PAR 表演艺术杂志

隶属于张荣发基金会的长荣交响乐团日前宣布，将自2025年起礼聘世界级指挥大师梵志登（Jaap van Zweden）担任「驻团艺术家」。梵志登享誉国际，曾任纽约爱乐和香港管弦乐团的音乐总监，并以精湛指挥技艺与丰富经验闻名于世。此次合作计划为期两年，旨在提升乐团演奏水平，同时促进台湾古典音乐的发展。 梵志登出生于荷兰阿姆斯特丹，指挥生涯超过40年，曾与维也纳爱乐、柏林爱乐、巴黎管弦乐团等世界顶尖乐团合作。他以极高的音乐素养和短时间内提升乐团表现的能力著称，曾多次吸引欧洲皇室成员亲临现场聆听。 实际来台湾前，梵志登提到欣赏了长荣基金会执行长钟德美带给他的长荣海运「EVER MAX 长极轮」的首航影片，让他感到佩服也印象深刻。除了长荣交响乐团演出的背景音乐外，他也发现基金会还有营运长荣海事博物馆，同时有文化、音乐等社会慈善事业的理念与价值，与自己相当契合。实际上，他在过去25年也持续经营关怀自闭症儿童的帕帕基诺（Papageno）基金会，从利他、行善的角度出发，是他决定与长荣交响乐团合作最主要的原因。 事实上在这次来台演出前，梵志登提前10天就抵台与长荣交响乐团进行了很多交流，一周内就彩排了6首交响乐曲。他透露：「选择的交响曲广度也非常可观，包括莫札特第40号、贝多芬第5号、柴科夫斯基、马勒等交响曲，希望借由乐曲的曲风及不同困难度，让我对乐团有进一步认识，因为它们各有特色与难度都不一，在这期间内就能了解长荣交响乐团音乐家的能力。」排练中一定会听见优劣，但他说：「我很像侦探一样保持正面的态度看待。我认为即使是全世界最顶尖的乐团都一定有它可以进步的空间，我期待大家齐心合作，每天往前进步一点点。」

国际知名音乐家约格．魏德曼（Jrg Widmann）将携手国家交响乐团（NSO），带来两套别具特色的音乐会「活力洋溢」与「世代交锋」。此次魏德曼特地留台一周，不仅指挥、与台湾作曲家深入交流，还将透过精心设计的音乐演出，让观众在经典与现代音乐之间感受全新的对话。他表示：「当代音乐与熟悉的古典乐或许看似遥远，但放在一起时，可以发现彼此的相似与亲密性。」 身兼单簧管演奏家、指挥家与作曲家的魏德曼，是音乐界公认的全方位天才。与NSO的缘分始于2016年，并在2018至2019年间担任驻团艺术家。在2024╱25乐季，他将担任北德广播爱乐乐团首席客座指挥、里加小交响乐团合作伙伴、德意志广播爱乐乐团创意合作伙伴与慕尼黑室内乐团副指挥等多个职位。 「活力洋溢」 探索舞蹈与结构 第1套音乐会以舞蹈为核心主题，主要演奏魏德曼的3首创作与贝多芬第7号交响曲。除了《为10种同管乐器而做号角音乐》外，最受瞩目的乐曲还有《活力洋溢》（Con brio），本曲特别围绕贝多芬的第7号交响曲展开。魏德曼形容此曲是「期待与惊喜的游戏」。 吕绍嘉解释：「如果期待在《活力洋溢》中寻找贝多芬的影子，可能会失望，但编制与结构完全一致。魏德曼身为作曲家，特意在熟悉的框架下进行解构，好像保留血肉换成了不同的样子。」魏德曼则补充：「这首作品对定音鼓的处理非常挑战，但它是向贝多芬致敬的作品，能让人感觉开了眼界。」 此外，这场音乐会还将演出魏德曼另一作品《骷髅之舞》，吕绍嘉表示：「这是中古世纪艺术家的经典主题，像圣桑、李斯特、马勒都创作过相关作品。魏德曼用管弦乐打造戏剧感与奇幻声效，从弦乐在琴桥上拉奏到法国号模仿狼的声音，充满创意。」 音乐会压轴将呈现贝多芬的第7号交响曲，恰好呼应前者《活力洋溢》的巧思。

「第一个是剧名要叫『行动代号独角兽』，第二个是『青少年自杀议题』，然后希望可以是个『喜剧』。」青少年表演艺术联盟（简称青艺盟）盟主、亦是《行动代号独角兽》导演的余浩玮说起创作源头，丢出这3组关键词。 「青少年自杀议题」与「喜剧」听起来冲突，无非是余浩玮希望把沉重议题说得轻盈，保留正向能量。剧名的部分则完全是种直觉，但编剧李屏瑶在接到邀请后，也将这个充满行动力的剧名往她接触过的青少年靠近，认为：「他们有时候会问些非常尖锐的问题，但他们其实没有针对谁，就是这样讲出来，无法收住力道，讲完之后也可能会后悔。我觉得这好像是每个世代的青少年都会有的冲撞，只是压力来源不一样。」而这群青少年就好像一只又一只的独角兽，独特却又未知其中的未知，不只是他人对他们的观看，甚至也有自己对自己的理解。因此，《行动代号独角兽》就由此出发。

自2014年最后一场独奏会后，木琴演奏家吴珮将于2024年年底再度站上舞台，在台北、台中、高雄三地举办个人独奏会「Every Moment Counts」。这场演出不仅是吴珮菁演艺生涯的重要里程碑，更是她多年研究6棒木琴技巧的集大成之作。除演出外，吴珮菁同时出版专书《六棒木琴演奏艺术「Peiching握法」的探索与突破》，详述其30年来在6棒木琴上的探索与创新。从舞台到书籍，吴珮菁借此机会与观众分享她的音乐故事与技术心得，展现台湾击乐界的成就与前瞻。 探索6棒木琴技术 催生了「Peiching握法」 吴珮菁在6棒木琴演奏上的突破，源于她在1994年开始尝试运用6支棒子演奏，以寻求更多样化的和声效果。她从美国著名铁琴家Gary Burton的4棒技法中汲取灵感，并加以改良，发展出「Peiching握法」。她解释：「这种握法最大的重点在于可以透过食指下压或上提中间棒子，达到更灵活的演奏性，提供更大的音域与和声空间。」多年来，吴珮菁不断完善这套技法，在不同演出中实践并推广，让6棒木琴演奏成为击乐界的新标准。 在《六棒木琴演奏艺术》一书中，吴珮菁系统化地整理了6棒木琴的各种演奏方式，包括「自然演奏法」、「食指下压法」、「食指上提法」、「纵向内打法」、「左右侧打法」与「棒子转位法」等，并提供详细的示范与技巧解析。她强调，这些技巧的重点在于能灵活运用，而非为了「6棒而6棒」，真正达到与音乐需求两者相衬的演奏方式。 朱宗庆打击乐团创办人暨艺术总监朱宗庆表示：「吴珮菁在音乐上的努力、成就、坚持，大家有目共睹。朱团38年来演出有3500场，她大约就有2000场，而且她在其中都扮演非常重要的角色。独奏会的话，不包含在学校的演出，对外公开奏会就有10次。」2014年吴珮菁完成她第10次的独奏会，迄今相隔了10年，原因何在？朱宗庆透露，2015年，她不慎从高处坠落，导致严重受伤，长达4个月无法演出，但在乐团30周年时她仍坚强上台。随后在2017年，她的喉咙出现问题，使得日常发声甚至讲话都有困难，这让吴珮菁的教学与演出生活陷入困境。但她却努力克服，并开始往国际跑。在朱宗庆眼中，她「好胜心强、固执，却也坚强，要是换成别人可能早就放弃了。」

如果说人生的际遇千奇百怪，痛苦悲哀占了近一半，那日常与情感的B面，应该要是喜乐与欢快？由小事制作副团长林素莲编创，年度制作《MORE MORE Paradise》要在被关了无数窗的地狱里，试著撞开另一扇门，寻找光谱另一端的天堂。 小事制作与视觉艺术家庄哲玮相遇得早，始于2019年有章艺术博物馆的作品《宇宙的征兆》，以庄哲玮的服装秀为主轴，小事制作担纲舞蹈演出。《乐园》的灵感则起源于2023年松烟「原创基地节」，有了先前的合作经验，《乐园》的成型相对快速，庄哲玮以波希三联画《人间乐园》为灵感，以 AI 生成画作为背景，搭配重金属摇滚乐，小事制作的舞蹈带来一场喧闹又令人印象深刻的演出。 这场演出像是火苗，点燃艺术总监杨乃璇的想像，趁著与 IP LOCKERS 即将开启的密切合作，决定将《乐园》延伸发展，重新编创成2024年度制作。这一次的编创，她属意久未创作的林素莲。 说久不久，林素莲的上一次编创是4年前2020新点子实验场《从一数到五》，她不讳言那一次的经验是苦涩的，有伤的。她毫不犹豫地转身回去跳舞，带著创作的伤，却又在隔年碰上身体的意外，伤的是双腿，舞者的腿。尽管事过境迁，谈起那段日子总是低落，然而当她被指派新作编创时，林素莲选择逼自己回看跌倒后的那段日子，想著《乐园》，回望地狱。

曾任美国玛莎．葛兰姆舞团首席舞者的编舞家简珮如，携手义大利DAP艺术节创作团队，将于11月份在台北上演新作《黑蝴蝶》。她表示，「蜕变」是《黑蝴蝶》的关键词，也是她近年的内心写照：「我希望能表达一种主动的改变」。简珮如从回溯自身经历出发，编织出〈狂喜再现〉的过去、〈玩〉中实验的当下，及重获新生的〈蝴蝶夫人〉。 独舞〈狂喜再现〉传承自玛莎．葛兰姆（Martha Graham）首演于1933年的经典舞作〈狂喜〉。葛兰姆凭借此作品首次在大众面前探讨腹部核心与肢体的联动关系，并以此发展出影响美国现代舞蹈的「葛兰姆技巧」，该舞作后因难度过高而继承无人。2017年简珮如与玛莎．葛兰姆二团艺术总监Virginie Mcne合作，根据历史图片与档案笔记，在「葛兰姆技巧」脉络中将其还原呈现，失传的美国现代舞经典在台湾舞者身上得以延续。 〈玩〉由台湾与纽约两组舞者共同演出，因舞者文化背景相异，简珮如希望舞者通过各自的身体，在技法上跳脱葛兰姆的框架，融合不同舞蹈流派与其他国家的传统舞蹈，表达日常生活中勇敢去「玩」的探索心态，以开放的身体语汇在「玩」中实现跨越国界的当下对话。

羊群中，一只羊两脚站了起来。与低头吃草的同类相比，牠显得更有定力与决心。毕竟，牠想从「牠」变成「他」。 牠有变形成人的欲望。 比利时柏格曼剧团（FC Bergman）的《羊之歌》（The Sheep Song）便在这般怪诞的设定中展开了。一只羊踏上变成人的旅途，路上所见虽有人有兽、有男有女、有善有恶，但牠还是毅然走完整趟旅途，变成新造的人。 回顾西方文学史与戏剧史，羊的旅途一点都不新，但柏格曼剧团善于以经典挖掘灵感、发展作品，「不新」恰是他们的专长。《羊之歌》中，羊的所求就是文学中常见的「变形」。当牠走在《圣经》的意象上时，身后一幕幕掠过的场景，也如中世纪剧场的戏车。 旅程的开端：变形的欲望 《羊之歌》最初，羊就有变形成人的欲望，推著叙事前进的也是这股驱动力。 西方文学中早有「变形」的概念，《木偶奇遇记》就是一例。如《羊之歌》的羊得看透世事，皮诺丘也得越过重重试炼。两名角色都得通过考验，才会有超个人力量（如仙女或人类社会）认可成人的资格。但，两者不同的是，皮诺丘变形成人不是出于己愿，而是仙女给他的额外奖赏。最初，木偶不知道他有变真人的可能。 再探源一点，罗马诗人奥维德（Ovid）的《变形记》（Metamorphoses）是西方文学中更古老的例子。奥维德从希腊罗马神话中采集与「变形」相关的篇章，编写成诗，而他笔下角色变形的驱动力五花八门。少数如宙斯，追爱的欲望可转为变形的驱动力，化作天鹅，但更多的是神祇等超自然力量操弄的结果。 《羊之歌》中的羊何来变形的欲望？或，人或兽为何想变成另一族类？英文中，欲望（desire）、想望（want）与匮乏（lack）是近义词。变形的欲望，是我族匮乏漫延成的他者想望我不够好，我多想变成他。但，羊在人身上看到什么长处？柏格曼剧团只呈现了，当两族的界线变得模糊，人与兽变得没有太大区别。在贬己抬人上，人与羊似乎一样不遑多让。

跨界马戏作品《虚缺号》延续2019年台新艺术奖决选入围作品《苔痕》的合作，由FOCA福尔摩沙马戏团（后简称FOCA）邀请旅居德国的台湾舞者田采薇和德国搭档扬．莫蒙（Jan Mllmer）一同担纲导演，联手打造全新原创作品，企图在无法定义的空格框框中寻找意义，回应当代社会的多重议题。 从画面堆叠出意义，从演员特性发展出动作质地 田采薇和扬．莫蒙两位导演从舞台上的15个正方形格子，找到虚缺号这个符号来对应。「虚缺号（□）就像是古文字学者研究残缺的文字。学者试图从上下文去辨别缺失的部分。但即使有了上下文，有时候还是找不到答案。」田采薇说，「就像我们在框框里呈现了很多画面，不是每个都有明确的答案，也不一定真的代表什么特定的东西。」 这种寻找意义的过程，成为画面推进的动力。演员在这些多重方格中的组合与堆叠，构筑种种隐喻的画面，比如动作像在工厂的流水线般不断重复、在输送带上移动，或是像鸟群一般成群的移动等。画面中承载著创作者对当代社会的反思，但不说教，保留想像的空间，交由观众去填空。 由前云门舞者、也是田采薇大学学长的摄影师骆思维创作的预告片，精准地捕捉整个作品的调性与氛围。奔跑的人群、模糊又清晰的人脸，交织以马戏特技与空间的对话，呈现一种冷调疏离、却仍然扣和生命写实的映照。 在排练场不太谈论调性和意义，而是更专注在编排表演。田采薇和莫蒙的创作特色是为合作对象量身打造作品。比如为一位20多岁的FOCA女演员设计一个梦游的角色，运用她天生纯真的个性来推动角色。但表演上要精准做到半梦半醒的状态也不容易，田采薇举例，就像逼5岁小孩去开车，无法逼迫演员去达成现在他们做不到的事情，但她不会放任他们，除了持续鼓励，有机会就继续引导。

睽违10年，在舞团营运、家庭生活与自我修复中重获力量与平衡的路之．玛迪霖，于今年推出最新长篇舞作《最微小的声音？》，关注生活周遭不一样的声音与不同性别特质的朋友。 如何找到平衡 、好好照顾自己、找到自己的位置，是路之在访谈中不断提及的。于她而言，「我很早就停经，又身兼多重角色，加上舞团营运的困境，使我整个身心都处在很不好的状态。」于是两年前她开启了《路之行走》，借由行走观照自身，虽然现实问题依旧，但在一次又一次的行走过程，经由观众的眼神、回应，突然意识到自己亦是被观照的，从中获得力量与关爱。也更清楚创作的脉络：自己的创作定位是什么？如何在过程中寻找平衡？同时，创作给予的自由亦使她能暂时放下经营者的理性果断。 无论是在卫武营、艋舺，还是德国威玛或葡萄牙，这一路的行走遇见了诸多出其不意，意料之外的人事物。他们不一定特别地显眼，也或许从来没有被关注过，但他们依然真实存在这个世间，依然是这个世界构成的一部分。回望自身，即使身处相对包容开放的社会，作为女性、原住民的身分，还是有很多声音是无法说出的，是被压迫的。看向身旁，性少数的朋友在许多情境下始终无法真正说出最终想要的。如此境遇和女性有著诸多相似，那么，平衡是真的有找到吗？她问。