PAR 表演藝術雜誌

焦點專題 Focus

Play It Solid！無界爵士狂歡

從跨世代交鋒到全齡同樂，讓自由靈魂從小放飛

走過24個年頭，國家兩廳院的「夏日爵士派對」早已成為台灣樂迷在仲夏夜裡最期盼的隱形脈動。今年，這場盛會以「Play It Solid！」為核心主題，不僅呼應了早期爵士俚語中代表「極致出色、無懈可擊」的讚美語彙，更宣告了本屆大師雲集、堅定且極具分量的精采企畫。 本次專題將引領讀者深入探索本屆陣容的豐沛靈魂。首先，我們將傾聽甫獲葛萊美獎的「人聲瑞士刀」當代爵士巨星妮可．茱萊提斯（Nicole Zuraitis）如何以鋼鐵般的意志，從喧鬧酒吧的背景樂手一路逆襲。她以獨立音樂人之姿包辦創作與製作，將創傷煉化為詩意的爵士原創曲目，更將獲獎的商業收益全數傾注於流浪動物救援，展現柔性行動主義的動人力量 循著國家音樂廳的軌跡，我們將接著見證兩位跨世代大師的精采交鋒：當代薩克斯風天后雷琪夏．班傑明（Lakecia Benjamin）承襲約翰．柯川（John Coltrane）的精神，揉合放克與靈魂樂，吹奏出如烈火般燃燒的即興生命力；而見證半世紀融合爵士歷程的傳奇鼓王彼得．厄斯金（Peter Erskine），則帶著《Dr. Um》計畫的黃金班底登台，在風馳電掣的鼓點中再現歷經天團淬煉的純粹律動。兩人共同勾勒出爵士樂既向傳統致意、亦朝未知前行的壯闊風景 不僅國際名家璀璨，國內群英的匯聚更展現了島嶼爵士的成熟樣貌與大膽突破。邁入15周年的「兩廳院夏日爵士節慶樂團」，首度揉合狂放咆勃、熱情拉丁與精緻古典絃樂，向大師查理．帕克與克里夫．布朗致敬。為落實全齡參與，阿圖羅．奧法里爾（Arturo O'Farrill）領軍的「輕鬆自在場」《節奏千層麵》，更打破觀演界線邀觀眾共創律動。最終，這股能量將在戶外派對全面釋放，客家山歌、傳統民謠與台語流行輪番上陣，讓世界的爵士聲響裡，驕傲地鳴放著台灣專屬的混血生命力。

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TCO 2026年歐巡全記錄！（一）

三大殿堂中的寶島拼圖：臺北市立國樂團2026年歐洲巡演

2026年6月，臺北市立國樂團（TCO，亦稱北市國）在團長鄭立彬的領軍下跨越重洋，歷史性地同時登上了德國柏林愛樂廳、萊比錫布商大廈音樂廳與奧地利維也納金色大廳。這不只象徵著台灣第一個同時征服歐洲三大頂級音樂殿堂的職業國樂團誕生，更是向世界傳達出屬於台灣獨特的聲音。面對西方古典音樂發展的最高殿堂，北市國深知唯有展現自身無可取代的文化主體性，才能讓世界留下深刻印象。因此，這趟巡演以全場台灣作曲家作品為核心，由台灣音樂家演繹台灣作品，用最自豪的「台北之聲」挑戰歐洲最挑剔的耳朵。 然而，每一趟盛大的巡演，對樂團而言，都是一場與時間與體力的極致競賽。從緊湊的移動、高壓的排練、與陌生的空間聲學進行音響試煉，到正式登台，每一個環節都不得怠慢。一場史詩級演出的成功，從來不只是指揮與獨奏家的個人光芒，更仰賴著每一位聲部團員默默累積的專業、默契與其不可或缺的核心力量。 值得珍惜的是，北市國團員之間不但擁有堅實的情感，在絢爛的燈光與掌聲之外，這群頂尖的演奏家，擁有著屬於自己的巡演節奏與生活儀式。有人在背包裝入絨毛娃娃陪伴，在孤獨與高壓的舞台角落尋找溫柔的寄託；有人將跑鞋放進行李箱，再用雙腳跑過的足跡，在世界地圖上蓋下專屬的印章；更有人將胡琴的「口傳心授」與數位短影音演算法相遇，開啟一場場跨越時空與粉絲的對話。 這不僅是一次歷史性的海外展演，更是一場關於東方絲竹樂器在西方聲響語彙的最高標準中，自我定位、尋找主體性的深沉思辨。當音樂響起，舞台前後的生命溫度、自律與熱情完美地交織。來自福爾摩沙的樂音，已在歐洲古典音樂的中心，拼貼出一幅璀璨的寶島文化地圖。

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通靈？轉譯？ 當平面設計遇上表演藝術（二）

從劇場到平面設計 他負責築夢，她負責踏實

「LUNBOCHILLA貳步柒仔」的Dean與Jaivi

他們大概是最沒有默契的合作夥伴我說的是LUNBOCHILLA貳步柒仔視覺設計團隊Dean（曾士益）及Jaivi（陳嘉微）。前主外，後主內，Dean負責對外的溝通、協商，取得合作意向以後再轉頭向Jaivi說明本次概念方向；Jaivi負責向內的產出，創作範疇囊括手繪及複合式媒材的創作。哇，這任誰看起來都是很棒的組合吧？採訪現場也向Jaivi再次確認：「就是Dean會負責一切對外的交流，讓你安心創作，這樣對藝術家來說，應該算是很幸福的事情吧？」 「很幸福啊。」Jaivi同意。 喔，這樣你們一定很有默契吧！ 「我們真心沒有默契。」 「我們超級沒有默契。」 嗯，連這句話都是異口同聲。語畢，兩人搖搖頭，大力撇清，自己真的沒開玩笑喔。甚至端出彼此的MBTI，Jaivi是INFJ，而Dean則是ENTJ，像是傾倒在世界的兩端。在整場訪談中細數彼此有多南轅北轍。

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通靈？轉譯？ 當平面設計遇上表演藝術（一）

通靈？轉譯？ 當平面設計遇上表演藝術

無論是10數年前的紙本3件套DM、海報、節目冊，書店陳列的酷卡，或是現今網路世代的Banner，在走進劇場觀看表演之前，這些平面設計的成品是許多人接觸表演藝術的第一印象。 主視覺上的演出卡司與資訊，是吸引人買票的誘因；主視覺的用色、設計風格，則是表演團隊想要傳遞給觀眾的訊息，讓人在看到海報的同時，就能試著想像「這是一檔什麼樣的演出？」 而為了行銷需求，為作品設計主視覺的時間點，往往早於作品創作完成的階段。那對平面設計師來說，該如何觀看、理解，或接近表演藝術，才能進行設計呢？不同設計師有各自經驗累積，但可以確定的是，比起「平面設計有時候是在通靈」的說法，倒不如說，這份工作本來就得仰賴反覆溝通與聚焦，才能在創作、市場與業主需求之間找到平衡，交出一份過關的主視覺。 （本文出自OPENTIX兩廳院文化生活）

焦點專題 Focus

當編舞家走進馬戲帳篷

當編舞家走進馬戲帳篷

傳統馬戲總是在尋求超越極限，試圖掩飾重力的存在；但編舞家走進馬戲帳篷，他們追求的卻恰好相反他們要讓身體找回真實的重量，甚至學會「墜落」與「失敗」。 本專題聚焦近年表演藝術圈最生猛的混血：「舞蹈」與「馬戲」。我們特邀編舞家陳武康專訪雲門舞集創辦人林懷民，看這位宣告退休卻停不下腳步的編舞家如何走進FOCASA馬戲團的排練場，編創《幾米男孩的100次勇敢》不求絢麗奇觀，而是教導習慣憋氣的馬戲演員「呼吸」，要求他們在疊羅漢時「表演失敗」，並且在一次次的失敗練習中，長出直擊人心的勇敢。 在國際舞壇，我們則進一步盤點哈希德．烏蘭登（Rachid Ouramdane）、尤安．布喬亞（Yoann Bourgeois）、奧雷利安．博瑞（Aurlien Bory）、穆哈．莫蘇奇（Mourad Merzouki）和亞歷山大．凡托恩豪特（Alexander Vantournhout）等5位歐陸編舞家的創作路徑，看他們如何透過馬戲的極限風險與空間力學，以「編舞式馬戲」（Choreographic Circus）探索人類集體的恐懼、信任與生存隱喻，透過編舞重新丈量重力，並與馬戲特技碰撞出迷人火光。

特別企畫 Feature

☆不聽話的劇場☆兒童劇場在台灣的冒險與轉譯（二）

回望百年，走向未來：兒童戲劇的反思與展望

啟蒙的序曲：大時代思潮下，兒童戲劇誕生 百餘年前，我國兒童戲劇的誕生，有賴於晚清思想家與教育家們藉由教育的「包裝」，首先是合理化於學校課程的連結，顛覆戲曲的傳統觀感。 作為這股新式思潮的推手與率先呼籲者，在《飲冰室文集》中，梁啟超提出「來自歐美學校的教育思潮，常有於修業時學生會演雜劇者。蓋戲曲為優美文學之一種，上流社會喜為之，不以為賤也」（1903）。同年，陳獨秀亦撰文主張「論戲曲者，普天下人類所最樂睹、最樂聞者也，易入人之腦蒂，易觸人之感情」、「戲園即學堂、優伶即教師」。梁氏將戲劇從藝術轉化至教育，陳氏則將演員地位偕與夫子平等。 而這股以西式教育為變革的號召，在隨之而來的「五四新文化運動」中，與「兒童本位」觀念的興起與提倡，一拍即合旋即促成發酵，戲劇伴隨兒童文學共同納入國語課綱，順勢誕生了兒童戲劇。 在這樣的背景下，起步時的兒童戲劇，多為留學海外學人依西文或日語翻譯而來，但在摸索的過程中，由於兒童文學運動的興起（1922），其劇本創作展現出相當可觀的創作量，除了教科書，有近500篇兒童劇本，被收錄於《兒童世界》、《小朋友》等週刊雜誌，而彼時並未有所謂的「專業」之說，兒童本身既是讀者也同時是創作者，當中收錄有多部兒童自創、師生合創的作品。其劇本形式簡短，適用於課堂讀劇居多，偏於戲劇活動的型態。 又，當時音樂家黎錦暉，未具留學背景，憑藉有著民俗音樂「接地氣」的功底，融入西洋、東洋樂曲特色，以劇場的表演性為創作特色，完成了12部由兒童擔任表演者的音樂劇、歌舞劇、歌劇作品，其全數連載刊登於兒童週刊。部分歌曲流傳至今，餘音依舊繚繞不去，是百年來兒童劇場、兒童歌舞劇重要代表性人物，至今無人能出其右。根據當時報紙所刊登之演出記錄顯示，他的兒童歌舞劇作品在抗戰前（1937）至少有200餘場的劇場演出記錄，且均由兒童擔任表演者。黎氏雖能兼顧兒童音樂、兒童教育、兒童文學、兒童戲劇並存的創作能力，但事實上，除了音樂之外，其餘的部分都非他的本行，而是和大時代教育思想的趨勢所產生之互動效應。 儘管當時對兒童的認識與想像仍相當有限，但憑藉著為兒童創作的熱情與信念，先行者在瞎子摸象的探索過程中，逐步為兒童戲劇開拓聲勢，奠定基礎