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演出 音樂從都會角落到歌劇院 一趟城市裡的聲響之旅
曼徹斯特國際工房╳黃若《浮聲之城》如果說建築是凝固的音樂，那麼當音樂流淌進城市的血脈，城市本身是否也能成為一座巨大的樂器？要理解《浮聲之城》（City of Floating Sounds）這部跨界鉅作的獨特美學，我們必須先走進作曲家黃若的創作世界。這位旅居紐約的華裔作曲家，被《紐約時報》盛讚為「風格獨具的作曲家」，他的音樂語言活潑而富有創意，靈感汲取自中國古調與民俗樂、西方前衛與實驗音樂、自然與處理聲響、搖滾與爵士；其多元的曲風橫跨管絃樂、室內樂、歌劇、劇場、舞蹈、跨界創作、聲音裝置、建築裝置、多媒體、實驗即興、民謠搖滾與電影等，以其融合東、西方文化元素的獨特聲響聞名。 黃若不願僅被視為一位作曲家，他更將自己定義為概念藝術家（Conceptual Artist）。長期生活在西方的他，提出了一種第三文化的觀點，它既不是純粹的東方，也不是純粹的西方，而是融合這兩者產生的一種新的文化有機體。 這種融合風格衍生出他自創的「多維立體主義」（Dimensionalism）創作技法，強調聲音的空間感與動態，這正是《浮聲之城》的核心靈魂，讓音樂不再平躺於樂譜，而是立體地生長於空間之中。
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人物 藝號人物 People 作曲家李志純 以音符反思社會 將「台灣」織入樂章
在當代國際音樂的浩瀚星河中，有一種聲音，既帶著西方管絃樂的壯闊繁複，又深藏著東方島嶼的溫婉與韌性。當英國權威《留聲機》（Gramophone）雜誌盛讚她「探索多種另類的織度和不尋常的技巧，為最引人注目的作品」、當美國《波士頓環球報》（Boston Globe）形容她的音樂「讓人大開眼界，恰當且復雜，卻又讓人著迷」時，來自高雄的作曲家李志純，早已用她的音符在世界舞台上刻下了無法抹滅的印記。她是台灣首位、全球第4位榮獲美國波士頓交響樂團（BSO）委託創作的亞裔作曲家，更是波蘭新藝術合成藝術節（NeoArte Syntezator Sztuki Festival）首位受邀常駐並舉辦專場音樂會的亞洲作曲家。然而，褪去這些國際大獎與耀眼頭銜的光環，李志純的音樂靈魂，其實始終扎根於那座她日夜思念的島嶼台灣。 破曉前的琴聲：從叛逆少女到堅定的追夢者 李志純的音樂之路，並非始於安逸的溫室，而是充滿了對聲響的極致渴望與近乎瘋狂的執著。時光倒轉回她在專科時期的歲月，那時的她就讀於台南家專（台南應用科技大學的前身），是一個令老師又愛又頭痛的叛逆女孩。當剛從維也納留學歸國的黃燕忠老師在台上教授古典和聲學時，底下的李志純總喜歡拿著放大鏡挑毛病，甚至在課後追著老師問哪裡有平行錯誤的問題。然而，正是這位寬容的恩師，看見了她骨子裡的音樂天賦，不僅沒有責罵，反而給予她更多的功課，一步步為她打下了深厚且紮實的傳統和聲底子。 回憶起那段青春歲月，李志純的眼中總閃爍著光芒。她笑著訴說當年為了爭取練琴時間，這群住校的女孩過著宛如軍隊般嚴格的生活，總在清晨6點不到，就熟練地找出音樂系館哪一扇窗戶沒有上鎖，爬窗進去搶琴房，一天苦練6個小時也不喊累。更有趣的是，她當時的主修竟然是電子琴。這項在古典音樂圈看似非主流的樂器，卻成為了她日後掌握複雜交響語言的秘密武器，電子琴豐富的音色庫與系統，讓她在年少時便不知不覺地訓練了對管絃樂配器法的敏銳度，成為她日後駕馭龐大交響樂團的基石。 當作曲家温隆信老師來到學校任教，她陰錯陽差地成為了填補名額的第3位作曲門徒，卻從此深陷於魏本（Anton Webern）、布列茲（Pierre Boulez）等現代主義大師的魅力中無法自拔。面對這條
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專欄 抵達終點左轉守在生命的緩坡處
最近常想起皮皮。皮皮是一隻活了17歲的比熊犬。一開始的兩年，他被當成貴賓狗養，所以沒有膨成一個圓的髮型。為了結紮，9歲的我第一次聽到比熊這個品種。剩下的15年，皮皮在我心裡的形象類比成一隻小白熊。 蔡依林的狗也是比熊。每次我看到她的狗，都在看毛。比熊犬的美麗與哀愁都在那裡，是可口的棉花糖，還是打結的烏雲，一切都是命。想到皮皮不是因為思念，而是參照，比對同樣生命末期的陪伴，以前怎麼那麼潦草隨意。皮皮死後兩年多，我領養了Cookie。一見鍾情這輩子第一次發生。那一頭餅乾色的毛髮讓我相信她就是我的命定之狗。因為她就是Cookie。 Cookie是我最喜歡的英文單字，也是兒時唯一自信能拼對的字。我也非常喜愛吃酥脆的餅乾，於是從懂得許願的時候，我就夢想著能擁有一隻叫Cookie的狗。皮皮是帶著名字來了，我還是想擁有一隻Cookie。不太知道她是什麼品種，反正就是貴賓血系，但身材比例有蹊蹺，腿怎麼看都短了點。謎題直到去年才被解開。這部分故事有點太過感人，直接跳到結論我們找到Cookie同胞的哥哥，得知她是臘腸與貴賓的混種，同胎4隻裡最小的妹妹，和哥哥一樣像貴賓爸爸。 這算是解了多年的困惑。哥哥已過世，我們順勢承接了水壺、罐罐、以及一直猶豫的寵物推車。去年此時帶著Cookie認親，對方全家三代出動，又摸又揉又抱又親的她已經有筋骨的問題。當時我和先生去柏林才1個月，為來後她就再也無法跟我們一起在床上睡覺。接著這一年，我們收起床尾的斜板。鋪全室防滑墊。乳膠床墊放地上。滿意寶寶尿布。魚油。Ｂ群。餵食針管。亞培安素。很爛的淘寶趴趴椅。無數個瑜伽磚。免充氣水池。日製擠花袋（灌食用）。奶油餅乾。不能離家超過兩小時，夜間隨時準備爬起。儘管我和先生都是自由工作者，但幾乎無法一起出門吃飯、看戲、看電影。時間被切得像洋蔥丁，病況才是家裡的老大。 笨笨的比熊犬皮皮只想玩，愛吃，是人都好。混種的Cookie，敏感、憂慮、慢熟、容易緊張全投射了我的個性。她承接我的缺陷。每當我安撫她、或是偶爾嘲笑她的時候，都意識到那是她在提醒我要放鬆。太專注照護，很少想起以前活潑好動的樣子。進入失智迷霧的她總卡在縫隙與牆角，現在已無法自己起身。要不是先生提醒，我快忘了以前的她總是窩在我的腳邊，或是一
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國際 四界看表演 Stage Viewer慾望、種族、暴力、凝視
加拿大舞台《奴隸遊戲》《奴隸遊戲》（Slave Play）是美國非裔青年編劇傑瑞米．歐．哈里斯（Jeremy O. Harris）就讀耶魯大學戲劇學院時創作的3幕劇，從2018年於紐約外百老匯首演、隔年登上百老匯舞台，到2024年移師倫敦西區以來，這齣探索美國族裔衝突、歷史創傷與現代性下的親密關係、當代心理學治療之間交雜問題的劇作，在大西洋兩岸點燃兩極反應，不乏怒火、抵制、笑聲，以及讚譽（註1），該劇的長尾效應甚至在2024年催生了紀錄片《奴隸遊戲。不是電影。作戲罷了。》（Slave Play. Not a Movie. A Play.），2025年秋季，在美國川普政府正大肆追殺DEI多元共融價值，而加拿大在官方政策及教育上仍擁立DEI的情境之下，本作迎來出自多倫多加拿大舞台（Canadian Stage）的加拿大首演（註2）雖然本劇或許並不那麼簡單工整地回應DEI價值。 《奴隸遊戲》劇名便隱含多重意義，既向外揭示美國蓄奴歷史背景，也向內強調劇中人參與的奴隸角色扮演療法，在自我指涉上，於敘事層次內突顯情慾關係的扮演遊戲本質，在敘事框架外，則自我詰問這是否終究是齣有關奴隸的奇觀化演出。
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話題 話題追蹤 Follow-ups保存與重述，以與當下創作持續對話
「（再）評論 與 （再）檔案」論壇側記主持人：黎家齊（《PAR表演藝術》雜誌總編輯） 主講人：陳國慧（國際演藝評論家協會香港分會總經理） 周慧玲（中央大學戲劇暨表演研究室主持人） 王世信（國立臺北藝術大學戲劇學院院長） 陳雅萍（國立臺北藝術大學舞蹈學院院長暨資深舞蹈評論人） 2025年IATC年度論壇以「觀照」為關鍵字，探詢舞台燈光外那些隱密、不被看見的劇場痕跡。為演出本身留下記錄的檔案與資料庫，同樣留待我們「再發現」與「再看見」。於是，本場講座由黎家齊擔任主持人，邀請香港評論人陳國慧、投入「臺灣現代戲劇暨表演影音資料庫」多年的劇場導演周慧玲、舞台設計王世信與舞蹈學者陳雅萍，分別就自身經驗分享表演藝術評論如何被保存、重述與再現，並於持續發生的當下創作產生對話。 講座前一日，陳國慧與香港IATC才在C-LAB 臺灣當代文化實驗場演出《藝評的維度演讀香港演藝評論30年》。此計畫為「香港演藝評論選輯計劃（1980-2010）」最後一場活動，由IATC香港分會30周年與「國際表演藝術圖書館、博物館與資料館協會」2024研討會共同促成，以此期間超過15,000篇評論資料為基礎，藉「演讀」形式重新構作編整，試圖活化文獻，和當代觀眾建立新的連結與對話。 陳國慧提到過往資料庫若是舉辦成立發表會，多是邀請前輩老師致詞分享，她於是苦思能不能用「更實驗」方式來呈現文獻。她參考紀錄劇場與講座展演（lecture performance），讓評論人轉換位置，反客為「主體」，以素人身分上台演讀，試圖回應過往對評論人「只會說不會做」的常見印象。至於選讀的文獻，除了強調藝評文字本身的表演性，也涵蓋不同年代、不同媒介的寫作差異，文化政策與生態關注，以及特別有戲劇張力的「筆戰」系列。當然，也因為有些文稿年代久遠，版權歸屬不明，或者因寫作時空背景不同，作者另有考量，這些經營資料庫的挑戰同樣延續到《藝評的維度》演出本身。 原先只是依附資料庫建構計畫的單次活動，想不到卻迎來後續邀演。有位香港演藝學院老師，認為這能幫助學生短時間理解香港劇場發展脈絡，於是邀請《藝評的維度》來到演藝學院圖書館演出，一排排書架的背景空間，與文獻題材巧妙呼應。此外，陳國慧除了讓演藝學院學
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話題 話題追蹤 Follow-ups性別意識覺醒了，然後呢？ 四大面向重建表演藝術的安全職場
「表演藝術性別平等的竟與未竟」論壇側記主持人：魏琬容（國際劇評人協會台灣分會理事） 分享人：表演藝術聯盟（廖舒寧秘書長、蔡淳任研究員）、台北市藝術創作者職業工會（曾福全秘書長、陳姿穎研究員）、牯嶺街小劇場（姚立群館長）、「我們先是人」團隊（吳孟軒、李橋河、黃美寧、簡郁庭） 在表演藝術領域中，身體既是創作的媒介，也是權力流動最細微卻最不透明的場所。創作需要靠近、信任與身體默契，但正是在這些被視為「理所當然」的親密之中，界線模糊與性別不平等得以悄然生成，本次論壇分別從制度、勞動、場館與身體實踐4個層面回應，勾勒出台灣劇場性別平等工作的「竟」與「未竟」。
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專欄 關於編劇的二三事手指被紙張畫過的傷口
即便我們的受訪者立下死志要存錢，仍舊儀式感十足地要買一件衣服回家，哪怕這件衣服從來不穿，哪怕家裡沒穿過的衣服高達幾百件，她說，我只是不想要自己手空空的，這是我上完一整天班後，唯一花錢買來屬於我自己的東西。
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話題 話題追蹤 Follow-ups讓語言得以重新被學習，感受得以重新被命名
「當劇場遇見兒少性平：對話、界線與行動」座談側記在討論兒少性平時，社會往往著墨於教材、法律與防範技巧，但真正決定孩子能否說出「我不舒服」的關鍵，在於關係是否允許、語言是否存在、說出之後是否會被接住，相較於家庭的日常倫理、學校的制度規範，或醫療司法所代表的判定框架，劇場是一個同時「在場」且「具距離」的公共場域：感受可以先被看見，語言得以被試著成立，關係能在短暫共處的時空中重新調整。 去年國際劇評人協會台灣分會年度論壇以「Caring：評論的關照」為主題，從「關照」出發思考評論、創作與觀看之間的倫理關係。本場「當劇場遇見兒少性平：對話、界線與行動」座談聚焦劇場如何承接兒少性平中的對話，講者包括：不會教小孩行動聯盟理事長陳儀、創作《妮妮的小祕密》的慢島劇團團長王珂瑤，以及不想睡遊戲社團長林欣怡。3人的經驗共同指向一個核心：兒少什麼時候能夠說？而當說出時，誰已準備好接住？
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話題 話題追蹤 Follow-ups對創傷，如何在「共情」與「抽離」之間拿捏觀演距離？
「記憶與撫慰：碰觸創傷與記憶的力道」側記主持人：白斐嵐（獨立評論人） 與談人：黃思農（再拒劇團導演、當代藝術家）、彭子玲（烏犬劇場藝術總監） 台灣社會於2023年迎來一波#MeToo巨浪，動盪雖只維持數月，後續影響可說是「餘波盪漾」──正如關係人、受害者往往得用更長時間與之共處，尋求出路，生態環境亦然，劇場也不能例外。#MeToo運動興起的口號「在做藝術家前先是一個人」（Youre a human before youre an artist），似乎暗示著藝術創作有時會讓人忘記人性，犧牲自我或他人，以成就所謂崇高的「藝術」。於是，一連串的事件，讓我們有機會重新審視環境，建立新的平衡。 延續2024年台灣劇評人協會年度論壇選擇直面創作倫理、性別議題以及評論之間角色，今年度更將關注面向擴大涵蓋不同形式的「創傷」。第一場前導工作坊「記憶與撫慰：碰觸創傷與記憶的力道」，於是邀請烏犬劇場彭子玲與再拒劇團黃思農參與對談，並由獨立評論人白斐嵐擔任主持。前者分享多年陪伴高風險青少年，並以此推出創作《麻嗨猴》與《低．俗．畫本》的經歷；後者則以單一觀眾形式演出的《感傷之旅》，聚焦「觀看」的權力關係。 彭子玲提到她在創作時，總是會不斷審視「自己究竟只把這些經歷當作故事題材，還是有進一步探索與實踐的可能」。確保動機出於後者，始終是最重要的事。她以劇團10年來陪伴觸法青年、青少年的經驗，分享「此時此刻與我們平行，但依然在發生」的另一個世界。這些人的成長經歷，因原生家庭、外在環境之形塑，自然而然得用截然不同的方式生存與生活。在「成為人」的同時，意識到另個世界的不同，才能真正認識彼此。
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國際 香港「場地夥伴計畫」有改動 受歡迎劇團遭到排除
香港的表演藝術工作者經常詬病本地的演藝場地數量不足，近年隨著西九文化區和大館等場館啟用，好像緩解了一些問題，但這些場地不屬政府管理，即使有空檔，但租金對團隊來說不是容易負擔的事，要多做幾場和提高票價才有機會收支平衡。然而能有長演可能性的作品，和能夠承擔長演節目的本地團隊，真的屈指可數。 長期依靠政府資助運作的經營策略是發展的困局。長演製作過去10多年有較多討論和實踐，目前仍然是以有明星參演、且有商業製作公司願意投資的作品較有成功的可能。不過曾是葵青劇院演藝廳17年場地夥伴的風車草劇團，在2025年底公布最新一輪的場地夥伴名單時就不再入選，這場地會由本來與風車草共享場地的中英劇團獨家獲得。 「場地夥伴計畫」從2009年起開始推行，對政府場地來說，可說是一次與演藝團隊同行的突破，除了發展場地形象和夥伴團隊特色，在觀眾拓展的長期策略方面，亦能讓場地和團隊雙方受惠。風車草劇團是當年第一輪獲入選的演藝團隊之一，當時與W創作社一同申請成為場地夥伴，兩團在當時都是新進專業劇團，在藝術方向上以本地原創和貼近年輕人心態和關注的題材出發，累積了一群同代的觀眾群，並成功建立幾位創團成員梁祖堯、湯駿業、邵美君的獨特的舞台魅力，在演藝廳這個900席位的場地深耕出他們和觀眾對這地方的歸屬感，讓這個位於新界的場地的活力不遜色於市區內的場地。 近年，風車草劇團每年平均製作3至4個作品，在演藝廳上演兩星期的票房都爆滿，有些受歡迎劇目甚至另覓場地接連演出，可說是場地夥伴計畫推出以來的一張亮麗名牌。不過近年很多香港場地常常出現很多不可抗力的原因，讓作品未能順利上演，其中由政府管理的場地自然會有更多人關注。另一方面，政府既期望在「促進表演藝術的多元化、專業化、產業化及盛事化發展」，在場地上如能把握更多可控元素，似乎應該更容易管理，但場館的不確定因素增多，也讓團隊發展受到影響。 風車草劇團作品能引起大量觀眾共鳴和支持，一定程度上是因為能說出觀眾的心聲，但這些心聲是否人人有感，則難以估計。去年公布表演場地租用政策和措施的改革方案時，已減少了夥伴計畫的場地數量（絕大部分場地不再會同時有兩個團隊進駐），及減少獲選藝團使用場地的日數，部分評選委員說是希望資源能讓更多團體使用，然而這樣的調整是否已偏離計畫的初
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演出 音樂 雙鋼琴演奏48年魏樂富與葉綠娜 琴牽半世紀
台灣雙鋼琴演奏的先驅、享譽國際的音樂伉儷魏樂富（Rolf-Peter Wille）與葉綠娜，將於台北國家音樂廳舉辦「魏樂富＆葉綠娜雙鋼琴48年演奏會」。這場音樂會不僅標誌著兩人攜手近半世紀的合作里程碑，也是一場凝聚經典改編、創意聲響與深厚情感的音樂饗宴。 從填補空檔到開創雙鋼琴時代 魏樂富與葉綠娜的合作始於1978年魏樂富來台，並於1979年正式組成雙鋼琴搭檔且結為連理。回顧當時的台灣，音樂環境尚未如今日多元成熟，雙鋼琴演出更是罕見，他們可謂此一表演形式的重要開拓者。多年來，兩人除在雙鋼琴舞台上持續創新，也在獨奏、合奏、創作、廣播與文字書寫等領域累積豐碩成果、獲獎無數。長年在藝術上的卓越展現形塑橫跨世代、影響深遠的藝術風景。 外界看雙鋼琴或四手聯彈優雅和諧，但實際上兩人在舞台上的互動充滿了細膩的計畫與默契。關於聲部的選擇並非固定，而是基於實際考量。葉綠娜透露，通常會先看誰的手比較大、誰比較適合哪個聲部、誰前誰後、誰踩踏瓣，都需要極高的協調性。除了聽覺，視覺上的安排也是關鍵。魏樂富形容，四手聯彈時兩人的手在鍵盤上交錯，若太久沒合奏，動作會感到陌生。一旦恢復練習，那種不想撞到對方、流暢交替的肢體記憶便會像「時光機」一樣回來。談及與其他人合作的差異，魏樂富笑著直言，跟別人合作必須保持禮貌，但跟葉綠娜一起演奏時「可以說真話」。對他們而言，雙鋼琴比四手聯彈更好玩，因為兩架鋼琴提供了更大的自由度，在台上如同對話，若沒有互相拋接球的挑戰與反應，演出就會變得無聊。這種在台上隨時感知對方速度與情緒變化的「心電感應」，正是48年默契的極致展現。 向經典致敬 本次演出的曲目安排極具巧思，且環環相扣。音樂會將以舒曼與巴赫的作品揭開序幕。首先演出的舒曼《以 B-A-C-H 為主題之賦格》的四手聯彈，展現浪漫樂派對巴赫的崇敬。緊接著是巴赫的《西西里舞曲》以及4首《創意曲》，後者這幾首創意曲是由布拉姆斯的學生、荷蘭裔美籍作曲家 Louis Victor Saar 所改編，據推論，這次演出應可視為這幾首曲子的「台灣首演」。同樣具有傳承意味的，還有葛利格改編自莫札特C大調第16號鋼琴奏鳴曲（K.545）的雙鋼琴版本，增添
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演出 音樂羅大佑「四季戀紅交響宴」 以流行「交響樂」叩問音樂初心
被譽為「華語流行音樂教父」的羅大佑，將帶著他對音樂的全新思考與編制，展開「四季戀紅交響宴」音樂會的巡迴演出。這位現年72歲的傳奇音樂人，不僅將於3月及4月分別在臺中歌劇院與高雄衛武營登場，更將在4月18日成為首位登上紐約古典音樂聖殿「卡內基音樂廳」（Carnegie Hall）舉辦個人音樂會的華語流行音樂家。這一次，羅大佑不只是歌手，更是一位將流行音樂「交響化」的音樂人，他捨棄了在大型體育館開流行音樂演唱會的喧囂，選擇走進聲響細膩的音樂廳，向這個混亂的時代提出他最深情的音樂回應。 音樂會名稱「四季戀紅」寓意深遠：「四季」象徵著地球的循環與內在韻律，而「戀紅」則代表著熱情與希望，尤其對應2026年（丙午年）火能量滿溢的意象。羅大佑感慨，現代人類活動導致氣候變遷，四季已經不分明了。對他而言，音樂的功能在於找回秩序與初心，羅大佑說：「當四季回到春夏秋冬分明的時候，就是幸福的時候。」這場音樂會便是希望透過音樂，讓觀眾在紛擾的世界中找到沉靜內心的所在，重拾與宇宙、地球對應的相處狀態。 為了這次以「原聲」（acoustic）為核心的演出，羅大佑展現了驚人的毅力與對音樂的執著。雖然現年已72歲，但他每天仍維持長達8小時的鋼琴練習。他透露最近沉迷於練習蕭邦的曲目，特別是高難度的練習曲，這不僅是為了手指的靈活度，更是一種生理與心理的連結訓練。羅大佑認為：「年紀愈大，手愈要能夠活動。手活動的話可以連接到神經，自己思考會更細。」除了鋼琴，羅大佑也將在這次巡演中挑戰「樂器之王」管風琴。中學時他便開始學習彈奏雙層且需要腳踩低音踏板的電子琴，奠定了手腳並用的基礎，這份年少時的記憶，將在高雄衛武營場次得到回響，屆時他將親自彈奏管風琴，讓震撼的低頻與建築共鳴。 為了呈現最純粹的聽覺體驗，羅大佑與「春龍交響樂團」合作，這是一個融合了搖滾（鼓、吉他、貝斯）、古典（鋼琴、絃樂四重奏）、國樂（笙、笛、揚琴）及人聲合唱的16人編制樂團。為這系列音樂會擔任音樂總監及指揮的華語流行音樂音樂製作人朱敬然表示：「其實我們這個演出的第17個成員，是各個場地。」他強調，在體育館演出可以靠巨大的喇叭聲壓「壓倒一切」，但在音樂廳，每個場地的殘響與聲學設計都是獨一無二的。演出者必須去與場地「磨合」，找出那個聽覺的「甜蜜點」（Sweet Spot
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專欄 腦海裡的旋律新年新希望：步行有益身心健康，我想用腳丈量全世界
2026年開春前幾天，到兩廳院欣賞周善祥的鋼琴與管風琴演奏會。曲終人散時走入廣場，冬陽普照，暖烘烘的，讓人心情愉悅舒暢。曬太陽的同時，我看到很多人在走路或散步呢！ 一個個優雅從容的行者從眼睛經過的同時，我想到一句很喜歡的拉丁文銘言：「Festina lente」，羅馬奧古斯都把這句拉丁文銘言翻譯成「快得從容」，世界愈快，心要愈慢；愈急的事，愈不可以匆匆忙忙面對、做決定。這幾年我迷上徒步旅行，尤其是長距離的朝聖之旅，雖然不是宗教信仰者，徒步旅行的我的部分的心情在於「溫柔抵抗」比起被動地讓交通工具將自己載到某地，我一步一腳印，完全掌握想要前往的方向在轉速日益加快的世界刻意放慢腳步，只專注在當下，我發現這樣更能聆聽自己的心，也更能覺察自己的意念。 長距離徒步旅行是很有效的身心治療呢！義大利帕多瓦大學大腦神經科學研究所的科學家深入研究源於日本的「森林浴」，以及森林浴對人體的生理影響和壓力管理效果：1980年代日本林野廳提出「しんりんよく」（森林浴）一詞，指出沉浸於大自然，讓眼耳鼻舌身沐浴在森林的氛圍中，能有效放鬆、減壓、增加身心健康與提升專注力。義大利的科學家採用前後測設計，讓29位受試者在森林中完全沉浸兩天，並記錄沉浸前後的多項生理參數（例如心律、血壓、免疫力、壓力感知等）。他們發現森林浴顯著改善了受試者的生理壓力管理能力，沉浸在大自然的過程中，不但讓主導警戒和戰鬥的交感神經活性有所抑制，也同時活化了主導休息和修復的副交感神經，我們的身體因此得到真正的放鬆。 這正是我好幾次走在朝聖路上的感覺：眼睛看著周遭綠油油的風景，耳邊有時蟲鳴鳥叫，有時溪水潺潺流過，安靜走路時，感官變得格外敏銳，深深呼吸，感受身旁的樹木、土壤、花朵森林裡真的好香！在大自然裡步行的好處不只有淨化提升身心狀態，美國史丹佛大學研究團隊更證實愛走路的人比起久坐的人創造力產出平均增加了60%；而且不管是在室內面對空白牆的跑步機上走路或是呼吸著室外的新鮮空氣行走，兩者同樣能激發創造力。研究人員將吧178位受試者分組，結果顯示，比起環境，其實是「行走」這項行為，讓人靈光滿滿。與坐著的人相比（坐在室內面對空白牆壁，或在室外坐在輪椅上被推著），走路組的人的創造力水準始終明顯偏高，
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專欄 關於戲劇的五四三《F1》的啟示
看電影《F1》兩個半小時注意力緊緊抓住，非常喜歡。看完後，給AI輸入了以下問題： 「模擬評論好萊塢大片的基本語調，對工業、好萊塢、商業、運動賽事、英雄崇拜、劇情老套等堆砌名詞，做一篇貶中帶褒的評論」。 得到如下結果： 《F1》幾乎是為了證明好萊塢工業體系仍然運轉良好而存在的一部電影。它把一項本就高度商業化、數據化、被資本與品牌全面占領的運動賽事，再次轉譯為一個我們早已熟悉的英雄敘事模板：孤狼式天才、失敗後的回歸、團隊合作的幻象，以及在終點線前完成自我救贖的瞬間。 這不是一部試圖顛覆任何敘事規則的作品。相反地，它像一場被精密設計的比賽轉播，節奏、情緒、高潮與勝利都嚴格遵守好萊塢的工業標準。每一個鏡頭都服務於「速度」與「榮耀」的視覺消費，每一次引擎轟鳴都在提醒觀眾：這是一項由金錢、科技與品牌堆疊出來的現代競技神話。 英雄崇拜在這裡被包裝得幾乎無懈可擊。主角不是單純的車手，而是一個被市場需要的象徵經驗、男性魅力、個人意志與資本浪漫主義的集合體。電影假裝討論團隊合作與制度，但最終仍回到那個老問題：當一切崩潰時，拯救體系的依然是一個足夠「強大」的個人。 劇情老套嗎？毫無疑問。你幾乎能提前預測每一次低谷與反彈、每一場衝突與和解。但也正因如此，《F1》運作得異常順暢。它深知自己的觀眾想看什麼，也清楚這個全球化娛樂市場需要怎樣的情緒輸出可被理解、可被消費、可被複製。 如果說《F1》有任何真正的價值，那並不在於它說了什麼新故事，而在於它再次證明了好萊塢如何能將一項現實中的極端資本運動，轉化為一場情感上高度有效的娛樂體驗。它不是藝術電影，也無意成為批判資本主義的作品；它是一部誠實地為體系服務的電影，而這種誠實，反而成了它最難以否認的優點。 最終，《F1》就像一場完美執行的賽事你明知道規則、知道結局、知道誰會站上頒獎台，但當引擎啟動、燈號熄滅，你還是會不
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評論 戲劇他真的找到「迷失在暗夜島嶼的原點」了嗎？
評第四人稱表演域《暗島》失憶街友吳明（無名），憑著一張滿是褶皺、模糊不清的老相片，試圖找回過往的生命記憶，相片中的人物，散發著青春的氣息，彷彿來自一個曾經意氣風發的時代，卻也隱隱透露一絲不安躁動，似乎預示未來的崎嶇坎坷。吳明隨著照片的引導，來到同志大遊行（KH Pride）前夕的高雄，巧遇公民記者Kiki和她的同志伴侶「2019反送中運動」過後移居台灣的港人小杜，應兩人之邀加入遊行行列。走在充滿歡樂氣息的KH Pride中，吳明的記憶回到了40多年前的另一場遊行，一場變調為流血衝突，引發後續大規模逮捕審訊判刑的遊行（「美麗島事件」），和遊行前的大學校園生活。社團讀書會的言語交鋒，黨國體制的布建監控，和同儕的人際糾葛，片片斷斷逐漸填補了記憶的空缺，吳明的真實身分，逐漸浮現，遺憾、悔恨、罪咎也隨之而生 第四人稱表演域重演的《暗島》，借用了2014年諾貝爾文學獎得主派屈克．莫迪亞諾（Patrick Modiano）《暗店街》（Rue des boutiques obscures）的主角形象與敘事架構，透過主人翁的追尋，帶我們重回台灣主體性萌生的1970年代，見證當時的兩個重要事件：「鄉土文學論戰」與「美麗島事件」，前者從文學的視角揭開不為大眾所熟知的社會真實，引燃激烈論戰；後者始於政治異議者的和平宣示，導致政治鎮壓。主人翁的失憶，源自個人情感與社會動態的拉扯，他能重拾記憶，則有賴年輕世代的自信，和開放自由的社會氛圍，美麗島時代的衝突對峙，已經被KH Pride的歡樂平和所取代，過去的黑暗，終究迎來了當下的明亮，民主開放、多元包容的台灣，不僅是大家的共識，更是華人地區的典範。
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國際 澳門劇團成立50年 「曉角月」揭2026澳門劇場序幕
2026年的澳門劇場，幾乎可以叫「曉角月」。 在澳門政府文化發展基金的資助名單中，現代劇場團體超過30個，真正成立超過20年（2005年前成立）而又每年維持一定演出量的不足10個。其中以成立於1975年的曉角話劇研進社年資最長，演出量最高。去年是「曉角」成立50周年，該團於今年1月3日至2月2日期間，在「中國現存最古老的西式劇院」崗頂劇院中舉辦了長達1個月的紀念活動。 曉角話劇研進社以「半世紀舞台．世遺的迴響」為主題，連翻推出四大劇目共15場演出，當中涵蓋當代翻譯劇《紙牌遊戲》（The Gin Game)、劇團舊作復排的有《剖》與《等靈》，以及全新原創劇作《日日是好日》，展現了「曉角」多年來在不同題材和劇場美學上的探索與突破。同時，亦在崗頂劇院「鏡廳」（觀眾進場前的大廳）立起了幾塊展板，舉辦「五十年戲劇創作回顧展」，以劇社不同發展成就來分類，展出演出劇照、手稿、戲服與影像，讓觀眾重溫曉角的成長歷程。其中一個週末又在劇院前的戶外庭園舉辦「戲劇嘉年華」，透過親民的戶外短劇、即興演出、角色扮演、戲服體驗及文創市集等方式營造了一片欣欣向榮的熱鬧氣氛。
李屏瑤 長大後，只吃自己想吃的年夜飯
陳昭香 戲台上的團圓，戲台下的家
高俊耀 家，是生命裡不斷流動的聚合
語言抵達不了的地方，用身體實踐去縫合
「2025秋天藝術節 ×TAI身體劇場 烤火會」側記
從奶茶、甜味與豌豆粉，探索舌尖上的鄉愁與政治
「餐桌上的旅行：移動中的飲食文化與身分認同」講座側記
從圍火而坐的光影晃動，到劇場裡的魔影幢幢
「她的鬼古會：她降靈的一百種方法」講座側記
區秀詒 X 瓦旦．督喜 X 桑布伊：藝術，會在生命的長河裡靜靜湧現
2025秋天藝術節「題外話」講座側記-
人物 藝號人物 People 英國男中音布萊恩．特菲爾 諸神、魔鬼與歸鄉的遊吟詩人
在歌劇的境域裡，聲音不僅是傳遞旋律的媒介，更是構築角色的靈魂容器。當我們提及布萊恩．特菲爾爵士（Sir. Bryn Terfel）時，腦海中浮現的往往不僅是某個特定的音符，而是一種如同經過歲月沖刷的黑曜石般的質地，它深沉、堅硬，卻又能映射出世間最幽微的光影。 自1989年贏得BBC 卡地夫世界歌手大賽（BBC Cardiff Singer of the World）以來，這位來自威爾斯的男中音便以一種幾近王者的姿態，屹立於世界歌劇舞台的巔峰。從莫札特《女人皆如此》筆下玩世不恭的古列爾莫，到華格納《指環》（ The Ring Cycle）中鐵漢柔情的沃坦（Wotan）；從倫敦皇家歌劇院（Royal Opera House）的莊嚴殿堂，到紐約大都會歌劇院（The Met）的傳奇舞台。30餘年的職業生涯，特菲爾用他的聲音丈量了從凡人到神祇、從英雄到魔鬼的距離。 然而，剝除掉那些耀眼的獎項與爵士頭銜，特菲爾的本質更像是一位極具天賦的說書人。他穿梭在這些截然不同的靈魂之間，用一種溫暖而充滿人性的視角，重新定義了那些看似遙不可及的傳奇。
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評論 新銳藝評 Review看得見的暴風，看不見的束縛
評當代傳奇劇場《暴風雨》《暴風雨》就像一座冰山：觀眾當下所見的水平面上，是角色在舞台上的行動與表現；而隱沒於水面之下的，則是由殖民歷史、語言權力與文化位置所形成的結構。若只看到其中一層，則難以理解「自由」在此劇中承載的重量。 沒有誰是真正的自由 即便擁有至高法力的波布羅，也被復仇的慾望與法術的符咒所禁錮；卡力班與愛麗兒以不同形式遭到奴役；而來到島上的浮世國眾人，看似擁有身分與權 力，卻同樣被暴風雨與法術所挾持。這種受到限制的狀態，使《暴風雨》不僅是充滿奇幻色彩的戲劇，也是折射所處時代風貌的鏡子，讓觀眾在觀看角色行動的同時，也啟發對於自由、權力、支配之間錯綜複雜的關係。
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專欄 宇航的戲曲手記藝術學習點滴談（一）——您開竅了嗎？
幾十年的表演歷練，試圖把老師講過的表演法則通通實踐個遍，同時也在實踐中積累了更豐富的體悟，那絕不是把三個動作減為兩個動作那麼簡單。當你拿到1個新劇本，除了藝術家油然而生第六感的敏感天性外，還要把湧動的心脈化為理智的構思。有想像，有見解，有布局，有取捨，有手段，有差別，有風格，這些都是硬功夫以外的頭腦軟功力。
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人物 藝術家請回答王凱生 面對自己的人生，就是最大的挑戰
身為《PAR表演藝術》歷屆年度人物中唯一的布袋戲主演，王凱生不只是在傳統布袋戲的道路上行走，更結合自己喜愛與擅長的搖滾樂，發展出屬於義興閣掌中劇團的特色「布袋戲搖滾音樂劇」。他是布袋戲主演，是樂團主唱，也是音樂設計、作曲，同時在2025年的作品《英雄製造》裡頭還是演員。如同他的多工身分，這次提問不只在問王凱生，也有很多讀者想問義興閣掌中劇團近年在Podcast、劇場發展出的全新「熟齡」偶像「豆花公」，就讓他們一起回答這些問題吧！
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人物 藝術家請回答蔡佾玲 維持身心平衡，繼續在表演這條路上前進
2025年可以說是蔡佾玲豐收的一年，但也可以說是忙碌的一年。特別是下半年的兩部作品《K與龐蒂的神秘降靈》與《海妲．蓋柏樂》，挑戰了兩種截然不同的創作模式與角色樣貌《K與龐蒂的神秘降靈》打破角色框架，並且經歷多年發展，而《海妲．蓋柏樂》則讓蔡佾玲再次面對經典文本，同時這位女主角也被譽為現代劇場中最難詮釋的角色之一。延續、深化，然後創造，似乎是一位演員反覆追尋的道路，那麼私底下的蔡佾玲呢？這次我們公開徵求問題，從生活到表演，全面展現一位演員的裡裡外外。