起「亞洲重新測量計畫」（Remapping Asia）時提出的問句。首屆計畫邀來韓國劇作家暨導演吳世爀（Oh Sehyeok）、泰國劇場導演懷恩．扎昆．查邁（Wyne Chakorn Chamai），與台灣導演温思妮3組團隊，以在三地駐村、移地創作的方式各自發展。3部作品於2025年底先在光州首演，2026年來到台北於國家兩廳院「新點子實驗場」進行展演。依演出時間順序，分別是韓國組的《反薩滿的薩滿俱樂部》、泰國組的《然後跳、跳、跳！》，以及台灣組的《勿忘我這位臺泰版》。
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人物 聚光燈下 In the Spotlight 歌仔戲演員、導演柯進龍 「卡」在中間位置的觀察與自覺
身為歌仔戲演員的柯進龍，近期多了個身分「青世代」導演。 所謂的「青世代」，其實是位於高雄、隸屬於國立傳統藝術中心的臺灣歌仔戲中心推出的創作計畫，訴求是鼓勵青年藝術家（包含導演、編劇、演員等）投入歌仔戲創作，而前兩屆規定「青世代藝術家」的年齡設定為40歲以下。因此，1987年出生的柯進龍，長年受一心戲劇團培育，正藉著這個機會，透過去（2025）年的《雙身》與今（2026）年即將首演的《九命》，挑戰自己在歌仔戲創作中的不同位置。 對於柯進龍的挑戰，或許不只是成為一名導演，而是陸續與一群比他更年輕、新鮮的戲曲工作者合作，像是去年的編劇黃廣宇，《雙身》是他首次書寫的歌仔戲劇本，而一心戲劇團推出的青世代演員，也有不少剛從學校畢業不久，尚缺舞台經驗。於是，走進排練場的他，可能無法完全將自己放在「青世代」的位置，而是得反芻過去經驗，重新檢視與覺察自己所處的世代與角色，再次定義既是演員、亦是導演的「柯進龍」。
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話題 話題追蹤 Follow-ups當舞作落幕，書寫如何延長舞作生命？
Springback Academy / Springback Magazine 建立跨文化的書寫語境在舞蹈產業的生態系中，我們習慣討論編舞家與製作人的創意、舞者的表現，以至策展人的視野，卻經常忽略一個能讓作品活得比演出更久的媒介。如果創作是發聲，演出是回響，那舞蹈書寫就是那個將餘溫捕捉、轉譯，並在檔案庫中留下記錄的最後一片拼圖。少了書寫，這個生態系終究是缺了一角。
從舞蹈到策展，構作一場帶領眾人集體抵達的行動
專訪德國舞蹈三年展聯合藝術總監張欣怡、Monica Gillette
「構作」不是製作萬靈丹，但我們需要好的提問者
兩廳院節目企劃部經理賴依莉，談構作的在地化、焦慮與可能性
我們需要舞蹈構作嗎？
舞蹈構作思潮在台灣的實踐與陣痛
莊博翔Ｘ林人中：與其被觀眾淘汰，不如提早經歷構作帶來的陣痛
卡特琳娜Ｘ科斯塔斯：在無窮盡的提問中，一起指認終點的模樣
謝杰樺Ｘ樊香君：作品該扛起來的東西，會有更多眼睛一起扛著
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評論 戲劇劇場機器
評《紅色．流亡．地景》我是在看戲的時候才知道，加入共產黨是簡國賢在逃亡途中做的決定。一個人人可殺，又不會有誰哀悼他的懸命之人，其實已經喪失了作為人的條件。⼀個被眾人遺棄的人，為什麼不自我放棄呢？只要放棄理想，放棄信念，放棄困惑和追問，他就可以重返人類社會，和妻女團聚，得到暫時的休息。可是他做了逆向的決定，繼續逃亡，不但和農民一同勞動讀書，還令自己處境更危險地加入了共產黨。人是危險的，人人都可能對殺人無感；但正是在這個對殺人無感的社會裡，一個堅持當人的人是更危險的。 令我訝異的就是這個：即使在最危險的境地，簡國賢從未放棄去學習，去懷抱希望，去愛。他身上有一種明亮的色調。弔詭的是，雖然是這齣戲帶我找到這抹明亮，順著光源卻讓我像走出洞穴的人一般感到懷疑，我們會不會在陰鬱中沉浸了太久，以至於不夠勇敢地走進那個有光的所在？我們是否能相信簡國賢相信過的？這會不會是一場註定失落的追尋？
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演出 音樂NSO《女武神》 解構神話，凝視當代
理查．華格納（Richard Wagner）的歌劇鉅作始終是音樂殿堂裡巍峨的高峰，回顧國家交響樂團（NSO）近年來的演出，從指揮簡文彬 2002 年選定《女武神》（Die Walkre）第三幕作為樂團「歌劇系列」的跨越性嘗試，為 2006 年的全本《指環》歌劇演出奠定了關鍵基礎，到呂紹嘉在2013年至2017年間領軍演出的《女武神》，這部經典已在此舞台激盪出多種面貌的詮釋。2026年盛夏，《女武神》的樂聲將再次響起，由現任音樂總監準．馬寇爾（Jun Mrkl ）領軍，帶來備受矚目的半舞台（Semi-staged）形式音樂會。此次製作在劇場導演涂也斐的操刀下，以截然不同的視角剝開北歐神話的厚重外衣，引領觀者走入一場關於權力、愛與自我覺醒的深刻叩問。
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國際 岳陽取材范仲淹〈岳陽樓記〉 沉浸式劇場《今上岳陽樓》探看宋代文人風骨
文化旅遊產業近年在中國興起，各地爭相創作，打造以本土風情人物為核心的大型實景演出，但隨著演出量的熱潮湧現，內容品質卻是斷崖式下降。無人機低空漫遊，豔俗的燈光秀，流於套路的非物質文化遺產「打鐵花」，土味歌曲串連，再加滿台堆砌的金碧輝煌，本該莊嚴肅穆的泰山封禪大典，都可能淪為差評滿天飛的高價後悔藥。 不過，令人刮目相看的是，當湖南洞庭湖畔岳陽樓的飛簷在夜色中被光影點亮，當守樓人的聲音穿越千年時空時，岳陽樓景區推出的沉浸式走讀詩境戲劇《今上岳陽樓》用一場別出心裁的表演，讓這座千年名樓從靜態的文化地標變成了動態的情緒劇場。自去年5月首演至今，超過10萬觀眾、500餘場演出、景區夜間消費提升20%的數據，印證了它作為文旅+戲劇融合標杆的成功，也為傳統文化的當代轉化提供了經驗和啟示，筆者亦於近期親臨觀賞。
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專欄 書信體關於語言
YC， 讓我們把記憶拉回到2017年。那一年，我們和大墨（編按：王墨林）導演，以及韓國Shiim劇團的洪承伊、白大鉉合作了《脫北者》。所謂「脫北者」，指的是透過非正常管道離開朝鮮、跨越北緯38度邊界，來到韓國生活的公民。由於題材涉及南北韓、台共和馬共的冷戰記憶史，演出中交織了多種語言，韓語、華語、粵語、馬來語，聲音的歷史化在舞台上彼此呼應，微妙地映照出相異卻相似的處境。 這部作品先在台北排練和整排，之後再移師到釜山和首爾演出。猶記得在兩地整排時，發生了頗有意思的現象。在台北，你和我常被質疑聲音處理不如兩位韓國演員般跌宕起伏；然後到了釜山，情況卻完全相反，我們的聲音表現反而屢屢受到讚賞。這究竟是怎麼回事？當然不能簡化成不同語言的陌生距離感，就能造成聆聽上的新鮮與感受的豐富，那樣太輕率，也忽視了演員在此用心琢磨的地方。值得玩味之處，是什麼塑造了人們的聆聽，進而轉動了詮釋？究竟有什麼內在於我們身體的某些因素建立了基準？還是外在現實環境的變動影響了感知的接收？ 中文，或稱之為華語，作為台灣人和馬華社群溝通使用的語言，字句意義的理解勢必跑在前頭，我們會在意詞彙的運用是否跟日常習慣相近，比如台灣說「你先走」，馬華會說「你走先」。記得留台多年後，某次在家鄉和同窗友人聚餐，幾個朋友說：「你現在講話很台灣呢。」我好奇追問，他們回應：「因為你的話語多了『請』、『麻煩』、『不好意思』。」再者，我們會留意口音，「你說話很字正腔圓」、「你講話帶有廣東腔」。於是字詞和腔調隱然成了某種座標，讓彼此可以將對方安放在辨識的某處，確認兩者距離和關係，好在此基礎上展開對話。 在《脫北者》演出中，我以報導者的身分述及台馬歷史。整排後，台灣友人們的回饋讓我陷入思索：「聽你用華語講述台共歷史很奇怪，你的口音很明顯跟尹真不同，你要不要用你的母語說呢？」「當你說粵語和馬來語，我聽不懂，但就覺得『對了』，情感出來了，你的粵語很好聽。」一位大馬朋友則直言：「聽你講粵語和馬來語覺得蠻卡的。」天啊！怎麼辦？到底我該怎麼「演繹語言」才比較恰當，甚而「正確」？溯及成長背景，潮州話是我的母語，但隨著教育養成與工作環境的需求，華語早已成為我思考和交流的主要語言，粵語和馬來語則是在生活過程中因應
2025年觀眾最愛看什麼？
票房突破20億後，市場有成長卻也更分化
「青年進場」只是開始 高雄觀眾比你想的早「出手」！
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專欄 抵達終點左轉沒有熊的森林
我很常問自己，該如何讓事情變得「有趣」？ 以前演戲，像去考試。密集的排練宛如臨時抱佛腳地埋幹、填充，使出十八般武藝渾身解術備戰，可是上了場終究還是需要運氣。每一場演出結束，就為自己打分數，那數字往往摻雜著混亂的體感、不可預期的觀眾反應，以及導演的小本本上潦草的筆記。低分會憤恨想下一場雪恥，高分就滿腦子渴望複製精采。 然而我從小就是一個只要考試就會失常的學生。往往因為太過緊張而導致記憶、判斷力短暫故障。這次要做單人表演，我很早就叮嚀（威脅）自己如果再把演戲當考試，真的會痛苦到以後都不想演戲了喔。所以一進劇場，我就開始調息與其驗收評價成果，不如持續尋找有趣的小火光給自己打一點eye lights。 《熊出沒的森林》是在講述一個女作家透過創作小說，企圖重新理解她失蹤的先生一名熊類研究員，並找到他「不存在」的證據。要定義一種物種滅絕，其實是非常困難的，究竟該如何證明一個「不存在」呢？這個作品經歷了兩年多的共創，我與盜火劇團的劉天涯與何應權，在故事的結局糾結了非常之久，最後我們選擇回到後設的手段來終結整部戲。因為後設是這部戲的骨幹，從觀眾進場開始，我所飾演的女作家就透過互動遊戲一步步帶著觀眾體驗她口中的創作方法：「後設情緒寫作法」先提出情境，透過選擇情緒，再回推建構角色心理脈絡（這其實是從鄧惠文公視的節目學會的遊戲變形）。 因為互動性貫串整部戲，首演結束我深刻意識到這齣戲最困難同時也是最有趣的就是從一站上舞台就必須在極短的時間內不斷判斷，然後做選擇。譬如觀眾進場分享的情境便利貼，我得快速選出最少10個情境去互動問答並猜測觀眾的情緒。第1個情境最好要確認觀眾在場而非臨時上廁所，或因為個人因素突然不想承認是自己寫下的情境，否則沒人回應很容易一開場就dead air。其他的情境最好能有趣，也就是在亂哄哄的進場時刻足夠讓大家放下手機一起聆聽、猜測、思考。譬如有一場我選的情境是：拔完智齒沒想到那位觀眾嘴裡還咬著止血棉花努力回應我的問題。效果特好。有時我會選擇跟故事或現實相關的情境，譬如尾場當日是母親節，我選了「今天是母親，我想起過世的母親。」觀眾的情緒
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評論 戲劇在模糊之中，反覆「擺手、踢水、呼吸」
評閱時《灰色的湖》舞台一隅，左方邊緣放置平穩方整的小餐桌，一頓平凡不過的晚餐（也許，時間不明），面向觀眾的母親與成對角側坐向左的少年，在燈光下沉默地進食。突然少年從僵硬的姿態中，像被喚醒了生氣，暫時脫離了餐桌時空。 他從左邊餐桌走到舞台中央被布置成客廳的桌前站進地上打著橢圓形的燈光區。他伸起雙手，水平伸直的雙手一左一右間歇滑動臂膀，像個初學者在陸地上練習如何游泳一樣。速度與情緒再次轉換之間，原本面向舞台右邊游泳的他，突然向右轉向觀眾，單手舉起呈抗議形象！（停頓）舞台背面出現相關抗議影像，色調皆以冷調低彩呈現。一瞬燈光熄滅，舞台歸於黑暗，再次回到母子家庭時空。廣播傳來因應極端氣候（南方島國開始下雪），通知人民到體育館避難的訊息 以上是關於《灰色的湖》開場段落描述，少年舉手抗議搭配背景動態影像的手勢，是整場演出最印象深刻的畫面。故事的命題也在此關於「抗爭」。 然而，演出最後卻以「手勢」之前，少年以鬼魂之姿回到家宅教母親如何游泳做結（此段安排在原劇本（註1）是沒有的，略顯溫情主義，情感從抗議收束至親情倫理）少年重複地說著「擺手、踢水、呼吸」彷彿母子兩人真能隨著泳姿，漂浮起來，離開被凍結的灰色的湖，離開眼底下的島，朝向海 然後呢？
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評論 回想與回響 Echo把我的聲音記在心上？
《某中年男子的心裡遊戲》中的中年失能、虛擬回聲與真實在場「如果有一天我找不到你了，怎麼辦？」 「那你就把我的聲音記在心裡呀。」 這一段台詞在劇場裡響起時，我先是愣了一下，接著感到一種近乎荒涼的刺痛。它聽起來像安慰，卻沒有真正的擁抱；像承諾，卻沒有任何可以抵達的身體。聲音留下了，但人並不在那裡。對我而言，這正是《某中年男子的心裡遊戲》最殘忍，也最精準的地方。 由樊光耀集編、導、演於一身的舞台劇《某中年男子的心裡遊戲》（原名《亡心衝擊波》），曾獲2025年臺北文學獎舞台劇本獎首獎。表面上，這是一個48歲男配音員的心理懸疑故事。他面臨性失能、心臟疾病與中年危機，在心理諮商過程中，逐漸迷戀上女諮商師的聲音。那聲音喚醒了他對昔日「0204色情電話女郎」的記憶，也牽引出一連串情慾、幻覺、死亡與失控。 然而，這齣戲真正觸動我的，並不只是情慾與懸疑的表層。它更像是一面過度清晰的鏡子，照見了當代創作者在流量時代裡的困境：我們不斷追逐某種「看似存在」的回應，卻常常無法確認那回應是否真的有重量。男主角迷戀的不是一個完整的人，而是一種沒有身體的聲音。這讓我想到今日的創作者，面對按讚、留言、分享與轉發時，也常常以為自己被理解、被支持、被需要。可是當作品真正上演、票房真正展開、劇場真正需要觀眾走進來的時候，那些雲端上的熱烈聲響，往往又安靜得令人心寒。 所以，「把我的聲音記在心上」在我聽來，不只是一句愛情或情慾中的殘酷台詞。它也像虛擬受眾對創作者說的一句話：我好像支持你，但我未必會真正到場。
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專欄 路邊的日本人在搖滾的路上，我們曾是兩個大頑童
與張雨生（Tom）並肩奔跑的熱血日子記得〈河〉這首歌，製作人彭桑（彭素秋）和我們一起聽著成品。她對曲子前半段柔和的部分讚不絕口，但到了後半段，曲風驟變成我們最愛的搖滾時，她的臉色就沉了下來。 「後半段是不是沒必要啊？」她問。 Tom 非常堅定而誠懇地向她說明：「不，如果沒有這一段，這首歌就不完整了。」 幸好老闆終究給予全然的尊重與信任，讓這個樂段成爲歌迷至今深愛的部分。是 Tom 那種「Rocker 的堅持」守護了我們的音樂。
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國際 香港劇場禮儀漸被忽視 台下觀眾發生衝突引發關注
台上在演戲，台下也上演由觀眾主演的活生生的戲劇情節！ 香港最近有個舞台劇演出《關於那隻龜回魂的故事》，在香港演藝學院歌劇院進行，這是一個能容納過千觀眾的場地。但在演出進行時，在觀眾席高處的兩名男女觀眾因聲浪問題發生爭執，即使演員不受影響，但已經打擾到演出氣氛，據說男觀眾到最後謝幕鼓掌時按捺不住，擊打對方致受傷，最後需報警送醫。有些表演藝術界人士提及，近年香港劇場因為多了由電影或網紅跨界擔綱的演出，不少劇場新觀眾對劇場禮儀陌生，不知是否因此讓觀眾素質普遍下降。 以往觀眾將到劇場看戲或聽音樂會是種儀式，不論是服裝或心態都會有所準備，劇場禮儀大家都會奉為圭臬，讓台上表演者不受騷擾也讓台下觀眾盡情享受演出。隨著劇場的普及化，劇場禮儀當然也是觀眾認知的共識；但現在進劇院的儀式感的確也沒有太濃烈，即使在劇場傳統較強的歐洲等地，觀眾也不一定就對劇場禮儀高度重視，加上手機文化蠶食了大家的專注力，的確大大衝擊了劇場禮儀的底線。筆者就曾在歐洲一個大型藝術節的日本能劇演出中，坐在兩位全程都不斷看手機和談笑的年輕女生旁，與台上專注的能量形成強烈對比，明顯地這些能量並未能比手機更吸引到她們的關注。 在香港最能自在欣賞表演藝術的場域，可能真的是傳統戲棚，而戲曲和粵劇演出在上世紀中期開始時也是和電影放映院共用一個表演空間，觀演禮儀比較不拘泥，當這些作品在現代的劇場演出時對禮儀要求的差異，有時會影響很多傳統戲曲觀眾的經驗。 近年香港好些音樂會在正式開始前，會有節目總監親自上台介紹節目並同時請觀眾關掉電話，但仍有不少觀眾的電話不受控地發出聲音，這對追求寧靜演出環境的音樂會演出來說，是很惱人的事。當主辦方用上這一方式仍未能改變即使是一晚的演出氛圍，當代劇場觀眾如何珍視自己在台下與台上表演者這種當下交流的獨特經驗，專重表演者和同場的觀眾，重拾劇場的神聖儀式感，可能比只用禮儀來教育觀眾更重要。
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話題 話題追蹤 Follow-ups改編經典文學搬上舞台 借古喻今反映當下政治困境
記2026柏林戲劇盛會2026柏林戲劇盛會（Theatertreffen）於5月中旬落幕，今年入選的十大作品絕大部分是經典名著改編的劇場作品，其中不少是借古喻今反映當前德國藝文界所處的政治困境，也有作品呈現人們所承受的精神難關。 5月1日的開幕典禮，德國文化部長魏默（Wolfram Weimer）的缺席遭到劇場界人士及媒體猛烈抨擊。一直以來，文化部長出席戲劇盛會開幕當晚的活動是不成文的傳統，因為這代表著對劇場界的重視與支持，因此人們推測魏默此舉是在刻意迴避與劇場界核心人士直接接觸。（註）面對文化部長的缺席，柏林戲劇節總監皮斯（Matthias Pees）致詞一開始就說：「冷靜」（Gelassenheit），指出劇場界目前處於「自由被剝奪的時代」，哀嘆無法否認正在發生的文化肅清，是右翼人士對自由藝術相當常見的攻擊。戲劇盛會總監Nora Hertlein-Hull則表示會盡一切努力確保評審團運作保持獨立和中立，不受政治力量介入。
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國際 新加坡大型表演繽紛展現 獨立作品爭取綻放空間
5月份，《海峽時報》「生活！戲劇獎」公布了得獎戲劇作品、得獎戲劇工作者。戲劇獎今年邁入第25屆，作為新加坡目前唯一具權威性的授獎機構，在公布入選名單至宣布獲獎名單的8天裡，雖未興起全城熱議，卻也讓報章讀者們一窺各大劇團過去一年來的付出。 5月份，也是一年一度的「新加坡國際藝術節」。新加坡國際藝術節邁入第49年，在新藝術總監張子健的帶領下，這3年的策展主題是「藝起來玩！」，而今年的焦點則是「傳承」。值得一提的是，藝術節設立了「藝術節村」，在維多利亞劇院外的大草地上，有室內與戶外演出，有互動裝置藝術與社區參與活動，絕大部分的演出是免費的。 戲劇獎為各大劇團頒獎，新加坡國際藝術節試圖在大型演出與社區表演之間取得平衡，邊緣劇場的動向又如何？過去幾個月，新加坡藝穗節積極公開募款，以便能夠在2027年持續下去。但募款截止以後，卻仍未達到其期望的8萬新加坡幣的募款目標。然而在今年4月底，新加坡藝穗節仍給公眾公開好消息：儘管所籌得款項只有近6萬新加坡幣，2027年新加坡藝穗節仍將如期進行，並繼續開放募款至今年9月底。