PAR 表演藝術雜誌

在虛擬與現實的界線逐漸交融的今日，虛擬實境（Virtual Reality，VR）不僅是一種觀看的工具，更是一種觸動身體、延展感知的場域。本企畫「身體 X VR從〈不可見之感〉出發的陰性敘事」，從陰性視角出發，聚焦3組台灣藝術家的實踐，探索身體如何在 VR 中消散、重組、生成，並與情感、記憶與未知力量交織。 在疫情促使創作轉向的契機下，編舞家何曉玫以《林投姐，妳叫什麼名字？》透過女性鬼魂的凝視，將舞蹈、吟唱、米藝與 VR 融合，讓漂浮、裂解的身體在虛擬空間中得以延續，開啟觀看破口，讓潛伏於歷史陰影中的女性得以發聲。 另一方面，編舞家蘇文琪則延續10年的科學探索，從歐洲核子研究組織（CERN）走向宇宙深處，歷經《黑洞博物館+身體瀏覽器》，推出新作《暗宇之感》，深入創作的洞穴，嘗試以 VR 再現黑洞、暗物質等「不可見的存在」。在她的實踐中，科技不再是硬核的展示、不是創作的目的，而是透過陰性質地的敏感與柔韌，向不可知提問，體現不可言說的能量。 而由雙胞胎編舞家謝筱瑋、謝筱婷歷時7年醞釀的《The Awake》正邁向最後一哩路，以漸凍人的身體經驗為切口，轉化病友與家屬的幽微情緒與時間感，藉 VR 打開非線性、片段化的情感場域。觀眾不僅「觀看」作品，更被牽引著進入其中，在感受先於理解的過程裡，將自身生命經驗投射其中。 這3件作品有各自的核心關懷，卻在 VR 的延展裡相互呼應，指向身體作為感知載體的開放性，並透過敏銳凝視，觸及那些難以名狀、無法被符號化的「不可見之感」。這些創作不僅挑戰劇場與觀演的邊界，更以陰性敘事為方法，讓 VR 成為感官、情感與記憶交錯的場域。 她們共同展現的是陰性敘事的力量：不在於給出唯一的答案，而在於共感他者的生命經驗，打開更多感受與想像的可能。

2025╱26年樂季即將展開，世界主要樂團的節目策劃無不在兼顧地緣文化、藝術傳承與當代關懷之間取平衡。從亞洲日益壯大的策展自信、法國的跨域融合、德奧的重磅經典到英美的策展風格，這一季的國際音樂場景不僅延續了熟悉的傳統，更處處展現未來的企圖心。 亞洲的表現不容小覷，在穩健迎接國際音樂家之餘，也以更清晰的在地立場、文化自覺與年輕策展人聲音，回應全球藝術語境的快速演變。法國則以跨界與當代藝術語彙為導向，將音樂會轉化為文化事件，模糊舞台與生活的界線，邀請觀眾進入一場多感官的藝術對話。 德奧地區仍以深耕經典作品為本，並逐步將新聲音融入老架構中，在厚重歷史與未來視野之間找尋當代聆聽的位置。英美樂團則將策展意識推至前沿，從獨立主題到大型跨年度專案，演出不只是「演什麼」，更是「怎麼說」。在這種架構中，曲目與語境並重，樂迷的體驗被有意識地導向更深層的敘事。 國際樂季不再只是輸出與輸入的線性關係，而是一張立體交織的網絡。透過這國際樂季脈動的觀察，我們得以先行一窺全球古典音樂的節奏、語言與價值，如何在此刻被重新定義。

語言，在日常裡交會，也在日常裡消散與誤解。我們常以彼此「最大公約數」的方式說話，是否有可能一再回望，那個最初的聲音。 本次「我創作，以另一種聲音」專題，邀請3位創作者編舞家瓦旦．督喜、音樂藝術家曾伯豪、演員李劭婕。他們以舞蹈、聲音與詩句，向自己的母語提問，對話，思考有機會的話，或能以這樣的語言做夢？ 瓦旦以身體掏挖太魯閣語的縫隙，用舞蹈翻動被遺忘的土壤；曾伯豪在多語混種的音樂裡，聆聽台灣土地的脈動；李劭婕則以客語詩與舞台，書寫疼痛，也重寫自己。在拍攝時，我們為3人準備了一面鏡子。鏡中有他們的臉，也有被折射出的世界；有過去的記憶，也有未完成的自己。就像母語，它是我們映照生命的鏡子，提醒我們，另一種聲音一直存在，且持續等被以不同方式被聽見。 （本文出自OPENTIX兩廳院文化生活）

在我們習以為常沉浸的歌劇中，華麗的詠歎調、明確的分幕與耳熟能詳的旋律，構築出義大利歌劇的魅力與親切。然而，當一座劇院歷經10年耕耘，累積了觀眾的欣賞品味與藝術實力之後，是否能勇敢地踏出熟悉的範疇，迎接一位被視為不容易認識透徹，卻又極具深度的作曲家？2025年夏天，衛武營國家藝術文化中心（以下簡稱衛武營）將用行動作出回答透過一部從德國萊茵歌劇院引進、風格大膽、設計深刻的《羅恩格林》（Lohengrin），開啟一場穿越古今、橫跨現實與神話的美學對話。 10年磨一劍，15部劇作鋪路而來 衛武營自2015年成立推動小組促成與德國萊茵歌劇院及美國林肯藝術中心的合作以來，衛武營便將「歌劇共製」納入長遠藍圖。從2018年開館至今，15齣義大利經典與現代詮釋的歌劇已陸續登場。涵蓋《創世紀》、《驚園》、《杜蘭朵》等國際共製，也包括全本的《茶花女》、《諾瑪》、《魔彈射手》，《費黛里歐》、《尤金．奧涅金》、《憨第德》等音樂會形式，更有當代歌劇《天中殺》及前衛歌劇《創世紀》等作品，參與團隊橫跨全球多達 20 個劇院與團隊。 一一數來，藝術總監簡文彬與團隊發現：「大家可能對義大利風格的歌劇作品比較熟悉，經過這些之後我們想，現在好像可以和觀眾一起挑戰一個更具重量的作品。」 回望與前行：《羅恩格林》的時代意義 「事實上，如果搜尋史料，就會發現《羅恩格林》在華格納所有作品中，是最有義大利風格的一部。」簡文彬總監指出，這部1850年首演的歌劇，在音樂風格與戲劇結構上，仍保留著傳統義大利歌劇的特質。反過來說，《羅恩格林》對其他作曲家的影響也不可忽視。「威爾第自己也說過，包括《羅恩格林》裡的配器，在他自己的作品裡也可以找到幾乎是平行的對照。」簡文彬說，這樣的影響在《阿依達》開場的序曲特別明顯，甚至可以說那段音樂邏輯與《羅恩格林》的序曲幾乎如出一轍。這樣的觀點也突顯出華格納與威爾第這兩位19世紀歌劇巨擘之間潛藏的相互對話。 此外《羅恩格林》更是華格納風格轉變的分水嶺。「這是華格納最後一齣以『歌劇』來稱呼的作品，之後他就全面轉向『樂劇』。」簡文彬認為，相較於《指環》這類龐大樂劇，《羅恩格林》既具備可辨識的段落結構

盛夏台北，熱浪一波波襲來，街道上急促的腳步與空氣裡懸浮的濕熱令人煩躁。然而就在城市的心臟地帶，兩廳院悄悄張開一道清涼的音樂縫隙，邀請我們走進另一種夏天的可能一個用節奏緩解焦躁、以旋律洗滌思緒的季節性避風港。 爵士樂的世界一向多元而包容，每一種風格都有它的聲音性格。但今年，兩廳院夏日爵士派對特別聚焦於那一抹冷靜、克制、講究結構與質地的「酷爵士」（Cool Jazz），一種不急於說話、卻總能在最不經意的時刻讓你屏息傾聽的音樂態度。它不是冰冷的距離，而是溫潤的深思；不是華麗的技巧炫技，而是優雅地說出內心。 這樣的精神貫穿今年的節目策劃：從邀請國際樂手登台演出的鋼琴家佛萊德．赫許（Fred Hersch）啟幕，到近年在爵士界掀起風格討論的爵士歌手瑟希兒．邁可羅恩．薩爾凡特（Cecile McLorin Salvant）。前者是細膩的傳奇爵士鋼琴詩人，而後者的音色不柔美卻極具穿透力。此外，還有與山林對話的高海拔音樂現場、劇場裡如同沉思小品的Cool爵士夜晚，表演場域與音樂風格交織出多重層次的夏日體驗。 其中最令人感到溫柔而堅實的連結，是多年來參與兩廳院夏日爵士音樂節、同時為台灣培養跨世代爵士小號手與編曲家的麥可．摩斯曼。他的存在就像這場音樂節的基底，不張揚，但支撐著節奏與信念。他年輕時曾與酷爵士的兩位傳奇人物 Gerry Mulligan 與 Lee Konitz 同台演出，如今則以教育者與創作者的身分，在這片土地上播下更多種子。 不只在劇場裡，今年的爵士派對也將音樂帶出戶外，透過一年一度的戶外派對設計，把爵士從各種場內解放出來，與夏日的空氣、草地與觀眾的身體一起呼吸。在那裡，爵士是一場讓人會心一笑的驚喜，也是一個屬於大眾的盛宴。 在這樣一個節慶裡，「酷」不只是姿態，而是一種對節奏與情感的真誠回應；「經典」也不只是復古，而是對美感與風格的當代表達。當旋律慢慢沁入耳中，我們彷彿聽見了那句關鍵的邀請酷派爵士風，經典Cool一夏。

56,000名來自全球56個國家的觀眾、超過1,100位音樂家、23場爆滿音樂會、27場電台直播、11場電視直播、380萬社群媒體觸及人次──這不只是一場音樂節的成績單，而是一場文化記憶的高峰。 2025年5月，荷蘭阿姆斯特丹皇家音樂廳見證了該廳歷史上第3屆「馬勒音樂節」（Mahler Festival）的盛大落幕。來自歐洲、美國與亞洲的6支世界級樂團、7位指揮與5個合唱團輪番登場，傾力詮釋古斯塔夫．馬勒（Gustav Mahler）的10部交響曲與52首藝術歌曲。從柏林愛樂（Berliner Philharmoniker）由薩卡里．奧拉莫（Sakari Oramo）指揮壓軸演出的《大地之歌》（Das Lied von der Erde），到鋼琴家朱利葉斯．德雷克（Julius Drake）在獨奏廳伴奏的馬勒歌曲全曲目，再到馮德爾公園（Vondelpark）座無虛席的露天轉播，音樂在各個場域中激盪人心，展現馬勒作品橫跨世代的生命力。